De ce Shakespeare este numit umanist? William Shakespeare este un umanist, dramaturg și om renascentist. Materiale tipărite

William Shakespeare

Opera marelui scriitor englez William Shakespeare este de importanță mondială. Geniul lui Shakespeare este drag întregii omeniri. Lumea ideilor și imaginilor poetului umanist este cu adevărat enormă. Semnificația universală a lui Shakespeare constă în realismul și naționalitatea operei sale.

William Shakespeare s-a născut pe 23 aprilie 1564 la Stratford-on-Avon, în familia unui mănuș. Viitorul dramaturg a studiat la o școală de liceu, unde predau latină și greacă, precum și literatură și istorie. Viața într-un oraș de provincie a oferit o oportunitate de contact strâns cu oamenii, de la care Shakespeare a învățat folclorul englezesc și bogăția limbajului popular. Pentru o vreme, Shakespeare a fost profesor junior. În 1582 s-a căsătorit cu Anna Hathaway; a avut trei copii. În 1587, Shakespeare a plecat la Londra și în curând a început să joace pe scenă, deși nu a avut prea mult succes ca actor. Din 1593 a lucrat la Teatrul Burbage ca actor, regizor și dramaturg, iar din 1599 a devenit acționar al Teatrului Globe. Piesele lui Shakespeare erau foarte populare, deși puțini oameni îi cunoșteau numele la acea vreme, deoarece publicul acorda atenție în primul rând actorilor.

La Londra, Shakespeare a cunoscut un grup de tineri aristocrați. Unul dintre ei, contele de Southampton, și-a dedicat poeziile Venus și Adonis (Venus și Adonis, 1593) și Lucrece (Lucrece, 1594). Pe lângă aceste poezii, a scris o colecție de sonete și treizeci și șapte de piese de teatru.

În 1612, Shakespeare a părăsit teatrul, a încetat să scrie piese și s-a întors la Stratford-on-Avon. Shakespeare a murit pe 23 aprilie 1616 și a fost înmormântat în orașul său natal.

Lipsa de informații despre viața lui Shakespeare a dat naștere așa-numitei întrebări Shakespeare. Începând din secolul al XVIII-lea. unii cercetători au început să exprime ideea că piesele lui Shakespeare nu au fost scrise de Shakespeare, ci de o altă persoană care a vrut să-și ascundă paternitatea și și-a publicat lucrările sub numele lui Shakespeare. Herbert Lawrence a declarat în 1772 că dramaturgul era filozoful Francis Bacon; Delia Bacon a susținut în 1857 că piesele au fost scrise de membrii cercului lui Walter Raleigh, care includea Bacon; Carl Bleibtrey în 1907, Dumblon în 1918, F. Shipulinsky în 1924 au încercat să demonstreze că Lordul Rutland a fost autorul pieselor. Unii savanți au atribuit calitatea de autor contelui de Oxford, conte de Pembroke, conte de Derby. La noi, această teorie a fost susținută de V.M.Friche. I.A. Aksenov credea că multe piese nu au fost scrise de Shakespeare, ci doar editate de el.

Teoriile care neagă paternitatea lui Shakespeare sunt insuportabile. Ele au apărut pe baza neîncrederii în tradițiile care au servit drept sursă a biografiei lui Shakespeare și pe baza nedorinței de a vedea talent de geniu la o persoană de origine democratică care nu a absolvit universitatea. Ceea ce se știe despre viața lui Shakespeare confirmă pe deplin calitatea de autor. Minte filozofică, viziune poetică asupra lumii, vastitatea cunoștințelor, o perspectivă profundă asupra problemelor morale și psihologice - toate acestea Shakespeare le-a deținut datorită lecturii sporite, comunicării cu oamenii, participare activăîn treburile timpului său, atitudine atentă la viață.

Cariera lui Shakespeare este împărțită în trei perioade. În prima perioadă (1591-1601), au fost create poeziile „Venus și Adonis” și „Lucreția”, sonete și aproape toate cronicile istorice, cu excepția lui „Henric al VIII-lea” (1613); trei tragedii: „Titus Andronicus”, „Romeo și Julieta” și „Iulius Caesar”. Genul cel mai caracteristic acestei perioade a fost o comedie veselă, strălucitoare („Blânzirea scorpiei”, „Visul unei nopți de vară”, „Comerciantul de la Veneția”, „Soțiile vesele din Windsor”, „Mult zgomot pentru nimic” , „Așa cum vă place”, „A douăsprezecea noapte”).

A doua perioadă (1601-1608) a fost marcată de interesul pentru conflictele tragice și eroii tragici. Shakespeare creează tragedii: Hamlet, Othello, Regele Lear, Macbeth, Antony și Cleopatra, Coriolanus, Timon al Atenei. Comediile scrise în această perioadă poartă deja o reflectare tragică; în comediile „Troilus şi Cressida” şi „Măsură pentru măsură” se intensifică elementul satiric.

A treia perioadă (1608-1612) cuprinde tragicomediile „Pericles”, „Cymbeline”, „Povestea de iarnă”, „Furtuna”, în care apare fantezia și alegorismul.

Sonetele lui Shakespeare (1592-1598, publicate în 1699) au fost punctul culminant al poeziei Renașterii engleze și o piatră de hotar în istoria poeziei mondiale. Până la sfârșitul secolului al XVI-lea. sonetul a devenit genul principal în poezia engleză. Sonetele lui Shakespeare, prin profunzimea lor filozofică, puterea lirică, sentimentul dramatic și muzicalitatea, ocupă un loc remarcabil în dezvoltarea artei sonetului din acea vreme. Cele 154 de sonete create de Shakespeare sunt unite în imaginea unui erou liric care cântă despre prietenia sa devotată cu un tânăr minunat și despre dragostea lui arzătoare și dureroasă pentru o doamnă neagră (The Dark Lady of the Sonnets). Sonetele lui Shakespeare sunt o confesiune lirică; eroul povestește despre viața inimii sale, despre sentimentele sale conflictuale; acesta este un monolog pasional, denunțând cu furie ipocrizia și cruzimea care domnea în societate și opunându-le cu valori spirituale durabile - prietenie, dragoste, artă. Sonetele dezvăluie lumea spirituală complexă și multifațetă a eroului liric, care răspunde viu la problemele timpului său. Poetul exaltă frumusețea spirituală a omului și înfățișează în același timp tragedia vieții în condițiile vremii.

Perfecțiunea artistică în exprimarea ideilor filozofice profunde este inseparabilă de forma concisă, concisă a sonetului. Sonetul lui Shakespeare folosește următoarea schemă de rimă: abab cdcd efef gg. În trei catrene se dă o dezvoltare dramatică a temei, adesea cu ajutorul contrastelor și antitezelor și sub forma unei imagini metaforice; disticul final este un aforism care formulează gândirea filozofică a subiectului.

Imaginea unei doamne negre din sonetul al 130-lea se distinge prin priceperea unui portret liric veridic. Shakespeare refuză comparațiile maniere, eufemiste, încercând să descrie chipul real al unei femei:

Ochii ei nu arată ca niște stele, Buzele ei nu pot fi numite corali, Pielea ei deschisă nu este albă ca zăpada, Și o șuviță se răsucește ca un fir negru. Cu un trandafir de damasc, stacojiu sau alb, Nuanța acestor obraji nu poate fi comparată. Și corpul miroase așa cum miroase corpul, Nu ca o petală delicată de violet. (Tradus de S. Marshak)

Dintre sonetele în care sunt exprimate cele mai importante idei sociale, se remarcă sonetul al 66-lea. Aceasta este o denunțare furioasă a unei societăți bazate pe josnicie, răutate și înșelăciune. În fraze lapidare, sunt numite toate ulcerele unei societăți nedrepte. Eroul liric este atât de îngrijorat de imaginea teribilă a răului triumfător care s-a deschis în fața lui, încât începe să cheme la moarte. Sonetul, totuși, se termină cu o privire de dispoziție ușoară. Eroul își amintește de iubitul său, pentru care trebuie să trăiască:

Tot ce văd în jur este rău, Dar păcat să te părăsesc, dragă prietene!

Monologul său acuzator, care este o explozie directă de indignare, rostește dintr-o suflare eroul liric. Acest lucru este transmis prin repetarea uniunii „și” în zece rânduri poetice. Folosirea cuvintelor „tir” d cu toate acestea „(fiind epuizat de toate...) la începutul și la sfârșitul sonetului subliniază legătura directă dintre experiențele eroului liric și problemele sociale ale vremii. Eroul absoarbe în lumea sa spirituală tot ceea ce excită o persoană în lumea publică Experiențele dramatice ale eroului liric se exprimă prin forțarea frazelor energetice, fiecare dintre acestea fiind o antiteză care reproduce o adevărată contradicție socială.Eroul nu poate mai vezi Nimicul în ținute de lux, Și o sentință falsă la perfecțiune, Și virginitate, abuzată cu nepoliticos, Și onoare nepotrivită, rușine și putere în captivitate în slăbiciune fără dinți...

Sentimentele intense ale eroului liric corespund alternanței frecvente și stricte a asonanțelor și aliterațiilor:

Și prostia - ca un doctor - pricepere de control... Și captiv bun însoțitor căpitan bolnav...

Prin intermediul limbajului și stilului, toată puterea emoțiilor eroului entuziasmat este transmisă perfect. Măreția unui om care, datorită căutării sale spirituale și neobosit ardere creativă capabil să dobândească nemurirea, este dedicat celui de-al 146-lea sonet.

Stăpânește moartea într-o viață trecătoare, Și moartea va muri și vei rămâne pentru totdeauna.

Diversele legături ale lumii spirituale a eroului liric cu diverse aspecte ale vieții sociale din acea vreme sunt subliniate de imagini metaforice bazate pe concepte politice, economice, juridice și militare. Dragostea se dezvăluie ca un sentiment real, astfel încât relația îndrăgostiților este comparată cu relațiile socio-politice ale vremii. În sonetul al 26-lea apar conceptele de dependență vasală (vasalaj) și îndatoriri de ambasador (ambasaj); în sonetul 46 - termeni juridici: „pârâtul respinge cererea” (pârâtul respinge acest motiv); în sonetul 107, o imagine asociată economiei: „love is like a lease” (închirierea iubirii mele adevărate); în sonetul 2 - termeni militari: „Când patruzeci de ierni îți vor asedi fruntea, Și vor săpa tranșee adânci în câmpul frumuseții” .. .).

Sonetele lui Shakespeare sunt muzicale. Întreaga structură figurativă a poemelor sale este aproape de muzică.

Imaginea poetică din Shakespeare este, de asemenea, apropiată de imaginea picturală. În arta verbală a sonetului, poetul se bazează pe legea perspectivei descoperită de artiştii renascentişti. Sonetul al 24-lea începe cu cuvintele: Ochiul meu a devenit un gravor și imaginea ta s-a întipărit în pieptul meu cu adevărat. De atunci am servit ca un cadru viu, iar cel mai bun lucru în artă este perspectiva.

Sentimentul perspectivei a fost un mod de a exprima dinamica fiintei, multidimensionalitatea vietii reale, unicitatea individualitatii umane*.

* Vezi: Samarin P.M. Realismul Shakespeare. - M., 1964, cap. „Problematica estetică a sonetelor lui Shakespeare”. Tragedia lirică a sonetelor este dezvoltată în tragediile lui Shakespeare. Sonetul 127 anticipează tema tragică a lui Othello:

Negrul nu era considerat frumos, Când frumusețea era prețuită în lume. Dar, aparent, lumina albă s-a schimbat, - Frumosul a fost denigrat cu rușine.

Sonetul al 66-lea în miniatură conține conținutul filozofic și tonul liric caracteristic tragediei „Hamlet”.

Sonetele lui Shakespeare au fost traduse în limba rusă de I. Mamun, N. Gerbel, P. Kuskov, M. Ceaikovski, E. Ukhtomsky, N. Kholodkovsky, O. Rumer. Traducerile lui S.Ya.Marshak, publicate în 1949, au fost recunoscute ca fiind cele mai bune, deoarece el a reușit să transmită profunzimea filozofică și muzicalitatea sonetelor lui Shakespeare.

Cu o forță deosebită, viziunea umanistă asupra lumii a lui Shakespeare este dezvăluită în analiza artistică a conflictelor socio-politice și a contradicțiilor tragice din viața unei persoane și a societății, care este dată în cronicile sale istorice. Esența genului cronică istorică constă în reprezentarea dramatică a unor persoane și evenimente reale din istoria națională. Spre deosebire de tragedii, în care Shakespeare, în interesul designului, s-a îndepărtat de la o reprezentare exactă a faptelor istorice, cronica se caracterizează printr-o reproducere fidelă. evenimente istorice, care presupune însă conjectura artistică și re-crearea artistică a materialului*.

* Vezi: Shvedov Yu.F. William Shakespeare: Studii. - M., 1977; Komarova V.P. Personalitatea și statul în dramele istorice ale lui Shakespeare. - L., 1977.

Cronicile istorice ale lui Shakespeare includ zece piese de teatru:

„Henric al VI-lea. Prima parte „(Prima parte a regelui Henric al VI-lea, 1590-1592);

„Henric al VI-lea. Partea a doua „(A doua parte a regelui Henric al VI-lea, 1590-1592);

„Henric al VI-lea. Partea a treia „(A treia parte a regelui Henric al VI-lea, 1590-1592);

„Richard al III-lea” (Tragedia regelui Richard al III-lea, 1592-1593);

„Richard al II-lea” (Tragedia regelui Richard al II-lea, 1595-1597);

„King John” (Viața și moartea regelui Ioan, 1595-1597);

„Henric al IV-lea. Prima parte „(Prima parte a regelui Henric al IV-lea, 1597-1598);

„Henric al IV-lea. Partea a doua „(A doua parte a regelui Henric al IV-lea, 1597-1598);

„Henric al V-lea” (Viața regelui Henric al V-lea, 1598-1599);

„Henric al VIII-lea” (The Famous History of the Life of King Henry VIII, 1612-1613).

În cronicile istorice, Shakespeare oferă înțelegerea și interpretarea sa a evenimentelor și acțiunilor istorice. persoane istorice. Pe materialul trecutului, el rezolvă problemele care i-au îngrijorat pe contemporani. Istoria din cronicile sale servește la cunoașterea stării actuale a societății. Cronicile, precum și tragediile, se caracterizează prin patos etic, o formulare filozofică a problemei binelui și răului, un interes umanist pentru individ și soarta lui. Cronicile sunt în multe privințe apropiate nu numai de tragediile lui Shakespeare, ci și de comediile lui Shakespeare; ele oferă o descriere comică a „fondului falstaffian”.

Apariția genului cronicii istorice se datorează contradicțiilor însăși realității engleze. V. G. Belinsky a justificat astfel dezvoltarea cronicii istorice în Anglia: „Drama istorică este posibilă numai dacă elementele eterogene ale vieții statului se luptă. Nu degeaba drama a atins cea mai mare dezvoltare numai printre englezi; nu este întâmplător faptul că Shakespeare a apărut în Anglia, și nu în niciun alt stat: nicăieri elementele vieții statului nu se aflau într-o asemenea contradicție, într-o asemenea luptă între ele, ca în Anglia.

* Belinsky V. G. Poly. col. cit.: În 13 volume - M, 1954.-T. 5. - S. 496.

Apelarea lui Shakespeare la genul cronicii istorice s-a datorat și interesului public crescut pentru istoria națională în perioada de luptă pentru întărirea statului național. Sursa intrigilor cronicilor istorice a fost lucrarea deja amintita a lui R. Holinshed „Cronicile Angliei, Scotiei si Irlandei”.

În trilogia Henric al VI-lea, este desenată o pânză largă: este înfățișat războiul dintre stacojii și trandafirii albi, când baronii englezi s-au exterminat cu brutalitate reciproc în lupta intestină dintre Lancaster și York. Shakespeare a arătat corect disputele sângeroase ale lorzilor feudali, condamnând ambele părți în război. Dramaturgul pledează pentru o putere regală puternică care ar putea pune capăt războaielor feudale. Prin urmare, îl condamnă pe regele Henric al VI-lea, un om slab, incapabil să conducă țara, incapabil să-i liniștească pe baronii războinici. Henric al VI-lea nu comite nicio atrocitate, dar este vinovat că s-a eschivat de la îndatorirea de șef al statului și a visat să renunțe la coroană pentru a deveni cioban. Henric al VI-lea moare tocmai pentru că nu a reușit să folosească cu înțelepciune puterea care i-a fost dată.

Cronicile istorice ale lui Shakespeare arată puterea oamenilor. Baronii sunt forțați să țină seama de starea de spirit a maselor. A doua parte a „Henric al VI-lea” descrie revolta lui John Cad în 1450. Shakespeare a dezvăluit tiparul de protest popular care a apărut în legătură cu situația țăranilor și artizanilor urbani din cauza conflictelor civile feudale. Cu toate acestea, Shakespeare a văzut cum lorzii feudali au folosit revolta populară în propriile lor scopuri egoiste.

Trilogia „Henric al VI-lea” descrie astfel de condiții din viața societății care duc la apariția unui tiran. Rivalitatea sângeroasă a aristocraților a fost o condiție prealabilă pentru ascensiunea la putere a lui Richard de Gloucester, viitorul Richard al III-lea. În finalul trilogiei, personalitatea întunecată a lui Richard Gloucester devine din ce în ce mai influentă.

În piesa „Richard III” acest personaj devine central. Piesa în sine este aproape de tragedie în structura sa. Atenția la cursul evenimentelor istorice, caracteristică lui „Henric al VI-lea”, este înlocuită în „Richard al III-lea” de atenția asupra caracterului eroului și a conflictului său cu ceilalți. Richard al III-lea apare nu doar ca un personaj care uzurpă puterea, ci ca o personalitate convingătoare din punct de vedere psihologic. Shakespeare dezvoltă caracterizarea acuzatoare a lui ca tiran, dată lui în cartea lui Thomas More The History of Richard III (1514-1518). Richard al III-lea este condamnat de Shakespeare ca un politician care folosește căi machiavelice pentru a obține puterea, recurgând la acțiuni criminale în lupta pentru tron. Își acoperă cruzimea și planurile criminale cu argumente ipocrite despre bine. În același timp, singur cu el însuși, vorbește direct despre viclenia sa, despre intenția sa conștientă de a nu lua socoteală cu conștiința.

Richard al III-lea este deștept și curajos, are o mare voință, cucerind pe cei care îl tratează cu neîncredere și ostilitate. Comportamentul lui este un joc care îi induce pe mulți în eroare. A reușit să o seducă pe Anna, știind că el i-a ucis soțul. Există un început titanic în apariția ticăloasă a lui Richard al III-lea. Nu este o coincidență că V. G. Belinsky a scris: „O față tragică trebuie să trezească cu siguranță participarea. Richard al III-lea însuși este un monstru al ticăloșiei, trezește participarea în sine cu o putere gigantică a spiritului. Richard al III-lea, care și-a justificat cruzimea cu cuvintele: „Pumnul este conștiința noastră, iar legea este sabia noastră”, în cele din urmă se confruntă cu dureri de conștiință și, în fața morții, se condamnă pentru încălcarea jurământului, comiterea de crime și, prin urmare, condamnându-se la singurătate .

* Belinsky V. G. Poly. col. cit.: În 13 vol. - M, 1955. - T. 7. - S. 534.

Acțiunea din piesă este punerea în aplicare a planurilor viclene și răutăcioase ale protagonistului, demonstrează arta intrigii a lui Richard al III-lea, care el însuși acționează ca actor și regizor în scene de violență și crimă. Joacă cu încredere și îndrăzneală, acțiunile sale duc la succes: caută tronul. Dar, devenit rege, tiranul simte că nu-și poate întări puterea prin crime.

Condamnând tirania, Shakespeare propune ideea unei monarhii care poate stabili pacea și liniștea în țară. Tiranul Richard al III-lea se opune contelui de Richmond, fondatorul dinastiei Tudor. Această imagine este doar conturată aici, dar semnificația ei ideologică și compozițională este mare: gândul despre necesitatea de a lupta împotriva despotismului, despre legile victoriei asupra tiraniei, este legat de ea. Tema monarhului, grija pentru binele țării, conturată în imaginea lui Richmond, crește în cronica următoare - „Regele Ioan” - în tema unui monarh patriot. Piesa a fost creată într-un moment în care Anglia se simțea amenințată de Spania catolică. Prin urmare, tema patriotismului și tema condamnării catolicismului au devenit centrale în cronică. Tema patriotismului este dezvăluită în imaginile lui John the Landless și Bastard Fockenbridge.

Poziția patriotică a lui Shakespeare este principalul criteriu de apreciere a comportamentului personajelor din piesa „Richard al II-lea”. În intriga, această dramă este apropiată de „Edward II” de Christopher Marlowe. În ambele lucrări sunt descrise refuzul regelui depravat de la coroană și moartea sa. Cu toate acestea, asemănarea situației intriga se explică nu atât prin influența dramei lui Marlo asupra dramei lui Shakespeare, cât prin apropierea destinelor personajelor istorice. Înțeleptul Richard al II-lea simte că timpul s-a întors împotriva lui. Într-o stare de criză spirituală profundă, el refuză coroana.

Ducele Henry Bolingbroke, antagonistul lui Richard al II-lea, este un politician inteligent și subtil. Curajul și curajul lui Bolingbroke i-au stârnit simpatie din partea oamenilor. Ducele își folosește cu pricepere popularitatea în rândul oamenilor de rând pentru a-și îndeplini planurile ambițioase. Shakespeare tratează patriotismul lui Bolingbroke cu multă simpatie, dar vorbește cu ostilitate evidentă despre ipocrizia, prudența și ambiția sa. Uzurparea puterii este reprezentată de un act imoral care duce la o crimă - uciderea lui Richard P.

Cele mai bune drame istorice ale lui Shakespeare sunt cele două părți „Henric al IV-lea” și „Henric V”. Bolingbroke, care a devenit regele Henric al IV-lea, intră în conflict cu domnii feudali. Principalii săi adversari sunt baronii din familia Percy. Ridicând o rebeliune împotriva regelui, feudalii acționează inconsecvent, interesele egoiste îi împiedică să se unească. Ca urmare a acestei neuniri din timpul rebeliunii, curajosul Henry Percy, supranumit Hotspur („Hot Spur”), moare tragic. Și în această cronică, Shakespeare arată inevitabilitatea înfrângerii lorzilor feudali într-o ciocnire cu puterea regală. Cu toate acestea, Cavalerul din Hotspur este portretizat în termeni pozitivi. El evocă simpatie pentru loialitatea sa față de idealul onoarei militare, curajului și neînfricării. Shakespeare este atras de calitățile morale ale unui cavaler curajos. Dar nu îl acceptă pe Hotsper ca pe o persoană care exprimă interesele lorzilor feudali și este asociat cu forțe care se estompează în trecut. Hotspur acționează ca un adversar al lui Henric al IV-lea, Prințului Harry și Falstaff și este în mod clar inferior acestor eroi, care reprezintă noile forțe în evoluție ale societății. Piesa reflectă regularitatea obiectivă a timpului: moartea tragică a feudalilor și instaurarea treptată a unei noi forțe – absolutismul.

Regele Henric al IV-lea, ajuns pe tron ​​datorită unor acțiuni diplomatice iscusite, își pierde în cele din urmă activitatea și, la fel ca predecesorii săi, se află într-o stare de criză morală. Henric al IV-lea este îngrijorat că nu a reușit să scape țara de războaie fratricide. Cu puțin timp înainte de moartea bolnavului Henric al IV-lea, îndepărtându-se de fosta sa suspiciune și secret, într-o conversație cu fiul său își exprimă în mod direct îngrijorarea pentru soarta Angliei, dându-i prințului Harry sfaturi cu privire la treburile publice. Henric al IV-lea nu a putut duce până la capăt lupta împotriva feudalilor pentru că el însuși a acționat întotdeauna ca un feudal și a ajuns la putere ca un feudal, uzurpând tronul.

Cel mai important rol din intriga ambelor părți din „Henric al IV-lea” este jucat de imaginea Prințului Harry, viitorul rege Henric al V-lea. În conformitate cu legenda care a existat în Renaștere, Shakespeare l-a portretizat pe Prințul Harry ca pe un om disolut, răsfățându-se în aventuri amuzante și amuzante în compania lui Falstraff. Dar, în ciuda desfrânării sale, prințul Harry este un om pur din punct de vedere moral. Deși, în realitate, Prințul Harry a fost un aventurier crud, Shakespeare l-a portretizat ca pe un tânăr minunat. Idealizarea prințului este cauzată de credința lui Shakespeare în natura progresivă a unei monarhii absolute care unește națiunea.

Personajul prințului Harry este multifațet. El acționează hotărât și curajos în luptă, viu și direct în relațiile cu oamenii, deștept și prevăzător în treburile statului. Prințul Harry își petrece viața în divertisment, împreună cu Falstaff, Bardolph și Pistol, se distrează în Taverna Boar's Head. Dar chiar și în scenele de carousing, Harry rămâne un om nobil. El atrage cu o atitudine bună față de oamenii obișnuiți, capacitatea de a găsi un limbaj comun cu ei. Conducând viața unui om disolut, prințul se gândește în același timp foarte serios la modul în care va ajunge la putere și va guverna țara. Comunicarea democratică cu clasele inferioare ale societății pentru Prințul Harry este o formă de cunoaștere largă cu cei care îi vor deveni supuși.

Cronicile istorice „Henric al IV-lea” și „Henric al V-lea” înfățișează păturile plebee pestrițe ale societății - țărani, slujitori, soldați, negustori, așa-numitul „fond Falstaff”. Realismul dramei istorice a fost determinat de reprezentarea cu mai multe fațete a societății. A pune problema poziţiei poporului, a relaţiei monarhului cu poporul capătă o mare importanţă. „Fondul lui Falstaff” este o imagine realistă a vieții claselor inferioare ale societății, nu numai a timpului în care are loc acțiunea cronicilor, ci și a Angliei contemporane lui Shakespeare.

Dintre personajele „fondului falstaffian”, se remarcă în primul rând imaginea comică strălucitoare a lui Sir John Falstaff. Acest cavaler gras provoacă hohote de râs cu nesfârșitele sale bufonări și cu discursul plin de duh. Sunt multe vicii în Falstaff. Este un libertin, un bețiv, un mincinos și un tâlhar. De aici și tușele satirice din această imagine. Dar principalul lucru în Falstaff este elementul de distracție, joc artistic, ingeniozitate nesfârșită. Această imagine transmite farmecul naturii umane care nu este constrânsă de convențiile sociale. Falstaff este bun și sincer, vesel și vesel, întreprinzător și înțelept. Neregulul și răutăciosul Falstaff, care apare înconjurat de personaje comice, întruchipează spiritul vesel al Renașterii, opunându-se atât moralei religioase a Evului Mediu, cât și ipocriziei puritane a cercurilor burgheze. Falstaff râde de bigotismul religios. Un nobil și cavaler sărăcit, el trăiește din jafurile de pe autostradă. Conștient de puterea banilor, el, în același timp, nu se înclină în fața lor. Spre deosebire de burghezie, Falstaff este lipsit de setea de tezaurizare sau de tezaurizare mică și de frugalitate. Are nevoie de bani pentru a se bucura de viață.

Falstaff se opune lui Hotspur cu respingerea sa de onoare cavalerească. Onoarea cavalerească a domnilor feudali a fost redusă la participarea obligatorie la războaiele interne. Cavalerul Falstaff are o atitudine negativă față de onoarea cavalerească tocmai pentru că vede cruzimea fără sens a războiului. Falstaff este o imagine comică a unui războinic din acea vreme. Este foarte îngrijorat de viața lui, care îi este mai dragă decât orice pe lume, de aceea nu slujește deosebit de greu, acoperindu-și lipsa de zel de serviciu cu viclenie și minciuni.

Falstaff este fermecător cu dragostea sa nemărginită de viață, fantezia nestăpânită, bufoneria jucăușă, încrederea în sine, critica perspicace și plină de spirit a moralității feudale. Judecățile cinice ale lui Falstaff sunt o formă în care este dezvăluită și subliniată esența neatractivă a relațiilor din societatea feudală.

Una dintre cele mai semnificative imagini create de Shakespeare, Falstaff reprezintă lumea comică a dramei shakespeariane, în timp ce Hamlet marchează lumea tragediei. Imaginea lui Falstaff este o corespondență comică cu planul tragic al conținutului principal al cronicilor istorice. Acele probleme care se dezvăluie în povestea principală într-un aspect tragic, în „fondul falstaffian” sunt prezentate într-un mod comic. Discursul lui Falstaff este prezentat în proză, în contrast cu discursul poetic al personajelor tragice. Discursul lui este direct, dezvăluie foarte firesc cultura râsului a limbii populare. Adesea vorbele lui Falstaff se bazează pe jocul pe sunetul omonim al cuvintelor, pe parodie. Imaginea comică a lui Falstaff se bazează și pe discrepanța subliniată dintre înfățișarea unui activist gras și în vârstă și faptele și declarațiile vesele și îndrăznețe ale unui tânăr cu spirit.

Prințul Harry este prieten cu duhovnicul hedonist Falstaff. Când prințul devine regele Henric al V-lea, îl îndepărtează pe Falstaff din sine. În aceste relații de caracter, există ecouri ale relației reale dintre Henry V și Sir John Oldcastle, care este considerat prototipul lui Falstaff.

Relația dintre Falstaff și Prințul Harry este plină de sens profund. Datorită prieteniei sale cu Falstaff, Prințul Harry se alătură spiritului renascentist de critică și veselie, se familiarizează cu viața și obiceiurile oamenilor de rând. În relațiile cu Prințul Harry, Falstaff are încredere; îl consideră pe prinț adevăratul său prieten. În această afecțiune prietenoasă, generozitate spirituală a personalității Renașterii, se manifestă superioritatea lui Falstaff față de „monarhul ideal”. Dar Falstaff este inferior prințului Harry în evaluarea sobră a noilor circumstanțe. Despărțirea prințului Harry de Falstaff este inevitabilă. „Monarhul ideal” Henric al V-lea, ajuns la putere, abandonează foștii oameni liberi ai Renașterii. Nu este nevoie nici de umor, nici de generozitate pentru a întări un regim absolutist.

În prima perioadă a creativității, alături de cronicile istorice, Shakespeare a creat comedii vesele, optimiste, în care o persoană acționează ca creatorul propriei fericiri, depășind situații dramatice uneori dificile. Comediile includ următoarele piese: Comedia erorilor (1591), Îmblanzirea scorpiei (1594), Cei doi domni din Verona (1594-1595), Eforturile inutile ale dragostei "(Love "s Labor" s Lost, 1594). -1595), „Visul unei nopți de vară” (Visul unei nopți de vară, 1594-1595), „The Merchant of Venice” (The Merchant of Venice, 1595) , „The Merry Wives of Windsor” (The Merry Wives) din Windsor, 1597), „Much Ado about Nothing” (Much Ado about Nothing, 1598-1599), „As You Like It” (As You Like It, 1599-1600), „Twelfth Night, or Anything” (Twelfth Night) ; sau What You Will, 1600).

În piesa de farsă veselă The Taming of the Shrew apar personajele strălucitoare ale Catarinei și Petruchio, ieșindu-se în evidență printre orășenii calculatori din Padova. Katarina este reputată a fi o fată încăpățânată, în timp ce sora ei Bianca este cunoscută pentru blândețea ei. Încăpățânarea și grosolănia Katarinei este doar un mod de a-și apăra demnitatea, un mod de a rezista calculelor meschine, despotismului tatălui ei și pretendenților care asediau casa. Katharina este enervată de lipsa de față a lui Bianchi, ținutul de pețitori. Cu grosolănia ei obișnuită, îl întâlnește și pe Petruchio. Între ei începe un duel lung, în urma căruia amândoi simt că nu sunt inferiori unul față de celălalt ca energie, forță, dragoste de viață și inteligență, că sunt demni unul de celălalt în minte și voință.

Ideea triumfului vieții și al iubirii este dezvăluită și în comedia Visul unei nopți de vară. Lumea poetică a acestei comedii este într-un amestec bizar de pământesc, real, cu fabulos, fantastic. În această comedie Shakespeare, umanistul pune în contrast natura convențională a moralității tradiționale cu naturalețea naturală a sentimentelor și pasiunilor umane. Tema iubirii este abordată aici într-un mod liric și plin de umor. Dragostea tinerilor eroi este un sentiment pur, strălucitor. Câștigă, în ciuda tuturor capriciilor și ciudateniilor personajelor umane și comportamentului uman.

Există conflicte profund dramatice și chiar motive tragice în comedia shakespeariană. În acest sens, este tipică comedia „Negustorul de la Veneția”. Pe fundalul atmosferei vesele de carnaval din Veneția, există o ciocnire acută între lumea bucuriei, încrederii și nobleței și lumea interesului propriu, lăcomiei și cruzimii. În această comedie, Shakespeare a dezvoltat motivele nuvelei de Giovanni Fiorentino, dându-le profunzime dramatică. Piesa îi contrastează puternic pe cei care prețuiesc cel mai mult prietenia dezinteresată - Portia, Antonio, Bassanio și cei care subordonează toate relațiile umane intereselor de proprietate. Antonio împrumută bani de la amanetul Shylock pentru a-l ajuta pe prietenul său Bassanio, care este îndrăgostit de Portia. Antonio, care nu a returnat banii împrumutați la timp, se prezintă în fața instanței. Crudul Shylock, conform facturii, cere lui Antonio o liră din carnea lui pentru neplata datoriei. Portia, deghizată în avocat, vorbește în apărarea lui Antonio. Binele triumfă asupra răului. Tinerii îl înving pe cămătar.

Imaginea lui Shylock este prezentată în comedie nu numai ca întruchipare a răului. Caracterul lui Shylock este complex. Versatilitatea lui Shylock a fost remarcată de Pușkin: „Shylock este zgârcit, iute, răzbunător, iubitor de copii, duh”*. Există un început tragic în această imagine. Shylock este prezentat ca un cămătar crud și răzbunător, dar în același timp ca un om care suferă din cauza poziția sa umilită în societate. Cu un mare simț al demnității umane, Shylock spune că oamenii sunt egali prin natură, în ciuda diferenței de naționalități. Shylock își iubește fiica Jessica și este șocat că a fugit de acasă. Unele dintre trăsăturile sale Shylock poate provoca simpatie, dar în general este condamnat ca un prădător, ca o persoană care nu cunoaște milă, ca „cel care nu are muzică în suflet”. Lumea rea ​​a lui Shylock i se opune în comedie lumea strălucitoare și veselă a generozității și nobleței. Heinrich Heine, în Shakespeare’s Girls and Women (1838), scria: „Portia este o întruchipare armonios clară a bucuriei strălucitoare, spre deosebire de nenorocirea sumbră pe care o întruchipează Shylock” **.

* Pușkin-critic. - M, 1950. - S. 412.

** Heine G. Sobr. cit.: În 10 volume - M; L., 1958. - T. 7. - S. 391.

În veselă comedie casnică The Merry Wives of Windsor este dată o întreagă galerie de imagini comice: prostia judecătorului Shallow, nepotul său Slender, este ridiculizată, pastorul Hugh Evans glumește. În această comedie au trecut un întreg grup de personaje comice din cronica istorică „Henry IV” - Falstaff, Bardolph, Shallow, Pistol, Mrs. Quickly.

Imaginea lui Falstaff suferă schimbări semnificative în The Merry Wives of Windsor. Și-a pierdut libertatea de gândire, umorul, ingeniozitatea. Acum Falstaff joacă rolul unui nefericit birocrație, care a fost predat o lecție de soțiile din Windsor. Odată ajuns într-un mediu de clasă de mijloc, el devine un locuitor mizerabil și plictisitor, devine prudent și gospodar.

Comedia „The Merry Wives of Windsor” este impregnată de o atmosferă distractivă de carnaval. Dar, spre deosebire de alte comedii, acțiunea din ea se desfășoară într-un mediu burghez, ceea ce îi oferă lui Shakespeare posibilitatea de a transmite într-o mai mare măsură viața reală și obiceiurile acelei vremuri, mai ales în scene care înfățișează existența cotidiană a Paginilor și a Vadurilor, viata de han, duelul lui Caius cu Evans, examenul lui Page.

Intriga capricioasă și decorul acțiunii din comedia Much Ado About Nothing sunt preluate din operele lui Bandello și Ariosto. Shakespeare a introdus în binecunoscutul complot, care a fost folosit și de Spencer, o combinație originală de tragic și comic.

Comedia As You Like It, bazată pe romanul pastoral al lui Thomas Lodge, Rosalind, sau The Golden Legacy of Euphues, este în esență o parodie a stilului pastoral. Viața în sânul naturii, în pădurea Ardenne, este un fel de utopie, o expresie a visului unei vieți simple și naturale. Culoarea generală a comediei este determinată nu de elementul pastoral, ci de traditii populare balade despre Robin Hood. Nu doar păstorii Sylvius și Phoebe trăiesc în pădurea Ardenne, ci și exilați: ducele detronat, Rosalind, urmărit de unchiul ei crud, jefuit de fratele ei Orlando. Lumea umană a locuitorilor pădurii Ardenne se opune societății moderne crude și lacome. Critica satirică a viciilor societății aristocratice este dată în declarațiile bufonului plin de duh Touchstone cu umorul său popular și melancolicul Jacques. Jester Touchstone judecă foarte simplu și corect viața țărancilor Audrey.

Elementul umoristic al piesei este combinat cu tema lirică a sentimentelor tandre ale lui Orlando și Rosalind. Un rezultat ciudat al comediei lui Shakespeare din prima perioadă de creativitate a fost comedia A douăsprezecea noapte, sau orice. Scrisă pe intriga uneia dintre nuvelele lui Bandello, și-a primit numele pentru că a fost reprezentată în a douăsprezecea noapte după Crăciun, când s-a încheiat distracția sărbătorilor de Crăciun. A douăsprezecea noapte a fost ultima dintre comediile vesele, vesele, de carnaval ale lui Shakespeare.

În Noaptea a douăsprezecea, Shakespeare pătrunde în adâncul inimii umane, vorbește despre surprize în comportamentul uman, despre mișcări spirituale neprevăzute, despre selectivitatea sentimentelor. Baza intrigii comice este o coincidență accidentală care a schimbat brusc soarta unei persoane. Comedia afirmă ideea că, în ciuda tuturor capriciilor destinului, o persoană trebuie să lupte pentru propria fericire.

Scena piesei este țara exotică Iliria. Conducătorul său, Ducele Orsino, trăiește în lumea fermecătoare a iubirii și a muzicii. Cea mai mare valoare pentru el este dragostea. Orsino este îndrăgostit de Olivia, care nu-și răspund sentimentele. Ea trăiește ca o reclusă, petrecând timpul în gânduri triste despre fratele ei mort. Viola, care a supraviețuit naufragiului, se află în domeniul ducelui. Deghizată în bărbat, ea, sub numele de Cesario, intră în serviciul ducelui. Viola Cesario se îndrăgostește de Orsino, dar ea îndeplinește cu abnegație cererea ducelui de a merge la Olivia și de a-i spune despre dragostea lui.

Perseverența lui Cesario, care a căutat admiterea în casa Oliviei, elocvența lui adresată ei, îl captivează pe izolat. Olivia se îndrăgostește de Cesario, își mărturisește pasiunea pentru el și vorbește despre dragoste:

Dragostea este întotdeauna frumoasă și de dorit, mai ales când este neașteptată. (Tradus de E. Lipetskaya)

Prin voința sorții, fratele Violei, Sebastian, care a dispărut în timpul unui naufragiu, se dovedește a fi în Iliria, foarte asemănător cu sora lui. Olivia, care l-a cunoscut pe Sebastian, îl confundă cu Cesario. Când secretul este dezvăluit, au loc nunți fericite.

În sistemul imaginilor comediei, un loc important îi revine bufonului Festa. Particularitatea lui Feste este că umorul lui este trist. El vorbește despre trecerea vieții și a fericirii, despre inevitabilitatea morții. Jester Feste, împreună cu o companie de vesel și glumeț Toby Belch, îl batjocorește pe majordomul Oliviei, arogantul puritan Malvolio. Lui Malvolio îi lipsește simțul umorului. Duhurile lui Feste îl irită. Gloomy Malvolio este dușmanul distracției și al bucuriei. Tot ceea ce spune el este o edificare și o cenzură continuă. Ca răspuns la severitatea puritană a lui Malvolio, Toby Belch îi spune cuvintele care au devenit înaripate în Anglia: „Crezi că dacă ești un astfel de sfânt, atunci nu vor mai exista plăcinte sau bere beată în lume?”

În prima perioadă a creativității, Shakespeare a creat trei tragedii: „Titus Andronicus” (Titus Andronicus, 1594), „Romeo și Julieta” (Romeo și Julieta, 1595), „Iulius Caesar” (Iulius Caesar, 1599).

„Titus Andronicus” a fost scris în genul „tragediei sângeroase”, în tradiția tragediilor lui Seneca. Episoadele din complot ale acestei piese sunt crime care urmează una după alta. Douăzeci de fii ai lui Titus Andronicus mor, fiica lui și el însuși, multe alte personaje mor. Comandantul Titus Andronic este fidel datoriei sale patriotice față de Roma. Cu toate acestea, moralitatea înaltă a unui patriot nu mai salvează Roma de la decădere. Insidioșii și cruzi Saturninus, Tamora și maurul Aron intră în lupta cu Titus Andronicus. Ciocnirea dramatic de ascuțită se dezvăluie, totuși, ca un lanț de atrocități sângeroase, fără a atinge profund esența tragicului conflict.

Arta tragică a lui Shakespeare, în toată perfecțiunea ei, a apărut pentru prima dată în tragedia Romeo și Julieta. Ca sursă, Shakespeare a folosit poezia lui Arthur Brooke „Romeo și Julieta” (1562), care în intriga sa se întoarce la operele autorilor italieni. Pornind de la poemul lui Brooke, Shakespeare a creat o lucrare originală ca idee și pricepere artistică. El cântă în ea sinceritatea și puritatea sentimentului tineresc, cântă dragostea, eliberată de cătușele moralității feudale medievale. VG Belinsky spune asta despre ideea acestei piese: „Patosul dramei lui Shakespeare „Romeo și Julieta” este ideea iubirii și, prin urmare, discursuri patetice entuziaste se revarsă de pe buzele îndrăgostiților în valuri de foc, sclipind cu Lumina strălucitoare a stelelor ... Acesta este patosul iubirii, deoarece în monologurile lirice ale lui Romeo și Julieta se poate vedea nu numai admirarea reciprocă, ci și recunoașterea solemnă, mândră, extatică a iubirii ca sentiment divin.

* Belinsky V. G. Poly. col. cit.: În 13 volume - T. 7. - S. 313.

În „Romeo și Julieta” există o legătură palpabilă cu comediile lui Shakespeare. Apropierea de comedie se reflectă în rolul principal al temei iubirii, în personajul comic al doicei, în inteligența lui Mercutio, în farsa cu servitorii, în atmosfera de carnaval a balului din casa Capulet, în colorare strălucitoare, optimistă a întregii piese. Cu toate acestea, în dezvoltare tema principală- dragostea de tineri eroi - Shakespeare se referă la tragic. Începutul tragic apare în piesă sub forma unui conflict de forțe sociale, și nu ca o dramă a unei lupte interioare, spirituale.

Cauza morții tragice a lui Romeo și Julieta este vrăjirea familiei dintre familiile Montague și Capulet și morala feudală. Lupta dintre familii ia viețile altor tineri - Tybalt și Mercutio. Acesta din urmă, înainte de moartea sa, condamnă această ceartă: „O ciuma pe ambele case”. Nici ducele și nici orășenii nu au putut opri dușmănia. Și abia după moartea lui Romeo și Julieta vine reconcilierea dintre Montagues și Capuleți în război.

Sentimentul înalt și luminos al îndrăgostiților marchează trezirea unor noi forțe în societate în zorii unei noi ere. Dar ciocnirea dintre vechiul și noua moralitate îi duce inevitabil pe eroi la un final tragic. Tragedia se încheie cu o afirmare morală a vitalității frumoaselor sentimente umane. Tragedia „Romeo și Julieta” este lirică, este pătrunsă de poezia tinereții, de exaltarea nobilimii sufletești și de puterea atotcuceritoare a iubirii. Cuvintele finale ale piesei sunt avântate cu tragedie lirică:

Dar nu există poveste mai tristă în lume decât povestea lui Romeo și Julieta. (Tradus de T. Shchepkina-Kupernik)

În personajele tragediei se dezvăluie frumusețea spirituală a unui om al Renașterii. Tânărul Romeo este o persoană liberă. S-a îndepărtat deja de familia sa patriarhală și nu este legat de moralitatea feudală. Romeo găsește bucurie în comunicarea cu prietenii: cel mai bun prieten al său este nobilul și curajosul Mercutio. Dragostea pentru Julieta a luminat viața lui Romeo, l-a făcut o persoană curajoasă și puternică. În ascensiunea rapidă a sentimentelor, în izbucnirea firească a pasiunii tinere, începe înflorirea personalității umane. În dragostea sa, plină de bucurie victorioasă și prevestirea necazului, Romeo acționează ca o natură activă și energică. Cu ce ​​curaj suportă durerea provocată de vestea morții Julietei! Câtă determinare și vitejie în conștientizarea că viața fără Julieta este imposibilă pentru el!

Pentru Juliet, dragostea a devenit o ispravă. Ea luptă eroic împotriva moralității Domostroy a tatălui ei și sfidează legile vrăjirii de sânge. Curajul și înțelepciunea Julietei s-au manifestat prin faptul că s-a ridicat peste cearta veche dintre două familii. După ce s-a îndrăgostit de Romeo, Julieta respinge convențiile crude ale tradițiilor sociale. Respectul și dragostea față de o persoană sunt mai importante pentru ea decât toate regulile consacrate de tradiție. Julieta spune:

La urma urmei, numai numele tău este dușmanul meu, iar tu - ești tu, nu Montagues.

În dragoste, se dezvăluie sufletul frumos al eroinei. Julieta este captivantă prin sinceritate și tandrețe, ardoare și devotament. Îndrăgostit de Romeo toată viața ei. După moartea iubitului ei, nu mai poate exista viață pentru ea și ea alege cu curaj moartea.

Călugărul Lorenzo ocupă un loc important în sistemul de imagini ale tragediei. Fratele Lorenzo este departe de fanatismul religios. Acesta este un om de știință umanist, el simpatizează cu noile tendințe și aspirațiile iubitoare de libertate care apar în societate. Așadar, îi ajută, decât poate, pe Romeo și Julieta, care sunt nevoiți să-și ascundă căsnicia. Înțeleptul Lorenzo înțelege adâncimea sentimentelor tinerilor eroi, dar vede că dragostea lor poate duce la un sfârșit tragic.

Pușkin a apreciat foarte mult această tragedie. El a numit imaginile lui Romeo și Julieta „creații fermecătoare ale grației shakespeariane”, iar Mercutio – „rafinat, afectuos, nobil”, „cea mai minunată față a tuturor tragediilor”. În general, Pușkin a vorbit despre această tragedie în felul următor: „A reflectat Italia, contemporană poetului, cu climă, pasiuni, sărbători, beatitudine, sonete, cu limbajul său luxos, plin de strălucire și concetti.

Tragedia „Iulius Caesar” completează ciclul cronicilor istorice și pregătește apariția marilor tragedii ale lui Shakespeare. Dramaturgul a folosit materialul din „Viețile comparate” a lui Plutarh și a creat o tragedie istorică originală, în care a oferit o înțelegere profundă a problemelor puterii de stat, a naturii unui politician, a relației. vederi filozofice politica și acțiunile sale practice, probleme de moralitate și politică, personalitate și oameni. Referindu-se la „Iulius Caesar” la conflicte istorice secolul I î.Hr., când la Roma a avut loc trecerea de la stăpânirea republicană la un regim de autocrație, Shakespeare a avut în vedere și conflictele socio-politice din Anglia contemporană, unde poziția izolată a domnilor feudali a fost înlocuită cu puterea absolutistă.

Shakespeare îi simpatizează pe republicani, arătându-și slujirea curajoasă față de societate, dar în același timp este conștient că cezarienii acționează în conformitate cu cerințele vremii. Încercările lui Brutus de a restabili republica sunt sortite eșecului, întrucât acționează contrar dictaturilor vremurilor. El este de acord cu asasinarea lui Cezar pentru că vede în el principalul adversar al republicii. Dar Brutus nu reușește să convingă poporul de binele guvernării republicane, întrucât oamenii, în conformitate cu spiritul vremurilor, mențin în acea vreme un regim de autocrație. Oamenii sunt gata să-l recunoască pe Brutus ca conducător, dar vor să vadă în el un Cezar nou, mai bun. Vocea oamenilor este tragic în contradicție cu ceea ce se străduiește Brutus; poporul spune: „să devină Cezar”, „în el vom încununa tot ce este mai bun din Cezar”. Convins că republica este condamnată, Brutus se sinucide.

Dacă în cronici oamenii erau una dintre forțele active, unul dintre numeroșii eroi, atunci în „Iulius Caesar” oamenii devin pentru prima dată în dramele lui Shakespeare personajul principal. Atât republicanii, cât și cezarienii sunt nevoiți să socotească cu el. Imaginea poporului este deosebit de expresivă în scena disputei politice dintre republicani și cezarieni din for despre cadavrul Cezarului tocmai ucis. Această dispută este soluționată de oameni, care iau partea cezarianului Marcu Antonie. Tragedia „Iulius Caesar” mărturisește pătrunderea profundă a lui Shakespeare în contradicțiile socio-istorice, în conflictele tragice ale societății.

În a doua perioadă de creativitate în viziunea lui Shakespeare asupra lumii, au loc schimbări semnificative. Ele au fost determinate de atitudinea dramaturgului față de fenomene noi din viața socio-politică a societății engleze. Puterea absolutistă și-a dezvăluit tot mai evident corupția, și-a pierdut semnificația progresivă. Au apărut contradicții între Parlament și Regina Elisabeta. Odată cu venirea la putere a lui Iacob I Stuart (1603), s-a instituit în țară un regim feudal reacționar. Contradicțiile dintre parlament și puterea regală s-au adâncit și mai mult. Masele de oameni se aflau într-o situație de suferință. Criza sistemului feudal-absolutist și discrepanța dintre politica Stuarților și interesele burgheziei au determinat creșterea opoziției burgheze față de absolutism. Premisele unei revoluții burgheze apar în țară.

În aceste condiții, Shakespeare se îndepărtează de credința într-un monarh ideal. Patosul critic al operei sale se intensifică. Shakespeare se opune atât reacției feudale, cât și egoismului burghez.

Caracterul vesel, însorit, de carnaval al multor lucrări din prima perioadă a creativității este înlocuit de reflecții grele asupra necazurilor din viața societății, asupra dezordinei lumii. Noua perioadă a operei lui Shakespeare se caracterizează prin formularea unor probleme sociale, politice, filozofice majore, analize aprofundate conflicte tragice epoci şi tragedii ale personalităţii timpului de tranziţie. Aceasta a fost perioada creării marilor tragedii, în care Shakespeare a transmis natura istorică a ciocnirilor tragice și a catastrofelor apărute în epoca prăbușirii lumii patriarhal-cavalerești și a intrării în arena istoriei a prădătorilor cinici reprezentând noi relaţii capitaliste.

A doua perioadă a operei lui Shakespeare se deschide cu tragedia Hamlet (Hamlet, Prinț al Danemarcei, 1600-1601). Sursele tragediei au fost „Istoria danezilor” de Saxo Grammar, „Poveștile tragice” de Belforet, „Tragedia spaniolă” de Thomas Kyd și piesa lui Thomas Kyd despre Hamlet, care nu a ajuns până la noi.

În diferite epoci, „Hamlet” al lui Shakespeare a fost perceput diferit. Este cunoscut punctul de vedere al lui Goethe, exprimat de acesta în romanul „Anii învățăturii lui Wilhelm Meister” (1795-1796). Goethe a văzut tragedia ca fiind pur psihologică. În personajul lui Hamlet, el a subliniat slăbiciunea voinței, care nu corespundea faptei mărețe care i-a fost încredințată.

VG Belinsky în articolul „Hamlet, drama lui Shakespeare. Mochalov ca Hamlet (1838) exprimă o viziune diferită. Hamlet, potrivit lui VG Belinsky, învinge slăbiciunea voinței sale și, prin urmare, ideea principală a tragediei nu este slăbiciunea voinței, ci „ideea dezintegrarii din cauza îndoielii”, contradicția dintre visele vieții. și viața însăși, între ideal și realitate. Belinsky consideră lumea interioară a lui Hamlet în devenire. Prin urmare, slăbiciunea voinței este considerată unul dintre momentele dezvoltării spirituale a lui Hamlet, un om puternic din fire. Folosind imaginea lui Hamlet pentru a caracteriza situația tragică oameni gânditori Rusia în anii 30 ai secolului al XIX-lea, Belinsky a criticat reflecția, care a distrus integritatea unei personalități active.

I.S. Turgheniev în anii 60 ai secolului al XIX-lea. se referă la imaginea lui Hamlet pentru a oferi o evaluare socio-psihologică și politică a „hamletismului””. persoane suplimentare". În articolul „Hamlet și Don Quijote” (1860), Turgheniev îl prezintă pe Hamlet ca pe un egoist, un sceptic care se îndoiește de orice, nu crede în nimic și, prin urmare, nu este capabil de acțiune. Spre deosebire de Hamlet, Don Quijote în interpretarea lui Turgheniev este un entuziast, un slujitor al unei idei care crede în adevăr și luptă pentru el. I.S. Turgheniev scrie că gândul și voința se află într-un decalaj tragic; Hamlet este un om gânditor, dar cu voință slabă; Don Quijote este un entuziast cu voință puternică, dar pe jumătate nebun; dacă Hamlet este inutil pentru mase, atunci Don Quijote îi inspiră pe oameni să acționeze. În același timp, Turgheniev admite că Hamlet este aproape de Don Quijote în implacabilitate față de rău, că oamenii percep semințele gândirii de la Hamlet și le răspândesc în întreaga lume.

În critica literară sovietică, o interpretare profundă a tragediei „Hamlet” a fost dată în lucrările lui A.A. Anikst, A.A. Smirnov, R.M. Samarin, I.E. Vertsman, L.E. Pinsky, Yu.F..* * Vezi: Anikst A.A. Opera lui Shakespeare. - M., 1963; al lui. Shakespeare: Meșteșugul dramaturgului. - M., 1974; Smirnov A.A. Shakespeare. - L.; M., 1963; Samarin P.M. Realismul Shakespeare. - M., 1964; V e r c m a n I.E. Hamlet al lui Shakespeare. - M., 1964; Pinsky L.E. Shakespeare: Fundamentele dramaturgiei. - M., 1971; Shvedov Yu.F. Evoluția tragediei lui Shakespeare. -M., 1975.

Student la Universitatea din Wittenberg, Hamlet la curtea regelui danez Claudius din Elsinore se simte singur. Danemarca i se pare o închisoare. Deja la începutul tragediei este indicat un conflict între gânditorul umanist Hamlet și lumea imorală a lui Claudius, între o personalitate iubitoare de libertate și puterea absolutistă. Hamlet percepe lumea în mod tragic. Prințul înțelege profund ce se întâmplă în Elsinore. Conflicte la curtea lui Claudius, el le înțelege ca pe o stare de pace. Intelectul lui Hamlet, judecățile sale înțelepte aforistice dezvăluie esența relațiilor din societatea de atunci. În Hamlet, ca tragedie a unei persoane care gândește într-o societate nedreaptă, intelectul eroului este poetizat. Mintea lui Hamlet se opune nerezonabilului și obscurantismului despoticului Claudius.

Idealul moral al lui Hamlet este umanismul, din pozițiile căruia este condamnat răul social. Cuvintele Fantomei despre crima lui Claudius au servit drept imbold pentru începutul luptei lui Hamlet împotriva răului social. Prințul este hotărât să se răzbune pe Claudius pentru uciderea tatălui său. Claudius îl vede pe Hamlet ca principalul său antagonist, așa că le spune curtenilor săi Polonius, Rosencrantz și Guildenstern să-l spioneze. Perspicactul Hamlet a dezlegat toate trucurile regelui, care a încercat să afle despre planurile sale și să-l distrugă. Criticul literar sovietic L.E. Pinsky îl numește pe Hamlet tragedia cunoașterii vieții: „... Un erou care este activ din fire nu îndeplinește actul așteptat pentru că își cunoaște perfect lumea. Aceasta este o tragedie a conștiinței, a conștientizării...”*

*Pinsky L.E. Shakespeare: Fundamentele dramaturgiei. - S. 129.

Viziunea tragică a lui Hamlet, reflecțiile sale filozofice sunt cauzate nu atât de ceea ce s-a întâmplat în Elsinore (uciderea tatălui lui Hamlet și căsătoria mamei sale, regina Gertrude cu Claudius), cât de conștiința nedreptății generale care predomină în lume. Hamlet vede marea răului și reflectă în celebrul său monolog „A fi sau a nu fi” despre cum ar trebui să se comporte o persoană când se confruntă cu putrezirea în societate. Monologul „A fi sau a nu fi” dezvăluie esența tragediei lui Hamlet – atât în ​​raport cu lumea exterioară, cât și cu lumea sa interioară. Întrebarea se ridică înaintea lui Hamlet: cum să acționezi la vederea abisului răului - să te împaci sau să lupți?

A fi sau a nu fi este întrebarea; Ce este mai nobil - să te supui în spirit praștilor și săgeților unei destine furioase Sau, luând armele împotriva mării de necazuri, să-i ucizi cu Confruntare? (Tradus de M. Lozinsky)

Hamlet nu se poate supune răului; este gata să lupte împotriva cruzimii și nedreptății care domnesc în lume, dar este conștient că va pieri în această luptă. Hamlet are ideea sinuciderii ca o modalitate de a pune capăt „chinurilor și o mie de chinuri naturale”, cu toate acestea, sinuciderea nu este o opțiune, deoarece răul rămâne în lume și pe conștiința unei persoane („Asta este dificultatea; ce visele vor fi visate într-un vis de moarte...” ). Mai mult, Hamlet vorbește despre răul social, provocând indignare într-o persoană cinstită și umană:

Cine ar suporta biciurile și batjocura veacului, Asuprirea celor puternici, batjocorirea celor mândri, Durerea iubirii disprețuitoare, încetineala judecătorilor, Aroganța autorităților și insultele, Înfășurate pe meritul blând...

Reflecțiile asupra dezastrelor pe termen lung ale omenirii, asupra mării răului, îl fac pe Hamlet să se îndoiască de eficacitatea acelor metode de luptă care erau posibile la acea vreme. Iar îndoielile duc la faptul că determinarea de a acționa mult timp nu se realizează în acțiunea în sine.

Hamlet este o natură puternică, energică, activă. Cu toată puterea sufletului, el este îndreptat spre căutarea adevărului, spre lupta pentru dreptate. Gândurile și ezitările dureroase ale lui Hamlet sunt căutarea unei căi mai corecte în lupta împotriva răului. El ezită să-și îndeplinească datoria de răzbunare și pentru că trebuie în sfârșit să se convingă și să-i convingă pe alții de vinovăția lui Claudius. Pentru a face acest lucru, el aranjează o scenă de „capcană de șoareci”: le cere actorilor rătăcitori să joace o piesă care l-ar putea expune pe Claudius. În timpul spectacolului, Claudius se trădează cu confuzia lui. Hamlet este convins de vinovăția sa, dar continuă să amâne răzbunarea. Acest lucru provoacă în el un sentiment de nemulțumire față de sine, discordie mentală.

Hamlet recurge la vărsare de sânge doar în cazuri excepționale, când nu poate decât să reacționeze la răul și răutatea evidentă. Așadar, îl ucide pe Polonius, îi trimite pe Rosencrantz și pe Guildenstern să-l spioneze până la moarte și apoi îl ucide pe Claudius însuși. El vorbește aspru și crud iubitei sale Ophelia, care s-a dovedit a fi o unealtă în mâinile dușmanilor săi. Dar acest rău al său nu este intenționat, este din tensiunea conștiinței sale, din confuzia din sufletul său, sfâșiat de sentimente conflictuale.

Caracterul nobil al lui Hamlet, poet și filozof, pare slab din punctul de vedere al celor care nu se opresc la nimic pentru a-și atinge scopurile. De fapt, Hamlet este un om puternic. Tragedia lui constă în faptul că nu știe să schimbe starea nedreaptă a lumii, că este conștient de ineficacitatea mijloacelor de luptă pe care le are, că o persoană cinstită, gânditoare își poate dovedi cazul doar la costul morții sale.

Melancolia lui Hamlet apare ca urmare a înțelegerii că „timpul a ieșit din articulații” și este într-o stare de dezordine și necaz. În alcătuirea tragediei, un loc larg ocupă monologuri lirice și filozofice ale principelui, în care se exprimă o conștientizare profundă a spiritului vremurilor.

Natura filozofică generală a reflecțiilor lui Hamlet face ca această tragedie să fie apropiată și de alte epoci. Hamlet realizează că nu poate birui răul care domnește în lume; știe că, după moartea lui Claudius, răul nu va dispărea, pentru că este cuprins în însăși structura vieții sociale din acea vreme. Referindu-se la cei din jur, Hamlet spune: „Nici unul dintre oameni nu-mi face plăcere”. Și, în același timp, pentru Hamlet umanistul, idealul este o personalitate umană frumoasă: „Ce creație măiestrie - un om! Cât de nobil la minte! Cât de nemărginit în abilitățile, formele și mișcările lui! Cât de precis și de minunat în acțiune! Cât de ca un înger este el într-o perspectivă profundă! Cât de ca un zeu este! Frumusețea universului! Coroana tuturor celor vii! Hamlet vede întruchiparea acestui ideal în tatăl său și în prietenul său Horatio.

Dezvoltarea complotului în tragedie este în mare măsură determinată de pretinsa nebunie a prințului. Care este sensul acțiunilor și declarațiilor presupuse nebunești ale lui Hamlet? Pentru a acționa în lumea nebună a lui Claudius, Hamlet este nevoit să-și îmbrace o mască de nebunie. În acest rol, nu trebuie să fie ipocrit și să mintă, el spune adevărul amar. Masca nebuniei corespunde discordiei spirituale a prințului, impulsivității acțiunilor sale, curajului nebun în lupta pentru adevăr sub tirania lui Claudius.

Accidentul tragic joacă un rol important în complot. La sfârșitul tragediei, se dă un grup de accidente - eroii care participă la duelul de schimb de spate, un pahar cu o băutură otrăvită cade persoanei greșite și așa mai departe. Deznodământul tragic se apropie cu o inevitabilitate inexorabilă. Dar vine într-o formă neașteptată și într-un moment neprevăzut. Nerezonabilul structurii sociale confundă atât planurile rezonabile, cât și cele nesăbuite și provoacă inevitabilitatea tragică a „pedepselor accidentale, crimelor neașteptate”.

Hamlet este lent în a-și îndeplini datoria, dar este gata să acționeze în orice moment, iar în scena finală pentru el „pregătirea este totul”. Hamlet este o personalitate eroică. El este gata să lupte împotriva răului și să afirme adevărul chiar și cu prețul propriei sale morți. Nu întâmplător, după toate evenimentele tragice ale răposatului Hamlet, la ordinul lui Fortinbras, sunt înmormântați cu onoruri militare. Înainte de moartea sa, Hamlet își exprimă dorința ca oamenii să cunoască viața și lupta lui. El îi cere lui Horatio să dezvăluie lumii cauzele evenimentelor tragice, să spună povestea prințului Danemarcei.

„Hamlet” este o tragedie realistă care reflecta complexitatea timpului în care umanismul renascentist a intrat într-o perioadă de criză. Tragedia în sine exprimă ideea necesității unei descrieri obiective a vieții. Într-o conversație cu actorii, Hamlet exprimă opinii asupra artei care corespund pe deplin pozițiilor estetice ale lui Shakespeare. În primul rând, efectele sclipitoare ale celor care sunt gata să-l „regenereze pe Irod” sunt respinse; se propune să se conformeze „acțiunea cu vorbirea, vorbirea cu acțiunea” și „a nu depăși simplitatea naturii”; se formulează esența artei; „să țină, parcă, o oglindă în fața naturii, să arate virtuțile propriilor ei trăsături, aroganța - propria ei înfățișare și pentru fiecare vârstă și clasă - asemănarea și amprenta ei".

Principala ciocnire istorică de la sfârșitul secolului al XVI-lea. - conflictul dintre lumea eroismului cavaleresc și criminalitatea puterii absolutiste - este, respectiv, întruchipat în imaginile a doi frați, tatăl lui Hamlet și Claudius. Hamlet își admiră tatăl-erou și îl urăște pe ipocritul, trădătorul Claudius și tot ce stă în spatele lui, adică. o lume a intrigilor josnice și a corupției generale.

Tragedia „Othello” (Othello, maurul de la Veneția, 1604) a fost creată pe baza novelei „Maurul de la Veneția” de Geraldi Cinthio. Povestea dragostei și a morții tragice a lui Othello și Desdemona este prezentată de Shakespeare pe un fundal social larg. În tragedie apar reprezentanți ai guvernului de la Veneția - doge, senatorii Brabantio, Gratiano, Lodovico; este înfățișat mediul militar - Iago, Cassio, Montano. Pe acest fond, soarta lui Othello și Desdemona capătă un profund sens socio-psihologic.

Moor Othello este o personalitate remarcabilă. Datorită vitejii sale, a obținut o poziție înaltă în societate, a devenit comandant venețian, general. Viața acestui războinic a fost plină de pericole, trebuia să vadă multe și să îndure multe. Din toate încercările, Othello a apărut ca un om curajos și curajos, păstrând puritatea și ardoarea sentimentelor. Ea întruchipează idealul renascentist al unei persoane frumoase. Nobilul maur este inteligent și activ, curajos și cinstit. Pentru aceasta, fiica senatorului venețian Desdemona s-a îndrăgostit de el:

M-am îndrăgostit de ea cu neînfricarea mea, Ea s-a îndrăgostit de mine cu simpatia ei. (Tradus de B. Pasternak)

Dragostea lui Othello și Desdemona a fost o provocare eroică la adresa convențiilor tradiționale. Această iubire s-a bazat pe înțelegere reciprocă profundă și încredere.

Personajul Desdemonei este legat de personajul lui Othello. Desdemona se caracterizează, de asemenea, prin neînfricare și credulitate. De dragul iubitului ei, ea fuge de acasă și părăsește Veneția când Othello este numit guvernator al Ciprului. Othello o numește „frumosul său războinic”. În apariția captivantă a Desdemonei, curajul este combinat cu tandrețea. Dar dacă Desdemona rămâne o persoană armonioasă și întreagă până la sfârșit, atunci Othello a lăsat „haosul” în sufletul său, iar acest lucru a provocat o catastrofă. Desdemona își păstrează încrederea în Othello; dar încrederea lui este zdruncinată sub influența intrigilor josnicului și perfidului Iago.

Neștiind să explice motivul pentru care Othello s-a schimbat pentru ea, Desdemona înțelege că acest motiv nu este gelozia. Ea spune:

Othello este deștept și nu arată ca niște vulgari geloși...

Și când servitoarea Emilia o întreabă pe Desdemona dacă Othello este gelos, ea răspunde cu încredere:

Desigur că nu. Soare tropical Toate aceste neajunsuri ardeau în el.

Desdemona, ca nimeni, înțelege sufletul lui Othello. Într-adevăr, gelozia se ridică la Othello nu ca urmare a suspiciunii, răzbunării sau ambiției, ci ca o manifestare a unui sentiment de încredere înșelată, demnitate jignită. Prin ironie tragică, Othello consideră că nu Iago, care l-a înșelat pe maurul credul, ci Pura și credincioasa Desdemona, este vinovatul sentimentului de încredere înșelată. Othello spune despre sine:

Nu era ușor gelos, dar într-o furtună de sentimente a căzut în furie...

A.S. Pușkin l-a caracterizat astfel pe Othello: „Othello nu este gelos din fire - dimpotrivă: are încredere”.

Othello o iubește foarte mult pe Desdemona, chiar și atunci când decide să o omoare. El crede că restabilește dreptatea, făcându-și datoria. Crezând în calomnia lui Iago, el crede că nu poate permite Desdemona să-i înșele pe alții. Este plin de conștiința unei înalte îndatoriri față de oameni: uciderea Desdemonei înseamnă pentru el eliminarea minciunii ca pericol general. Tragedia lui Othello este tragedia încrederii înșelate, tragedia orbirii pasiunii. Dragostea pentru ea a determinat atitudinea lui Othello față de oameni, față de lume. Când uniunea lor era armonioasă, Othello percepea lumea ca fiind frumoasă; când a crezut în necinstea Desdemonei, totul a apărut în fața lui într-o formă haotică sumbră.

Sincerul Othello devine o victimă a intrigilor malefice ale lui Iago, fără să-și dea seama că îl înșală. Shakespeare nu indică în mod direct motivele urii lui Iago față de Othello, deși Iago vorbește despre dorința lui de a realiza o carieră, despre gelozia pe Othello, despre sentimentul său poftitor pentru Desdemona. Principalul lucru în personajul lui Iago este dorința machiavelica de a obține cu orice preț avantaje față de ceilalți oameni. Iago, desigur, este deștept și activ, dar abilitățile, „valorile” lui sunt în întregime subordonate planurilor sale egoiste. „Tura” lui Iago este individualistă și imorală. El își formulează interesul principal astfel: „Îți îndesa portofelul”. Intrigantul Iago este cinic și ipocrit. Ura lui pentru Othello se explică prin diferența fundamentală dintre naturile lor, opiniile lor, atitudinea lor față de viață. Nobilimea lui Othello este negația egocentrismului burghez al lui Iago. De aceea nu se poate împăca cu afirmarea principiilor etice ale lui Othello în viață. Iago recurge la mijloace de bază pentru a-l împinge pe Othello simplu de la nobilul său drumul vietii să-l cufunde în haosul pasiunilor individualiste.

Shakespeare realistul a arătat pe ce drum poate merge o persoană, eliberată de lanțurile feudale. O persoană poate deveni strălucitoare și frumoasă din punct de vedere moral, precum figura eroică a lui Othello, sau josnică, imorală, ca cinicul Iago. Inferioritatea morală transformă libertatea individului în opusul ei, adică. într-o dependenţă sclavă de pasiunile întunecate şi interesele egoiste. Iago acționează împotriva Othello și Desdemona cu calomnie și înșelăciune. Profită de credulitatea lui Othello, joacă cu temperamentul înflăcărat al eroului, cu ignoranța sa față de obiceiurile societății. Trecerea rapidă a nobilului Othello de la eroic la orbirea de pasiune întunecată indică faptul că personalitatea renascentist cu spirit liber era vulnerabilă, deoarece nivelul relațiilor sociale din acea vreme nu permitea idealului umanist al personalității să fie pe deplin realizat în realitate. Shakespeare a arătat această tragedie a unei personalități curajoase care s-a trezit atras în relațiile reale de bază ale societății burgheze și incapabil să se protejeze de pasiunea întunecată.

Episodul de „recunoaștere” dezvăluie demnitatea umană a eroului, măreția sa morală. Cu bucurie spirituală, Othello află că Desdemona l-a iubit și i-a fost credincioasă, dar în același timp este șocat că s-a întâmplat cel mai rău lucru: a ucis pe cei nevinovați și i-a devotat Desdemona. Sinuciderea lui Othello în scena finală este pedeapsa lui însuși pentru îndepărtarea sa de la credința în om. Sfârșitul tragic, așadar, afirmă victoria morală a nobilimii asupra forțelor întunecate ale răului.

Conflictul dintre individ și societate într-un aspect nou este arătat în tragedia „Regele Lear” (Regele Lear, 1605-1606). Aceasta este o tragedie a demnității umane într-o societate nedreaptă.

Esența și evoluția personajului lui Lear au fost foarte precis definite de N.A. Dobrolyubov: „Lear are o natură cu adevărat puternică, iar servilismul general față de el o dezvoltă doar într-un mod unilateral - nu pentru fapte mari de dragoste și binele comun ci doar pentru a-și satisface propriile capricii personale. Acest lucru este perfect de înțeles la o persoană care este obișnuită să se considere sursa tuturor bucuriei și tristeții, începutul și sfârșitul oricărei vieți în împărăția sa. Aici, cu sfera exterioară a acțiunilor, cu ușurința de a îndeplini toate dorințele, nu există nimic care să-și exprime puterea spirituală. Dar acum auto-adorarea lui depășește toate limitele bunului simț: el transferă direct personalității sale toată acea strălucire, tot acel respect de care s-a bucurat pentru demnitatea sa; decide să renunțe la putere, încrezător că nici după aceea oamenii nu vor înceta să tremure la el. Această convingere nebună îl face să-și dea împărăția fiicelor sale și, prin aceasta, din poziția sa barbar de nesimțit, să treacă în simplul titlu de om obișnuit și să experimenteze toate necazurile asociate vieții umane. „Privindu-ne la el, mai întâi simțim ură față de acest despot disolut; dar, urmând desfășurarea dramei, ne împăcăm din ce în ce mai mult cu el ca cu un om și ajungem să ne umplem de indignare și de răutate arzătoare nu față de el, ci față de el și pentru întreaga lume - față de acea situație sălbatică, inumană. care poate duce la o asemenea desfrânare chiar și a unor oameni ca Lear.

*Dobrolyubov N.A. Sobr. cit.: În 9 volume - M; L., 1962. T. 5. - S. 52.

** Ibid. - S. 53.

„Regele Lear” este o tragedie socială. Ea arată separarea diferitelor grupuri socialeîn societate. Reprezentanții vechii onoare cavalerești sunt Lear, Gloucester, Kent, Albany; lumea prădării burgheze este reprezentată de Goneril, Regan, Edmond, Cornwall. Între aceste lumi există o luptă ascuțită. Societatea se află într-o stare de criză profundă. Gloucester caracterizează distrugerea fundamentelor sociale astfel: „Dragostea se răcorește, prietenia slăbește, conflictele fratricide sunt peste tot. Sunt revolte în orașe, discordie în sate, în palatele trădării, iar legătura de familie dintre părinți și copii se dărâmă... cel mai bun timp a trecut. Amărăciunea, trădarea, neliniștea dezastruoasă ne vor însoți până la mormânt ”(Tradus de B. Pasternak).

Pe acest fond social larg se desfășoară poveste tragică Regele Lear. La începutul piesei, Lear este un rege cu putere, care stăpânește soarta oamenilor. Shakespeare în această tragedie (unde pătrunde mai adânc în relațiile sociale ale vremii decât în ​​celelalte piese ale sale) a arătat că puterea lui Lear nu este în regalitatea sa, ci în faptul că deține bogății și pământuri. De îndată ce Lear și-a împărțit regatul între fiicele sale Goneril și Regan, lăsându-și doar domnia, și-a pierdut puterea. Fără bunurile sale, regele s-a trezit în postura de cerșetor. Proprietatea în societate a distrus relațiile umane de rudenie patriarhală. Goneril și Regan și-au jurat dragostea pentru tatăl lor când era la putere și i-au întors spatele când și-a pierdut bunurile.

După ce a trecut prin încercări tragice, printr-o furtună în propriul suflet, Lear devine bărbat. A recunoscut soarta grea a săracilor, s-a alăturat vieții oamenilor și a înțeles ce se întâmplă în jurul lui. Regele Lear dobândește înțelepciune. În apariția unei noi viziuni asupra lumii, o întâlnire în stepă, în timpul unei furtuni, cu un nefericit fără adăpost, Bietul Tom a jucat un rol important. (Era Edgar Gloucester, care se ascundea de persecuția fratelui său Edmond.) În mintea șocată a lui Lear, societatea apare într-o lumină nouă și el o supune criticilor fără milă. Nebunia lui Lear devine epifanie. Lear simpatizează cu cei săraci și îi reproșează pe cei bogați:

Fără adăpost, nenorocit gol, unde ești acum? Cum vei respinge loviturile acestei vremi înverșunate - În zdrențe, cu capul descoperit Și cu burta slăbănog? Cât de puțin m-am gândit la asta înainte! Iată o lecție pentru tine, arogant bogat! Luați locul săracilor, Simțiți ceea ce simt ei și dă-le o parte din excesul tău Ca semn al dreptății celei mai înalte a cerului. (Tradus de B. Pasternak)

Lear vorbește indignat despre o societate dominată de arbitrar. Puterea îi apare sub forma unei imagini simbolice a unui câine care urmărește un cerșetor care fuge de el. Lear îl numește pe judecător un hoț, un politician care pretinde că înțelege ceea ce alții nu înțeleg este un ticălos.

Nobilul Kent și bufonul rămân loiali lui Lear până la sfârșit. Imaginea bufonului joacă un rol foarte important în această tragedie. Vrăjiturile sale, glumele paradoxale dezvăluie cu îndrăzneală esența relațiilor dintre oameni. Bufonul tragicomic spune amarul adevăr; remarcile sale pline de spirit exprimă punctul de vedere al oamenilor asupra a ceea ce se întâmplă.

Povestea legată de soarta contelui de Gloucester, tatăl a doi fii, declanșează soarta lui Lear, îi dă un sens generalizant. Gloucester trăiește și tragedia ingratitudinii. Lui i se opune fiul său nelegitim, Edmond.

Idealul umanist este întruchipat în imaginea Cordeliei. Nu acceptă atât vechea lume cavalerească, cât și noua lume machiavelica. În caracterul ei, un sentiment de demnitate umană este subliniat cu o forță deosebită. Spre deosebire de surorile ei ipocrite, ea este sinceră și sinceră, nu se teme de temperamentul despotic al tatălui ei și îi spune ce crede. În ciuda reținerii în manifestarea sentimentelor, Cordelia își iubește cu adevărat tatăl și îi acceptă cu curaj dizgrația. Ulterior, când Lear, trecând prin procese grele, a câștigat demnitate umană și simțul dreptății, Cordelia a fost alături de el. Acești doi oameni frumoși mor într-o societate crudă.

La sfârșitul tragediei, binele triumfă asupra răului. Nobilul Edgar va deveni rege. Ca conducător, el se va întoarce la înțelepciunea pe care Lear a găsit-o în soarta sa tragică.

Tragedia „Macbeth” (Macbeth, 1606), care a fost creată pe materialul Cronicilor Angliei, Scoției și Irlandei de R. Holinshed, este consacrată problemei stării tragice a statului și a individului sub un regim tiranic.

Macbeth este un tiran și un criminal. Dar el nu a devenit imediat așa. Imaginea se dezvăluie în dezvoltare, în dinamică, în toată complexitatea și inconsecvența lumii sale interioare. Lupta dintre remușcări și impulsuri ambițioase din sufletul lui Macbeth, realizarea în cele din urmă a lipsei de sens a faptelor sale sângeroase - toate acestea îl deosebesc de un răufăcător obișnuit și îl fac un personaj tragic.

În primul act, Macbeth apare ca un erou într-o scenă maiestuoasă a victoriei asupra dușmanilor Scoției. Acesta este un războinic puternic, curajos și curajos. Macbeth este amabil din fire și nu lipsit de umanitate. A obținut faima prin isprăvile sale. Încrederea în forțele sale și în posibilitățile naturii sale provoacă în el dorința de a deveni și mai maiestuos, de a obține o și mai mare glorie. Cu toate acestea, structura socială a acelui timp a pus limite dezvoltării individului, a pervertit abilitățile nelimitate ale unei persoane. Deci, vitejia lui Macbeth se transformă în ambiție, iar ambiția îl împinge să comită o crimă - uciderea lui Duncan pentru a obține puterea supremă. Pervertirea vitejii prin ambiție este foarte pe bună dreptate caracterizată de cuvintele vrăjitoarelor din prima scenă a tragediei: „Frumul este ticălos, iar ticălosul este frumos”. În acțiunile lui Macbeth, granița dintre bine și rău este din ce în ce mai neclară.

Imagini cu vrăjitoare hidoase care prezic mai departe soarta Macbeth, simbolizează inumanul care a fost în intențiile și faptele sale. Vrăjitoarele nu reprezintă nicio forță fatală care să dirijeze comportamentul eroului. Ele exprimă exact ceea ce a apărut deja în gândurile lui Macbeth. Deciziile penale luate de Macbeth sunt determinate de propria sa voință, nu de forța fatală. Actele criminale împing din ce în ce mai mult spre renașterea individului. Dintr-un om bun și curajos, Macbeth devine un criminal și un tiran. O crimă duce la alta. Macbeth nu mai poate refuza să ucidă, încercând să păstreze tronul:

Sunt deja atât de împotmolit în mocirla însângerată, Încât îmi va fi mai ușor să pășesc înainte, decât să mă întorc prin mocirlă. În creier, planul meu teribil încă nu se naște, iar mâna se străduiește să-l împlinească. (Tradus de Yu. Korneev)

Pe măsură ce despotismul lui Macbeth devine evident tuturor, el se trezește singur. Toată lumea s-a retras de la tiran.

Prin crime, Macbeth vrea să schimbe soarta, să intervină în decursul timpului. Deja îi este frică să nu rateze ceva și prin fapte sângeroase necontenite încearcă să treacă înaintea acțiunilor presupușilor adversari. Tiranul își face drum spre „mâine” cu ajutorul crimelor, iar „mâine” îl împinge din ce în ce mai mult spre un final inevitabil. Atrocitățile tiranului provoacă opoziție. Întreaga societate se ridică împotriva despotului. Lui Macbeth i se pare că și forțele naturii i-au mers împotriva lui - Pădurea Birnam mărșăluiește pe Dunsinan. Aceștia sunt războinicii lui Macduff și Malcolm, ascunși în spatele ramurilor verzi, mișcându-se într-o avalanșă irezistibilă împotriva lui Macbeth și zdrobindu-l. Unul dintre personajele tragediei, nobilul scoțian Ross, vorbește despre esența poftei de putere:

O, iubire de putere, Tu devorezi ceea ce trăiești!

După ce a vorbit împotriva umanității, Macbeth se condamnă la izolarea completă, singurătatea și moartea. Lady Macbeth este fanatic devotată soțului ei, pe care îl consideră un om grozav. Ea este la fel de ambițioasă ca și el. Ea vrea ca Macbeth să fie rege al Scoției. Lady Macbeth este hotărâtă să obțină putere și își susține soțul, îl ajută să depășească îndoielile morale atunci când plănuiește să-l omoare pe Duncan. Lady Macbeth crede că este suficient să-i spele sângele de pe mâini - iar crima va fi uitată. Cu toate acestea, natura ei umană eșuează și înnebunește. În starea ei nebună, somnambulică, încearcă să-și spele sângele de pe mâini și nu poate. În ziua morții soțului ei, Lady Macbeth se sinucide.

În comparație cu alte tragedii shakespeariane, atmosfera tragică din Macbeth este foarte densă. Este pompat în legătură cu dezvoltarea temei venirii la putere prin crimă. Acțiunea devine mai comprimată, concentrată și mai impetuoasă; apare de obicei noaptea și pe fundalul unei furtuni; un loc mare este ocupat de elementul supranatural (vrăjitoare, viziuni), având rolul de presimțiri și prevestiri de rău augur. Totuși, în cele din urmă, întunericul se risipește, omenirea triumfă asupra răului.

Tragediile lui Shakespeare sunt caracterizate de o perspectivă profundă a esenței contradicțiilor tragice ale timpului lor. În dramaturgia lui Shakespeare, conflictele socio-politice ale Renașterii sunt surprinzător de adevărat reflectate. Schimbările profunde în viață asociate cu o răsturnare gigantică din istorie, când feudalismul a fost înlocuit cu un nou sistem burghez - aceasta este baza tragicului în Shakespeare. Istoricismul lui Shakespeare constă în înțelegerea principalelor tendințe ale luptei reale care se desfășoară între vechi și nou, în dezvăluirea sensului tragic al relațiilor sociale din acea vreme. Cu toată viziunea sa naiv-poetică asupra lumii, Shakespeare a fost capabil să arate importanța oamenilor în viața societății.

Istoricismul poetic al lui Shakespeare a introdus conținut nou în tema tragică, a restructurat tragicul ca problemă estetică, dându-i calități noi și unice. Tragicul din Shakespeare diferă de ideile medievale despre tragic, din viziunea lui Chaucer despre tragic, exprimată în „ povești Canterbury(„Prologul călugărului” și „Povestea călugului”). Potrivit ideii medievale, tragedia s-ar putea întâmpla oamenilor de înaltă poziție, trăind în fericire și uitând de puterea Providenței. Astfel de oameni sunt supuși capriciilor norocului, indiferent de caracterul lor, de meritele și demeritele lor. Poziția lor foarte înaltă a fost motivul mândriei, așa că catastrofa a fost mereu aproape. Potrivit ideilor medievale, averea a adus nenorociri asupra unei persoane în mod complet neașteptat și fără motiv. Omul este neputincios în fața înțelepciunii providenței și nimeni nu poate scăpa de loviturile destinului. Conceptul medieval de tragic nu provine din caracterul unei persoane și din ciocnirea acestuia cu soarta, ci dintr-o credință în atotputernicia forțelor supranaturale, prin urmare, în operele tragice ale literaturii medievale, începutul epic, narativ a prevalat asupra dramatic.

Tragicul din Shakespeare este liber de ideea de fatalism, de soartă. Și deși eroii săi se referă atât la Dumnezeu, cât și la avere, Shakespeare arată că oamenii acționează pe baza dorințelor și a voinței lor, dar pe modul în care se confruntă cu circumstanțele vieții, de exemplu. cu voința și dorințele altor persoane care exprimă interese personale, publice și de stat. Din ciocnirea dintre oamenii înșiși, care reprezintă societatea și umanitatea, curg atât victorii, cât și înfrângeri. Tragicul este inerent oamenilor înșiși, în lupta lor și nu depinde de predeterminarea fatalistă. soartă tragică erou, inevitabilitatea morții sale este o consecință a caracterului său și a circumstanțelor vieții sale. Multe se întâmplă întâmplător, dar până la urmă totul este supus necesității – Timpul.

Supranaturalul din tragediile lui Shakespeare - fantome și vrăjitoare - este mai mult un tribut adus motivelor folclorice decât o manifestare a superstiției dramaturgului însuși, este o convenție poetică și o tehnică deosebită în înfățișarea personajelor și forțarea unei atmosfere tragice. Atât Hamlet, cât și Macbeth acționează conform propriilor aspirații și voință, și nu la ordinul puterilor supranaturale. Shakespeare și eroii săi nu înțeleg întotdeauna sensul evenimentelor tragice, dar este întotdeauna clar că ele au loc conform legilor cauzalității, conform legilor dure ale timpului.

Necesitatea la Shakespeare apare nu numai ca mișcarea istorică a Timpului, ci și ca certitudinea și indiscutabilitatea fundamentelor morale naturale ale vieții umane. În viața publică este necesară umanitatea universală. Morala bazată pe dreptatea umană este idealul către care oamenii ar trebui să se străduiască și a cărui încălcare duce la consecințe tragice.

Tragicul în Shakespeare este dialectic. Societatea poate încălca relațiile morale naturale și poate duce eroii la moarte (Romeo și Julieta), iar eroul, datorită unui număr de proprietăți negative, poate săvârși rău și să provoace daune societății (Macbeth) și, în același timp, eroul și societatea poate fi vinovată una în raport cu cealaltă (Regele Lear). Totul depinde de complexitatea reală a contradicțiilor sociale ale vremii și de conflictele psihologice ale fiecărui individ. Lupta dintre bine și rău continuă nu numai în arena publică, ci și în sufletul uman.

Conflictul din tragediile lui Shakespeare este extrem de tensionat, ascuțit și ireconciliabil și se desfășoară ca o ciocnire a două forțe antagonice. În prim-plan - lupta a doi eroi puternici, întruchipând personaje diferite, principii și vederi diferite de viață, pasiuni diferite. Hamlet și Claudius, Othello și Iago, Lear și Goneril, Caesar și Brutus - acestea sunt personajele opuse care au intrat într-o luptă. Dar nobilul erou al lui Shakespeare luptă nu numai împotriva unui antagonist individual, ci intră într-o luptă cu întreaga lume a răului. Această luptă dezvăluie cele mai bune posibilități spirituale ale eroului, dar provoacă și răul. Lupta continuă simultan în sufletul eroului însuși. Eroul caută dureros adevărul, adevărul, dreptatea; cu adevărat tragice sunt suferința psihică a eroului la vederea abisului răului care s-a deschis înaintea lui; dar el însuși, în căutarea adevărului, greșește undeva, cândva intră în contact cu răul, ascunzându-se sub masca binelui și grăbește astfel deznodământul tragic.

Acțiuni eroi tragici Shakespeare, oameni excepționali, influențează întreaga societate. Personajele sunt atât de semnificative încât fiecare dintre ele este o lume întreagă. Iar moartea acestor eroi șochează pe toată lumea. Shakespeare creează personaje mari și complexe de oameni activi și puternici, oameni de rațiune și pasiuni mari, vitejie și demnitate înaltă. Tragediile lui Shakespeare afirmă valoarea personalității umane, unicitatea și individualitatea caracterului unei persoane, bogăția lumii sale interioare. Viața sufletului uman, experiențele și suferința, tragedia interioară a unei persoane îl interesează mai presus de toate pe Shakespeare. Și asta i-a afectat și inovația în domeniul tragicului. Imaginea lumii interioare a personajelor le dezvăluie umanitatea atât de profund încât le provoacă admirație și simpatie profundă.

O serie de eroi ai lui Shakespeare - Macbeth, Brutus, Anthony ("Antony și Cleopatra") - sunt vinovați de tragedia lor. Dar noțiunea de vinovăție este incompatibilă cu mulți eroi nobili. Faptul că tinerii Romeo și Julieta mor este vina unei societăți ostilă sentimentelor umane sincere și integrale. Hamlet, Othello, Regele Lear au avut greșeli și erori care nu au schimbat baza morală a caracterelor lor nobile, dar în lumea răului și a nedreptății au dus la consecințe tragice. Numai în acest sens se poate vorbi despre „vinovăția lor tragică”. Împreună cu acești eroi, naturi complet pure, precum Ophelia, Cordelia, Desdemona, suferă și mor.

În catastrofa provocată, pier atât adevărații făptuitori ai răului, cât și cei care poartă „vinovăția tragică”, cât și cei care sunt complet nevinovați. Tragedia din Shakespeare este departe de acea „dreptate poetică”, care constă într-o simplă regulă: viciul este pedepsit, virtutea triumfă. Răul se pedepsește în cele din urmă pe sine, dar binele îndură suferințe tragice, nemăsurat mai mari decât merită greșeala eroului.

Eroul tragic al lui Shakespeare este activ și capabil de alegeri morale. Se simte responsabil pentru acțiunile sale. Dacă circumstanțele, societatea contrazice idealurile moralității și le încalcă, atunci alegerea morală a personajelor este în lupta împotriva circumstanțelor; în ireconciliabilitate cu răul, chiar dacă aceasta duce la propria lor distrugere. Acest lucru este cel mai evident în Hamlet.

Episodul „recunoașterii”, conștientizarea erorii și a vinovăției, perspicacitatea înainte de moarte este saturat în tragediile lui Shakespeare cu cele mai intense experiențe ale personajelor și cele mai importante idei morale. Acest episod se caracterizează printr-un conținut ideologic și psihologic profund. Episodul „recunoașterii” este important în tragedie ca triumf al principiilor morale ale adevărului și bunătății, ca urmare a luptei interne și a suferinței pe care le-a îndurat eroul. Acest episod luminează întreaga viață a eroului cu o lumină nouă, afirmă măreția spiritului uman și importanța fundamentelor morale ale vieții.

Personajele ticăloșilor din piesele lui Shakespeare diferă și prin individualitatea lor. Au o voință, o minte care servesc activ planurilor insidioase și ambițioase. Acești ticăloși sunt întruchiparea unui fenomen real al epocii - machiavelianismul. Mintea liberă apare în ele într-o formă extrem de individualistă, ca o urmărire eficientă a obiectivelor egoiste. Nelegiuiții lui Shakespeare nu sunt nicidecum figuri convenționale ale răului abstract; ei sunt răul concret și tipic al sistemului burghez. Invidia, răutatea și ura sunt personajele principale ale răufăcătorilor. Dar Shakespeare nu a încercat să-i prezinte ca niște diavolți. Răucătorii sunt și ei oameni, dar din diverse motive și-au pierdut umanitatea. Uneori se trezește în ei să sublinieze inutilitatea existenței lor, lipsite de principii morale (Edmond, Lady Macbeth).

Shakespeare a exprimat credința umanistă în bunătatea și noblețea omului, în spiritul său nestăpânit și energia creatoare. El a afirmat demnitatea umană și măreția realizărilor umane. Dintre toate catastrofele și necazurile, natura umană iese neînvinsă. Adevăratul umanism al lui Shakespeare este optimismul lui. Acest optimism nu a fost sincer, deoarece Shakespeare era conștient de puterea răului și de nenorocirile pe care le aduce. Optimismul tragediilor lui Shakespeare este în triumful asupra disperării și în credința puternică în victoria omului asupra răului social.

Versatilitatea descrierii vieții și a descrierii personajelor se dezvăluie invariabil în combinația și întrepătrunderea tragicului și a comicului. Aceasta a fost inovația lui Shakespeare, descoperirea unui nou mod de a descrie omul și societatea.

Shakespeare a fost, de asemenea, un inovator în complot și structura compozițională a tragediilor. În tragediile sale, apare o a doua poveste. Poveștile secundare dau impresia de versatilitate a vieții și o acoperire largă a realității. Tehnica paralelismului personajelor și a liniilor intriga, folosită pentru comparații și contraste, este completată în tragediile lui Shakespeare cu imagini ale naturii. Confuzia în sufletele personajelor, lupta tragică a pasiunilor, atingând cea mai mare tensiune, sunt adesea însoțite de o furtună în natură („Regele Lear”, „Macbeth”).

Complexitatea structurii, curgerea liberă a evenimentelor din tragediile lui Shakespeare anticipează în multe privințe poetica romanului secolelor XIX și XX. Saturația cu acțiune, dramatismul personajelor, misterul evenimentelor, imaginea panoramică a istoriei, libertatea în timp și spațiu, contrast strălucitor - toate aceste trăsături ale tragediilor lui Shakespeare găsesc o dezvoltare ulterioară în genul romanului.

În ultima, a treia perioadă a operei lui Shakespeare, el a rămas fidel idealurilor umanismului, deși nu-și mai făcea iluzii despre umanismul noii ordini capitaliste. Negăsind o întruchipare în viață, idealurile umanismului din fantezia creativă a lui Shakespeare au luat forma unui vis despre viitor, despre o lume nouă și frumoasă. Acest vis, în lipsa posibilității de a-l realiza în realitate, a fost întruchipat sub forma unor elemente fantastice, scene pastorale și alegorii, caracteristice operei lui Shakespeare din ultima perioadă. Metoda artistică din Povestea de iarnă și Furtuna este profund logică, necesară din punct de vedere estetic și reprezintă un pas în continuare în evoluția operei lui Shakespeare.

Pericles, Cymbeline, The Winter's Tale, The Tempest reprezintă o nouă calitate estetică. Ele combină trăsături de gen ale tragicomediei, dramei pastorale și alegorii. În dramele perioadei a treia, Shakespeare trece la amestecarea fanteziei cu realitatea, la motive folclorice, la basme și situații utopice, la scene pitorești care se desfășoară pe fundalul naturii. În tragicomediile târzii ale lui Shakespeare, domină principiul liric-eroic, romantismul unor evenimente excepționale. Aceste piese se caracterizează prin tema opuse societății și naturii, obiceiurilor crude ale curții și vieții rurale idilice. Totuși, ruptura de societate este aici o formă de critică morală și etică a acestei societăți, și nu o chemare de a fugi de ea. Nu întâmplător eroii se întorc în societate pentru a continua lupta împotriva răului.

Tragicomedia Povestea de iarnă (1610-1611) a fost scrisă în spiritul poeziei populare.Această lucrare condamnă despotismul regilor și poetizează bunăvoința sătenilor.Întreaga piesă este construită pe un contrast puternic între tirania curții regale. și umanitatea păstorilor țărănești.Regele sicilian Leontes, care se bucură de o putere nelimitată, a decis să se ocupe cu brutalitate de soția sa Hermione, geloasă pe regele ei boem Polixenus, iar Hermione își găsește adăpost în Boemia la un bătrân cioban care devine tatăl ei. Loss s-a îndrăgostit de fiul regelui Polyxenes, prințul Florizel.Fără seama de diferențele de clasă, Florizel vrea să se căsătorească cu Loss.Când Polixenes refuză să consimtă la această căsătorie, Florizel și Loss părăsesc Boemia.Idealul egalității oamenilor este afirmat în cuvintele Pierderii despre ceea ce este deasupra colibei și Orc același soare strălucește pe cer.

Binele în această piesă triumfă asupra răului. Leontes își dă seama în cele din urmă de vinovăția lui și își recapătă fericirea alături de Hermione.

De mare importanță în conținutul filozofic al piesei este imaginea corului – Timpul. În prologul celui de-al patrulea act, comentând despre soarta eroilor piesei, Time exprimă ideea dezvoltării, ideea schimbărilor neîncetate în viața societății. Timpul stabilește perspectiva evoluțiilor, pune povestea tristă a lui Hermione într-un anumit loc în fluxul general al istoriei. Din punctul de vedere al legilor eterne ale dezvoltării, evenimentele tragice sunt doar momente separate care sunt depășite, devin un lucru din trecut, devin o legendă. Pe scara timpului istoric, binele învinge inevitabil. În Povestea de iarnă, Shakespeare și-a exprimat credința într-un viitor minunat pentru omenire.

Visele lui Shakespeare privind o societate justă sunt exprimate în intriga fantastică a tragicomediei The Tempest (The Tempest, 1611). Aterizat pe insulă după naufragiu, Gonzalo visează să aranjeze totul aici altfel decât în ​​Regatul Napoli. El vrea să desființeze funcționarii și judecătorii, să distrugă sărăcia și bogăția, să desființeze drepturile de moștenire și împrejmuirea pământului. Astfel, Gonzalo caută să elimine răul care predomină într-o societate nedreaptă. Totuși, Gonzalo își exprimă și dorințe naive: să desființeze comerțul, știința și munca și să trăiască numai din ceea ce dă natura însăși. În monologul lui Gonzalo, influența ideilor „Utopiei” lui Thomas More este palpabilă.

Visele utopice ale lui Gonzalo se opun unei adevărate societăți în care se comit atrocități. În urmă cu 12 ani, Antonio a preluat puterea la Milano, expulzându-l pe ducele de drept, fratele său Prospero. Prospero și fiica sa Miranda se găsesc pe o insulă locuită de creaturi fantastice. Totuși, există și răul aici. Urâtul sălbatic Caliban, un monstru născut dintr-o vrăjitoare, profitând de încrederea lui Prospero, care i-a făcut mult bine, a decis să o dezonoreze pe Miranda. Vrăjitorul Prospero îl cucerește pe Caliban, care întruchipează puterea instinctelor întunecate și face fapte bune cu ajutorul spiritului bun al aerului Ariel.

Piesa dezvăluie conflictul dintre bine și rău. Imaginea omului de știință umanist Prospero este întruchiparea unei minți bune și efectul ei benefic asupra oamenilor. Wise Prospero transformă oamenii, făcându-i rezonabili și frumoși.

Prospero este atotputernic pe insulă, îi sunt supuse spiritele munților, pâraielor, lacurilor, pădurilor, dar vrea să se întoarcă în patria sa, în Italia, și să se cufunde din nou în viața agitată a societății, să lupte împotriva răului. Shakespeare a exprimat în The Tempest dragostea pentru umanitate, admirația pentru frumusețea omului, credința în apariția unei lumi noi frumoase. Poetul umanist pune speranță în mintea generațiilor viitoare care vor crea o viață fericită.

În articolul „O rază de lumină în regat întunecat» N.A. Dobrolyubov a definit semnificația globală a lui Shakespeare astfel: „Multe dintre piesele sale pot fi numite descoperiri în domeniul inimii umane; a lui activitate literară a mutat conștiința generală a oamenilor la mai multe niveluri, la care nimeni nu urcase înaintea lui și care au fost doar semnalate de la distanță de unii filozofi. Și de aceea Shakespeare are o semnificație atât de universală: el desemnează câteva etape noi ale dezvoltării umane.

*Dobrolyubov N.A. Sobr. cit.: În 9 volume - M; L. -1963. - T. 6. - S. 309-310.

Personajele create de Shakespeare sunt multifațete, îmbină începuturile tragicului și ale comicului, așa cum se întâmplă în viața însăși.

În realismul Renașterii și în opera lui Shakespeare există propriile lor forme convenționale. Condițional, de exemplu, locul acțiunii. Acțiunea pieselor lui Shakespeare poate avea loc în Danemarca, Scoția, Sicilia, Boemia, dar dramaturgul a avut mereu în minte Anglia, a înfățișat conflictele, personajele și obiceiurile patriei sale. Dramele lui Shakespeare sunt polifonice. Ele combină diverse elemente poetice, diferite motive intriga și sunt dezvăluite în diferite aspecte și variații. Realismul shakespearian se manifestă adesea într-o formă fabulos de romantică, în imagini fantastice, alegorice, într-un stil hiperbolic și metaforic, într-o dispoziție patetică și muzicală, într-o formă scenică eficientă. Cea mai importantă problemă pentru Shakespeare este problema natura umana. În centrul intrigii majorității dramelor lui Shakespeare se află o persoană care se dezvăluie în lupta care are loc în prezent. Shakespeare nu oferă niciun fundal personajelor sale. Persoana din operele lui Shakespeare este legată de viața societății contemporane pentru dramaturg. A.S. Pușkin a vorbit despre versatilitatea personajelor lui Shakespeare: „Chipurile create de Shakespeare nu sunt, ca cele ale lui Moliere, tipuri de cutare și cutare pasiune, cutare viciu, ci ființe vii, pline de multe pasiuni, multe vicii; circumstanțele dezvoltă în fața privitorului personajele lor diverse și multifațetate.

* Pușkin-critic. - S. 412.

Shakespeare a transmis savoarea națională a realității engleze, caracterul culturii populare engleze. Nimeni înaintea lui nu a putut să descrie cursul istoriei în sine, să arate diferitele pături ale societății într-un singur sistem dinamic.

Shakespeare a surprins în operele sale punctul de cotitură al epocii, lupta dramatică dintre vechi și nou. Lucrările sale au reflectat mișcarea istoriei în contradicțiile ei tragice. Tragedia lui Shakespeare se bazează pe materialul intriga istoriei și legendei, care reflectă starea eroică a lumii. Dar pe acest material legendar și istoric, Shakespeare a ridicat probleme contemporane acute. Rolul oamenilor în viața societății, relația dintre personalitatea eroică și oamenii cu uimitor profunzime filozofică relevat în tragedia „Coriolanus” (Coriolanus, 1608). Viteazul comandant Coriolanus este grozav când reprezintă interesele Romei natale, interesele poporului, câștigând o victorie în Corioli. Oamenii își admiră eroul, îi apreciază curajul și sinceritatea. Coriolanus iubește și oamenii, dar știe puțin despre viața lor. Conștiința patriarhală a lui Coriolan nu este încă capabilă să înțeleagă contradicțiile sociale în curs de dezvoltare în societate; prin urmare, el nu se gândește la situația poporului, refuză să le dea pâine. Oamenii se îndepărtează de eroul lor. În Coriolan, alungat din societate, s-a trezit singur, se trezește mândria exorbitantă, ura față de plebe; aceasta îl duce la trădare împotriva patriei. El se opune Romei, împotriva poporului său și prin aceasta se condamnă la moarte.

Naționalitatea lui Shakespeare este că a trăit după interesele timpului său, a fost fidel idealurilor umanismului, a întruchipat principiul etic în lucrările sale, a atras imagini din vistierie. arta Folk, înfățișează eroi pe un fundal popular larg. În operele lui Shakespeare - originile dezvoltării dramei, versurilor și romanului timpurilor moderne.

Caracterul popular al dramei lui Shakespeare este determinat și de limbaj. Shakespeare a folosit bogăția limbajului vorbit al locuitorilor Londrei, a dat cuvintelor nuanțe noi, sens nou *. Discursul popular plin de viață al eroilor pieselor lui Shakespeare este plin de jocuri de cuvinte. Imaginile limbajului din piesele lui Shakespeare se realizează prin utilizarea frecventă a comparațiilor și metaforelor precise, picturale. Adesea, vorbirea personajelor, în principal în piesele din prima perioadă, devine jalnică, ceea ce se realizează prin utilizarea eufemismelor. Ulterior, Shakespeare s-a opus stilului eufuistic.

* Vezi: Morozov M. Articole despre Shakespeare. - M, 1964.

În piesele lui Shakespeare, discursul în versuri (vers alb) alternează cu proza. Eroii tragici vorbesc în principal în versuri, iar personajele de benzi desenate, bufonii - în proză. Dar uneori proza ​​se găsește și în discursul eroilor tragici. Poeziile se disting printr-o varietate de forme ritmice (iambic de cinci picioare, șase picioare și patru picioare iambic, silabe).

Discursul personajelor este individualizat. Monologurile lui Hamlet sunt de natură filozofice și lirice; Discursul liric al lui Othello este caracterizat de imagini exotice; Discursul lui Osric („Hamlet”) este pretențios. Limbajul lui Shakespeare este idiomatic și aforistic. Multe expresii shakespeariane au devenit slogan.

Critica literară sovietică consideră opera lui Shakespeare ca fiind realistă. Teatrul sovietic a jucat un rol uriaș în dezvăluirea esenței realiste a operelor lui Shakespeare. Traducătorii sovietici au făcut multe pentru a dezvolta moștenirea creativă a lui Shakespeare.

În lucrările unui număr de savanți sovietici Shakespeare, problemele viziunii asupra lumii a lui Shakespeare, periodizarea operei sale, istoria teatrului piesele sale, probleme de realism și naționalitate. Atenția socială în Shakespeareologia sovietică a fost acordată problemei „Shakespeare și literatura rusă”.

Umanism- ideologia Renașterii, care s-a conturat în secolul al XIV-lea în Italia (F. Petrarh, D. Boccaccio ș.a.). Umaniștii, în căutarea sprijinului pentru o nouă viziune asupra lumii, se îndreaptă către antichitate, studiază lucrările gânditorilor antici. Dar nu este doar o întoarcere la vechile valori. Umanismul se caracterizează prin combinarea antropocentrismului antic („Omul este măsura tuturor lucrurilor”), care se aplica numai oamenilor liberi, cu ideea medievală a egalității care decurge din teocentrism („Toți oamenii sunt egali înaintea lui Dumnezeu”). Pico de la Mirandola considera omul nu doar o măsură a tuturor lucrurilor, ci un miracol al naturii. Această idee este repetată de Hamlet al lui Shakespeare: „Ce miracol al naturii este omul! Cât de nobil vorbește! Ce posibilități nesfârșite! Cât de precis și de izbitor în structură și mișcări! În acțiuni cât de aproape de un înger! În vederi, cât de aproape de Dumnezeu! Frumusețea universului! Coroana tuturor celor vii!”, Dar se termină așa: „Și ce este pentru mine această chintesență de praf? („Hamlet”, d. 2, scena 2, per. B. Pasternak). Caracteristicile polare ale omului – de la „coroana tuturor viețuitoarelor” la „chintesența prafului” indică faptul că până la începutul secolului al XVII-lea conceptul umanist despre lume și om se afla într-o stare de criză. În viitor, criza s-a adâncit (de exemplu, în arta barocului, în pre-romantism, în modernism), apoi umanismul a fost reînviat sub forme noi (de exemplu, la Corneille și Racine, în arta iluminismului, printre romantici, în realismul secolului al XX-lea etc.) .

Slăvirea omului în umanismul renascentist a avut și un dezavantaj, despre care A.F.Losev a scris în detaliu, cu un număr mare de exemple, în Estetica Renașterii. Apariția unei galaxii de genii, titani ai gândirii este învecinată cu egoismul nestăpânit, libertatea de orice restricții morale, cruzime, înșelăciune, atrocități de neconceput. Reversul titanismului renascentist poate fi judecat din celebra carte a umanistului italian Niccolo Machiavelli „Prinț”, care înfățișează conducătorul ideal ca pe o persoană care, pentru a-și întări puterea, trebuie să disprețuiască cu cinism toate obligațiile morale, să nu se oprească la nimic. , chiar și când vine vorba de crimă, trădare, fărădelege.

Machiavelianismul renascentist a fost întruchipat cu o forță uimitoare de W. Shakespeare în imaginea ticălosului rege Richard al III-lea și în Iago. Dar marele dramaturg englez a devenit unul dintre cei mai profundi exponenți ai laturii strălucitoare a umanismului, care triumfă în comediile sale ca victoria iubirii și minții asupra vicisitudinilor destinului, iar în piesele ulterioare ca restabilire a idealului în viata umana. Găsit în tragediile lui Shakespeare expresie supremă umanismul tragic, capacitatea unei persoane de a-și sacrifica viața de dragul valorilor umaniste superioare. Eroii săi pot greși (Othello, Regele Lear, Macbeth), dar autorul nu greșește, devenind un profesor al lumii în înțelegerea esenței umane, în înfățișarea omului ca fiind cea mai înaltă valoare.

Tragedia umanismului renascentist în operele lui W. Shakespeare, F. Rabelais, M. De Cervantes

Teatrul a jucat un rol deosebit în renaștere. În secolele XVI-XVII, teatrul a îndeplinit o funcție aparte. Ceea ce s-a dat la teatru a atras adesea mai mult prin actualitatea sa decât cu un fel de chibzuință la care acum suntem obișnuiți să așteptăm de la teatru, acel rol de profesor pe care îl asociam cu numele marilor dramaturgi. În Renaștere, filosofia morală a fost plasată în centrul oricărei dramaturgie, în cadrul căreia linia eticii seculare era clar indicată. Pentru prima dată în literatură (și mai ales în dramaturgie), un poet, dramaturg sau scriitor își condamnă direct personajul, îi discută comportamentul, îi dă sfaturi morale. Toate acestea trebuiau să servească anumitor scopuri educaționale, să îndeplinească funcții instructive. În dramaturgie, problemele demnității umane sunt dezvoltate, bazate nu pe originea nobilă sau bogăția, ci pe calități morale înalte și capacitatea de a se îmbunătăți, se oferă o nouă evaluare a muncii, creativității, activității volitive a unei persoane și, desigur, se construiesc principiile vieţii de zi cu zi.

Opera lui William Shakespeare a absorbit toate cele mai importante radiații ale Renașterii - estetice (sintetizând tradițiile și motivele genurilor romantice populare, precum poezia și proza ​​renascentiste, folclor, dramă umanistă și populară) și ideologice (Shakespeare vorbește despre ordinea mondială, critică apărarea modului de viață feudal-patriarhal și centralizarea politică, pune în discuție motivele eticii creștine, neoplatonismul și stoicismul renascentist, ideile de senzaționalism și machiavelianism etc.) Pinsky L. Shakespeare. M.: Artist. lit., 1971. . Ideologia umanismului, împreună cu idealurile poporului, poate fi întotdeauna considerată baza pieselor lui Shakespeare. Shakespeare a reușit să surprindă cu sensibilitate inconsistența Renașterii, de unde și dinamica și dramatismul pieselor sale, motiv pentru care sunt pline de ciocniri și conflicte. Shakespeare a înțeles tendințele vremii și, prin urmare, se caracterizează printr-o atitudine dinamică față de realitate, care determină în mare măsură evoluția operei sale.

Shakespeare era conștient de incongruențele comice și tragice ale vieții, dar le-a portretizat în mod tradițional: tragicul este teribil, comicul este o farsă. Fiind umanist, el credea în rezolvarea armonioasă a contradicțiilor vieții. Esența pieselor este determinată de cei care aduc armonie statului, relațiilor publice și personale (Romeo și Julieta, Viola, Henric al V-lea). Purtători ai răului (Tybalt, Shylock, Malvolio) - Shakespeare pleacă singur. Triumful necondiționat al principiilor umanismului, capacitatea de a dizolva ideile în situații și imaginile complexe mărturisesc înalta pricepere a lui Shakespeare. Dacă sfera cronicilor este o persoană și statul Levidova I.M. Shakespeare: Bibliografie. Rusă pe. și Creta. aprins. in rusa lang., 1748-1962. / Rev. ed. M.P. Alekseev. - M .: M .: Book, 1964, atunci tema majorității tragediilor este relația dintre om și epocă, lumea interioara persoană. Conflictul social al lui Shakespeare este în primul rând o contradicție morală, familială („Hamlet”, „Regele Lear”), personală („Othello”). Tema principală a tragediilor lui Shakespeare este omul și societatea. Tema se dezvăluie prin ciocnirea personalităților individuale, dar conflictul acoperă întregul lanț al ființei: dobândind un caracter global, chiar cosmic, se proiectează simultan în conștiința eroului. Indiferent de asta, esența umanismului tragic al lui Shakespeare stă în imaginea protagonistului. Eroii tragediilor sunt titani atât prin puterea personajelor, cât și prin capacitatea lor de a vedea necazurile publice și globale în problemele personale. Însăși măreția virtuților - rațiunea (Brutus, Hamlet), sentimentele (Romeo, Othello), tăria caracterului (Macbeth) - îl conduce pe eroul la moarte. La sfârșitul tragediilor există întotdeauna o revenire la un anumit echilibru care a existat la început. Dramatizând istoria, Shakespeare o pictează prin ciocnirile indivizilor. Omul este punctul central al dramei lui Shakespeare, iar reprezentarea personalității umane în toată versatilitatea, semnificația și grandoarea, complexitatea și dinamica dezvoltării spirituale este cea mai importantă realizare artistică a lui Shakespeare.

Francois Rabelais este un om tipic renascentist în simpatiile și afecțiunile sale, acest lucru este evidențiat și de viața sa neobișnuită - rătăcitoare, aproape rătăcitoare și o varietate de activități. Rabelais nu este doar umanist, ci și medic, avocat, filolog, arheolog, naturalist și teolog. Toate aceste activități, precum tot fermentul mental, moral și social al epocii sale, s-au reflectat în romanele sale. Forma romanelor este mitologico-alegoric. Marea semnificație a cărților lui Rabelais („Gargantua” și „Pantagruel” sunt un întreg inseparabil) constă în combinarea părților negative și pozitive. Pe baza unei realități istorice neîndoielnice, Rabelais a stigmatizat satiric sistemul de învățământ existent, cu predominanța scolasticismului sec și absurd în el. Obiectul criticii sale este sistemul de drept civil, metodele medicinei, direcția politicii, războaiele eterne, cu consecințele lor teribile, și victoriile, cu rezultatele lor josnice, abuzurile de dreptate. Biserica a fost supusă celei mai aspre critici în persoana reprezentanților săi superiori și inferiori, iar el stă în afara și deasupra tuturor partidelor, condamnând cu egală severitate tot ceea ce găsește rău la catolici, luterani, calvini etc. Instrumentul satirei lui Rabelais este râsul. ÎN latura pozitiva dintre romanele sale, în prim plan se află teoria educației, în care a pus tot ce a învățat din experiența de zi cu zi și din cunoștințele sale științifice.

Tema principală a lucrărilor lui Miguel de Cervantes este proprietățile umane și relațiile umane. Apărând în romanele instructive ale lui Cervantes, ele sunt și mai profund exprimate în Don Quijote. Ideea „Don Quijote” este de a crea o parodie a romanelor cavalerești. Don Quijote, un biet hidalgo de provincie, înnebunit de citirea romanelor cavalerești și hotărât să restaureze vechea instituție a cavalerului rătăcit, asemenea eroilor romanelor cavalerești, face isprăvi în cinstea „doamnei” sale imaginare pentru a-i proteja pe toți cei jigniți și asuprit în această lume. Don Quijote este foarte important pentru înțelegerea tradiției literare ulterioare. Distrugând vechiul romantism cavaleresc, Cervantes a pus bazele unui nou tip de roman, care a însemnat un pas uriaș înainte în dezvoltarea realismului artistic. Aici, idealurile umaniste ale Culturologiei sunt interpretate într-un mod nou. Enciclopedie. În 2 vol. M.: ROSSPEN, 2007. . Abordarea realității devine versatilă și se extinde într-un concept filozofic al vieții, fără nicio afectare a concretității și vivacității imaginilor. Depășind semnificativ în acest sens genurile romanului psihologic, socio-satiric și cotidian care existau la acea vreme, romanul lui Cervantes se află la începutul secolului al XVII-lea. un fenomen excepțional, cu mult înaintea erei sale. Ideile, imaginile, modul de narațiune, tonul general și trăsăturile stilistice individuale ale „Don Quijote” găsesc un răspuns larg în literatura europeană.

Renașterea în Germania

Umanismul a apărut în Germania în anii 1430, cu un secol mai târziu decât în ​​Italia, sub influența culturii sale. Primele sale influențe au apărut în vremea Catedralei din Basel...

Impresionismul în pictura rusă de la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea

Konstantin Alekseevich Korovin 1861-1939 Ambii părinți l-au pictat bine, pictorii L. L. Kamenev și I. M. Pryanishnikov, populari în anii 1860-1870, erau prieteni acasă. La treisprezece ani după ce fratele mai mare...

Originile artei teatrale din epoca antichității

Aristotel însuși în Poetică atrage atenția asupra faptului că, dezvoltându-se treptat, tragedia capătă o formă independentă, separându-se de drama satirică, apărută sub tiranie, care a contribuit la dezvoltarea ei...

Cercul de idei și controverse ale Renașterii

Cu toate acestea, exaltarea individualității este doar o latură a ideologiei renascentiste. La urma urmei, artiștii străluciți ai Înaltei Renașteri, împreună cu profunzimile personalității umane autoafirmate, sunt extrem de acuți...

Genuri muzicale și teatrale

Tragedie (din germană Tragödie din latină tragoedia din alții - greacă fsbgschdYab) - gen opera de artă, destinat a fi pus în scenă, în care intriga conduce personajele la un deznodământ dezastruos. Tragedia este marcată de o gravitate severă...

Expresivitatea plastică în crearea unei imagini scenice

Scena duelului dintre Hamlet și Laertes, care încheie tragedia, oferă temeiuri pentru diverse interpretări ale imaginii lui Hamlet și servește drept cheie pentru înțelegerea acesteia. Hamlet este un filozof, Hamlet este un gânditor, Hamlet este un răzbunător al vederii, Hamlet luptă pentru tron...

Pictori de portrete din primul jumătatea anului XIXîn.

"Primul sfert al secolului al XIX-lea a fost marcat în artă de crearea unui portret romantic. Principala linie de dezvoltare a portretului romantic rusesc a avut loc în opera lui O.A. Kiprensky, Tropinin timpuriu și Venetsianov timpuriu"...

Postmodernismul și trăsăturile manifestării sale în arta muzicală

Unul dintre cei mai importanți reprezentanți ai postmodernismului în muzică este compozitorul englez M. Nyman. Muzica lui pare surprinzător de simplă la exterior, dar în același timp ascunde o complexitate interioară și profunzime. Este marcat de un ritm puternic și proeminent...

Motive religioase în opera lui Repin

Stasov l-a numit pe Repin un artist cu sarcini mari și orizonturi de întindere larg. Repin a fost în strânsă prietenie cu Stasov de mulți ani. În memoriile sale, el îl numește „un cavaler în cel mai nobil sens al cuvântului”, „născut pentru arte”...

Comparație a adaptărilor cinematografice ale „Hamlet” în diferite versiuni

Creativitate Monet

"Monet - E doar un ochi, dar, Doamne, ce ochi!" Așa l-a descris impresionistul francez Paul Cezanne pe marele artist, prietenul și colegul său...

Creativitate Federico Fellini

regizor de cinema fellini neorealism În toți anii de dezvoltare, cinematografia din Italia a fost considerată una dintre cele mai puternice din Europa. Ea a trecut prin toate etapele formării și dezvoltării artei cinematografice, care sunt și caracteristice altor țări...

Creativitatea lui Shakespeare

Shakespeare era originar din comitatul Warwick.Strămoșii săi s-au stabilit în Warwickshire pentru o lungă perioadă de timp. În întreaga regiune, legăturile lor de familie pot fi urmărite între fermierii obișnuiți și printre artizani și în familiile nobiliare ...

Umanismul italian este un fenomen istoric complex și cu mai multe fațete. Umanismul este strâns legat de diverse sfere ale vieții socio-politice și culturale a Italiei din secolele XIV-XVI, cu conștiința publică a claselor și straturilor individuale...

Omul în arta Renașterii

În secolul al XV-lea, în Italia s-a dezvoltat o puternică mișcare umanistă. Centrele culturii renascentiste din aceasta perioada nu au fost doar Florenta, Milano, Venetia, Roma, ci si Ferrara, Mantua, Urbino, Bologna. S-a format o nouă inteligență...

ÎN lumea artei Tragediile lui Shakespeare timpuriu au arătat, de asemenea, o viziune renascentist asupra lumii și a omului: baza ciocnirilor tragice de până acum este pur și simplu lipsa de înțelegere a eroilor lui Shakespeare că o persoană este frumoasă în aproape toate manifestările sale. Iată tragedia „Romeo și Julieta” (1595) – aici frumoasa dragoste a tinerilor Romeo Montecchi și Julieta Capulet, provenind din două genuri aflate în război între ele, devine victimă a vrăjmașiei părintești. Această dușmănie se potolește apoi, apoi izbucnește: slujitorii Capuleților se gândesc doar la cum să-i provoace legal pe slujitorii Montaguesi la o ceartă, lupta dintre slujitori se dezvoltă într-o luptă între nepoți și apoi venerabilii părinți ai lui. familiile înseși își apucă săbiile și se luptă, reținute de soțiile lor.

Și este firesc că dragostea tinerilor moștenitori ai două clanuri în război nu poate decât să fie percepută de părinții de familii cu ură și groază. Dar, culmea, nici Romeo, nici Julieta nu pot sta departe de viețile familiilor lor. Așa că, într-o ceartă, Romeo îl ucide pe fratele Julietei, Tybalt, iar signora Capulet, mama Julietei, cere execuția lui Romeo. Da, și în sufletul Julietei se luptă un sentiment de dragoste și datorie față de familia ei. Julieta s-a căsătorit în secret cu Romeo. Dar acum află că Romeo ei a devenit ucigașul fratelui ei:

JULIETA Să-mi condamn soțul? O, bietul meu, cine te va cruţa, Dacă eu, soţia ta de trei ore, N-am cruţat? Dar de ce, ticălosule, mi-ai ucis fratele? Dar fratele meu mi-ar fi ucis soțul într-un mod răutăcios! Soțul meu este în viață; Tybalt l-ar fi ucis; Tybalt este ucis - sau ar deveni un criminal...

O astfel de dezvoltare a intrigii este tipică pentru o serie de tragedii grecești, mai târziu pentru tragediile scrise în tradițiile clasicismului (secolele XXVII-XVIII), de exemplu, pentru celebra tragedie a lui P. Corneille „Sid”. Dar tragedia clasică a afirmat în mod clar prioritatea datoriei asupra sentimentului și personaj principal De exemplu, „Sid” al lui Kornelev, ca pedeapsă pentru palma adusă tatălui său, îl ucide pe tatăl iubitei sale Jimena, care, la rândul său, ascultând de datoria tatălui ei, cere executarea iubitului ei, deși în același timp înțelege că iubitul ei nu putea face altfel.

Shakespeare, în tragedia sa, nu dezminți în niciun caz conceptul de datorie, reabilește în același timp sentimentul uman. Romeo și Julieta mor în cele din urmă - iar vina pentru asta în ochii publicului nu revine îndrăgostiților înșiși, care nu au îndrăznit să sacrifice dragostea ca un sacrificiu al onoarei familiei, ci taților a două familii care au sacrificat dragostea familiei. ambițiile și, involuntar, viața copiilor lor. ȘI " erou pozitiv„Tragedia, Ducele de Verona, în final se referă la părinții familiilor în război:

Și unde sunt dușmanii - Munții, Capuleții? Biciul cerului te pedepsește pentru ură, Privindu-te de fericire prin puterea iubirii.

În final, părinții celor două familii se împacă - iar Montague promite să ridice o statuie de aur a Julietei și, ca răspuns, aude cuvintele Capuleților:

Voi ridica o statuie a lui Romeo în apropiere: La urma urmei, amândoi suntem distruși de discordie.

Umanismul lui Shakespeare înainte de 1600 este umanismul Renașterii, un umanism bazat pe afirmarea frumuseții nemărginite a unei persoane libere și active, care a aruncat lanțurile tăgăduirii de sine medievale. Chiar și ciocnirile tragice din lumea artistică a cronicilor și tragediilor de la începutul lui Shakespeare sunt fie evenimente întâmplătoare într-o lume controlată de o providență rezonabilă, fie sunt rezultatul prejudecăților medievale care încă încapătă o persoană („Romeo și Julieta”), dar cu siguranță nu. o consecință a depravării naturii umane însăși...

Umanismul lui Shakespeare după 1600 - acesta este un umanism tragic, plin de dezamăgire față de natura umană, adus la viață printr-o reevaluare a idealurilor Renașterii. De acum, Shakespeare acordă din ce în ce mai multă preferință genului tragediei, iar ciocnirile tragice se bazează, de regulă, pe depravarea umană. Acum omul însuși este cel care își face propria viață insuportabilă; Lumea lui Shakespeare se transformă într-un lanț nesfârșit de înșelăciuni perfide și masacre; acum, în lumea artistică a pieselor lui Shakespeare, există întotdeauna un motiv de imperfecțiune inerent vieții pământești, un sentiment de un fel de dezordine tragică.

Deja în tragedia „Hamlet” (1601) s-a manifestat clar umanismul tragic al noii concepții asupra vieții a lui Shakespeare. Tragedia a fost scrisă pe materialul unei legende daneze din secolul al XIII-lea și, deja înainte de Shakespeare, au fost făcute mai multe transcripții ale acestui complot, dar aceste transcrieri, de regulă, s-au rezumat la o schemă simplă: o sete de răzbunare pentru un otrăvit. tată și o imitație de nebunie pentru a atinge acest scop. Dar Shakespeare a folosit intriga unei celebre legende pentru a crea o tragedie cu cel mai profund conținut filozofic.

Așadar, Hamletul lui Shakespeare, Prințul Danemarcei, se întoarce în Danemarca de la Wittenberg, unde a studiat la universitate, șocat de două evenimente tragice: moartea tatălui său și faptul că mama sa, regina Gertrude, „nici nu s-a uzat. pantofii în care mergea în spatele sicriului”, s-a recăsătorit. În fața ochilor tinerilor universitar Hamlet, lumea se prăbușește:

Doamne, fiara, lipsită de rațiune, S-ar plictisi mai mult! - căsătorit cu un unchi, Care nu seamănă mai mult cu un tată decât semăn eu cu Hercule. O luna mai tarziu! De asemenea, sarea lacrimilor ei necinstite Pe pleoapele înroșite nu a dispărut, Pe măsură ce s-a căsătorit. Grabă ticăloasă - Cum să te arunci pe un pat de incest! Nu, și nu poate fi bine.

Incantația fantomei lui Shakespeare a imprimat deja trăsăturile eticii umaniste a Renașterii. Chiar și tradiția străveche a permis oricărei persoane să fie atrasă pe orbita răzbunării - chiar și mama răzbunatorului. Putem aminti în acest sens tragedia lui Sofocle „Electra” și tragedia lui Euripide cu același nume. În lumea artistică a acestor tragedii, răzbunarea lui Oreste și Electra asupra propriei sale mame a fost consacrată de voința divină, Euripide, care a decis să meargă mult mai departe decât Sofocle pe calea unei interpretări non-canonice, netradiționale a intrigii. , a îndrăznit deja să se îndoiască de faptul că această răzbunare este un bine fără echivoc, ”pentru a arăta îndoielile și ezitările lui Oreste care nu dorește această răzbunare, o percepe ca pe o necesitate tragică.

Și totuși, chiar și în lumea lui Euripide, dreptatea umană a lui Oreste, care nu vrea să se răzbune, se ciocnește de presiunea voinței divine, care este neclintită - să se răzbune!

Cât despre „Hamlet” al lui Shakespeare, aici fantoma omului ucis însuși stabilește limita răzbunării: „Nu te păta, nu-ți intenționa mama”. Desigur, acest lucru poate fi explicat și prin faptul că gradul de vinovăție al reginei Gertrude a lui Shakespeare a fost mai mic decât gradul de vinovăție al lui Sofocle și, respectiv, al lui Euripide (și mai devreme și al lui Eschilean) Clitemnestra. Numai la urma urmei, fantoma lui Shakespeare nu pune prea multă atenție asupra gradului de vinovăție al reginei Gertrude. Însuși faptul că îl avertizează pe Hamlet să nu se răzbune pe mama sa, adică sugerează însăși posibilitatea unei astfel de răzbunare, indică faptul că actul Gertrudei (căsătorirea cu ucigașul soțului ei - deși fără participare directă la crimă), în conformitate cu standardele morale ale epocii shakespeariane, comparabile cu crima lui Claudius, ucigașul și uzurpatorul tronului.

Cuvintele fantomei, chiar accentul pus pe cuvintele „pe mama ta” sugerează că ideea este, în primul rând, că Gertrude este mama lui Hamlet sortită răzbunării. Mamă – și deci inviolabilă. Hamlet îi este indicat un singur obiect de răzbunare - acesta este Claudius.

Hamlet trebuie să îndeplinească acum voința postumă a tatălui său - și el însuși consideră că este o rușine să nu răzbune crima. Dar Hamlet are o proprietate care, în cele din urmă, l-a făcut un nume cunoscut: nu este capabil să acționeze fără raționament; înainte de a face ceva, el trebuie să cunoască întregul adevăr.

Și așa că Hamlet, neîncrezător deplin că fantoma tatălui său a apărut cu adevărat, decide să verifice dacă Claudius este cu adevărat un criminal: pentru asta chiar angajează actori care să joace în fața lui. Familia regală o piesă de teatru, în cursul căreia urmează să aibă loc o crimă, asemănătoare cu cea comisă de Claudius, iar regina-soție a celui ucis, conform complotului, trebuie să convergă cu ucigașul; totodată, Hamlet, neavând încredere până la capăt, îl întreabă pe prietenul său Horatio.

Umanismul lui Shakespeare Umanismul renascentist

Alte eseuri pe această temă:

1. G. Cervantes „Don Quijote” și W. Shakespeare „Romeo și Julieta”. Renașterea în majoritatea țărilor europene se întinde pe perioada 15 și 16...
2. Această mare eră progresivă a fost lungă și a trecut prin mai multe etape, desemnate drept Renașterea timpurie, Renașterea și Renașterea înaltă și târzie...
3. Renașterea în majoritatea țărilor europene se întinde pe secolele al XV-lea și al XVI-lea. A fost o perioadă în care oamenii au început să se opună domnilor feudali,...
4. În 1605, W. Shakespeare a scris două tragedii - „Macbeth” și „Regele Lear”. În Regele Lear, tragicul umanism al „răposatului” Shakespeare...
5. La 16 ani, Germania se afla sub influența Franței (lângă care se afla) și a Italiei (cu care nordul Germaniei făcea comerț). În plus,...
6. Scop: familiarizarea elevilor cu principalele evenimente din viața dramaturgului și (succint) cu conceptul de „Renaștere”; Îmbunătățiți-vă abilitățile de scris și...
7. Marile opere de artă - aceasta este particularitatea lor - deschid cel mai larg spațiu pentru percepția individuală și toată lumea are dreptul să vadă, să găsească ...
8. Renașterea sau Renașterea (Renașterea franceză, Rinascimento italiană) este o epocă din istoria culturii europene, care a înlocuit cultura Evului Mediu și...
9. Unitatea natiunilor engleze, ascensiunea spirituală, intensitatea vieții culturale – în asemenea condiții la granița secolelor XVI-XVII. a aparut in literatura engleza...
10. Cele „târzii” includ tragedii create de Shakespeare între 1601 și 1608: Hamlet, Othello, Macbeth, Coriolanus, Antony și Cleopatra, Regele Lear...
11. Unitatea națiunii engleze, înălțarea spirituală, intensitatea vieții culturale – în astfel de condiții la granița secolelor XVI-XVII. a aparut in literatura engleza...
12. dramaturg englez, poet care a creat sonetele de renume mondial (1593-1600), opere dramatice: „Romeo și Julieta” (1594), „Hamlet” (1601), „Othello” (1604), „Regele...
13. La începutul secolului al XVII-lea. ciocnirea lumii, dominată de „puterea aurului și a pasiunilor distructive”, cu lumea veche a crudei violențe feudale...
14. Se știe că Shakespeare a luat numele de Mercutio din surse de încredere pentru el, ceea ce a servit drept imbold pentru introducerea lui în singura piesă în curs de dezvoltare....
Personajele literare care, dincolo de profunzimea generalizării artistice, trec dincolo de opere specifice și de epoca reflectată în ele, sunt numite „imagini eterne”....

Plan:

1. Introducere

2) Nașterea, moartea lui William Shakespeare

3) întrebarea lui Shakespeare

4) Trei perioade mod creativ Shakespeare

5) Sonetele lui Shakespeare

6) Dramele lui Shakespeare

7) Drama„Henric al IV-lea” și „Henric V”.

8) Romeo și Julieta

9) Concluzie

10) Surse de internet

William Shakespeare

1) Opera marelui scriitor englez William Shakespeare este de importanță mondială. Geniul lui Shakespeare este drag întregii omeniri. Lumea ideilor și imaginilor poetului umanist este cu adevărat enormă. Semnificația universală a lui Shakespeare constă în realismul și naționalitatea operei sale.

2) William Shakespeare s-a născut la 23 aprilie 1564 în Stratford-on-Avon în familia unui mănuș. Viitorul dramaturg a studiat la o școală de liceu, unde predau latină și greacă, precum și literatură și istorie. Viața într-un oraș de provincie a oferit o oportunitate de contact strâns cu oamenii, de la care Shakespeare a învățat folclorul englezesc și bogăția limbajului popular. Pentru o vreme, Shakespeare a fost profesor junior. În 1582 s-a căsătorit cu Anna Hathaway; a avut trei copii. În 1587, Shakespeare a plecat la Londra și în curând a început să joace pe scenă, deși nu a avut prea mult succes ca actor. Din 1593 a lucrat la Teatrul Burbage ca actor, regizor și dramaturg, iar din 1599 a devenit acționar al Teatrului Globe. Piesele lui Shakespeare erau foarte populare, deși puțini oameni îi cunoșteau numele la acea vreme, deoarece spectatorul acorda atenție în primul rând actorilor.În 1612, Shakespeare părăsește teatrul, încetează să scrie piese și revine la Stratford-on-Avon. Shakespeare a murit pe 23 aprilie 1616 și a fost înmormântat în orașul său natal.

3) Lipsa de informații despre viața lui Shakespeare a dat naștere așa-numitei întrebări Shakespeare. Începând din secolul al XVIII-lea. unii cercetători au început să exprime ideea că piesele lui Shakespeare nu au fost scrise de Shakespeare, ci de o altă persoană care a vrut să-și ascundă paternitatea și și-a publicat lucrările sub numele lui Shakespeare. Herbert Lawrence a declarat în 1772 că dramaturgul era filozoful Francis Bacon; Delia Bacon a susținut în 1857 că piesele au fost scrise de membrii cercului lui Walter Raleigh, care includea Bacon; Carl Bleibtrey în 1907, Dumblon în 1918, F. Shipulinsky în 1924 au încercat să demonstreze că Lordul Rutland a fost autorul pieselor. Unii savanți au atribuit calitatea de autor contelui de Oxford, conte de Pembroke, conte de Derby. La noi, această teorie a fost susținută de V.M.Friche. I.A. Aksenov credea că multe piese nu au fost scrise de Shakespeare, ci doar editate de el.

Teoriile care neagă paternitatea lui Shakespeare sunt insuportabile. Ele au apărut pe baza neîncrederii în tradițiile care au servit drept sursă a biografiei lui Shakespeare și pe baza nedorinței de a vedea talent de geniu la o persoană de origine democratică care nu a absolvit universitatea. Ceea ce se știe despre viața lui Shakespeare confirmă pe deplin calitatea de autor. Mintea filozofică, viziunea poetică asupra lumii, vastitatea cunoștințelor, înțelegerea profundă a problemelor morale și psihologice - toate acestea le-a avut Shakespeare datorită lecturii sporite, comunicării cu oamenii, participării active la treburile timpului său, atitudinii atentă la viață.

4) Calea creativă a lui Shakespeare este împărțită în trei perioade. În prima perioadă (1591-1601), au fost create poeziile „Venus și Adonis” și „Lucreția”, sonete și aproape toate cronicile istorice, cu excepția lui „Henric al VIII-lea” (1613); trei tragedii: „Titus Andronicus”, „Romeo și Julieta” și „Iulius Caesar”. Genul cel mai caracteristic acestei perioade a fost o comedie veselă, strălucitoare („Blânzirea scorpiei”, „Visul unei nopți de vară”, „Comerciantul de la Veneția”, „Soțiile vesele din Windsor”, „Mult zgomot pentru nimic” , „Așa cum vă place”, „A douăsprezecea noapte”).

A doua perioadă (1601-1608) a fost marcată de interesul pentru conflictele tragice și eroii tragici. Shakespeare creează tragedii: Hamlet, Othello, Regele Lear, Macbeth, Antony și Cleopatra, Coriolanus, Timon al Atenei. Comediile scrise în această perioadă poartă deja o reflectare tragică; în comediile „Troilus şi Cressida” şi „Măsură pentru măsură” se intensifică elementul satiric.

A treia perioadă (1608-1612) cuprinde tragicomediile „Pericles”, „Cymbeline”, „Povestea de iarnă”, „Furtuna”, în care apare fantezia și alegorismul.

5) Sonetele lui Shakespeare (1592-1598, publicate în 1699) au fost apogeul poeziei Renașterii engleze și cea mai importantă piatră de hotar din istoria poeziei mondiale. Până la sfârșitul secolului al XVI-lea. sonetul a devenit genul principal în poezia engleză. Sonetele lui Shakespeare, prin profunzimea lor filozofică, puterea lirică, sentimentul dramatic și muzicalitatea, ocupă un loc remarcabil în dezvoltarea artei sonetului din acea vreme.

Sonetele lui Shakespeare sunt muzicale. Întreaga structură figurativă a poemelor sale este aproape de muzică.

Imaginea poetică din Shakespeare este, de asemenea, apropiată de imaginea picturală. În arta verbală a sonetului, poetul se bazează pe legea perspectivei descoperită de artiştii renascentişti. Sonetul al 24-lea începe cu cuvintele: Ochiul meu a devenit un gravor și imaginea ta s-a întipărit în pieptul meu cu adevărat. De atunci am servit ca un cadru viu, iar cel mai bun lucru în artă este perspectiva.

Sentimentul perspectivei a fost un mod de a exprima dinamica fiintei, multidimensionalitatea vietii reale, unicitatea individualitatii umane*.

6) Cele mai bune drame istorice ale lui Shakespeare sunt cele două părți „Henric al IV-lea” și „Henric V”. Bolingbroke, care a devenit regele Henric al IV-lea, intră în conflict cu domnii feudali. Principalii săi adversari sunt baronii din familia Percy. Ridicând o rebeliune împotriva regelui, feudalii acționează inconsecvent, interesele egoiste îi împiedică să se unească. Ca urmare a acestei neuniri din timpul rebeliunii, curajosul Henry Percy, supranumit Hotspur („Hot Spur”), moare tragic. Și în această cronică, Shakespeare arată inevitabilitatea înfrângerii lorzilor feudali într-o ciocnire cu puterea regală. Cu toate acestea, Cavalerul din Hotspur este portretizat în termeni pozitivi. El evocă simpatie pentru loialitatea sa față de idealul onoarei militare, curajului și neînfricării. Shakespeare este atras de calitățile morale ale unui cavaler curajos. Dar nu îl acceptă pe Hotsper ca pe o persoană care exprimă interesele lorzilor feudali și este asociat cu forțe care se estompează în trecut. Hotspur acționează ca un adversar al lui Henric al IV-lea, Prințului Harry și Falstaff și este în mod clar inferior acestor eroi, care reprezintă noile forțe în evoluție ale societății. Piesa reflectă regularitatea obiectivă a timpului: moartea tragică a feudalilor și instaurarea treptată a unei noi forțe – absolutismul.

7) Regele Henric al IV-lea, odată ajuns la tron ​​grație unor acțiuni diplomatice iscusite, își pierde în cele din urmă activitatea și, ca și predecesorii săi, se află într-o stare de criză morală. Henric al IV-lea este îngrijorat că nu a reușit să scape țara de războaie fratricide. Cu puțin timp înainte de moartea bolnavului Henric al IV-lea, îndepărtându-se de fosta sa suspiciune și secret, într-o conversație cu fiul său își exprimă în mod direct îngrijorarea pentru soarta Angliei, dându-i prințului Harry sfaturi cu privire la treburile publice. Henric al IV-lea nu a putut duce până la capăt lupta împotriva feudalilor pentru că el însuși a acționat întotdeauna ca un feudal și a ajuns la putere ca un feudal, uzurpând tronul.

Cel mai important rol din intriga ambelor părți din „Henric al IV-lea” este jucat de imaginea Prințului Harry, viitorul rege Henric al V-lea. În conformitate cu legenda care a existat în Renaștere, Shakespeare l-a portretizat pe Prințul Harry ca pe un om disolut, răsfățându-se în aventuri amuzante și amuzante în compania lui Falstraff. Dar, în ciuda desfrânării sale, prințul Harry este un om pur din punct de vedere moral. Deși, în realitate, Prințul Harry a fost un aventurier crud, Shakespeare l-a portretizat ca pe un tânăr minunat. Idealizarea prințului este cauzată de credința lui Shakespeare în natura progresivă a unei monarhii absolute care unește națiunea.

8) În „Romeo și Julieta” există o legătură palpabilă cu comediile lui Shakespeare. Apropierea de comedie se reflectă în rolul principal al temei iubirii, în personajul comic al doicei, în inteligența lui Mercutio, în farsa cu servitorii, în atmosfera de carnaval a balului din casa Capulet, în colorare strălucitoare, optimistă a întregii piese. Cu toate acestea, în dezvoltarea temei principale - dragostea tinerilor eroi - Shakespeare se îndreaptă spre tragic. Începutul tragic apare în piesă sub forma unui conflict de forțe sociale, și nu ca o dramă a unei lupte interioare, spirituale.

Cauza morții tragice a lui Romeo și Julieta este vrăjirea familiei dintre familiile Montague și Capulet și morala feudală. Lupta dintre familii ia viețile altor tineri - Tybalt și Mercutio. Acesta din urmă, înainte de moartea sa, condamnă această ceartă: „O ciuma pe ambele case”. Nici ducele și nici orășenii nu au putut opri dușmănia. Și abia după moartea lui Romeo și Julieta vine reconcilierea dintre Montagues și Capuleți în război.

Sentimentul înalt și luminos al îndrăgostiților marchează trezirea unor noi forțe în societate în zorii unei noi ere. Dar ciocnirea dintre vechiul și noua moralitate îi duce inevitabil pe eroi la un final tragic. Tragedia se încheie cu o afirmare morală a vitalității frumoaselor sentimente umane. Tragedia „Romeo și Julieta” este lirică, este pătrunsă de poezia tinereții, de exaltarea nobilimii sufletești și de puterea atotcuceritoare a iubirii. Cuvintele finale ale piesei sunt avântate cu tragedie lirică:

Dar nu există poveste mai tristă în lume,

Mai mult decât povestea lui Romeo și Julieta.

(Tradus de T. Shchepkina-Kupernik)

În personajele tragediei se dezvăluie frumusețea spirituală a unui om al Renașterii. Tânărul Romeo este o persoană liberă. S-a îndepărtat deja de familia sa patriarhală și nu este legat de moralitatea feudală. Romeo găsește bucurie în comunicarea cu prietenii: cel mai bun prieten al său este nobilul și curajosul Mercutio. Dragostea pentru Julieta a luminat viața lui Romeo, l-a făcut o persoană curajoasă și puternică. În ascensiunea rapidă a sentimentelor, în izbucnirea firească a pasiunii tinere, începe înflorirea personalității umane. În dragostea sa, plină de bucurie victorioasă și prevestirea necazului, Romeo acționează ca o natură activă și energică. Cu ce ​​curaj suportă durerea provocată de vestea morții Julietei! Câtă determinare și vitejie în conștientizarea că viața fără Julieta este imposibilă pentru el!

Pentru Juliet, dragostea a devenit o ispravă. Ea luptă eroic împotriva moralității Domostroy a tatălui ei și sfidează legile vrăjirii de sânge. Curajul și înțelepciunea Julietei s-au manifestat prin faptul că s-a ridicat peste cearta veche dintre două familii. După ce s-a îndrăgostit de Romeo, Julieta respinge convențiile crude ale tradițiilor sociale. Respectul și dragostea față de o persoană sunt mai importante pentru ea decât toate regulile consacrate de tradiție. Julieta spune:

La urma urmei, doar numele tău este dușmanul meu,

Și voi - sunteți voi, nu Montagues.

În dragoste, se dezvăluie sufletul frumos al eroinei. Julieta este captivantă prin sinceritate și tandrețe, ardoare și devotament. Îndrăgostit de Romeo toată viața ei. După moartea iubitului ei, nu mai poate exista viață pentru ea și ea alege cu curaj moartea.

Călugărul Lorenzo ocupă un loc important în sistemul de imagini ale tragediei. Fratele Lorenzo este departe de fanatismul religios. Acesta este un om de știință umanist, el simpatizează cu noile tendințe și aspirațiile iubitoare de libertate care apar în societate. Așadar, îi ajută, decât poate, pe Romeo și Julieta, care sunt nevoiți să-și ascundă căsnicia. Înțeleptul Lorenzo înțelege adâncimea sentimentelor tinerilor eroi, dar vede că dragostea lor poate duce la un sfârșit tragic.

Pușkin a apreciat foarte mult această tragedie. El a numit imaginile lui Romeo și Julieta „creații fermecătoare ale grației shakespeariane”, iar Mercutio – „rafinat, afectuos, nobil”, „cea mai minunată față a tuturor tragediilor”. În ansamblu, Pușkin a vorbit despre această tragedie în felul următor: „Ea reflecta Italia, contemporană poetului, cu clima, pasiunile, vacanțele, beatitudinea, sonetele, cu limbajul ei luxos, plin de strălucire și concetti.”

9) Shakespeare a surprins în creațiile sale punctul de cotitură al epocii, lupta dramatică dintre vechi și nou. Lucrările sale au reflectat mișcarea istoriei în contradicțiile ei tragice. Tragedia lui Shakespeare se bazează pe materialul intriga istoriei și legendei, care reflectă starea eroică a lumii. Dar pe acest material legendar și istoric, Shakespeare a ridicat probleme contemporane acute. Rolul oamenilor în viața societății, relația dintre personalitatea eroică și popor se dezvăluie cu o uimitoare profunzime filozofică în tragedia Coriolanus (Coriolanus, 1608). Viteazul comandant Coriolanus este grozav când reprezintă interesele Romei natale, interesele poporului, câștigând o victorie în Corioli. Oamenii își admiră eroul, îi apreciază curajul și sinceritatea. Coriolanus iubește și oamenii, dar știe puțin despre viața lor. Conștiința patriarhală a lui Coriolan nu este încă capabilă să înțeleagă contradicțiile sociale în curs de dezvoltare în societate; prin urmare, el nu se gândește la situația poporului, refuză să le dea pâine. Oamenii se îndepărtează de eroul lor. În Coriolan, alungat din societate, s-a trezit singur, se trezește mândria exorbitantă, ura față de plebe; aceasta îl duce la trădare împotriva patriei. El se opune Romei, împotriva poporului său și prin aceasta se condamnă la moarte.

Naționalitatea lui Shakespeare este că a trăit după interesele timpului său, a fost fidel idealurilor umanismului, a întruchipat principiul etic în lucrările sale, a atras imagini din vistieria artei populare, a înfățișat eroi pe un fundal popular larg. În operele lui Shakespeare - originile dezvoltării dramei, versurilor și romanului timpurilor moderne.

Caracterul popular al dramei lui Shakespeare este determinat și de limbaj. Shakespeare a folosit bogăția limbajului vorbit al locuitorilor Londrei, a dat cuvintelor nuanțe noi, sens nou *. Discursul popular plin de viață al eroilor pieselor lui Shakespeare este plin de jocuri de cuvinte. Imaginile limbajului din piesele lui Shakespeare se realizează prin utilizarea frecventă a comparațiilor și metaforelor precise, picturale. Adesea, vorbirea personajelor, în principal în piesele din prima perioadă, devine jalnică, ceea ce se realizează prin utilizarea eufemismelor. Ulterior, Shakespeare s-a opus stilului eufuistic.

În piesele lui Shakespeare, discursul în versuri (vers alb) alternează cu proza. Eroii tragici vorbesc în principal în versuri, iar personajele de benzi desenate, bufonii - în proză. Dar uneori proza ​​se găsește și în discursul eroilor tragici. Poeziile se disting printr-o varietate de forme ritmice (iambic de cinci picioare, șase picioare și patru picioare iambic, silabe).