„Simbolul Pescăruşului în piesa omonimă a lui Cehov. Teza: Simboluri în drama lui A.P. Simbolurile lui Cehov în piesa Pescărușul

Scris

Veneau vremuri noi. Epoca reacției, perioada violenței împotriva individului, a suprimării brutale a oricărui gând liber mergea înapoi. La mijlocul anilor 90 ai secolului al XIX-lea, ea a fost înlocuită uneori de ascensiunea socială, revitalizarea mișcării de eliberare, trezirea prevestirilor de primăvară ale schimbărilor iminente. A.P.Cehov a simțit că Rusia stă la ruptura de ere, în pragul prăbușirii lumii vechi, a auzit zgomotul clar al vocilor reînnoirii vieții. Nașterea dramei mature a lui Cehov, acele patru mari lucrări pentru scenă - „Pescărușul”, „Unchiul Vania”, „Trei surori”, „ Livada de cireși”, - care a făcut o revoluție în drama mondială.

„Pescărușul” (1896) este cea mai autobiografică, personală lucrare pentru Cehov însuși (nu vorbim despre corespondențele directe cotidiene ale personajelor piesei cu oameni apropiați lui Cehov, nu despre anumite prototipuri pe care critica literară le încearcă cu atâta insistență. pentru a stabili până acum, ci mai degrabă despre autoexprimarea lirică a autorului). Într-o piesă scrisă într-o mică aripă a lui Melikhovo, Cehov, poate pentru prima dată, și-a exprimat atât de deschis viața și poziția estetică.

Această piesă este despre oameni de artă, despre chinurile creativității, despre tineri artiști agitați și neliniştiți și despre generația în vârstă, hrănită de îngâmfat, care păzește pozițiile pe care le-au câștigat. Această piesă este și despre dragoste („se vorbește mult despre literatură, puțină acțiune, cinci kilograme de dragoste”, a glumit Cehov), despre un sentiment neîmpărtășit, despre neînțelegerea reciprocă a oamenilor și dezordinea crudă a destinelor personale. În sfârșit, aceasta este o piesă despre căutarea dureroasă a adevăratului sens al vieții, „ideea generală”, scopul existenței, „o anumită viziune asupra lumii”, fără de care viața este „o mizerie continuă, groază”. Folosind materialul artei, Cehov vorbește aici despre întreaga existență umană, extinzând treptat cercurile de cercetare artistică a realității

Piesa se dezvoltă ca o lucrare polifonică, polifonică, „multi-motorie”, în care se intersectează voci diferite, teme, intrigi, destine, personaje diferite. Toți eroii coexistă în mod egal: nu există destine principale și secundare, apoi unul sau altul erou iese în prim-plan, pentru a trece apoi în umbră. Evident, prin urmare, este imposibil, dar cu greu necesar, să îl evidențiem pe protagonistul din Pescărușul. Această întrebare nu este incontestabilă. A fost o vreme când Nina Zarechnaya a fost, fără îndoială, eroina, mai târziu Treplev a devenit erou. Într-o performanță, imaginea lui Masha iese în față, în alta, totul este umbrit de Arkadina și Trigorin.

Cu toate acestea, este destul de evident că toate simpatiile lui Cehov sunt de partea generației tinere, în căutare, a celor care abia intră în viață. Deși și aici vede căi diferite, care nu se contopesc. O fată tânără care a crescut într-o moșie nobiliară veche de pe malul lacului, Nina Zarechnaya și un student care abandonează școala într-o jachetă ponosită, Konstantin Treplev, se străduiesc ambii să intre în lumea minunată a artei. Încep împreună: o fată joacă într-o piesă scrisă de un tânăr talentat îndrăgostit de ea. Piesa este ciudată, abstractă, vorbește despre eternul conflict dintre spirit și materie. „Avem nevoie de noi forme! proclamă Treplev. „Este nevoie de noi forme, iar dacă nu există, atunci nimic nu este mai bun!”

O scenă a fost asamblată în grabă în grădina de seară. „Fără decorațiuni - vedere direct la lac.” Și o voce agitată de fată aruncă cuvinte ciudate: „Oameni, lei, vulturi și potârnichi, căprioare cu coarne, gâște, păianjeni, într-un cuvânt, toate viețile, toate viețile, toate viețile, după ce au încheiat un cerc trist, s-au stins... Frig, frig, frig. Gol, gol, gol... „Poate că se naște o nouă operă de artă...

Dar piesa rămâne neterminată. mama lui Treplev, celebră actriță Arkadina, demonstrativ, nu vrea să asculte aceste „prostii decadente”. Spectacolul este întrerupt. Aceasta dezvăluie incompatibilitatea a două lumi, două viziuni asupra vieții și două poziții în artă. „Voi, rutineștilor, ați acaparat primatul în artă și considerați legal și real doar ceea ce faceți singuri, iar restul îl asupriți și înăbușiți! - Treplev se revoltă împotriva mamei sale și a scriitorului de succes Trigorin. - Nu te recunosc! Nu te recunosc pe tine sau pe el!”

În acest conflict, apare o criză în arta rusă și în viața de la sfârșitul secolului al XIX-lea, când „arta veche a mers prost, dar cea nouă încă nu funcționase” (N. Berkovsky). Vechiul realism clasic, în care „imitația naturii” a devenit un scop în sine („oamenii mănâncă, bea, iubesc, merg, poartă jachetele”), a degenerat doar într-un meșteșug tehnic inteligent. Arta noului, secolul viitor se naște în agonie, iar căile sale încă nu sunt clare. „Trebuie să înfățișăm viața nu așa cum este și nu așa cum ar trebui să fie, ci așa cum apare în vise” - acest program al lui Treplev sună până acum ca o declarație vagă și pretențioasă. Cu talentul său, a împins de pe malul vechi, dar încă nu s-a lipit de cel nou. Și viața fără o „viziune clară asupra lumii” se transformă pentru un tânăr căutător într-un lanț de chin continuu.

Pierderea „ideei comune - zeul omului viu” împarte oamenii în snoyrf tranzițional. Contactele sunt rupte, fiecare există pe cont propriu, singur, incapabil să-l înțeleagă pe celălalt. De aceea, sentimentul iubirii este mai ales lipsit de speranță aici: toată lumea iubește, dar toată lumea este neiubită și toată lumea este nefericită. Nina nu poate nici să înțeleagă și nici să se îndrăgostească de Treplev, el, la rândul său, nu observă dragostea devotată și răbdătoare a lui Masha. Nina îl iubește pe Tri-gorin, dar el o părăsește. Cu ultimul efort de voință, Arkadina îl ține pe Trigorin lângă ea, dar între ei nu există dragoste de multă vreme. Polina Andreevna suferă în mod constant de indiferența lui Dorn, profesorul lui Medvedenko - de insensibilitatea lui Masha...

Necontactul amenință să se transforme nu numai în indiferență și insensibilitate, ci chiar în trădare. Așa trădează necugetat Trepleva Nina Zarechnaya când se repezi cu capul după Trigorin, după „gloria zgomotoasă”. (Și poate acesta este motivul pentru care Cehov nu o face „câștigătoare” în final.) Așadar, o mamă este capabilă să-și trădeze fiul, să devină dușmanul său, să nu observe că el este pe punctul de a se sinucide.

"Ajuta-ma. Ajutor, altfel voi face o prostie, o să râd de viața mea, o să o stric ... ”- se roagă Masha doctorului Dorn, mărturisindu-i dragostea ei pentru Konstantin. „Cât de nervoși sunt toți! Și câtă dragoste... O, lacul vrăjitoarelor! Dar ce pot face, copilul meu? Ce? Ce?" Întrebarea rămâne fără răspuns. Aceasta este drama iresponsabilității, incompatibilității oamenilor în această tristă „comedie lirică” a lui Cehov.

Deși această piesă a fost numită „comedie” (iată un alt mister al dramaturgului Cehov), nu este puțină distracție în ea. Toate acestea sunt impregnate de langoarea spiritului, anxietăți de neînțelegere reciprocă, sentimente neîmpărtășite, nemulțumire generală. Chiar și cea mai aparent prosperă persoană - scriitor faimos Grigory, iar el suferă în secret de nemulțumire față de soarta lui, de profesia lui. Departe de oameni, el va sta în tăcere cu undițele lângă râu, apoi va sparge brusc într-un monolog cu adevărat cehovian și va deveni clar că și această persoană este, în esență, nefericită și singură.

Într-un cuvânt, Cehov a scris o comedie tristă - la durere, la țipăt, la împușcătură, sentimentul dezordinei generale a vieții vine aici. Atunci de ce piesa se numește „Pescărușul”? Și de ce, în timp ce o citim, suntem cuprinsi și cuceriți de un sentiment deosebit de poezie a întregii sale atmosfere? Cel mai probabil pentru că Cehov extrage poezia din însăși neliniștea vieții.

Simbolul Pescăruşului reprezintă un motiv al unui zbor etern tulburător, un stimul pentru mişcare, o goană în depărtare. Nu a fost un banal „complot pentru o nuvelă” pe care scriitorul a extras din povestea pescăruşului împuşcat, ci tema epic amplă a amarului nemulţumire faţă de viaţă, a trezirii poftei, a dorului, a dorului pentru un viitor mai bun. Numai prin suferință Nina Zarechnaya ajunge la ideea că principalul lucru este „nu faima, nu strălucirea”, nu ceea ce a visat cândva, ci „capacitatea de a îndura”. „Fii capabil să-ți purtați crucea și să credeți” - acest îndelungat îndemn la răbdare curajoasă deschide imaginea tragică a Pescărușului către o perspectivă aeriană, un zbor către viitor, nu o închide cu timp și spațiu delimitat istoric, nu pune un punct, dar o elipsă în soarta ei.

„Livada de cireși”

Natura comică a Livadă de cireși este inerentă structurii piesei. Fiecare erou este absorbit de propriul său adevăr, „cufundat în experiențele sale și nu-i observă pe cei din jur: durerea lor, dorul lor, bucuriile și speranțele lor. Fiecare dintre personaje, parcă, își joacă propria interpretare solo. Aceste solo. spectacolele alcătuiesc o acțiune atât de complexă în sunet și polifonie (polifonie, un cor special organizat de voci independente), și disonanță, sunetul inconsecvent, discordant, unde fiecare voce se străduiește să fie singura.

De unde această auto-absorbție a eroilor din The Cherry Orchard? Ce îi împiedică să se audă: la urma urmei, toți sunt oameni apropiați care încearcă să se ajute, să se sprijine și să primească sprijin? Să fim atenți: fiecare dintre eroi mărturisește, dar în cele din urmă toate aceste mărturisiri se dovedesc a fi adresate publicului, și nu partenerilor de pe scenă. La un moment dat, cel care mărturisește își dă seama că nu poate explica cel mai important lucru. Deci, Anya nu va înțelege niciodată drama mamei sale, iar Lyubov Andreevna însăși nu va înțelege niciodată pasiunea ei pentru ideile lui Petya. Ce anume „nu-i lasă” pe eroii piesei unul la altul? Cert este că, conform intenției autorului, fiecare dintre ei nu este doar o persoană, ci și un interpret cu un anumit rol socio-istoric: ceea ce poate fi numit „ostatic al Istoriei”. O persoană poate să intre până la un punct ajustați-vă personalitatea, relațiile cu ceilalți. Dar nu-și poate schimba rolul, oricât de străin este pentru el. Discrepanța dintre esența interioară a eroului și rolul socio-istoric pe care este forțat să-l joace - aceasta este esența dramatică a Livadă de cireși.

„O femeie bătrână, nimic în prezent, totul în trecut”, a caracterizat Cehov pe Ranevskaya în scrisorile sale către Stanislavski, care a pus în scenă piesa. Care este trecutul ei? Tinerețea ei, viața de familie, livada de cireși înflorită și rodnică - totul s-a încheiat cu câțiva ani în urmă, s-a încheiat tragic. Soțul ei a murit, moșia a căzut în decădere, a apărut o nouă pasiune dureroasă. Și atunci s-a întâmplat ireparabilul: a murit - s-a înecat în râu - Grisha. Moartea unui fiu este cea mai groaznică tragedie. Pentru Ranevskaya, oroarea pierderii a fost combinată cu un sentiment de vinovăție: infatuarea față de iubita ei, absorbția în dragoste, i se pare, a înstrăinat-o de fiul ei. Poate că moartea absurdă ar fi putut fi prevenită? Poate că moartea lui Grisha este o pedeapsă pentru ea, mamă, pentru o pasiune nepermisă? Și Ranevskaya fuge de acasă - din livada de cireși, de fiicele ei, de fratele ei, de râul în care s-a înecat fiul ei - de toată viața anterioară, de trecutul ei, care s-a transformat într-o catastrofă ireparabilă. Aleargă să nu se mai întoarcă, aleargă să-și încheie undeva viața păcătoasă și ridicolă - după moartea băiatului.

Ranevskaya ajunge la Paris. Atenuat durere ascuțită, primul val de disperare s-a potolit. Ranevskaya a fost salvată de dragoste. Simt pentru o persoană nedemnă de ea, pentru un ticălos... Dar ne este cu adevărat dat să alegem pe cine să iubim? Da, el este un ticălos, ultimul ei iubit, a jefuit-o și a abandonat-o, apoi s-a întors din nou - din nou un cerșetor. Și Lyubov Andreevna știe totul despre el, înțelege totul - și nu vrea să știe și să-și amintească acest lucru. Căci sentimentul în sine este valoros, căci nu există nimic pentru ea în viață mai mare decât iubirea.

Aceasta este singura eroină din The Cherry Orchard care trăiește într-un halou al iubirii: nu întâmplător se numește Love. Iubirile trecute și prezente sunt împletite în sufletul ei, abilitatea de a iubi dezinteresat și imprudent, abandonându-se complet sentimentului - aceasta este „cheia” imaginii lui Ranevskaya. „Este o piatră pe gâtul meu, merg până jos cu ea, dar iubesc această piatră și nu pot trăi fără ea”. Cine altcineva dintre eroinele ruse a fost atât de sincer?!

Actuala ei existență pariziană ciudată este, în esență, viață după viață. Nimic din trecut nu este uitat. O rană teribilă nu s-a vindecat și nu se va vindeca niciodată. Legătura cu casa și familia devine din ce în ce mai fantomatică. Este cu atât mai imposibil fie să devenim „unul de-ai noștri” la Paris, fie să ne întoarcem în livada de cireși... Fantomatica, absurditatea existenței, dorul de casă, un sentiment de vinovăție în fața fiicei și a fiicei vitrege - pentru că le-ai părăsit , pentru că și-au cheltuit averea - chinuri Lyubov Andreevna. Și acum, sub ochii noștri, se face un pas decisiv: Ranevskaya se întoarce acasă. Rupe telegramele de la iubitul ei, lacrimează fără să citească: Parisul s-a terminat! Ea este fericită: „Vreau să sar, flutură cu brațele... Dumnezeu știe, îmi iubesc patria, o iubesc cu drag, nu puteam să mă uit din trăsură, plângeam”. „Dacă mi-aș putea scoate o piatră grea din piept și din umeri, dacă mi-aș putea uita trecutul!”

Ranevskaya se întoarce în casa în care toată lumea o iubește, unde o așteaptă - și a așteptat cu credință cinci ani „parizieni”. Și unde toată lumea o condamnă pentru ceva: pentru „depravare”, pentru frivolitate... Nimeni nu vrea să o accepte așa cum este; este iubită, condamnând și râzând. Și Ranevskaya însăși simte acut acest lucru, acceptă dreptatea reproșurilor, își simte constant vinovăția. Dar pe lângă sentimentul de vinovăție, în ea crește înstrăinarea: de ce toată lumea îi cere ceva ce nu poate da, de ce se așteaptă ca ea să se schimbe, să devină ceea ce cei din jur vor să o vadă, să înceteze să fie ea însăși?! Cu cât mai departe, cu atât devine mai clar: ea este o străină aici.

În lista de caractere, Ranevskaya este desemnată într-un singur cuvânt: „proprietar”. Dar acesta este un proprietar de pământ care nu a știut niciodată să-și gestioneze moșia, a iubit-o cu pasiune - și nu a putut să o salveze. Evadarea ei din moșie după moartea lui Grisha, ipotecă și re-ipotecare a acestei proprietăți ... Nominal - un proprietar de teren. De fapt, el este un copil al acestei livezi de cireși, incapabil să-l salveze de la ruină și de la moarte.

Rolul proprietarului terenului pentru Ranevskaya a fost „jucat” de mult timp. Rolul mamei este, de asemenea: Anya pleacă într-o viață nouă, unde nu este loc pentru Lyubov Andreevna; Varya se stabilește în felul ei... Întorcându-se pentru a rămâne pentru totdeauna, Ranevskaya își încheie doar viața anterioară, se asigură că este imposibil să intri de două ori în același râu. Toate speranțele se transformă într-o slujbă de pomenire pentru viața anterioară: trecutul a murit, a dispărut irevocabil. Ea a trăit toate „comploturile” posibile în Rusia. Patria nu a acceptat-o pe fiica risipitoare: întoarcerea nu a avut loc. Iar fantomatica „viață după viață” pariziană se dovedește a fi singura realitate. Ranevskaya se întoarce la Paris - iar în Rusia, în livada ei de cireși, bate deja un topor.

Elementul dragostei, pasiunilor dureroase, păcatului și pocăinței, în care trăiește Ranevskaya, este străin de restul eroilor comediei. Iată-l pe fratele ei și de aceeași vârstă, Gaev. Leonid Andreevici, un bărbat în vârstă care și-a trăit deja cea mai mare parte a vieții, gândește și se comportă ca un bătrân. Dar tinerețea inepuizabilă a lui Gaev nu seamănă cu credulitatea și lejeritatea surorii sale. El este pur și simplu copilăresc. Nu tinerețea cu pasiunile ei rebele a rămas în el - Gaev, se pare, nu a crescut niciodată până la ea, nu a trecut niciodată pragul creșei. Neputincios, vorbăreț, superficial, iubind cu adevărat nimic și pe nimeni. „Croiset... Galben la mijloc...” Sunetul bilelor de biliard îi vindecă complet suferința după pierderea livezii de cireși... Dar chiar și în el, om prost, nedezvoltat spiritual, Cehov vede ceva drăguț: el este unul dintre proprietarii excentrici ai județului, în felul lor, a decorat provincia pe vremuri, dând cuiburilor nobiliare rusești un farmec aparte. Gaev este o figură născută din timpul său; comic, ridicol și patetic într-o nouă eră.

În comedie se împletesc mai multe povești. Linia romanței eșuate dintre Lopakhin și Vary se termină mai devreme decât toți ceilalți. Este construită pe tehnica cehoviană preferată: mai ales și de bunăvoie vorbesc despre ceea ce nu este, discută detalii, se ceartă despre fleacuri - inexistente, neobservând sau tăcând în mod deliberat existentul și esențialul. Apropo, să fim atenți: lui Gogol îi place foarte mult această tehnică. Să ne amintim cum întreg orașul în " Suflete moarte„A discutat cu gust despre țăranii de la Cicikov, care nu mai erau în lume, despre cum au argumentat ce este „țăranul lui Cicikov”, dacă noul proprietar de pământ din Herson va fi capabil să facă față acestui țăran. Și cum însuși Cicikov, cu plăcere, aproape că crezând în realitatea propriei sale invenții, discută problemele Dar tehnica lui Gogol este concepută pentru a multiplica interacțiunea realului și a straturilor suprareale ale lumii sale artistice, o fuziune între fantasmagorie și realitate. Ranevskaya vorbește despre ruptura ei cu „acea persoană”. cu convingere, de parcă s-ar fi hotărât demult, și lasă în seama lui... Se discută cu încredere proiecte pentru salvarea grădinii... Se vorbește despre romanul dintre Lopakhin și Vary.Dar de ce nu a avut loc? acest roman?De ce nu au făcut destinele truditorului Varya și om de afaceri Lopakhin? Și aici este permis să se întrebe: a existat un roman? A fost o iluzie?

Să ne uităm la imaginea lui Lopakhin. Cehov însuși a considerat rolul său „central” în comedie, i-a scris lui Stanislavski că „dacă eșuează, atunci întreaga piesă va eșua”. Cehov i-a cerut lui Stanislavsky să joace rolul lui Lopakhin însuși, el a crezut că acesta este dincolo de puterea unui alt actor: el „fie va juca foarte palid, fie va face o glumă, va face un pumn din Lopakhin... La urma urmei, acesta este nu un negustor în sensul vulgar al cuvântului, trebuie să înțelegem asta.” Cu toate acestea, „Teatrul de Artă din Moscova” nu a ascultat cererile autorului, ei au montat „Livada de cireși” în felul lor. Și, deși spectacolul a fost un mare succes, Cehov a fost extrem de nemulțumit de producție, a răspuns brusc negativ, a susținut că teatrul nu a înțeles piesa și a eșuat totul. Teatrul avea dreptul la propria interpretare, dar ce a pus însuși dramaturgul în comedie, de ce nu Ranevskaya și Gaev, așa cum jucau în cea a lui Stanislavsky, dar el l-a plasat pe Lopakhin în centrul sistemului figurativ.

Figura comerciantului a atras literatura rusă de o jumătate de secol. Alături de tiranii întunecați și noile bogății ridicole, ei căutau trăsăturile unui negustor nou, inteligent, un antreprenor înțelept și cinstit. Tocmai această combinație de dragoste dezinteresată pentru frumos - și filonul unui negustor, simplitatea țărănească - și un suflet artistic subtil este pe care Cehov încearcă să surprindă și să întrupeze în imaginea lui Lopakhin.

Lopakhin este singurul care oferă un plan real pentru a salva livada de cireși. Și acest plan este real, în primul rând, pentru că Lopakhin înțelege: grădina nu poate fi păstrată în forma sa anterioară, timpul ei a trecut, iar acum grădina poate fi salvată numai prin reconstruire, re-creare în conformitate cu cerințele nouă eră.

Într-adevăr, grădina a fost cândva o parte importantă a economiei moșierului: „Pe vremuri, acum patruzeci sau cincizeci de ani, cireșele erau uscate, înmuiate, murate, se gătea dulceață și s-a întâmplat... cireșele uscate erau trimise cu cărucioare. la Moscova și Harkov. Și cireșele uscate erau apoi moi, suculente, dulci, parfumate ... Metoda era cunoscută atunci ... "- își amintește Firs. Acum această metodă este uitată. Banii lipsesc crunt, dar economisesc la mâncare pentru curte, în timp ce cireșele nu au încotro, cad și dispar. Grădina a devenit un simbol, a încetat să mai fie o realitate: pentru toată lumea, cu excepția lui Lopakhin, este sălașul fantomelor trecutului. Aici Ranevskaya își vede mama decedată mergând prin grădină. Petya îi explică Anyei: „... nu se uită oamenii la tine din fiecare cireș din grădină, din fiecare frunză, din fiecare trunchi, nu auzi voci...”

Lopakhin caută să întoarcă viața grădinii - chiar dacă i-a suflat o viață nouă, aproape negându-l pe cea veche. „Diviziunea grădinii în cabane de vară – ideea cu care se poartă Lopakhin – nu este doar distrugerea livezii de cireși, ci reconstrucția ei, amenajarea, ca să spunem așa, a unei livezi publice de cireși. accesibilă oricui la un preț rezonabil, grădina Lopakhinsky se corelează, la fel ca cultura urbană democratică a epocii lui Cehov, cu minunata cultură a conacului din trecut. " (Legăturile literare ale lui Kataev V.B. Cehov. - M .: Editura Universității de Stat din Moscova, 1989). VB Kataev comentează foarte inteligent și subtil esența ideii lui Lopakhin. Pentru el, un fiu de țăran, un țăran, grădina lui Ranevskaya face parte dintr-o cultură aristocratică de elită, chintesența ei. Ceea ce era inaccesibil acum douăzeci de ani este acum aproape „întins pe drum”: iar această senzație îl intoxică pe Lopakhin. Pe de altă parte, grădina este pe moarte - și numai el, Lopakhin, poate salva această comoară. Toate încercările lui de a salva grădina pentru Ranevskaya nu duc nicăieri: ea nu îl aude pe Lopakhin, nu înțelege argumentele sale simple și clare. Într-adevăr, pentru Lyubov Andreevna, livada de cireși există doar în forma sa originală, în integritatea ei. Grădina, împărțită în parcele și dată cabanelor de vară, era încă pierdută și distrusă: „... vinde-mă și grădina...”

Lopakhin îi convinge pe Ranevskaya și Gaev, explică, demonstrează, oferă bani: el încearcă sincer să salveze grădina pentru proprietar. Și până la urmă el însuși se dovedește a fi proprietarul grădinii - din întâmplare, în mod neașteptat pentru el și cei din jur. Este în același timp fericit - și deprimat, descurajat de cele întâmplate: „Hei, muzicieni, cântați, vreau să vă ascult! Veniți cu toții să vedeți cum Yermolai Lopakhin are destul topor în livada de cireși, în timp ce copacii cad la pământul! Vom înființa căsuțe de vară, iar nepoții și strănepoții noștri vor vedea o nouă viață aici... Muzică, cântă! .. De ce, de ce nu m-ai ascultat? Sărmanul meu, cuminte, nu mă poți aduce înapoi acum. (Cu lacrimi.) viața noastră incomodă, nefericită."

Să ne gândim la ultimele cuvinte disperate ale lui Lopakhin. El – singurul din piesă – este dat să se apropie de adevărul real, de o înțelegere profundă a esenței epocii. Lopakhin vede nu păcatele și vinovăția individuale ale cuiva, ci necazul profund al întregului viața modernă: „Trebuie să spunem sincer, viața noastră este proastă... Ne adulmecăm unul în fața celuilalt, iar viața doar trece pe lângă el...” însuși și lumea, și îl pune pe Lopakhin în centrul comediei.

Acum să ne gândim: ar putea Lopakhin să fie atras de Varya - cenușiu, îngust la minte, surprins de calcule economice mărunte? Varya Lopakhin iubește? Cum înțelege ea dragostea? Amintiți-vă, Petya este încă supărată că Varya îl spionează pe el și pe Anya, îi este teamă că, indiferent de modul în care vor obține un roman, oricât de ilegal s-ar întâmpla. Și ideea nu este că Petya și Anya sunt departe de iubire, ci în principiile și punctele de vedere ale Varinei, în percepția ei meschină, rațională, filistenă a oricărei relații umane - și relația ei cu Lopakhin, de asemenea. Varya nu se întreabă dacă îl iubește pe Yermolai Alekseevich și dacă el o iubește. Ea vede un joc potrivit (mai ales că nu există alți concurenți pentru mâna ei, nu există pe nimeni altcineva despre care să bârfească). Ea vrea să se căsătorească. Și așteaptă o declarație de dragoste și o propunere de la Lopakhin - iar Varya atribuie faptul că Lopakhin nu rostește cuvintele mult așteptate în detrimentul eficienței sale ":" Are multe de făcut, nu are timp de mine , „și” se îmbogățește, este ocupat cu afaceri... „Varya așteaptă un curs simplu și logic al vieții: deoarece Lopakhin vizitează adesea o casă în care există fete necăsătorite, dintre care doar ea, Varya, îi este „potrivită” – asta înseamnă că trebuie să se căsătorească. Și doar ocupația îl împiedică să-i observe demnitatea. Varya nici măcar nu are un gând să privească situația diferit, să se gândească dacă Lopakhin o iubește, este ea interesantă pentru el? Toate așteptările Varina se bazează pe conversațiile celorlalți că această căsătorie ar avea succes, pe bârfe inactive!

Nu timiditatea și neocuparea îl împiedică pe Lopakhin să-i explice lui Varya. Dându-și seama ce așteaptă toată lumea de la el, realizând că Varya este o „partidă decentă” pentru el, Yermolai Alekseevici ezită totuși și, în cele din urmă, nu face niciodată o propunere. Ei bine, nu-i place Varya, s-a plictisit de ea! În paralel cu presupusa poveste de dragoste cu Varya, despre care toată lumea vorbește atât de mult, pentru Lopakhin i se trage un alt fir: „îi place al lui, mai mult decât al lui”, o iubește pe Ranevskaya. Această linie este perfect explicată de V.B. Kataev: „Ar părea de neconceput, ridicol pentru Ranevskaya și pentru toți cei din jurul lui, iar el însuși, aparent, nu este pe deplin conștient de sentimentele sale. Dar este suficient să urmărim cum se comportă Lopakhin, să zicem, în al doilea act, după ce Ranevskaya spune El a fost după aceasta când a vorbit cu iritare despre cât de bine era înainte, când bărbații puteau fi bătuți, l-a tachinat fără tact pe Petya.Toate acestea sunt rezultatul unei scăderi a dispoziției sale după ce vede clar că Ranevskaya și nu i se trece niciodată prin minte. el să-și ia în serios sentimentele și, mai departe, în piesă, această tandrețe neîmpărtășită a lui Lopakhin va izbucni de mai multe ori.

O grădină pe moarte și o dragoste eșuată, chiar neobservată sunt două teme transversale, conectate intern ale piesei „(Legăturile literare ale lui Kataev VB Cehov. - M .: Editura Universității de Stat din Moscova, 1989).

Țăran, fiu de țăran, care își datorează succesul în viață doar lui însuși, abilităților și muncii grele, Lopakhin devine proprietarul livezii de cireși. El este cel care deține cea mai arzătoare mărturisire: „... o moșie, mai frumoasă decât care nu este nimic pe lume”. Niciunul dintre personajele piesei nu a spus mai sincer și entuziasmat despre grădină! Om al poporului, ia în mâinile sale ceea ce până acum aparținea doar aristocrației și pe care aristocrația nu a putut să le păstreze. Speră Cehov în Lopakhin? Da sigur. Dar autorul nu se flatează cu privire la noii țărani care, ca și Lopakhin, s-au desprins din cercul lor. Lângă Yermolai Alekseevici există o figură foarte „importantă - lacheul Yasha. Este același fiu de țăran, el simte și prăpastia dintre poziția sa actuală (a trăit la Paris! îl pornește pe Lopakhin, cu toată esența sa i se opune. Nu. doar Rusia lui Ranevskaya și Rusia lui Petit Trofimov se uită una la alta, dar și Rusia lui Lopakhin și Rusia lacheului Yasha.

"... Lopakhin la sfârșitul piesei, după ce a obținut succes, este arătat de Cehov nu ca un câștigător. Întregul conținut al Livadă de cireși întărește cuvintele acestui erou despre" viața incomodă, nefericită ", care" știe. pentru tine însuți trece.” Într-adevăr, omul, care singur este capabil să aprecieze cu adevărat ce este o livadă de cireși, este forțat (la urma urmei, nu există alte căi de ieșire din această situație) să o distrugă cu propriile mâini. intenții - și rezultatele activităților sale sociale "(Legăturile literare ale lui Kataev VB Cehov. - M .: Editura Universității de Stat din Moscova, 1989). Și din nou aici este imposibil să nu ne amintim" Suflete moarte Intriga "Gogol. Livada de cireși" oglindește intriga mirajului lui Gogol. Cicikov, strângându-și toată puterea pentru a acumula bogății și a deveni stăpânul vieții, se destramă în mod absurd și neașteptat din "punctul cel mai înalt" al fiecăreia dintre escrocherii sale, când, ar fi se pare că fericirea este la o aruncătură de băț Lopakhin, care încerca cu disperare să o salveze pentru Ranevskaya.

Neașteptarea unei astfel de întorsături îi întărește pe cei din jur în opinia că este un negustor, un spărgător de bani care se gândește doar la profit. Iar abisul care îl separă pe Lopakhin de restul personajelor din piesă este din ce în ce mai profund. Trei centre ideologice și compoziționale sunt unite în piesa: Ranevskaya, Gaev și Varya - Lopakhin - Petya și Anya. Vă rugăm să rețineți: printre ei, doar Lopakhin este absolut singur. Restul formează grupuri stabile. Am înțeles deja primele două „centre”, acum să ne gândim la al treilea centru - la Peta Trofimov și Anya.

Desigur, Petya joacă rolul principal. Această cifră este contradictorie, atitudinea autorului de comedie și a locuitorilor moșiei față de el este contradictorie. O tradiție teatrală stabilă ne-a făcut să vedem în Petya un gânditor și activist progresist: aceasta a început cu prima producție a lui Stanislavsky, unde V. Kachalov a jucat pe Petya în rolul „petrelului” lui Gorki. Această interpretare a fost susținută și în majoritatea operelor literare, unde cercetătorii s-au bazat pe monologurile lui Petya și nu le-au corelat cu acțiunile eroului, cu întreaga structură a rolului său. Între timp, să ne amintim că teatrul lui Cehov este un teatru al intonației, nu al textului; prin urmare, interpretarea tradițională a imaginii lui Trofimov este fundamental incorectă.

În primul rând, rădăcinile literare se simt clar în imaginea lui Petya. S-a corelat cu eroul lui „Novi” Turgheniev Nezhdanov și cu eroul piesei lui Ostrovsky „Talent și admiratori” de Peter Meluzov. Și Cehov însuși a studiat mult timp acest tip istoric și social - tipul protestant-iluminatorului. Așa sunt Solomon în Stepă, Pavel Ivanovici în Gusev, Yartsev în povestea Trei ani, Doctorul Blagovo în viața mea. Imaginea lui Petya este strâns legată în special de eroul „Mireasa” Sasha - cercetătorii au remarcat în mod repetat că aceste imagini sunt foarte apropiate, că rolurile lui Petya și Sasha în complot sunt similare: ambele sunt necesare pentru a captiva tinerii. eroine într-o nouă viață. Dar interesul constant, intens cu care Cehov a privit acest tip apărut în epoca atemporității, revenind la el în diverse lucrări, a dus la faptul că din eroii secundari și episodici din ultima piesă a devenit eroul central - unul. a celor centrale.

Singură și neliniștită, Petya rătăcește prin Rusia. Fără adăpost, epuizat, practic cerșetor... Și totuși este fericit în felul lui: acesta este cel mai liber și mai optimist dintre personajele din Livada cireșilor. Privind această imagine, înțelegem: Petya trăiește într-o lume diferită de restul personajelor din comedie - el trăiește într-o lume a ideilor care există în paralel cu lumea lucrurilor și a relațiilor reale. Idei, planuri grandioase, sisteme socio-filosofice - aceasta este lumea lui Petya, elementul lui. O astfel de existență fericită într-o altă dimensiune l-a interesat pe Cehov și l-a făcut să se uite mai atent la acest tip de erou din când în când.

Relația lui Petya cu lumea reală este foarte tensionată. Nu știe să trăiască în ea, pentru cei din jur este absurd și ciudat, ridicol și patetic: „domn ponosit”, „etern student”. El nu poate finaliza cursul la nicio universitate - este dat afară de peste tot pentru că a participat la revoltele studențești. Nu este în ton cu lucrurile - totul se rupe mereu de el, se pierde, cade. Nici macar barba saracului Petya nu creste! Dar în lumea ideilor, el - urcă! Acolo totul se dovedește cu dibăcie și fără probleme, acolo prinde subtil toate legile, înțelege profund esența ascunsă a fenomenelor, este gata și capabil să explice totul. Și la urma urmei, toate raționamentele lui Petya despre viață Rusia modernă foarte corect! El vorbește cu adevărat și cu pasiune despre trecutul teribil, influențând încă viu prezentul, fără a renunța la îmbrățișarea lui convulsivă. Să ne amintim monologul său din actul al doilea, unde o convinge pe Anya să arunce o nouă privire asupra livada de cireși și asupra vieții ei: „Pentru a deține suflete vii - până la urmă, asta v-a renascut pe toți cei care au trăit înainte și care trăiți acum. ..." Petya are dreptate! A.I. Herzen: în articolul „Carnea eliberării” a scris că iobăgie a otrăvit sufletele oamenilor, că niciun decret nu poate desființa cel mai teribil lucru - obiceiul de a vinde propriul soi... Petya vorbește despre necesitatea și inevitabilitatea mântuirii: este posibil doar prin suferință, numai prin muncă extraordinară, continuă. " Și acest lucru este absolut adevărat: ideea de pocăință și răscumpărare este una dintre cele mai pure și mai umane, baza celei mai înalte moralități.

Dar acum Petya începe să vorbească nu despre idei, ci despre întruchiparea lor reală, iar discursurile lui încep imediat să sune pompoase și absurde, întregul sistem de credințe se transformă în simplu frază: „Toată Rusia este grădina noastră”, „omenirea este îndreptându-mă către adevărul cel mai înalt, către cea mai înaltă fericire. ce este posibil pe pământ, iar eu sunt în prim-plan!"

Petya vorbește în aceeași manieră superficială despre relațiile umane, despre lucruri care nu sunt supuse logicii, ceea ce contrazice sistemul armonios al lumii ideilor. Amintiți-vă cât de lipsite de tact conversațiile lui cu Ranevskaya despre iubita ei, despre livada ei de cireși, după care Lyubov Andreevna tânjește și nu poate să o salveze, cât de amuzante și vulgare sună celebrele cuvinte ale lui Petya: „Suntem mai presus decât iubirea!... Pentru el, dragostea este pentru el. trecutul, la o persoană, la casă, dragostea în general, chiar acest sentiment, iraționalitatea lui - este inaccesibil. Și, prin urmare, lumea spirituală a lui Petit pentru Cehov este defectuoasă, incompletă. Și Petya, oricât de corect a raționat despre oroarea iobăgiei și nevoia de a răscumpăra trecutul cu muncă și suferință, este la fel de departe de adevărata înțelegere viața ca Gaev sau Varya. Nu întâmplător Anya este plasată lângă Petya - o fată tânără care încă nu are propria părere despre nimic, care este încă în pragul vieții reale.

Dintre toți locuitorii și oaspeții moșiei, doar Anya a reușit să-l captiveze pe Petya Trofimov cu ideile ei, ea singură îl ia absolut în serios. „Anya este în primul rând o copilă, veselă până la sfârșit, care nu cunoaște viața și nu plânge niciodată...” – a explicat Cehov actorilor la repetiții. Așa că merg în perechi: Petya, ostilă lumii lucrurilor, și tânără, „neștiind viața” Anya. Iar Petya are un obiectiv clar și clar: „înainte spre vedetă”.

Ironia lui Cehov este genială. Comedia sa a surprins în mod surprinzător întreaga absurditate a vieții rusești la sfârșitul secolului, când vechiul s-a încheiat și noul încă nu începuse. Unii eroi cu încredere, în fruntea întregii omeniri, pasează înainte - spre stea, părăsind livada de cireși fără regret. Ce sa regreti? La urma urmei, toată Rusia este grădina noastră! Alți eroi suferă dureros din cauza pierderii grădinii. Pentru ei, aceasta este pierderea unei legături vii cu Rusia și propriul lor trecut, cu rădăcinile lor, fără de care nu pot supraviețui decât oarecum anilor alocați, este pentru totdeauna inutilă și fără speranță ... Salvarea grădinii constă în radicalul ei. reconstrucţie, dar viață nouăînseamnă, în primul rând, moartea trecutului, iar călăul este cel care vede cel mai clar frumusețea lumii pe moarte.

Pentru o gustare …… .. despre Imaginea Livezii de Cireși.

Livada de cireși este o imagine complexă și ambiguă. Aceasta nu este doar o grădină specifică, care face parte din moșia Gayev și Ranevskaya, ci și o imagine simbolică. Simbolizează nu numai frumusețea naturii rusești, ci, cel mai important, frumusețea vieții oamenilor care au crescut această grădină și au admirat-o, viața care piere odată cu moartea grădinii.

Imaginea livezii de cireși unește toate personajele din piesă. La prima vedere, se pare că acestea sunt doar rude și vechi cunoștințe care, întâmplător, s-au adunat în moșie pentru a-și rezolva problemele de zi cu zi. Dar acesta nu este cazul. Scriitorul leagă personajele de diferite vârsteși grupuri sociale, și vor trebui să decidă cumva soarta grădinii și, prin urmare, propria lor soartă.

Proprietarii proprietății sunt proprietarii ruși Gaev și Ranevskaya. Atat fratele cat si sora sunt oameni educati, inteligenti, sensibili. Ei știu să aprecieze frumusețea, să o simtă subtil, dar din cauza inerției lor nu pot face nimic pentru a o salva. Cu toată dezvoltarea și bogăția lor spirituală, Gaev și Ranevskaya sunt lipsiți de simțul realității, practic și responsabilitatea și, prin urmare, nu sunt capabili să aibă grijă de ei înșiși sau de cei dragi. Ei nu pot urma sfaturile lui Lopakhin și nu pot închiria pământul, în ciuda faptului că le-ar aduce un venit solid: "Dachas și locuitorii de vară - este atât de comun, îmi pare rău". Ei sunt împiedicați să ia această măsură de sentimente deosebite care îi leagă de moșie. Ei tratează grădina ca pe o persoană vie, cu care sunt foarte conectați. Livada de cireși este pentru ei personificarea unei vieți trecute, a unui tânăr plecat. Privind pe fereastră spre grădină, Ranevskaya exclamă: „O, copilăria mea, puritatea mea! Am dormit în această creșă, m-am uitat de aici la grădină, fericirea se trezea cu mine în fiecare dimineață, iar apoi el a fost exact la fel, nimic nu s-a schimbat.” Și mai departe: „O, grădina mea! După o toamnă întunecată ploioasă şi iarna rece din nou ești tânăr, plin de fericire, îngerii cerești nu te-au părăsit ... ”Ranevskaya vorbește nu numai despre grădină, ci și despre ea însăși. Ea, ca un bulto, își compară viața cu „toamna întunecată ploioasă” și „iarna rece”. Revenind la moșia natală, s-a simțit din nou tânără și fericită.

Lopakhin nu împărtășește sentimentele lui Gaev și Ranevskaya. Comportamentul lor i se pare ciudat și ilogic. Se întreabă de ce nu sunt afectați de argumentele atât de evidente pentru el pentru o ieșire prudentă dintr-o situație dificilă. Lopa-khin știe să aprecieze frumusețea: este fascinat de grădină, „nu există nimic mai frumos pe lume”. Dar este o persoană activă și practică. Nu poate să admire grădina și să o regrete fără să încerce să facă ceva pentru a o salva. Încearcă sincer să-i ajute pe Gaev și Ranevskaya, convingându-i constant: „Atât livada de cireși, cât și pământul trebuie închiriate pentru cabane de vară, fă-o acum, cât mai curând posibil - licitația este pe cap! A intelege! " Dar ei nu vor să-l asculte. Gaev este capabil doar de jurăminte goale: „Pe cinstea mea, orice vrei tu, jur că moșia nu va fi vândută!... Jur pe fericirea mea!... Atunci spune-mi o persoană brânză, necinstită, dacă recunosc. la licitatie! Jur cu toată ființa mea!”

Cu toate acestea, licitația a avut loc, iar Lopakhin a cumpărat moșia. Pentru el, acest eveniment are o semnificație aparte: „Am cumpărat o moșie în care bunicul și tatăl meu erau sclavi, unde nici măcar nu aveau voie să intre în bucătărie. Dorm, doar mi se pare, doar mi se pare... ”Astfel, pentru Lopakhin, cumpărarea proprietății devine un fel de simbol al succesului său, o recompensă pentru mulți ani de muncă. Și-ar dori ca tatăl și bunicul său să se ridice din mormânt și să se bucure de felul în care fiul și nepotul lor au reușit în viață. Pentru Lopakhin, livada de cireși este doar un teren care poate fi vândut, ipotecat sau cumpărat. În bucuria sa, nici nu consideră necesar să manifeste un simț elementar al tactului în raport cu foștii proprietari ai moșiei. Începe să taie grădina fără măcar să aștepte plecarea lor. În unele privințe, el este asemănător cu lacheul fără suflet Yasha, căruia îi lipsesc complet sentimente precum bunătatea, dragostea pentru mama sa, atașamentul față de locul în care s-a născut și a crescut. În aceasta, el este opusul direct al brazilor, în care aceste calități sunt dezvoltate neobișnuit. Brazii este cel mai mult un om batran in casa. De mulți ani și-a slujit stăpânii cu credință și adevăr, îi iubește sincer și, într-un mod patern, este gata să-i apere de toate necazurile. Poate că Firs este singurul personaj din piesă înzestrat cu această calitate - devotament. Brazii este o natură foarte integrală, iar această integritate se manifestă pe deplin în atitudinea lui față de grădină. Grădina pentru bătrânul lacheu este un cuib de familie, pe care el caută să-l protejeze la fel ca și stăpânii săi.

Petya Trofimov este un reprezentant al unei noi generații. Nu-i pasă deloc de soarta livezii de cireși. „Suntem deasupra iubirii”, declară el, recunoscând astfel incapacitatea de a se simți serios. Petya privește totul prea superficial: neștiind viața reală, încearcă să o reorganizeze pe baza unor idei exagerate. În exterior, Petya și Anya sunt fericiți. Vor să meargă la o nouă viață, rupând decisiv cu trecutul. Grădina pentru ei este „toată Rusia”, și nu doar această livadă de cireși. Dar este posibil, fără să-ți iubești casa, să iubești lumea întreagă? Ambii eroi se grăbesc spre noi orizonturi, dar își pierd rădăcinile. Înțelegerea reciprocă între Ranevskaya și Trofimov este imposibilă. Dacă nu există trecut și amintiri pentru Petya, atunci Ranevskaya se întristează profund: „La urma urmei, m-am născut aici, tatăl meu și mama mea, bunicul meu au locuit aici, iubesc această casă, fără o livadă de cireși nu-mi înțeleg viața . .."

Livada de cireși este un simbol al frumuseții. Dar cine va salva frumusețea dacă oamenii care sunt capabili să o aprecieze nu pot lupta pentru ea, iar oamenii energici și activi o privesc doar ca pe o sursă de profit și profit?

Livada de cireși este un simbol al trecutului drag inimii și casei. Dar este posibil să mergi înainte când se aude zgomotul unui topor la spatele tău, distrugând tot ce era înainte sacru? Livada de cireși este un simbol al bunătății și, prin urmare, expresii precum „a tăia rădăcinile”, „a călca o floare” sau „lovirea unui copac cu un topor” sună blasfemie și inuman.

Reflectând asupra personajelor și acțiunilor eroilor piesei, reflectăm la soarta Rusiei, care este pentru noi însăși „livada de cireși”.

Scris

Remarcabilul scriitor rus Anton Pavlovici Cehov a adus o contribuție neprețuită la dezvoltarea dramei nu numai interne, ci și mondiale, a adăugat noi principii dramei. Multă vreme, acest tip de creativitate tinde spre unitatea de timp, loc și acțiune, drama se construiește mereu în cuvinte și fapte. Rolul principal al oricărui lucrare dramatică este în conflict. Înțelegerea conflictului determină înțelegerea dramei în ansamblu. În dramă, eroii se caracterizează adesea prin acțiunile și cuvintele lor. Fiecare personaj semnificativ trebuie să aibă o anumită trăsătură principală. Cu toate acestea, în „Pescărușul” există un alt principiu, în această piesă nu există o împărțire clară în răufăcători sau eroi, buni sau răi.

În Pescărușul, ca și în toate celelalte lucrări dramatice ale lui Cehov, există așa-zise cuvinte dominante care definesc semnificațiile principale ale operei. Acestea sunt cuvinte precum „viață”, „dragoste”, „artă”. Aceste cuvinte există la diferite niveluri. Conceptul de „viață” pentru Cehov este atât o problemă, cât și o experiență a valorilor sale. Cehov, ca creator și ca persoană, era deosebit de conștient de trecătoarea vieții (scriitorul suferea de tuberculoză). Love in The Seagull, ca în aproape toate lucrările dramatice, este unul dintre cei mai importanți factori ai intrigii.
Arta (pentru personajele din Pescărușul este în principal literatură și teatru) constituie un strat uriaș al idealurilor eroilor, este profesia și hobby-ul lor.
Toate personajele piesei analizate sunt unite de o singură calitate comună: fiecare își trece singur prin propria soartă și nimeni nu poate ajuta un prieten. Toți eroii, într-o măsură sau alta, sunt nemulțumiți de viață, sunt concentrați pe ei înșiși, pe experiențele și aspirațiile personale.
Cele două eroine principale ale piesei - Arkadina și Zarechnaya - sunt actrițe, Trigorin și Treplev sunt scriitori, Sorim a visat și el cândva să-și conecteze viața cu literatura, dar nu a reușit ca scriitor. Shamraev, deși nu este direct om de artă, totuși îi este apropiat, este interesat de el, în special de opera literară. Dorn poate fi numit și „personaj aproape literar”.
O caracteristică a operei dramatice este absența abaterilor de la drepturile de autor. Și din moment ce creatorul dramei nu are ocazia să ofere o evaluare textuală a personajelor și acțiunilor eroilor săi, el face acest lucru prin discursul și numele lor de familie. Numele personajelor din Pescărușul spun multe.
Numele de familie Arkadina are mai multe surse. „Arkady” - în argou teatral însemna numele diminutiv al actorului. În plus, Arcadia este o țară a visurilor ideale, unde arta se străduiește și conduce o persoană. Arkadina este cu adevărat absorbită de artă, de scenă, nu își poate imagina existența fără acest domeniu al vieții. Cu toate acestea, cunoscând-o din ce în ce mai mult, începem să înțelegem că principalul lucru pentru această femeie nu este arta în sine, ci doar modul în care „a fost primită”. Numele de familie al fiului ei are și el mai multe semnificații. În primul rând, „a bate” - adică a juca, rupe, scutura etc. Al doilea sens - „a bate” - a spune multe și nu la obiect. Al treilea sens al acestui cuvânt este „trepel” - vechiul nume al păsării prepelițe. Cercetătorii mai notează un alt sens, pierdut: tripoli este o piatră silicioasă care merge la tăiat, fluturare înseamnă lustruire, lustruire a ceva. Numele Sorin și Medvedenko sunt elocvente și nu au nevoie de comentarii. Primul personifică inutilitatea, gunoiul, - al doilea - a unui bumpkin aspru, cu mintea îngustă. Nume al doilea Personajul principal„Pescăruși” de Zarechnaya înseamnă ceva de neatins, creează o aură de romantism și vise. Fata, de care Treplev s-a îndrăgostit de mult și profund, i-a rămas întotdeauna inaccesibilă.
Originile numelui de familie Shamraev în cuvântul „chamra”, a cărui traducere literală înseamnă întuneric, întuneric, amurg. Scriitorul Trigorin este, fără îndoială, o personalitate desăvârșită. Numele lui simbolizează succesul. Scriitorul a cucerit cele mai importante trei vârfuri ale vieții, trei munți: iubirea, arta, viața. „Dorn” în traducere din germană înseamnă un spin, un spin.
La întrebarea care este forța motrice a piesei, răspunsul este ambiguu. Cehov a rămas fidel principiului său artistic: nu există sfinți și ticăloși. Personajele eroilor nu se dezvoltă pe parcursul piesei, rămânând neschimbate chiar și pentru o lungă perioadă de timp. De exemplu, Nina Zarechnaya, care a trăit atât de multe evenimente diferite, în mare parte triste, rămâne în continuare aceeași ca la începutul lucrării. Cu toate acestea, această imuabilitate nu poate fi numită statică, este o altă calitate deosebită. Astfel, intriga nu este condusă de metamorfoza în viziunea asupra lumii a personajelor.
Turgheniev a scris că „dacă există personaje conflictuale, atunci ele se vor adăuga cu siguranță la intriga. Cât despre piesa „Pescărușul”, atunci, desigur, există contradicții între personaje. De exemplu, nepotrivirea afecțiunilor umane, iubirea neîmpărtășită: Masha îl iubește pe Treplev, Medvedenko o iubește, mama Mashei este îndrăgostită de doctorul Dorn, la fel ca și fiica ei, fără să se împărtășească. Treplev o iubește pe Nina Zarechnaya, în timp ce Nina are un sentiment profund pentru Trigorin. Treilev suferă și de răceala mamei sale. Arkadina nu-i place fiul ei - acest lucru este subliniat constant pe tot parcursul piesei. Iubirea și liniile creative se intersectează, creând tot mai multe ciocniri. Totuși, toate aceste contradicții nu duc la un conflict de personalități, nu provoacă o luptă antagonistă între personaje. Eroii piesei sunt, în mare, cu voință slabă, leneși, lipsiți de inițiativă.
Și totuși, intriga se dezvoltă destul de rapid. Ce îl motivează? Cel mai probabil - viața însăși.
Treplev este poate cea mai integrantă personalitate dintre personajele principale din piesă. Pentru el, arta și Nina Zarechnaya mai presus de toate. Tânărul se străduiește constant să creeze noi forme, este grav rănit de neglijarea egală a mamei față de aceste încercări. Și chiar și atunci când Treplev devine un scriitor publicat, nici Arkadina, nici Trigorin nu i-au citit fundamental lucrările. Acest lucru arată atitudinea lor negativă față de tot ce este nou.
O altă caracteristică a piesei „Pescăruşul” este vorbirea personajelor. Este banal, replicile sunt adesea date deplasate, dialogurile sunt intermitente. Eroii sunt din când în când distrași, adesea se creează impresia frazelor rostite. Există dominante de vorbire în piesă. Pentru Arkadina - „cum am jucat...”; pentru Nina - "Sunt un pescăruș, cred..."; Usorina - Sunt periculos de bolnav..."; pentru Shamraev - "Nu pot da cai ..."; pentru Dorn - „Am fost, am vrut să fiu...”; cu Medvedenko este greu să trăiești...”.
Cehov a reușit să dezvolte cu măiestrie cel mai subtil subtext. Cuvintele din piesă de multe ori nu sunt legate de acțiune. Cursul piesei aproape că nu este exprimat în cuvinte și fapte. Autorul subliniază rutina a ceea ce se întâmplă.
Piesa conține trei simboluri iconice: lac, pescăruș, suflet mondial. Lacul simbolizează frumusețea peisajului Rusiei Centrale - un element important al pieselor lui Cehov. Nu vedem o descriere a mediului urban. Peisajul devine un participant la evenimente dramatice. Apus, lună, lac - toate acestea sunt proiecții ale vieții spirituale a eroilor.
Pescăruşul - această imagine-simbol - străbate fiecare personaj. Oamenii fără aripi sunt dornici să decoleze, să iasă din viața de zi cu zi. Faptul că un animal de pluș este făcut dintr-un pescăruș este înfricoșător, mortificarea unui pescăruș înseamnă mortificarea sufletului, a artei și a iubirii.
Cehov folosește o tehnică ca o piesă în cadrul unei piese de teatru. La începutul dramei, Treplev pune o piesă despre Sufletul Lumii. Această imagine dezvăluie o relație complexă între natural și uman. Treplev caută o idee generală care să poată explica imperfecțiunea vieții. În fiecare personaj al piesei, există o luptă între principiile materiale și cele spirituale.
Și, în sfârșit, încă o caracteristică a piesei „Pescărușul”. Toți cei care au citit această lucrare își pun involuntar întrebarea: ce este comic în ea? S-ar părea că autorul ne arată doar tragediile asociate fiecărui erou. Comicul și tragicul sunt împletite în mod complex în Pescărușul. Fiecare personaj de-a lungul întregii acțiuni se străduiește constant să obțină un fel de fericire ideală. Desigur, fiecare reprezintă idealul în felul său. Dar eroii sunt uniți de această tenacitate aproape maniacă. Toată lumea vrea să fie fericită, să se întruchipeze în artă, să găsească iubire perfecta... La un moment dat, autorul face cititorul și privitorul să înțeleagă adevărul simplu că încercările de a-și găsi idealul fără umor, fără posibilitatea de a privi situația din punct de vedere comic, sunt sortite eșecului.
Lovitura pune capăt acestei vieți, care se transformă într-o piesă de teatru.

Noua structură liric-epică a operei dramatice, descoperită în Pescărușul, a fost aplicată curând de Cehov în cealaltă piesă a lui, Unchiul Vania, pe care a numit-o pur și simplu „scene din viața satului”, aducând-o dincolo de granițele genului. Aici, și mai hotărât decât înainte, a început să construiască drama nu pe evenimente, nu pe lupta unor voințe „încărcate” opus, nu pe mișcarea către un scop vizibil, ci pe cursul simplu și măsurat al vieții de zi cu zi.
Dacă în „Pescărușul” evenimentele luate de pe scenă încă se învârtesc într-un fel în om

Viața, își schimbă personalitatea, apoi în „Unchiul Vanya”, chiar și în culise, nu au loc evenimente. Cel mai notabil incident este sosirea și plecarea cuplului profesoral al capitalei Serebryakovs la moșia veche și părăsită, unde unchiul Vanya și nepoata Sonya trăiesc și lucrează în mod obișnuit obosit. Mersul pe iarbă și vorbirea despre pierderea sensului vieții coexistă cu grijile legate de cosit, amintirile din trecut sunt intercalate cu un pahar de vodcă și bătăi de chitară.
Deschiderea a fost finalizată. Descoperit „nu este o dramă în viață, ci o dramă a vieții în sine”. Viața de zi cu zi și evenimentele schimbă locurile. Respingând vechea dramă bazată pe eveniment, Cehov desfășoară acțiunea piesei „în afara și în afara evenimentelor”. Evenimentele sunt doar un incident din viața unei persoane. „Evenimentele vin și pleacă, dar viața de zi cu zi rămâne, testând o persoană până la moarte.” Acest test al vieții de zi cu zi – cel mai greu de suportat – stă la baza noului tip de dramă.
În ritmul încetinit al vieții satelor de vară, drama se maturizează treptat, din interior. O dramă pe care o privire superficială o poate confunda doar cu o furtună într-un pahar cu apă. Ci pentru cel care își dă osteneala să se uite cu atenție sens adevărat ce se întâmplă, atunci se va deschide un conflict de conținut epic larg. El este forțat într-o noapte furtunoasă, în mijlocul insomniei, când Voinitsky înțelege brusc cât de prostesc i-a „dorit” viața.
„Viața este pierdută! - Unchiul Vanya va țipa de disperare mai târziu. - Sunt talentat, inteligent, curajos. Dacă aș fi trăit altfel, Schopenhauer, Dostoievski ar fi putut ieși din mine.” Acest țipăt, auzit în vechiul conac, trădează, în esență, un punct dureros al istoriei. Ideea nu este doar că viața unui nefericit Ivan Petrovici Voinitsky „a dispărut”, aruncat la picioarele unui idol exagerat, un biscuit învățat, această gută mizerabilă Serebryakov, pe care l-a venerat timp de 25 de ani ca un geniu, de dragul căruia a a lucrat cu blândețe împreună cu Sonya, storcând ultimele sucuri din moșie. Revolta unchiului Vania semnifică în același timp procesul dureros de destrămare a vechilor autorități în realitatea rusă chiar în momentul în care marele epoca istorica iar dogmele care puseseră recent în mişcare oamenii au fost supuse reevaluării. Tema, ridicată pentru prima dată de Cehov la Ivanov, ca preistorie pre-etapă a eroului, se mută acum în centrul lucrării.
Cultul Serebryakovsky, care lucrase cu sârguință și eficiență de mulți ani, cu zel și înțelegere deplină, a căzut. Iar unchiul Vanya, eroul necredinței care a venit, trece dureros printr-o criză a căderii vechilor valori: „Mi-ai ruinat viața! N-am trăit, n-am trăit! Prin harul tău am distrus, am distrus cei mai buni ani propria viata! Ești cel mai mare dușman al meu!” După ce a izbucnit această tiradă, Voinitsky trage stângaci în Serebryakov - bam! - desigur, îi este dor și nedumerit, se întreabă nedumerit: „O, ce fac! Ce fac?"
Drama unchiului Vanya nu se termină cu această fotografie nereușită. Nici măcar nu va putea să se sinucidă. Drama se complică. „Locația nu este o dramă, ci o șansă. drama va veni după”. – a explicat Cehov. Într-adevăr, drama a început când o serie de zile gri, slabe, pline doar cu numărarea kilogramelor de hrișcă și ulei vegetal, s-au târât din nou. Serebryakovs pleacă. Unchiul Vanya se împacă cu profesorul, își ia rămas bun pentru totdeauna de la frumusețea leneșă Elena. Totul va fi din nou la fel, ca înainte. Au plecat. Tăcere. Greierul explodează. Chitara lui Waffle clincheie puțin. Abacul clacă. Totul revine la normal. Dar iată cum să-ți trăiești restul vieții, cum să înduri acum „testul vieții de zi cu zi”, când o persoană este lipsită de scopul și sensul vieții, o „idee generală”? Cum să începi o „viață nouă”? Aceasta este adevărata dramă „extra-eveniment” a lui Voinitsky. Aceasta este o dramă cu un personaj „impersonal”, deoarece Serebryakov, la urma urmei, nu este esențial. Faptul este că întreaga lume veche se prăbușește, se prăbușește, iar crăpăturile ei trec prin sufletul uman. Voinitsky încă nu înțelege cu adevărat acest lucru, el încă încearcă să astupe găurile căscate cu ceva, „pentru a începe o nouă viață”. Dar doctorul Astrov, enervat, îl oprește: „Eh, hai! Ce viață nouă există! Poziția noastră, a ta și a mea, este fără speranță.” Procesul tragic de reluare, pe care unchiul Vanya tocmai l-a experimentat dureros, este cu mult în urmă lui Astrov. Nu se înșeală cu miraje salutare. El recunoaște sincer că nu are o „lumină în depărtare”. Doctorul Astrov nu crede de mult în nimic, simte cum „disprețuitul filistean” otrăvește oamenii cumsecade, inteligenți cu „aburii lui putrede”, cum el însuși devine treptat un cinic, vulgar, așa că bea vodcă. Dar, pe de altă parte, el este liber de iluzii, de admirația pentru idolii falși. Dacă Voinitsky se află la nivelul „conștiinței de masă” a inteligenței medii ruse, atunci Astrov este cu un pas mai sus. În acest sens, el nu este închis de mediul, mediul, timpul său. Lucrează ca nimeni altcineva din județ, este capabil să planteze păduri și să se gândească cum vor face zgomot descendenților săi îndepărtați. În imaginea lui există poezie, simțul frumosului, „perspectivă aeriană”.
Viața viitoare neîncarnată sclipește încă doar în curentul subteran al existenței prezente. Cehov face posibil să-i audă apropierea, să-i ghicească indicii. El face acest lucru nu direct, ci cu ajutorul unei tehnici speciale de subtext. Când Astrov pleacă în ultimul act și spune o frază întâmplătoare despre „căldura din Africa”, o semnificație uriașă care cu greu poate fi exprimată în cuvinte pare să se leagăne sub ea și nu poate sparge învelișul cuvintelor. De aceea, Cehov avea nevoie de un „sfârșit deschis” în „Unchiul Vania”: viața noastră nu s-a terminat, continuă. „Ce să faci”, spune Sonya, care tocmai și-a luat rămas bun de la visul ei de fericire, „trebuie să trăiești. Noi, unchiul Vanya, vom trăi.” Abacul clacă ca de obicei. În afara ferestrei, paznicul bate cu un ciocan. Acțiunea dispare în liniște. Și din nou apare motivul cehovian al așteptării răbdătoare - nu atât resemnarea față de soarta cuiva, ci perseverența dezinteresată, așteptarea milei viitoare, un apel la eternitate: „Ne vom odihni. vom vedea tot cerul în diamante.”

Cehov a scris despre multe lucruri și despre lucruri diferite, a scris multe despre oamenii „sumbriți”, dar nu imaginile lor care afirmă faima sa în întreaga lume, ci acele lucrări care vorbesc despre credința eroilor săi...
În literatura rusă, scriitorii au atins destul de des subiecte relevante pentru orice epocă. Asemenea probleme, atinse de clasici, precum conceptul de bine și rău, căutarea sensului vieții, influența mediului...
Conținutul ideologic și tematic al piesei determină punctul de cotitură în viața eroilor săi. Toți sunt victime nu ale circumstanțelor private și ale calităților lor personale, ci ale legilor globale ale istoriei: active și energice...
Cehov este autorul unor piese socio-psihologice, în care se acordă o atenție sporită sentimentelor și experiențelor. O atmosferă de nefericire generală pătrunde în dramele lui Cehov; nu există oameni fericiți în ei. Eroii sunt prea deprimați de propriile lor necazuri și...
ARKADINA este eroina comediei de A. P. Cehov „Pescărușul” (1896). „O femeie vulgară fermecătoare”, „o cabotinka fermecătoare”, „o celebritate provincială îngâmfată și încrezătoare în sine” - așa este A. în evaluarea criticilor de teatru. Baza caracterului lui A. este „voința de a...
Poezia lui A. Blok „Cei doisprezece” a fost scrisă în 1918. A fost o perioadă groaznică: în spatele a patru ani de război, un sentiment de libertate în zilele Revoluției din februarie, lovitura de stat din octombrie și venirea la putere a bolșevicilor,...
Piesa „Pescăruşul” atinge multe probleme ale vieţii. În același timp, în spatele detaliilor cotidiene se ascunde un lirism extraordinar. „Pescărușul” nu este construit pe o acțiune dramatică plină de acțiune, ci pe o analiză psihologică profundă a personajelor. Cehov...
Proza lui Anton Pavlovici Cehov se distinge prin laconism, acuratețea alegerii vocabularului și metaforelor și umorul subtil. Scriitorul este maestru desăvârșit al nuvelei. Pe paginile lucrărilor sale, adevărații cântă și dansează, plâng și râd...
Cum s-a schimbat metoda moștenită de la clasiciști poate fi urmărit din uimitoarea poveste a lui Cehov „Familia cailor”. „Atacul frontal” cu căpăstru, armăsar și rădăcină nesfârșite și destul de tradiționale, după cum știți, nici...
Moartea unui oficial este una dintre cele mai amuzante povești ale lui Anton Pavlovici Cehov. Nici măcar deznodământul său tragic nu umbrește caracterul comic al operei. În ciocnirea râsului și a morții, râsul triumfă. Definește tonul general...
În anii 90 ai secolului al XIX-lea, Anton Pavlovici Cehov a scris una dintre cele mai semnificative povești - „Camera nr. 6” - o lucrare legată de opera ulterioară a scriitorului. Nu mai este ironie în asta...
Trebuia să vedem spectacole când spectatorii care nu citiseră Livada de cireși (sunt unii dintre cei care au făcut studii medii) se pregăteau să părăsească sala după ce vocile Anyei au răsunat în spatele scenei...
Lumea prozei lui Cehov este inepuizabil de diversă. Poveștile lui Cehov sunt laconice și concise, dar câte personaje vii sunt trasate în ele, câte destine! În cele mai nesemnificative evenimente de zi cu zi, scriitorul vede profunzime interioară și psihologică...
Imaginea Pescăruşului este însoţită de imaginea apei: pentru Cehov, există un lac. După cum se indică în enciclopedia Miturile Națiunilor lumii, apa este unul dintre elementele fundamentale ale universului. În cele mai diverse credințe păgâne, apa...
După moartea lui Cehov, LN Tolstoi a spus: „Meritul muncii sale este că este de înțeles și este asemănător nu numai cu fiecare rus, ci cu fiecare persoană în general. Și acesta este principalul lucru.” Subiectul ... În numeroase povestiri ale acestui timp, Cehov se îndreaptă spre studiul sufletului omul modern, influențat de o varietate de idei sociale, științifice și filozofice: pesimism („Lumini”, 1888), darwinism social („Duel”, 1891), populismul radical („Povestea...
S-a întâmplat să fac cunoștință cu lucrările lui Anton Pavlovici Cehov. Este un mare maestru și artist al cuvântului. El este capabil să transmită într-o nuvelă întreaga viață a unei persoane, respectând regulile și aforismele sale: „Scrisul este talentat,...
Lopakhin, este adevărat, este un negustor, dar un om decent în toate sensurile. A. Cehov. Din scrisori Piesa de teatru „Livada de cireși” a fost scrisă de Cehov în 1903, când în Rusia se produceau mari schimbări sociale. Nobleţe...

De la publicarea piesei de teatru de A.P. Au trecut mai bine de o sută de ani de la Pescărușul lui Cehov, dar controversa în jurul acestei lucrări nu se potolește până în prezent. Textul lui Cehov sfidează interpretarea simplă, sunt prea multe secrete și mistere în el. Cercetătorii din Cehoz încearcă să găsească o cheie care să facă posibilă citirea completă a acestui text complex, plin de subestimare, prin conducerea benchmarking cu alte piese de teatru și autori. Așadar, SM Kozlova în articolul „Dialogul literar în comedia lui A.P. „Pescărușul” de Cehov analizează citatele lui Maupassant, pe care A.P. Cehov folosește în piesă „Prima mențiune despre Maupassant în monologul de weekend al lui Treplev urmează criticii la adresa teatrului contemporan, în care „preoții artei sfinte descriu modul în care oamenii mănâncă, beau, iubesc, merg și poartă jacheta.” .

S. M. Kozlova folosește această juxtapunere pentru a analiza contextul, pentru a înțelege semnificațiile replicilor și pentru a demonstra că nu sunt întâmplătoare. În acest caz, este vorba de critică de teatru. L.S. Artemiev în articolul său „Hamlet” microplot în piesa lui A.P. Pescărușul de Cehov compară piesa Hamlet de W. Shakespeare cu piesa de A.P. Cehov, asociindu-i pe Treplev și Trigorin cu Hamlet și pe Nina Zarechnaya cu Ophelia. VB Drabkina în studiul său despre magia numerelor din Pescărușul caută modele în piesa și în biografia scriitorului și le explică folosind categorii filozofice și compară opera lui A.P. Cehov cu lucrările lui F.G. Lorca.

Piesa lui A.P.Cehov este bogată în imagini pitorești cu mai multe fațete. Una dintre astfel de imagini este imaginea Sufletului Lumii - rolul Ninei Zarechnaya. Poate că această imagine complexă este cea care provoacă cel mai mare număr de interpretări de tot felul. „... Oameni, lei, vulturi și potârnichi, căprioare cu coarne, gâște, păianjeni, pești tăcuți care trăiau în apă, stele de mare și cei care nu se vedeau cu ochiul - într-un cuvânt, toate viețile, toate viețile, toate viețile, împlinindu-și un cerc trist, s-au stins... Deja mii de secole, deoarece pământul nu poartă o singură făptură vie, iar această sărmană lună își aprinde în zadar felinarul. Macaralele nu se trezesc țipând în luncă, iar gândacii de mai nu se aud în crângurile de tei. Frig, frig, frig. Gol, gol, gol. Înfricoșător, înfricoșător, înfricoșător...”.Însuși numele - „Sufletul lumii” vorbește deja despre globalitatea, complexitatea acestei imagini.

În filozofie, Sufletul Lumii - " este puterea spirituală înțeleasă ca principiu al oricărei vieți. Conceptul de suflet al lumii provine de la Platon ("Timaeus": sufletul lumii este motorul lumii. Conține tot ceea ce este corporal și elementele sale. Cunoaște totul. Esența acestei idei constă în mișcare, înțeleasă ca supra- acțiune mecanică, ca ceva organizator".

De aici rezultă că Sufletul Lumii este un principiu de percepere, analiză și organizare. Acest concept unește și unește totul într-o singură imagine a Ființei. Prin urmare, pentru a analiza această imagine, este necesar să înțelegem cum s-a manifestat în evenimentele descrise în piesă, cum s-a dezvoltat în mintea lui Treplev și ce trăsături are.

Nu este o coincidență că piesa începe cu o mică dispută filozofică și cotidiană între Masha și Medvedenko despre ceea ce este cel mai important în viață. „Masha. Nu e vorba de bani. Și bietul om poate fi fericit. Medvedenko. Acest lucru este în teorie, dar în practică se dovedește așa: eu și mama mea, două surori și un frate, iar salariul este de doar 23 de ruble. La urma urmei, trebuie să mănânci și să bei? Ai nevoie de ceai și zahăr? Ai nevoie de tutun? Aici și întoarce-te".

Desigur, toată lumea consideră că ceea ce îi lipsește cel mai mult este deosebit de important în viață. Citind piesa în continuare, observăm că personajele, mai devreme sau mai târziu, vorbesc toate despre ceea ce le este cel mai drag în viață. Și după cum se dovedește, tuturor le lipsește ceva pentru fericire. Nu există fericire pentru ei în această lume, nu au învățat să se mulțumească cu ceea ce au. Apoteoza sentimentului acestei imperfecțiuni a lumii și dezordinea vieții este monologul lui Trigorin: „Și așa este întotdeauna, întotdeauna, și nu am odihnă de mine însumi și simt că îmi mănânc propria viață, că pentru mierea pe care o dau cuiva în spațiu, îmi fac praful cele mai bune flori, culeg florile. și le calcă rădăcinile. Nu sunt nebun? Rudele și prietenii mei se comportă cu mine ca și cum ar fi sănătoși? "Ce scrii? Ce ne vei da?" Una și aceeași, una și aceeași, și mi se pare că aceasta este atenția prietenilor, laudele, admirația - toate acestea sunt o înșelăciune, mă înșală ca un pacient<…>» ... Aceste cuvinte ale lui Trigorin descriu temerile unui om care crede că își folosește darul de scriitor într-un mod greșit. Cunoașterea despre imperfecțiunea lumii reale a venit la el. El caută să înfățișeze realitatea în mod autentic, dar în același timp este în conflict cu ea, pentru că o vede diferit de ceilalți oameni.

Din această mărturisire aflăm că faima și banii nu sunt binele suprem. Mai mult, ierarhia bunurilor și nevoilor din piesă pare să fie ștearsă când este complet oameni diferiti reuniți-vă și vorbiți, strigați și certați despre care este sensul vieții și ce este mai bun.

Astfel, pe lângă imaginea reală a vieții, eroii piesei creează și o alta - o imagine efemeră, magică a viselor lor. Este introdus de Treplev, cel mai intolerant la realitate. El își întărește poziția cu fraza: „Trebuie să înfățișăm viața nu așa cum este și nu așa cum ar trebui să fie, ci așa cum apare în vise.”

Visul l-a forțat pe Treplev să gândească mai larg, să se gândească nu numai la neliniștea vieții sale, ci și la neliniștea vieții tuturor celor care trăiesc pe pământ. Pentru a înțelege acest lucru, Treplev a personalizat forța creatoare, identificându-se cu aceasta suflet uman... De asemenea, Treplev era cel mai probabil familiarizat cu lucrările lui Platon. Așa a apărut în piesă conceptul Sufletului Lumii. În monologul Ninei Zarechnaya sunt prezentate etapele inițiale și finale ale dezvoltării Ființei, care păreau să se fi închis într-un cerc, completând existența tuturor viețuitoarelor și așteptând nașterea unei noi vieți. „Temându-te că viața nu va apărea în tine, părintele materiei eterne, diavolul, fiecare clipă în tine, ca în pietre și în apă, produce un schimb de atomi și te schimbi continuu. În univers, doar spiritul rămâne constant și neschimbat.” Sufletul lumii este imagine feminină pentru că o femeie este creatorul vieții în lumea materială.

Sufletul lumii este amintirea Pământului: „În mine, conștiința oamenilor s-a contopit cu instinctele animalelor și îmi amintesc totul, totul și retrăiesc fiecare viață în mine.”... Această memorie este necesară atunci când se creează o nouă viață, deoarece memoria stochează în sine nu numai imagini, evenimente și procese, ci și legile după care se construiește materia. Prin urmare, Sufletul Lumii își amintește totul.

Este simbolic faptul că Treplev a pus replicile Sufletului Lumii în gura Ninei Zarechnaya. Sufletul lumii este un vis devenit realitate, iar pentru Treplev Nina este acest vis.

L.S. Artemieva în articolul ei spune că „Imaginea Ninei unește totul – atât neîntruchipate de restul intrigilor personajelor: Treplev care luptă pentru artă adevărată, și Ophelia naivă și pescărușul ucis (atât în versiunea lui Treplev, cât și în versiunea lui Trigorin), și a ei (cu o carieră nereușită, moartea unui copil, sentiment de vinovăție înainte de Treplev) "[ 1, 231].

Există o anumită relație: Nina Zarechnaya - aspirațiile și visele personajelor - Sufletul Lumii.

Nina este o fată cu un suflet sensibil și grijuliu. Trăind printre oameni, nu numai că le ascultă, ci și le aude dorințele, aspirațiile, visele oamenilor - tot ceea ce le umple viața pe pământ („tragicomedia inimii” nepotriviri „[4, 29] - ZS Paperny a definit cu precizie aceste conflicte) . .. Unind în ea însăși cunoștințele despre dorințele, visele, nevoile și aspirațiile oamenilor, după ce și-a înțeles și înțeles sufletul, Nina încetează să mai fie bărbat și se apropie de starea Sufletului Lumii. Astfel, putem concluziona că monologul din piesa lui Treplev devine profetic pentru Nina Zarechnaya. Când o spune, este încă o persoană, iar când trăiește drama vieții nu numai a oamenilor familiari, ci și a ei, ea se ridică, se ridică deasupra materiei și devine un adevărat prototip al Sufletului Lumii. La sfârșitul piesei, imaginea ei se dizolvă complet în spațiu și timp, pierzând toate trăsăturile reale.

Dar, dacă visele și aspirațiile tuturor celor care trăiesc pe pământ s-au împlinit, atunci de ce au dispărut toate?! Nu, nu au dispărut. A dispărut doar materialul, acela cu ajutorul căruia s-au realizat visele. Și-a îndeplinit funcția și nu mai este nevoie.

Dar dispariția materialului arată ca Moartea.

„În fața jocului - Moartea, o persoană este tragic singură și nefericită și nici măcar nu este mângâiată de perspectiva contopirii cu Sufletul Lumii. (Moartea împinge o persoană la singurătate, este singura care provoacă un gând care se naște numai în singurătate. Moartea, adică părăsirea vieții pământești, este o binecuvântare, este forța motrice a progresului, al cărui singur scop este respingerea morții)", - note V.B. Drabkin. Da, într-o oarecare măsură este, pentru că fiecare suflet individual are propriul său drum de dezvoltare, atât atunci când părăsește viața, cât și când apare în fiecare nouă viață, sufletul uman este singuratic, la fel cum sufletul lumii se află printre natura tăcută. fenomene în care existența a fost transformată... Sufletul lumii își amintește multe, dar noile transformări îl sperie cu necunoscutul lor. Prin urmare, ea crede că materia veșnică este de la diavol, ca de la ceva complet străin și, prin urmare, periculoasă.

Imaginea diavolului din monologul Sufletului lumii este numită „părintele materiei eterne” și acționează ca opusul spiritului. Dar dacă diavolul este creatorul „materiei eterne”, iar materia, așa cum am menționat mai sus, este necesară pentru realizarea aspirațiilor și destinațiilor suflete umane, înseamnă că diavolul este creatorul instrumentului progresului. Iar progresul este dezvoltare, iar dezvoltarea, ca orice mișcare înainte, este considerată o binecuvântare. Aceasta înseamnă că în acest caz diavolul nu poate fi negativ. Dar merită să ne amintim că, alături de progres, există regresie sau declin. Cauza regresiei o constituie cel mai adesea oamenii care, avand deplina libertate de alegere, isi interpreteaza gresit posibilitatile, pe care le dobandesc atunci cand sufletul lor se materializeaza. Căderea se produce în majoritatea cazurilor din cauza greșelilor din ignoranță, iar diavolul le permite, dorind probabil să ofere sufletelor întruchipate experiență. De aici rezultă că nici diavolul nu poate fi negativ aici, deoarece căderea și distrugerea sunt, de cele mai multe ori, o alegere conștientă a unui suflet individual.

Fără dezvoltare, spiritul nu este capabil să existe, pentru că dacă nu există dezvoltare, atunci nu există împlinire a scopurilor și dorințelor. Prin urmare, Sufletul Lumii, ca și sufletele mici pe care le-a unit în sine, trebuie să fie realizat în materie.

Medvedenko spune despre această inseparabilitate: „ Nimeni nu are niciun motiv să separe spiritul de materie, deoarece, poate, spiritul însuși este un agregat de atomi materiali.”

În această realizare, în relația dintre materie și spirit, este conflictul principal Fiind. Spiritul, pentru a se apropia de materie, trebuie să-și piardă individualitatea și să formeze Sufletul Lumii, iar materia, pentru a se apropia de spirit, își pierde viața pe pământ, pentru că este capabilă să existe și să se dezvolte sub alte forme. Este această stare pe care Treplev a reflectat-o în piesa sa, pentru a le arăta oamenilor ce se va întâmpla dacă toate conflictele lor vor fi rezolvate și visele devin realitate. Treplev a arătat cum ar arăta fericirea pe pământ, dând acestei fericiri aspectul iubitului său.

Rezumând, merită să spunem că această lume are ceva pentru care să lupte, prin urmare, interacțiunea dintre spirit și materie este necesară pentru ea. Dar sufletele omenirii s-au unit deja într-un singur impuls al vieții și se apropie treptat de starea Sufletului Lumii, purtând un dialog constant în căutarea adevărului.

A.P. Cehov a vrut să ne spună că oamenii trebuie să se străduiască să-și îndrepte gândurile și dorințele către lumea exterioară. Atunci aceste gânduri și dorințe, ca un mozaic, vor forma o singură imagine a Sufletului Lumii și cu siguranță se vor împlini.

Bibliografie:

1. Artemieva L.S. Microplotul „Hamlet” în piesa lui A.P. „Pescărușul” de Cehov // Lecturi Pușkin. - 2015. - Nr. 20. - P. 224-231.

2. Drabkina VB Pescăruș mort pe o piatră ... Studiu despre magia numerelor: server național proză modernă... - UPL: http://www.proza.ru/2009/09/04/531 (data accesării: 16.08.2016)

3. Kozlova S.M.Dialog literar în comedia de A.P. „Pescărușul” al lui Cehov // Buletinul Universității de Stat din Altai. -2010. - Nr. 4. - p. 51-56.

4. Paperny Z.S. „Pescărușul” A.P. Cehov. - M.: Fictiune, 1980.- anii 160.