Imagini ale artiștilor contemporani din lume. Artiști ai picturii moderne. Artiști moderni ai Rusiei Cei mai scumpi artiști ai timpului nostru

Mulți cred că nu au mai rămas artiști în secolul XXI. Cu toate acestea, în realitate, acesta nu este cazul. Și în timpul nostru există mulți artiști talentați și celebri ale căror lucrări sunt expuse la expoziții care câștigă bani mari. Mai jos este o listă a celor 20 de artiști cei mai faimoși și bine câștigați care sunt activi în munca creativă nu numai în Rusia.

Artistul rus Alexander Ivanov, născut în 1962, este cel mai bine cunoscut pentru lucrarea sa intitulată Dragoste, care a fost pictată în 1996 și vândută cu aproape 100.000 de ruble. Stilul lui este abstractionismul. Este și om de afaceri, angajat în activități de colecție, a deschis Muzeul Faberge din Germania, în Baden-Baden.

Olga Bulgakova este una dintre puținele artiști talentați și cunoscuți din Rusia, născută în 1951, și este membră a Academiei Ruse de Arte ca membru corespondent. Reprezentantul unei astfel de mișcări de pictură a epocii Brejnev, care se numește „carnaval”. Cea mai faimoasă lucrare a ei este Visul păsării roșii, scrisă în 1988.

Artistul rus Mihail Brusilovsky, care lucrează sub pseudonimul Misha Shayevich, este inclus în acest rating și ocupă locul 18. Acest artist faimos mondial

Talentatul artist rus Lev Tabenkin s-a născut în 1952 în capitala Rusiei, Moscova. Acest pictor vede tabloul ca un sculptor. Sentimentul că personajele lui scrise sunt modelate din lut. Una dintre cele mai faimoase picturi ale lui Leu este „Jazz Orchestra” pictată în 2004. A fost vândut cu 117.650 de ruble.

Proiectul AES + F este format din patru persoane, de fapt, numele constă din literele inițiale ale numelor participanților: Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky, Vladimir Fridnes. Creativitatea acestei companii se caracterizează printr-o prezentare foarte bună încă din anii nouăzeci și a fost apreciată doar în două miimi. Acum, în cea mai mare parte, ei creează picturi murale animate mari care sunt difuzate pe zeci de ecrane. Una dintre cele mai cunoscute lucrări ale acestei companii: „Warrior 4”.

Artistul rus Serghei Volkov s-a născut la Petrozavodsk în 1956. Lucrările sale se caracterizează prin faptul că a creat în perioada artei perestroika. Picturile sunt scrise foarte expresiv, unde se remarcă afirmații și ideologie foarte chibzuite. Cea mai faimoasă pictură a lui este Double Vision. Triptic".

Artiștii Alexander Vinogradov și Vladimir Dubossarsky s-au născut ambii la Moscova în 1963 și 1964. Au început să lucreze împreună în 1994, cunoscându-se la festival, creând un proiect neobișnuit și grandios. Proiectul original a câștigat respectul multor colecționari. Picturile lor sunt atârnate în locuri atât de faimoase precum Galeria Tretiakov, Muzeul Rus și chiar Centrul Pompidou. Ei înșiși sunt creatorii galeriei Art-Strelka și organizatorii festivalului Art-Klyazma.

Artistul rus Vladimir Yankilevsky a făcut și el pe lista celor mai bine plătiți și faimoși artiști. S-a născut la Moscova în 1938. Tatăl lui Vladimir a fost și el artist, iar fiul său i-a moștenit profesia. Vladimir lucrează în stilul suprarealismului - artă cu combinații paradoxale. În 1970, a pictat unul dintre cele mai faimoase tablouri numită Tripticul 10. Anatomia sufletului II.

Artistul Vladimir Nemukhin s-a născut în 1925 în micul sat Priluki, situat în regiunea Moscovei. A participat la multe expoziții străine din Europa. În anii nouăzeci a trăit și a condus activitate viguroasăîn Germania, dar s-a mutat în Rusia în 2005. Opera sa se caracterizează printr-o compoziție tridimensională, prezența unui contrarelief și diverse motive transversale, de exemplu, un pachet de cărți.

Un artist cu un nume neobișnuit, fiul unui emigrant politic spaniol, s-a născut în micul sat Vasilievka din regiunea Samara în 1943. A fost organizatorul grupului de artiști „Argo”, membru al Uniunii Artiștilor din Moscova. De asemenea, Francisco a fost înzestrat cu Premiul de Stat pentru realizările în domeniu Arte vizuale. Artistul este activ în activități creative atât în ​​Rusia, cât și în străinătate.

Artistul Alexander Melamed a fost unul dintre membrii faimosului duo creativ Komarov-Melamed, dar s-a despărțit în 2003, apoi au început să lucreze separat. Reședința din 1978 este New York. A scris majoritatea lucrărilor celebre împreună cu Vitaly Komar, ei au creat împreună mișcarea Sots Art și au fost organizatorii Expoziției Buldozerelor.

Acest artist rus, cunoscut ca unul dintre fondatorii Conceptualismului Moscovei, s-a născut la Moscova în 1937, unde a absolvit Institutul Poligrafic. Potrivit lui Viktor Pivovarov, prima sa lucrare a fost scrisă la vârsta de cinci ani. El este și reprezentant al artei „neoficiale”. Picturile sale se află într-unul dintre cele mai cunoscute și majore centre expoziționale: în Muzeul Rus, Galeria Tretiakov, Muzeul Pușkin im. A. S. Pușkin.

Acest artist s-a născut în 1934 la Tbilisi. Este unul dintre cei mai străluciți reprezentanți ai picturii monumentale. Zurab este cunoscut pentru munca sa sub forma unui monument al lui Petru I, care se află la Moscova, precum și a unui monument, care este situat în fața clădirii ONU din New York. Zurab este președintele Academiei de Artă Rusă, care își administrează propriul muzeu-galerie. Creațiile acestui artist sunt cunoscute nu numai în Rusia, ci în întreaga lume.

Artistul rus Oscar Rabin este cunoscut pentru că a fost organizatorul expoziției Buldor în 1974 și patru ani mai târziu a fost privat de cetățenia sovietică. De asemenea, a devenit popular ca unul dintre primii artiști implicați în vânzarea privată de picturi în Uniunea Sovietică. În prezent, locul său permanent de reședință și muncă este Paris. Picturile sale se află în marile muzee și centre de expoziție: Muzeul din Moscova artă contemporană, Galeria Tretiakov, Muzeul Rus și altele.

Artistul rus Oleg Tselkov este cunoscut ca un artist care a început principala mișcare creativă în anii șaizeci ai secolului XX, prezentând trăsături foarte aspre și ascuțite în picturile sale, inclusiv în reprezentarea unor oameni care arată ca figuri de lut. Din 1977, Oleg și-a continuat cariera la Paris. Picturile sale se află în astfel de centre expoziționale: Muzeul Rus, Galeria Tretiakov, Ermitaj. Unul dintre tablouri celebre este „Băiat cu baloane”, scris în 1954.

Născut la Moscova în 1934, artistul rus Grigory Bruskin, sau Grisha, este membru al Uniunii Artiștilor din 1969. Și-a câștigat cea mai mare faimă datorită unei mari licitații Sotheby's, unde și-a vândut opera sub numele de „Lexicon fundamental” la cel mai mare preț, ceea ce a fost un record. În momentul de față trăiește și lucrează la New York și Moscova, motiv pentru care este numit și artist american.

Acest artist rus se distinge prin faptul că afișează cu acuratețe lucruri realiste. Adevărata sa activitate creativă a început din momentul în care, în 1985, expunând la Malaya Gruzinskaya, a câștigat atenția și recunoașterea colecționarilor din New York. De atunci, lucrările sale au fost expuse în multe țări europene, sunt în centre expoziționale din America, Germania și Polonia. Acum trăiește și desfășoară activitate creativă la Moscova.

Acest duet, din păcate, a durat până în 2003, dar a avut un succes uriaș. Cei doi artiști ruși au devenit proeminente prin crearea mișcării Sots Art, care este o ramură a artei neoficiale. Acesta a fost un fel de răspuns la crearea artei pop în Occident. Pânze cu lucrările acestor artiști se află în muzee importante, inclusiv în Luvru.

Artistul rus este cunoscut pentru că poate combina atât pictura, cât și textul în opera sa, ulterior a început să se numească Sots Art. În perioada sovietică, a fost popular ca ilustrator în cărți pentru copii. De ceva vreme a locuit la New York, apoi la Paris. A fost primul artist care a organizat o expoziție la Centrul Pompidou. A lui munca creativa sunt în Galeria Tretiakov, Muzeul Rus, Centrul Pompidou.

Acest cel mai talentat artist rus, care lucrează în tandem cu soția sa Emilia, poate fi considerat principalul artist al țării, fondatorul conceptualismului de la Moscova. S-a născut la Dnepropetrovsk în 1933, dar din 1988 New York a devenit locul său de reședință. Lucrările sale pot fi văzute în Ermitaj, Galeria Tretiakov și Muzeul Rus. Ilya a primit Premiul Împăratului Japoniei, iar două dintre lucrările sale intitulate „Gândacul” și „Lux” sunt cele mai scumpe tablouri.

Artă pictura modernă- sunt lucrări create în prezent sau în trecutul recent. Vor trece un anumit număr de ani, iar aceste picturi vor deveni parte a istoriei. Picturile create în perioada anilor 60 ai secolului trecut și până în prezent reflectă mai multe domenii ale artei contemporane care pot fi clasificate drept postmodernism. În vremurile Art Nouveau, opera pictorilor era mai larg reprezentată, iar în anii 70 ai secolului XX s-a produs o schimbare în orientarea socială a artei picturii.

Arta reală

Artiștii picturii moderne reprezintă, în primul rând, noile tendințe în arta plastică. În terminologia culturală, există conceptul de „artă contemporană”, care este oarecum legat de conceptul de „pictură contemporană”. Prin artă contemporană, artiștii înțeleg cel mai adesea inovație, atunci când pictorul apelează la subiecte ultramoderne, indiferent de orientarea acestora. Tabloul poate fi pictat și înfățișează orice întreprindere industrială. Sau pe pânză există un peisaj peisagistic cu un câmp de grâu, pajiște, pădure, dar, în același timp, o combină cu siguranță va fi desenată în depărtare. Stilul picturii moderne presupune o orientare socială a tabloului. În același timp, peisajele artiștilor contemporani fără tentă socială sunt apreciate mult mai mult.

Alegerea direcției

De la sfârșitul anilor 1990, artiștii contemporani au abandonat temele de producție și și-au transferat munca în curentul principal al artei plastice pure. Există maeștri ai portretelor fine, scene de peisaj, naturi moarte în stilul desenului flamand. Și treptat, în pictura modernă, a început să apară arta autentică, deloc inferioară picturilor create de artiști de seamă ai secolelor al XVIII-lea și al XIX-lea, și într-un fel chiar superioară acestora. Maeștrii de astăzi ai pensulei sunt ajutați de o bază tehnică dezvoltată, o abundență de instrumente noi care le permit să-și reflecte pe deplin planurile pe pânză. Astfel, artiștii picturii contemporane pot crea cât mai bine. Desigur, calitatea vopselelor sau pensulelor este importantă în procesul de vopsire, dar totuși principalul lucru este talentul.

expresionism abstract

Artiștii moderni aderă la metodele de pictură care permit utilizarea unor lovituri negeometrice aplicate în număr mare pe o pânză mare. Se folosesc pensule mari, uneori pensule de vopsea. O astfel de pictură cu greu poate fi numită artă în sensul clasic al cuvântului, cu toate acestea, abstracția este o continuare a suprarealismului, care a apărut în 1920 datorită ideilor lui Andre Breton și a găsit imediat o mulțime de adepți, precum Salvator Dali, Hans. Hoffmann, Adolf Gottlieb. În același timp, artiștii contemporani înțeleg expresionismul în felul lor. Astăzi, acest gen diferă de predecesorul său prin dimensiunea picturilor, care pot ajunge la trei metri lungime.

Arta pop

Contrabalansarea abstracționismului a fost noua avangardă conceptuală, care promovează valorile estetice. Artiștii moderni au început să includă în picturile lor imagini ale unor personalități celebre precum Mao Zedong sau Marilyn Monroe. Această artă a fost numită „art pop” - o tendință populară, general recunoscută în pictură. Cultura de masă a înlocuit abstracționismul și a dat naștere unui tip aparte de estetică, care într-o manieră colorată, spectaculoasă a prezentat publicului ceea ce era pe buzele tuturor, unele evenimente recente sau imagini pe scară largă. oameni faimosiîn diferite situații de viață.

Fondatorii și adepții artei pop au fost Andy Warhol, Tom Wesselman, Peter Blake, Roy Lichtenstein.

Fotorealism

Arta modernă are mai multe fațete, adesea apare o nouă direcție în ea, combinând două sau mai multe tipuri de artă plastică. Fotorealismul a devenit o astfel de formă de auto-exprimare a artistului. Această direcție în pictură a apărut în SUA în 1968. A fost inventat de artistul de avangardă Louis Meisel, iar genul a fost introdus doi ani mai târziu la Muzeul Whitney în timpul expoziției Twenty-Two Realists.

Pictura în stilul fotorealismului este asociată cu fotografia, mișcarea obiectului pare a fi înghețată în timp. Artistul fotorealist își colectează imaginea, care va fi surprinsă în poză, cu ajutorul fotografiilor. De la un negativ sau un diapozitiv, imaginea este transferată pe pânză prin proiecție sau folosind o grilă de scară. Apoi se creează o imagine completă folosind tehnologii de pictură.

Perioada de glorie a fotorealismului a venit la mijlocul anilor '70, apoi a avut loc o scădere a popularității, iar la începutul anilor '90 genul a fost reînviat. Venerabilii artiști au lucrat mai ales în SUA, printre ei s-au numărat și mulți sculptori care și-au creat lucrările folosind proiectarea imaginii. Cei mai cunoscuți maeștri ai picturii bazate pe fotorealism sunt Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Demekis, Donald Eddy, Duane Hanson.

Artiști fotorealiști ai tinerei generații - Raffaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive Head.

Artiști moderni ai Rusiei

• Serge Fedulov (născut în 1958), originar din Nevinnomyssk, teritoriul Stavropol. A participat la mai multe expoziții în America Latină și Europa. Picturile sale se disting prin realism și combinații de culori contrastante.
• Mihail Golubev (n. 1981), a absolvit clasa de artă a Școlii de Pictură din Omsk. În prezent locuiește în St. Petersburg. Se distinge printr-o manieră neobișnuită de creativitate, toate lucrările sale sunt picturi de reflecție cu tentă filozofică profundă.
• Dmitri Annenkov (n. 1965) la Moscova. Absolvent al Institutului de Artă Stroganov. Popular în străinătate, dar preferă expozițiile rusești. Arta lui Annenkov este realistă, artistul este un maestru recunoscut al naturii moarte.

impresioniștii ruși

• Alexei Chernigin, pictor impresionist rus (născut în 1975), este fiul celebrului pictor Alexander Chernigin. A studiat pictura și design grafic la școala de artă din Nijni Novgorod. A absolvit Institutul de Arhitectură din Nizhny Novgorod cu o diplomă în Design în industrie. Membru al Uniunii Artiștilor din Rusia din 1998. Din 2001 este profesor la NGASU la Catedra de Design Interior.
• Konstantin Lupanov, artist Krasnodar (n. 1977). Absolvent al Academiei Industriale a Universității de Stat de Cultură și Arte cu o diplomă în pictură monumentală. Participant la multe expoziții de artă din și Sankt Petersburg. Se distinge printr-un stil rar de pictură în ulei cu mișcări învolburate. Tablourile lui Lupanov sunt complet lipsite de combinații contrastante de culori, imaginile par să curgă una în alta. Artistul însuși își numește lucrările „un bătaie vesel, iresponsabil”, dar această afirmație conține o parte de cochetărie: picturile sunt de fapt scrise destul de profesional.

Artiști ruși pictează în stil nud

• Serghei Marshennikov (născut în 1971), unul dintre cei mai cunoscuți artiști contemporani ruși. Absolvent al Colegiului de Arte din Ufa. Picturile sale sunt un exemplu de realism flagrant. Lucrările dau impresia unei fotografii artistice, compoziția este atât de exactă și fiecare trază este verificată. Soția pictorului Natalya acționează cel mai adesea ca model, iar acest lucru îl ajută să creeze o imagine senzuală.
• Vera Vasilievna Donskaya-Khilko (născută în 1964), nepoata celebrului cântăreț de operă Lavrenty Dmitrievich Donskoy. Cel mai strălucit reprezentant al picturii moderne ruse. Desenează în stilul subiectului nud. În paleta creativă a artistului, puteți găsi frumuseți din haremul estic și fete goale din sat pe malul râului în noaptea sărbătorii Ivan Kupala, o baie rusească cu femei fierbinți care ies în zăpadă și înoată în groapă. Artistul desenează mult și cu talent.

Artiștii ruși contemporani și lucrările lor prezintă un interes din ce în ce mai mare pentru cunoscătorii de arte plastice din întreaga lume.

Pictura modernă ca artă mondială

Astăzi, artele vizuale au luat forme diferite de cele care erau solicitate în secolele al XVIII-lea și al XIX-lea. Artiștii moderni ai lumii s-au orientat către avangardă într-o interpretare mai restrânsă, pânzele au căpătat rafinament și au devenit mai semnificative. Societatea de astăzi are nevoie de o artă reînnoită, nevoia se extinde la toate tipurile de creativitate, inclusiv la pictură. Tablourile artiștilor contemporani, dacă sunt realizate la un nivel suficient de înalt, sunt cumpărate, devin subiect de târguire sau schimb. Unele pânze sunt incluse în listele operelor de artă deosebit de valoroase. Picturile din trecut, pictate de mari pictori, sunt încă la căutare, dar artiștii contemporani câștigă din ce în ce mai multă popularitate. Uleiul, tempera, acuarela și alte vopsele îi ajută în creativitatea lor și în implementarea cu succes a planurilor lor. Pictorii, de regulă, aderă la orice stil. Poate fi peisaj, portret, scene de luptă sau alt gen. În consecință, pentru opera sa, artistul alege un anumit tip de vopsea.

Artiștii contemporani ai lumii

Cei mai celebri artiști moderni diferă în modul de a scrie, pensula lor este recunoscută, uneori nici nu trebuie să te uiți la semnătura din partea de jos a pânzei. Maeștri renumiți ai picturii moderne - Perlstein Philip, Alexander Isachev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Parkes, Guy Johnson, Eric Fischl, Nikolai Blokhin, Vasily Shulzhenko.

Leonardo di ser Piero da Vinci (15 aprilie 1452 – 2 mai 1519) a fost un celebru pictor, arhitect, filozof, muzician, scriitor, explorator, matematician, inginer, anatomist, inventator și geolog italian. Cunoscut pentru picturile sale, dintre care cele mai faimoase sunt Cina cea de Taină și Mona Lisa, precum și numeroase invenții care au fost cu mult înaintea timpului lor, dar au rămas doar pe hârtie. În plus, Leonardo da Vinci a adus o contribuție importantă la dezvoltarea anatomiei, astronomiei și tehnologiei.

Raphael Santi (28 martie 1483 – 6 aprilie 1520) a fost un mare pictor și arhitect italian activ în perioada Renașterii, acoperind perioada de la sfârșitul secolului al XV-lea până la începutul secolului al XVI-lea. În mod tradițional, Rafael este considerat unul dintre cei trei mari maeștri ai acestei perioade, alături de Michelangelo și Leonardo da Vinci. Multe dintre lucrările sale se află în Palatul Apostolic din Vatican, într-o cameră numită Strofa lui Rafael. Printre altele, iată cea mai cunoscută lucrare a sa - „Școala din Atena”.

Diego Rodriguez de Silva y Velázquez (6 iunie 1599 - 6 august 1660) a fost un pictor spaniol, portretist, pictor de curte al regelui Filip al IV-lea, cel mai mare reprezentant al epocii de aur a picturii spaniole. Pe lângă numeroasele picturi care înfățișează scene istorice și culturale din trecut, el a pictat multe portrete ale spaniolilor. Familia regală, precum și alte figuri europene celebre. Cea mai cunoscută lucrare a lui Velasquez este pictura „La Meninas” (sau „Familia lui Filip al IV-lea”) din 1656, aflată în Muzeul Prado din Madrid.

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz și Picasso (25 octombrie 1881 - 8 aprilie 1973) este un artist și sculptor spaniol de renume mondial, fondatorul regiei în fine. arte – cubism. Considerat unul dintre cei mai mari artiști care au influențat dezvoltarea artelor plastice în secolul al XX-lea. Experți, a fost recunoscut drept cel mai bun artist dintre cei care au trăit în ultimii 100 de ani, precum și cel mai „scump” din lume. În timpul vieții sale, Picasso a creat aproximativ 20 de mii de lucrări (conform altor surse, 80 de mii).

Vincent Willem van Gogh (30 martie 1853 – 29 iulie 1890) a fost un celebru pictor olandez care și-a câștigat faima abia după moartea sa. Potrivit multor experți, Van Gogh este unul dintre cei mai mari artiști din istoria artei europene, precum și unul dintre cei mai importanți reprezentanți ai postimpresionismului. Autor a peste 2.100 de opere de artă, inclusiv 870 de picturi, 1.000 de desene și 133 de schițe. Numeroasele sale autoportrete, peisaje și portrete sunt printre cele mai recunoscute și mai scumpe opere de artă din lume. Cea mai faimoasă operă a lui Vincent van Gogh, poate, este considerată o serie de picturi numite „Floarea soarelui”.

Michelangelo Buonarroti (6 martie 1475 - 18 februarie 1564) este un sculptor, artist, arhitect, poet și gânditor italian de renume mondial care a lăsat o amprentă de neșters asupra întregii culturi mondiale. Cea mai cunoscută lucrare a artistului, poate, sunt frescele de pe tavan. Capela Sixtină. Dintre sculpturile sale, cele mai cunoscute sunt „Pieta” („Plângerea lui Hristos”) și „David”. Dintre lucrările de arhitectură - proiectarea cupolei Bazilicii Sf. Petru. Interesant, Michelangelo a devenit primul reprezentant al artei vest-europene, a cărui biografie a fost scrisă în timpul vieții sale.

Pe locul patru în clasamentul celor mai cunoscuți artiști din lume se află Masaccio (21 decembrie 1401-1428) - un mare artist italian care a avut un impact uriaș asupra altor maeștri. Masaccio a trăit foarte viata scurta, așa că există puține dovezi biografice despre el. Au supraviețuit doar patru dintre frescele sale, care, fără îndoială, sunt opera lui Masaccio. Alții se crede că au fost distruși. Cea mai faimoasă lucrare a lui Masaccio este fresca Trinității din biserica Santa Maria Novella din Florența, Italia.

Peter Paul Rubens (28 iunie 1577 – 30 mai 1640) a fost un pictor flamand (olandez de sud), unul dintre cei mai mari artiști ai epocii baroc, cunoscut pentru stilul său extravagant. Considerat cel mai versatil artist al timpului său. În lucrările sale, Rubens a subliniat și întruchipat vitalitatea și senzualitatea culorii. A pictat numeroase portrete, peisaje și picturi istorice cu subiecte mitologice, religioase și alegorice. Cea mai cunoscută operă a lui Rubens este tripticul „Coborârea de pe Cruce” scris în perioada 1610-1614 și i-a adus artistului faimă în întreaga lume.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 septembrie 1571 – 18 iulie 1610) a fost un mare artist italian din perioada barocului timpuriu, fondatorul picturii realiste europene din secolul al XVII-lea. În lucrările sale, Caravaggio a folosit cu pricepere contrastele de lumină și umbră, concentrându-se pe detalii. Deseori înfățișați romani obișnuiți, oameni de pe străzi și piețe în imaginile sfinților și madonelor. Exemple sunt „Evanghelistul Matei”, „Bacchus”, „Convertirea lui Saul”, etc. Una dintre cele mai cunoscute tablouri ale artistului este „Jucătorul de lăută” (1595), pe care Caravaggio a numit-o cea mai de succes piesă de pictură pentru el. .

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) a fost un faimos pictor și gravor olandez care este considerat cel mai mare și mai faimos artist din lume. Autor a aproximativ 600 de tablouri, 300 de gravuri și 2 mii de desene. Trăsătura sa caracteristică este un joc magistral cu efecte de lumină și umbre profunde. Cea mai faimoasă lucrare a lui Rembrandt este pictura de patru metri „Night Watch”, scrisă în 1642 și stocată acum în Muzeul de Stat Amsterdam.

Dacă crezi că toți artiștii mari sunt în trecut, atunci nu ai idee cât de greșit ai. În acest articol, veți afla despre cele mai faimoase și artiști talentați modernitate. Și, crede-mă, lucrările lor vor sta în memoria ta nu mai puțin profund decât lucrările maestrului din epoci trecute.

Wojciech Babski

Wojciech Babski este un artist polonez contemporan. A absolvit Institutul Politehnic din Silezia, dar s-a legat de el. În ultima vreme pictează mai ales femei. Se concentrează pe manifestarea emoțiilor, caută să obțină cel mai mare efect posibil prin mijloace simple.

Iubește culoarea, dar folosește adesea nuanțe de negru și gri pentru a obține cea mai bună impresie. Nu-ți este frică să experimentezi cu noi tehnici. Recent, a câștigat din ce în ce mai multă popularitate în străinătate, în special în Marea Britanie, unde își vinde cu succes lucrările, care se găsesc deja în multe colecții private. Pe lângă artă, el este interesat de cosmologie și filozofie. Ascultă jazz. În prezent locuiește și lucrează în Katowice.

Warren Chang

Warren Chang este un artist american contemporan. Născut în 1957 și crescut în Monterey, California, a absolvit magna cum laude de la Art Center College of Design din Pasadena în 1981, cu o diplomă de licență în Arte Frumoase în Arte Plastice. În următoarele două decenii, a lucrat ca ilustrator pentru diverse companii din California și New York înainte de a-și începe cariera ca artist profesionist în 2009.

Picturile sale realiste pot fi împărțite în două categorii principale: picturi interioare biografice și picturi care înfățișează oameni muncitori. Interesul său pentru acest stil de pictură își are rădăcinile în opera pictorului din secolul al XVI-lea Jan Vermeer și se extinde la obiecte, autoportrete, portrete ale membrilor familiei, prieteni, studenți, studio, săli de clasă și interioare de casă. Scopul său este de a crea starea de spirit și emoția în picturile sale realiste prin manipularea luminii și utilizarea culorilor dezactivate.

Chang a devenit faimos după trecerea la artele vizuale tradiționale. În ultimii 12 ani, el a câștigat numeroase premii și onoruri, cea mai prestigioasă fiind Master Signature de la Oil Painters of America, cea mai mare comunitate de pictură în ulei din Statele Unite. Doar o persoană din 50 este onorată cu ocazia de a primi acest premiu. În prezent, Warren locuiește în Monterey și lucrează în studioul său, el predă și (cunoscut ca un profesor talentat) la Academia de Arte din San Francisco.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni este un artist italian. Născut în Blair, 15 octombrie 1955. A absolvit cu o diplomă în scenografie la Institutul de Artă din Spoleto. Ca artist, este autodidact, deoarece a „construit în mod independent casa cunoașterii” pe fundația așezată în școală. A început să picteze în ulei la vârsta de 19 ani. În prezent locuiește și lucrează în Umbria.

Pictura timpurie a lui Bruni își are rădăcinile în suprarealism, dar de-a lungul timpului începe să se concentreze pe apropierea romantismului și simbolismului liric, întărind această combinație cu rafinamentul și puritatea personajelor sale. Obiectele animate și neînsuflețite capătă demnitate egală și arată aproape hiper-realiste, dar, în același timp, nu se ascund în spatele unei perdele, ci îți permit să vezi esența sufletului tău. Versatilitatea și rafinamentul, senzualitatea și singurătatea, chibzuința și rodnicia sunt spiritul lui Aurelio Bruni, hrănit de splendoarea artei și armonia muzicii.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos este un artist polonez contemporan specializat în pictura în ulei. Născut în 1970 în Gliwice, Polonia, dar din 1989 locuiește și lucrează în SUA, în orașul Shasta, California.

În copilărie, a studiat arta sub îndrumarea tatălui său Jan, artist și sculptor autodidact, așa că de la o vârstă fragedă, activitatea artistică a primit deplin sprijin din partea ambilor părinți. În 1989, la vârsta de optsprezece ani, Balos a părăsit Polonia pentru Statele Unite, unde profesoara sa și artista cu fracțiune de normă Cathy Gaggliardi l-a încurajat pe Alcasander să se înscrie la scoala de Arte. Balos a primit apoi o bursă completă la Universitatea din Milwaukee Wisconsin, unde a studiat pictura cu profesorul de filozofie Harry Rosin.

După ce și-a încheiat studiile în 1995 cu o diplomă de licență, Balos s-a mutat la Chicago pentru a studia la Școala de Arte Frumoase, ale cărei metode se bazează pe opera lui Jacques-Louis David. Realismul figurativ și portretul au fost cel mai lucrările lui Balos în anii 90 și începutul anilor 2000. Astăzi, Balos folosește figura umană pentru a evidenția trăsăturile și neajunsurile existenței umane, fără a oferi soluții.

Compozițiile intriga ale picturilor sale sunt destinate să fie interpretate independent de către privitor, abia atunci pânzele își vor dobândi adevăratul sens temporal și subiectiv. În 2005, artistul s-a mutat în California de Nord, de atunci sfera lucrării sale s-a extins semnificativ și acum include metode mai libere de pictură, inclusiv abstracția și diverse stiluri multimedia care ajută la exprimarea ideilor și idealurilor de a fi prin pictură.

Alyssa Monks

Alyssa Monks este o artistă americană contemporană. S-a născut în 1977 în Ridgewood, New Jersey. A devenit interesată de pictură când era încă copil. A urmat cursurile The New School din New York și Montclair State University și a absolvit Boston College în 1999 cu o diplomă de licență. În același timp, a studiat pictura la Academia Lorenzo Medici din Florența.

Apoi și-a continuat studiile în cadrul programului de master la New York Academy of Art, în cadrul Departamentului de Artă Figurativă, absolvind în 2001. A absolvit Fullerton College în 2006. A ținut scurt prelegeri la universități și instituții de învățământ din întreaga țară și a predat pictura la Academia de Artă din New York, precum și la Universitatea de Stat Montclair și la Colegiul de Artă a Academiei Lyme.

„Folosind filtre precum sticlă, vinil, apă și abur, deformez corpul uman. Aceste filtre vă permit să creați zone mari de design abstract, cu insule de culoare care ies cu ochiul prin ele - părți corpul uman.

Picturile mele schimbă aspectul modern asupra ipostazei și gesturilor tradiționale deja stabilite ale femeilor care fac baie. Ei ar putea spune spectatorului atent multe despre lucruri aparent evidente de la sine, cum ar fi beneficiile înotului, dansului și așa mai departe. Personajele mele sunt apăsate de geamul ferestrei cabinei de duș, deformându-și propriul corp, realizând că influențează astfel aspectul notoriu masculin al unei femei goale. Straturile groase de vopsea sunt amestecate împreună pentru a imita sticla, aburul, apa și carnea de la distanță. De aproape, însă, proprietățile fizice uimitoare ale vopselei în ulei devin evidente. Experimentând cu straturi de vopsea și culoare, găsesc momentul în care liniile abstracte devin altceva.

Când am început să pictez corpul uman, am fost imediat fascinat și chiar obsedat de el și am simțit că trebuie să-mi fac picturile cât mai realiste posibil. Am „profesit” realismul până când a început să se dezlege și să se deconstruiască. Acum explorez posibilitățile și potențialul unui stil de pictură în care pictura reprezentativă și abstracția se întâlnesc – dacă ambele stiluri pot coexista în același moment în timp, o voi face.”

Antonio Finelli

artist italian - observator al timpului” – Antonio Finelli s-a născut pe 23 februarie 1985. În prezent trăiește și lucrează în Italia, între Roma și Campobasso. Lucrările sale au fost expuse în mai multe galerii din Italia și din străinătate: Roma, Florența, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York și pot fi găsite și în colecții private și publice.

Desene in creion " Observatorul timpului” Antonio Finelli ne trimite într-o călătorie eternă prin lumea interioara temporalitatea umană și analiza riguroasă a acestei lumi asociată acesteia, al cărei element principal este trecerea în timp și urmele pe care le pune pe piele.

Finelli pictează portrete ale unor oameni de orice vârstă, gen și naționalitate, ale căror expresii faciale indică trecerea în timp, iar artistul speră să găsească și dovezi ale necruțării timpului asupra trupurilor personajelor sale. Antonio își definește lucrările cu un singur titlu, general: „Autoportret”, deoarece în desenele sale în creion el nu numai că înfățișează o persoană, dar permite privitorului să contemple rezultatele reale ale trecerii timpului în interiorul unei persoane.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni este o artistă italiană în vârstă de 37 de ani, fiica unui diplomat. Ea are trei copii. Doisprezece ani a trăit la Roma, trei ani în Anglia și Franța. A primit o diplomă în istoria artei la BD School of Art. Apoi a primit o diplomă în specialitatea restaurator de opere de artă. Înainte de a-și găsi chemarea și de a se dedica în totalitate picturii, a lucrat ca jurnalist, colorist, designer și actriță.

Pasiunea Flaminiei pentru pictură a apărut în copilărie. Mediul ei principal este uleiul pentru că iubește „coiffer la pate” și, de asemenea, se joacă cu materialul. Ea a învățat o tehnică similară în lucrările artistului Pascal Torua. Flaminia este inspirată din marii maeștri ai picturii precum Balthus, Hopper și François Legrand, precum și din diverse mișcări artistice: arta stradală, realismul chinezesc, suprarealismul și realismul renascentist. Artistul ei preferat este Caravaggio. Visul ei este să descopere puterea terapeutică a artei.

Denis Chernov

Denis Chernov este un artist ucrainean talentat, născut în 1978 în Sambir, regiunea Lviv, Ucraina. După ce a absolvit Colegiul de Artă din Harkov în 1998, a rămas la Harkov, unde locuiește și lucrează în prezent. De asemenea, a studiat la Academia de Stat de Design și Arte din Harkov, Departamentul de Grafică, a absolvit în 2004.

El participă în mod regulat la expoziții de artă, în prezent fiind mai mult de șaizeci, atât în ​​Ucraina, cât și în străinătate. Majoritatea lucrărilor lui Denis Chernov sunt păstrate în colecții private din Ucraina, Rusia, Italia, Anglia, Spania, Grecia, Franța, SUA, Canada și Japonia. Unele dintre lucrări au fost vândute la Christie's.

Denis lucrează într-o gamă largă de grafică și tehnici de pictură. Desenele în creion sunt una dintre metodele sale preferate de pictură, lista de subiecte a desenelor sale în creion este, de asemenea, foarte diversă, pictează peisaje, portrete, nuduri, compoziții de gen, ilustrații de carte, reconstituiri literare și istorice și fantezii.

Evaluarea celor mai scumpe lucrări ale artiștilor în viață este o construcție care vorbește despre rolul și locul artistului în istoria artei mult mai puțin decât despre vârstă și sănătate.

Regulile pentru compilarea ratingului nostru sunt simple: în primul rând, sunt luate în considerare doar tranzacțiile cu lucrări ale autorilor în viață; în al doilea rând, sunt luate în considerare doar vânzările la licitație publică; și în al treilea rând, se respectă regula „un artist - o lucrare” (dacă două înregistrări îi aparțin lui Jones în evaluarea lucrărilor, atunci rămâne doar cea mai scumpă, iar restul nu sunt luate în considerare). Clasamentul se realizează în termeni de dolari (la cursul de schimb de la data vânzării).

1. JEFF KOONS Iepure. 1986. 91,075 milioane USD

Cu cât urmărești mai mult cariera la licitație a lui Jeff Koons (1955), cu atât devii mai convins că nimic nu este imposibil pentru arta pop. Puteți admira sculpturile Koons sub formă de jucării de la baloane, dar le poți considera kitsch și de prost gust - dreptul tău. Un lucru nu poate fi negat: instalațiile Jeff Koons costă bani nebuni.

Jeff Koons și-a început călătoria către faimă ca cel mai de succes artist în viață din lume în 2007, când instalația sa gigantică din metal Hanging Heart a fost cumpărată pentru 23,6 milioane de dolari de la Sotheby's. Lucrarea a fost cumpărată de Galeria Larry Gagosian, reprezentând Koons (în presă a scris că a fost în interesul miliardarului ucrainean Viktor Pinchuk).Galeria a achiziționat nu doar o instalație, ci, de fapt, o operă de artă de bijuterii.Chiar dacă lucrarea nu este realizată din aur (oțel inoxidabil a servit ca material) și este în mod clar mai mare ca dimensiune decât un pandantiv obișnuit (o sculptură cu o înălțime de 2,7 m cântărește 1.600 kg), dar are un scop similar. Peste șase mii și jumătate de ore au fost petrecute pentru realizarea unei compoziții cu inima acoperită cu zece straturi de vopsea. Drept urmare, s-au plătit bani gigantici pentru „decorul” spectaculos.

Urmează vânzarea florii cu balon violet pentru 12,92 milioane de lire sterline (25,8 milioane de dolari) la Christie's Londra pe 30 iunie 2008. Interesant, cu șapte ani mai devreme, anteriori proprietari ai „Flower” au cumpărat lucrarea cu 1,1 milioane de dolari. Este ușor de calculat că în acest timp prețul său de piață a crescut de aproape 25 de ori.

Scăderea pieței de artă din 2008-2009 le-a dat scepticilor un motiv să calomnieze că moda pentru Koons a trecut. Dar s-au înșelat: odată cu piața de artă, interesul pentru lucrările lui Koons a fost reînviat. Succesorul lui Andy Warhol la tronul Regelui Pop și-a stabilit cel mai bun record personal în noiembrie 2012, cu vânzarea unei sculpturi multicolore Lalele din seria Triumph la Christie's pentru 33,7 milioane de dolari, inclusiv comision.

Dar „Lalelele” erau „flori” în sens literal și figurat. Doar un an mai târziu, în noiembrie 2013, a urmat vânzarea sculpturii din oțel inoxidabil caine de balon (portocaliu): prețul ciocanului a fost de până la 58,4 milioane de dolari! O sumă fabuloasă pentru un artist viu. Opera unui autor contemporan a fost vândută pentru prețul unui tablou Van Gogh sau Picasso. Acestea erau fructele de pădure...

Cu acest rezultat, Koons a domnit timp de câțiva ani în fruntea clasamentului artiștilor în viață. În noiembrie 2018, a fost depășit pentru scurt timp de David Hockney (vezi locul doi în clasamentul nostru). Dar doar șase luni mai târziu, totul a revenit la normal: pe 15 mai 2019, la New York, la licitația de artă postbelică și contemporană, Christie's a scos la vânzare o sculptură de manual pentru Koons în 1986 - un „Iepure” de argint. din otel inoxidabil, imitand un balon de forma similara.

În total, Koons a creat 3 astfel de sculpturi plus o copie a autorului. Licitația a inclus o copie a „Rabbit” numărul 2 – din colecția editurii de cult Cy Newhouse, coproprietar al editurii Conde Nast (reviste Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ etc.). „Rabbit” de argint a fost cumpărat de „tatăl glamourului” Cy Newhouse în 1992 pentru o sumă impresionantă după standardele acelor ani - 1 milion de dolari. După 27 de ani în lupta a 10 ofertanți, prețul ciocanului sculpturii a fost de 80 de ori mai mare decât prețul de vânzare anterior. Și cu comisionul Premium al Cumpărătorului, rezultatul final a fost un record de 91,075 milioane USD pentru toți artiștii în viață.

2. DAVID HOKNEY Portretul artistului. Bazin cu două figurine. 1972. 90.312.500 $

David Hockney (1937) este unul dintre cei mai importanți artiști britanici ai secolului XX. În 2011, David Hockney a fost votat cel mai influent artist britanic al tuturor timpurilor, într-un sondaj efectuat de mii de pictori și sculptori britanici profesioniști. În același timp, Hockney a ocolit maeștri precum William Turner și Francis Bacon. Opera sa, de regulă, este atribuită artei pop, deși în lucrările sale timpurii a gravitat mai mult către expresionism în spiritul lui Francis Bacon.

Născut și crescut David Hockney în Anglia, Yorkshire. Mama viitorului artist a ținut familia într-o strictețe puritană, iar tatăl său, un simplu contabil care a desenat puțin la nivel amator, și-a încurajat fiul să picteze. La începutul lui douăzeci de ani, David s-a mutat în California, unde a trăit în total aproximativ trei decenii. Mai are două ateliere acolo. Hockney i-a făcut pe eroii operelor sale să fie bogați locali, vilele, piscinele, peluzele scăldate în soarele din California. Una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale din perioada americană - pictura „Splash” - este o imagine a unui snop de pulverizare care se ridică din piscină după ce o persoană a sărit în apă. Pentru a descrie acest snop, „trăind” nu mai mult de două secunde, Hockney a lucrat două săptămâni. Apropo, acest tablou a fost vândut la Sotheby’s cu 5,4 milioane de dolari în 2006 și de ceva timp a fost considerată cea mai scumpă lucrare a sa.

Hockney (1937) are deja optzeci de ani, dar încă lucrează și chiar inventează noi tehnici artistice folosind inovații tehnice. Odată i-a venit ideea de a face colaje uriașe din poze Polaroid, și-a imprimat lucrările pe fax, iar astăzi artistul stăpânește cu entuziasm desenul pe iPad. Picturile desenate pe tabletă își iau locul cuvenit la expozițiile sale.

În 2005, Hockney s-a întors în sfârșit din State în Anglia. Acum pictează în aer liber și în studio peisaje uriașe (deseori formate din mai multe părți) ale pădurilor și pustiilor locale. Potrivit lui Hockney, în cei 30 de ani petrecuți în California, a devenit atât de neobișnuit cu simpla schimbare a anotimpurilor încât îl fascinează și îl fascinează cu adevărat. Cicluri întregi ale lucrărilor sale recente sunt dedicate, de exemplu, aceluiași peisaj în diferite perioade ale anului.

În 2018, picturile lui Hockney au depășit de câteva ori pragul de 10 milioane de dolari. Și pe 15 noiembrie 2018, la Christie's a fost înregistrat un nou record absolut pentru opera unui artist în viață - 90.312.500 USD pentru tabloul „Portret al artistului (piscina cu două figuri)”.

3. GERHARD RICHTER Pictura abstracta. 1986. 46,3 milioane de dolari

Trai clasic Gerhard Richter (1932) ocupă locul al doilea în clasamentul nostru. Artistul german a fost lider în rândul colegilor în viață până la al 58-lea record al lui Jeff Koons. Dar este puțin probabil ca această împrejurare să zdruncine deja autoritatea de fier a lui Richter pe piața de artă. Conform rezultatelor anului 2012, cifra de afaceri anuală la licitații a artistului german este a doua după cea a lui Andy Warhol și Pablo Picasso.

Timp de mulți ani, nimic nu a prefigurat succesul care a căzut acum asupra lui Richter. Timp de decenii, artistul a ocupat un loc modest pe piața de artă contemporană și nu a aspirat deloc la faimă. Putem spune că faima l-a depășit de la sine. Punctul de plecare este considerat de mulți a fi achiziționarea de către Muzeul MoMA din New York în 1995 a seriei din 18 octombrie 1977 a lui Richter. Muzeul American a plătit 3 milioane de dolari pentru 15 picturi în tonuri de gri și în curând a început să se gândească să organizeze o retrospectivă cu drepturi depline a artistului german. Expoziţia grandioasă a fost deschisă şase ani mai târziu, în 2001, iar de atunci interesul pentru opera lui Richter a crescut cu pasi. Din 2004 până în 2008, prețul picturilor sale s-a triplat. În 2010, lucrările lui Richter au adus deja 76,9 milioane de dolari, în 2011, potrivit site-ului Artnet, lucrările lui Richter la licitație au câștigat un total de 200 de milioane de dolari, iar în 2012 (conform Artprice) - 262,7 milioane de dolari - mai mult decât opera oricărei persoane. alt artist viu.

În timp ce, de exemplu, Jasper Johns succes răsunător la licitație însoțește în principal numai lucrări timpurii, o împărțire atât de ascuțită nu este tipică pentru lucrările lui Richter: cererea este la fel de stabilă pentru lucruri din diferite perioade creative, dintre care au fost foarte multe în cariera lui Richter. În ultimii șaizeci de ani, acest artist s-a încercat în aproape toate genurile tradiționale de pictură - portret, peisaj, marina, nud, natură moartă și, desigur, abstracție.

Istoria discurilor de licitație ale lui Richter a început cu o serie de naturi moarte „Lumânări”. 27 de imagini fotorealiste cu lumânări de la începutul anilor 1980, la momentul în care au fost scrise, costau doar 15.000 de mărci germane (5.800 USD) per lucrare. Dar încă nimeni nu a cumpărat Lumânări la prima lor expoziție la Galeria Max Hetzler din Stuttgart. Atunci tema picturilor s-a numit demodat; Astăzi, „Lumânările” sunt considerate lucrări pentru toate timpurile. Și costă milioane de dolari.

În februarie 2008, „Lumânare”, scrisă în 1983, a fost cumpărată în mod neașteptat pentru £ 7,97 milioane (16 milioane USD). Acest record personal a durat trei ani și jumătate. Apoi în octombrie 2011încă unul „Lumânare” (1982) a intrat sub ciocan la Christie's deja pentru £ 10,46 milioane (16,48 milioane USD). Cu acest record, Gerhard Richter a intrat pentru prima dată în topul celor mai de succes trei artiști în viață, luându-și locul în spatele lui Jasper Johns și Jeff Koons.

Apoi a început procesiunea victorioasă a „Tablourilor abstracte” ale lui Richter. Artistul pictează lucrări similare într-o tehnică unică a autorului: aplică un amestec de vopsele simple pe un fundal deschis, apoi le unge pe pânză cu o racletă lungă de mărimea unei bare de protecție a unei mașini. Acest lucru are ca rezultat tranziții complicate de culoare, pete și dungi. Examinarea suprafeței „picturilor sale abstracte” este ca săpăturile: pe ele urme ale diferitelor „figuri” privesc prin golurile numeroaselor straturi colorate.

9 noiembrie 2011 la licitaţia de artă modernă şi postbelică Sotheby's la scară largă „Pictură abstractă (849-3)” 1997 a trecut sub ciocan pentru 20,8 milioane USD (13,2 milioane £). Și șase luni mai târziu, 8 mai 2012 la licitația de artă postbelică și contemporană Christie's din New York „Pictură abstractă (798-3)” 1993 a fost un record 21,8 milioane de dolari(inclusiv comision). Cinci luni mai târziu - din nou un record: „Pictură abstractă (809-4)” din colecția muzicianului rock Eric Clapton pe 12 octombrie 2012 la Sotheby's din Londra a fost sub ciocan pentru £ 21,3 milioane (34,2 milioane USD). Bariera de 30 de milioane a fost luată de Richter cu atâta ușurință, de parcă nu ar fi vorba despre pictura modernă, ci despre capodopere care au deja o sută de ani - nu mai puțin. Deși în cazul lui Richter se pare că includerea în panteon a „marilor” a avut loc deja în timpul vieții artistului. Prețurile germane continuă să crească.

Următorul record al lui Richter a aparținut unei lucrări fotorealiste - un peisaj „Piața Catedralei, Milano (Domplatz, Mailand)” 1968. Lucrarea a fost vândută pentru 37,1 milioane la licitația Sotheby's 14 mai 2013. Vederea celei mai frumoase piețe a fost pictată de un artist german în 1968 la comanda Siemens Electro, special pentru biroul companiei din Milano. La momentul scrierii sale, era cea mai mare lucrare figurativă a lui Richter (cu dimensiunea de aproape trei pe trei metri).

Recordul din Piața Catedralei a stat aproape doi ani, până când 10 februarie 2015 nu l-a întrerupt "Pictura abstracta" ( 1986): prețul de ciocan a atins lire sterline 30,389 milioane (46,3 milioane USD). Pictura abstractă de 300,5 × 250,5 cm, scoasă la licitație la Sotheby’s, este una dintre primele lucrări la scară largă ale lui Richter în tehnica specială a autorului său de a îndepărta straturile de vopsea. Ultima dată în 1999, această „Pictură abstractă” a fost cumpărată la licitație pentru 607 mii USD (din acest an și până la vânzarea curentă, lucrarea a fost expusă la Muzeul Ludwig din Köln). La licitația din 10 februarie 2015, un anume client american în trepte de licitație de 2 milioane de lire sterline a atins prețul de ciocan de 46,3 milioane de dolari, adică din 1999, lucrarea a crescut în preț de peste 76 de ori!

4. Tsui Zhuzhuo „Măriți munți cu zăpadă”. 2013. 39,577 milioane USD

Multă vreme nu am urmărit îndeaproape evoluția situației de pe piața de artă chineză, nedorind să ne supraîncărcăm cititorii cu o cantitate excesivă de informații despre arta „nu a noastră”. Cu excepția disidentului Ai Weiwei, un artist nu atât de scump ca artist de rezonanță, autorii chinezi ni s-au părut prea numeroși și departe de noi pentru a aprofunda în ceea ce se întâmplă pe piața lor acolo. Dar statisticile, după cum se spune, sunt o doamnă serioasă, iar dacă vorbim despre cei mai de succes autori în viață din lume, atunci nu ne putem lipsi de o poveste despre reprezentanții de seamă ai artei contemporane a Regatului de Mijloc.

Să începem cu un artist chinez Cui Ruzhuo. Artistul s-a născut în 1944 la Beijing și a locuit în SUA între 1981 și 1996. După ce s-a întors în China, a început să predea la Academia Națională de Arte. Cui Ruzhuo reimaginează stilul tradițional de pictură cu cerneală chinezească și creează pânze uriașe pe care oamenii de afaceri și oficialii chinezi le place să le prezinte ca cadouri unul altuia. În Occident, se cunosc foarte puține lucruri despre el, deși mulți trebuie să-și amintească povestea sulului de 3,7 milioane de dolari care a fost aruncat din greșeală, confundându-l cu gunoi, de către curățenii unui hotel din Hong Kong. Deci - a fost sulul lui Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo are peste 70 de ani, iar piața muncii sale este înfloritoare. Peste 60 de lucrări ale acestui artist au depășit pragul de un milion de dolari, însă lucrările sale au avut până acum succes doar la licitațiile din China. Recordurile lui Cui Ruzhuo sunt cu adevărat impresionante. În primul rând „Peisaj în zăpadă” la Poly Auction din Hong Kong 7 aprilie 2014 a atins un preț de ciocan de 184 milioane USD ( 23,7 milioane USD).

Exact un an mai târziu 6 aprilie 2015 la o licitație specială Poly din Hong Kong dedicată exclusiv operei lui Cui Ruzhuo, o serie „Marele peisaj înzăpezit al muntosului Jiangnan”(Jiangnan este o regiune istorică din China, care ocupă malul drept al cursurilor inferioare ale râului Yangtze.) din opt peisaje cu cerneală pe hârtie au atins un preț de ciocan de 236 milioane USD ( 30,444 milioane USD).

Un an mai târziu, istoria s-a repetat din nou: la licitația solo a lui Cui Ruzhuo, organizată de Poly Auctions în Hong Kong 4 aprilie 2016 poliptic în șase părți „Măriți munți cu zăpadă” Prețul de ciocan în 2013 (inclusiv comisionul casei de licitație) a ajuns la 306 milioane USD (39,577 milioane USD). Până acum, acesta este un record absolut în rândul artiștilor asiatici în viață.

Potrivit dealerului de artă Johnson Chan, care lucrează cu arta contemporană chineză de 30 de ani, există o dorință necondiționată de a crește prețurile pentru lucrările acestui autor, dar toate acestea se întâmplă la un nivel de preț în care colecționarii experimentați este puțin probabil să-și dorească a cumpara ceva. „Chinezii vor să ridice ratingurile artiștilor lor umfland prețurile pentru lucrările lor la licitațiile internaționale majore, cum ar fi cea organizată de Poly în Hong Kong, dar nu există nicio îndoială că aceste rating sunt complet fabricate”, comentează Johnson Chang despre Cui Ruzhuo. ultima înregistrare.

Aceasta, desigur, este doar opinia unui singur dealer și avem o evidență reală înregistrată în toate bazele de date. Așa că să-l luăm în considerare. Cui Ruzhuo însuși, judecând după declarațiile sale, este departe de modestia lui Gerhard Richter când vine vorba de succesul său la licitație. Se pare că această cursă pentru recorduri îl captivează serios. „Sper ca în următorii 5-10 ani prețurile pentru lucrările mele să depășească prețurile pentru lucrările maeștrilor occidentali precum Picasso și Van Gogh. Acesta este visul chinezesc”, spune Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Steag. 1983. 36 de milioane de dolari

Locul trei în clasamentul artiștilor vii îi aparține unui american Către Jasper Johns (1930). Prețul record actual pentru lucrarea lui Jones este $ 36 de milioane. Atât de mult plătit pentru faimosul lui "Steag" la licitația Christie's 12 noiembrie 2014.

O serie de picturi „steagul”, începute de Jones la mijlocul anilor ’50, imediat după întoarcerea artistului din armată, a devenit unul dintre cele centrale în opera sa. Chiar și în tinerețe, artistul era interesat de ideea unui readymade, de transformarea unui obiect de zi cu zi într-o operă de artă. Cu toate acestea, steagurile lui Jones nu erau reale, erau pictate în ulei pe pânză. Astfel, o operă de artă a dobândit proprietățile unui lucru din viața obișnuită, era în același timp imaginea drapelului și a drapelului însuși. O serie de lucrări cu steaguri i-au adus lui Jasper John faima mondială. Dar nu mai puțin populare sunt lucrările sale abstracte. Timp de mulți ani, lista celor mai scumpe lucrări, întocmite conform regulilor de mai sus, a fost condusă de un rezumat "Start fals". Până în 2007, această pânză foarte strălucitoare și decorativă, pictată de Jones în 1959, a fost considerată proprietarul unui preț practic inaccesibil pentru un artist în viață (deși un clasic de viață) - $ 17 milioane. Atât au plătit pentru el în aur pentru piața de artă 1988.

Interesant este că experiența lui Jasper Johns ca deținător de record nu a fost continuă. În 1989, a fost întrerupt de munca colegului său Willem de Kooning: abstracția de doi metri "Mixing" a fost vândută la Sotheby's pentru 20,7 milioane de dolari. Jasper Johns a trebuit să se mute. Dar după 8 ani, în 1997, de Kooning a murit , și „False start” Jones a ocupat din nou prima linie a licitației artiștilor în viață timp de aproape 10 ani.

Dar în 2007 totul s-a schimbat. Recordul False Start a fost pentru prima dată eclipsat de munca tinerilor și ambițioșilor Damien Hirst și Jeff Koons. Apoi a avut loc o vânzare record de 33,6 milioane de dolari a picturii „Inspectorul de beneficii pentru dormit” de Lusien Freud (acum decedat și, prin urmare, nu participă la acest rating). Apoi au început înregistrările lui Gerhard Richter. În general, până acum cu un record actual de 36 de milioane, pe locul trei se află Jasper Johns, unul dintre maeștrii artei americane postbelice, care lucrează la intersecția neo-dadaismului, expresionismului abstract și artei pop.

6. ED RUSHAY Lovitura. 1963. 30,4 milioane de dolari

Succesul brusc al tabloului „Smash” al unui artist american Edward Ruscha (n. 1937) la licitatie Christie's 12 noiembrie 2014 a adus acest autor la numărul celor mai scumpi artiști în viață. Prețul record anterior pentru opera lui Ed Ruscha (deseori numele Ruscha este pronunțat în rusă ca „Rusha”, dar pronunția corectă este Ruscha) a fost „doar” 6,98 milioane de dolari: atât au plătit pentru pânza lui „Burning Gas”. Gară” în 2007. Şapte ani mai târziu a lui Lovitura cu o estimare de 15–20 de milioane de dolari, a ajuns la prețul unui ciocan 30,4 milioane de dolari. Este evident că piața operelor acestui autor a intrat nou nivel- nu degeaba Barack Obama împodobește Casa Albă cu lucrările sale, iar Larry Gagosian însuși îl expune în galeriile sale.

Ed Ruscha nu a aspirat niciodată la New York-ul postbelic, cu nebunia lui pentru expresionismul abstract. În schimb, timp de peste 40 de ani, a căutat inspirație în California, unde s-a mutat din Nebraska la vârsta de 18 ani. Artistul s-a aflat la originile unei noi tendințe în artă, numită pop art. Împreună cu Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud și alți cântăreți cultură de masă Edward Ruscha a participat la expoziția Muzeului din Pasadena din 1962, A New Image of Ordinary Things, care a devenit prima expoziție muzeală de artă pop americană. Cu toate acestea, lui Ed Ruscha însuși nu-i place când opera sa este atribuită artei pop, conceptualismului sau unei alte tendințe în artă.

Stilul său unic se numește „pictură text”. De la sfârșitul anilor 1950, Ed Ruscha a început să picteze cuvinte. Așa cum pentru Warhol o cutie de supă a devenit o operă de artă, pentru Ed Ruscha, cuvinte și expresii obișnuite, luate fie dintr-un panou publicitar, fie dintr-un ambalaj dintr-un supermarket, fie din creditele unui film (Hollywood a fost mereu alături de Ruscha și spre deosebire de mulți dintre colegii săi artiști, Rushey a respectat „fabrica de vise”). Cuvintele de pe pânzele sale capătă proprietățile unor obiecte tridimensionale, acestea sunt adevărate naturi moarte făcute din cuvinte. Când vă uitați la pânzele sale, primul lucru care îmi vine în minte este percepția vizuală și sonoră a cuvântului desenat și numai după aceea - semnificația semantică. Acesta din urmă, de regulă, nu poate fi descifrat fără ambiguitate; cuvintele și frazele alese de Ruscha pot fi interpretate în diferite moduri. Același cuvânt galben strălucitor „Smash” pe un fundal albastru intens poate fi perceput ca o chemare agresivă de a sparge ceva sau pe cineva în bucăți; ca un adjectiv singuratic scos din context (parte a unui titlu de ziar, de exemplu) sau pur și simplu ca un singur cuvânt prins într-un flux urban de imagini vizuale. Ed Ruscha se bucură de această incertitudine. „Întotdeauna am avut un respect profund pentru lucrurile ciudate, inexplicabile... Explicațiile, într-un fel, ucid un lucru”, a spus el într-un interviu.

7. LANA HRISTOS Fără titlu (RIOT). 1990. 29,93 milioane de dolari

artist american Christopher Wool(1955) a pătruns pentru prima dată în clasamentul artiștilor vii în 2013 - după vânzarea Apocalypse Now pentru 26,5 milioane de dolari.Acest record l-a pus imediat la egalitate cu Jasper Johns și Gerhard Richter. Suma acestei tranzacții istorice - de peste 20 de milioane de dolari - i-a surprins pe mulți, deoarece înainte de aceasta prețurile pentru lucrările artistului nu depășeau 8 milioane de dolari. Cu toate acestea, creșterea rapidă a pieței pentru lucrările lui Christopher Wool era deja evidentă la acel moment. : palmaresul artistului a inclus 48 de tranzacții de licitație în valoare de peste 1 milion de dolari, iar 22 dintre ele (aproape jumătate) au avut loc în 2013. Doi ani mai târziu, numărul lucrărilor lui Chris Wool, vândute cu peste 1 milion de dolari, a ajuns la 70, iar un nou record personal nu a întârziat să apară. La licitatie Lucrarea Sotheby’s din 12 mai 2015 „Fără titlu (RIOT)” a fost vândut cu $ 29,93 milioane inclusiv Premium Cumpărător.

Christopher Wool este cel mai bine cunoscut pentru literele sale negre la scară mare pe foi de aluminiu alb. Ei sunt cei care, de regulă, stabilesc recorduri la licitații. Acestea sunt toate lucruri de la sfârșitul anilor 1980 și începutul anilor 1990. După cum spune legenda, într-o seară, Wool se plimba seara prin New York și brusc a văzut graffiti cu litere negre pe un camion alb nou - cuvintele sex și dragoste. Această priveliște l-a impresionat atât de mult încât s-a întors imediat în studio și și-a scris propria versiune cu aceleași cuvinte. Anul era 1987, iar căutarea în continuare a artistului de cuvinte și expresii pentru lucrările sale „literale” reflectă spiritul contradictoriu al acestui timp. Acesta este denumirea „vinde casa, vinde mașina, vinde copii”, preluată de Wool din filmul „Apocalypse Now”, și cuvântul „FOOL” („prost”) cu majuscule și cuvântul „RIOT” („răzvrătire”), des întâlnită în titlurile de ziare ale vremii.

Cuvinte și expresii Lână aplicată pe foi de aluminiu folosind șabloane cu vopsele alchidice sau emailate, lăsând în mod deliberat dungi, urme de șablon și alte dovezi ale procesului de creație. Artistul a împărțit cuvintele, astfel încât privitorul să nu înțeleagă imediat sensul. La început, vezi doar un grup de litere, adică percepi cuvântul ca un obiect vizual și abia apoi citești și descifrezi sensul frazei sau cuvântului. Lâna a folosit un font folosit de armata americană după al Doilea Război Mondial, ceea ce sporește impresia unui ordin, a unei directive, a unui slogan. Aceste lucrări „de litere” sunt percepute ca parte a peisajului urban, ca graffiti ilegale care au încălcat curățenia suprafeței unui obiect stradal. Această serie de lucrări ale lui Christopher Wool este recunoscută ca fiind unul dintre vârfurile abstracției lingvistice și, prin urmare, este foarte apreciată de iubitorii de artă contemporană.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. 28,81 milioane USD

britanic Peter Doig(1959), deși aparține generației postmoderniștilor Koons și Hirst, a ales pentru sine un gen de peisaj cu totul tradițional, care multă vreme nu a fost favorabil artiștilor avansați. Prin opera sa, Peter Doig reînvie interesul în scădere al publicului pentru pictura figurativă. Opera sa este foarte apreciată atât de critici, cât și de nespecialiști, iar dovada în acest sens este creșterea rapidă a prețurilor la lucrările sale. Dacă la începutul anilor 1990 peisajele lui costau câteva mii de dolari, acum nota se ridică la milioane.

Lucrarea lui Doig este adesea denumită realism magic. Bazat pe peisaje reale, el creează imagini fanteziste, misterioase și adesea sumbre. Artistului îi place să înfățișeze obiecte abandonate de oameni: o clădire dărăpănată construită de Le Corbusier în mijlocul unei păduri sau o canoe albă goală pe suprafața unui lac din pădure. Pe lângă natură și imaginație, Doig este inspirat de filme de groază, cărți poștale vechi, fotografii, videoclipuri de amatori și așa mai departe. Picturile lui Doig sunt colorate, complicate, decorative și nu provocatoare. E plăcut să deții un astfel de tablou. Productivitatea scăzută a autorului alimentează și interesul colecționarilor: artistul care locuiește în Trinidad nu realizează mai mult de o duzină de tablouri pe an.

La începutul anilor 2000, peisajele individuale ale artistului au fost vândute cu câteva sute de mii de dolari. Totodată, opera lui Doig a fost inclusă în Galeria Saatchi, la Bienala de la Muzeul Whitney și în colecția MoMA. În 2006, barajul de licitație de 1 milion de dolari a fost depășit. anul urmator a avut loc o descoperire neașteptată: lucrarea „White Canoe”, oferită la Sotheby’s pe 7 februarie 2007 cu o estimare de 0,8-1,2 milioane de dolari, a fost de cinci ori mai mare decât estimarea preliminară și a fost vândută cu 5,7 milioane de lire sterline (11,3 milioane de dolari). La acea vreme, era un preț record pentru opera unui artist european în viață.

În 2008, Doig a susținut expoziții personale la Galeria Tate și la Muzeul de Artă Modernă din Paris. Etichetele de preț de mai multe milioane de dolari pentru munca lui Doig au devenit norma. Dosarul personal al lui Peter Doig a fost recent actualizat de câteva ori pe an - avem timp doar să schimbăm imaginea și locul acestui artist în clasamentul autorilor în viață.

Cea mai scumpă lucrare a lui Peter Doig până în prezent este peisajul cu zăpadă din Rosedale din 1991. Interesant este că recordul a fost stabilit nu la Sotheby's sau Christie's, ci la licitația de artă contemporană Phillips. S-a întâmplat pe 18 mai 2017. O vedere a Rosedale acoperită de zăpadă, unul dintre cartierele din Toronto, a fost vândută unui cumpărător de telefoane pentru 28,81 milioane de dolari, în creștere cu aproximativ 3 milioane de dolari față de recordul anterior (25,9 milioane de dolari pentru „Înghițit în noroi”). Tabloul „Rosedale” a participat la expoziția cheie a lui Doig de la Galeria Whitechapel din Londra în 1998 și, în general, această lucrare a fost proaspătă pentru piață și, prin urmare, prețul record este binemeritat.

9. FRANK STELLA Pini Cape. 1959. 28 de milioane de dolari

Frank Stella este un reprezentant strălucit al abstracției post-pictură și al minimalismului în artă. La o anumită etapă, se face referire la un stil de pictură cu margini dure. La început, Stella a pus în contrast geometria strictă, monocromul ascetic și structurarea picturilor sale cu spontaneitatea și aleatorietatea pânzelor expresioniștilor abstracti precum Jackson Pollock.

La sfârșitul anilor 1950, artistul a fost văzut de celebrul galeristă Leo Castelli și a primit pentru prima dată o expoziție. Pe ea, el a prezentat așa-numitele „Tablouri negre” - pânze pictate peste cu linii negre paralele, cu goluri subțiri de pânză nepictată între ele. Liniile se pliază în forme geometrice, care amintesc oarecum de iluzii optice, aceleași imagini care pâlpâie, se mișcă, se răsucesc, creează o senzație de spațiu adânc, dacă le privești îndelung. Stella a continuat tema liniilor paralele cu benzi subțiri despărțitoare în lucrările sale pe aluminiu și cupru. Culorile, baza picturală și chiar forma picturilor s-au schimbat (printre altele se remarcă lucrări în forma literelor U, T, L). Dar principiul principal al picturii sale a constat în continuare în claritatea conturului, monumentalitate, formă simplă, monocrom. În deceniile următoare, Stella s-a îndepărtat de la o astfel de pictură geometrică către forme și linii netede, naturale și de la picturi monocromatice la tranziții de culoare luminoase și variate. În anii 1970, Stella a fost captivată de modelele uriașe folosite pentru a picta navele. Artistul le-a folosit pentru picturi uriașe cu elemente de asamblare - a inclus bucăți de țevi de oțel sau plasă de sârmă în lucrările sale.

În primele sale interviuri, Frank Stella vorbește sincer despre semnificațiile puse în munca sa sau, mai degrabă, despre absența lor: „Ceea ce vezi este ceea ce vezi”. Pictura este un obiect în sine, nu o reproducere a nimic. „Este o suprafață plană cu vopsea pe ea și nimic altceva”, a spus Stella.

Ei bine, semnată de Frank Stella, această „suprafață cu vopsea pe ea” ar putea valora milioane de dolari astăzi. Pentru prima dată în clasamentul artiștilor în viață, Frank Stella a ajuns în 2015 cu vânzarea Delaware Crossing (1961) pentru 13,69 milioane de dolari, inclusiv comision.

Patru ani mai târziu, pe 15 mai 2019, un nou record a fost stabilit de lucrarea timpurie (1959) „Cape of Pines”: prețul ciocanului a fost de peste 28 de milioane de dolari, inclusiv comision. Acesta este unul dintre cele 29 de „picturi negre” – tocmai cele cu care Stella și-a făcut debutul la prima sa expoziție la New York. Absolventul Universității Princeton, Frank Stella, avea atunci 23 de ani. Adesea nu avea suficienți bani pentru vopsea în ulei pentru artiști. Tânărul artist a făcut lumina lunii ca o lucrare de reparații, îi plăceau foarte mult culorile pure ale vopselei, iar atunci i-a venit ideea de a lucra cu această vopsea pe pânză. Cu vopsea email neagra, Stella picteaza dungi paralele, lasand intre ele linii subtiri de panza fara amorsare. Mai mult, scrie fără rigle, cu ochii, fără schiță prealabilă. Stella nu a știut niciodată exact câte linii negre vor apărea într-un anumit tablou. De exemplu, în pictura „Cape of Pines”, există 35. Titlul lucrării se referă la numele capului din Golful Massachusetts - Point of Pines. La începutul secolului XX, avea un mare parc de distracții, iar astăzi este unul dintre cartierele orașului Revere.

10. YOSHITOMO NARA Cuțit la spate. 2000. 24,95 milioane de dolari

Yoshitomo Nara (1959) este una dintre figurile cheie ale artei neo-pop japoneze. Japoneză - pentru că, în ciuda faimei globale și a multor ani de muncă în străinătate, opera sa se distinge încă printr-o identitate națională pronunțată. Personajele preferate ale Narei sunt fetele și câinii în stilul benzilor desenate manga și anime japoneze. Imaginile pe care le-a inventat de mulți ani „s-au dus la oameni”: sunt imprimate pe tricouri, suveniruri și diverse „marchuri” sunt realizate cu ele. Născut într-o familie săracă, departe de capitală, nu este doar iubit pentru talentul său, ci și apreciat ca o persoană care s-a făcut pe sine. Artistul lucrează rapid și expresiv. Se știe că unele dintre capodoperele sale au fost finalizate literalmente peste noapte. Picturile și sculpturile lui Yoshitomo Nara, de regulă, sunt foarte laconice și chiar crunte în mijloace expresive, dar poartă întotdeauna o puternică încărcătură emoțională. Adolescentele de la Nara privesc adesea privitorul cu o mișcare neplăcută. În ochii lor - obrăznicie, provocare și agresivitate. În mâini - apoi un cuțit, apoi o țigară. Există opinia că perversiunile de comportament descrise sunt o reacție la moralitatea publică opresivă, diverse tabuuri și principiile educației adoptate de japonezi. Severitatea aproape medievală și rușinea provoacă probleme în interior, creează terenul pentru o explozie emoțională întârziată. „Cuțitul la spate” reflectă doar una dintre ideile principale ale artistului. În această lucrare există o privire urâtă a unei fete și o mână amenințătoare rănită la spate. Până în 2019, picturile și sculpturile lui Yoshitomo Nara au depășit deja milionul, sau chiar câteva milioane de mai multe ori. Dar douăzeci de milioane - pentru prima dată. Nara este unul dintre cei mai faimoși artiști japonezi din lume. Și acum cel mai scump dintre cei vii. Pe 6 octombrie 2109, la Sotheby's din Hong Kong, a luat acest titlu de la Takashi Murakami și a depășit-o vizibil pe artista de avangardă Yayoi Kusama, în vârstă de 90 de ani (prețurile maxime de licitație pentru picturile ei se apropie deja de 9 milioane de dolari).

11. ZENG FANZHI Ultima cina. 2001. 23,3 milioane de dolari

La Sotheby's Hong Kong 5 octombrie 2013 pânză la scară de an "Ultima cina" artist din Beijing Zeng Fanzhi (1964) a fost vândut pentru o sumă record de 160 de milioane de dolari Hong Kong - 23,3 milioane de dolari STATELE UNITE ALE AMERICII. Costul final al operei lui Fanzhi, scrisă, desigur, sub influența lui Leonardo da Vinci, s-a dovedit a fi de două ori mai mare decât estimarea preliminară de aproximativ 10 milioane de dolari. Prețul precedent al lui Zeng Fanzhi a fost de dolari. 9,6 milioane plătită la licitația Christie's din Hong Kong în mai 2008 pentru lucrare Seria masti. 1996 Nr. 6".

„Cina cea de taină” este cea mai mare pictură (2,2 × 4 metri) realizată de Fanzhi din seria „Măști”, care acoperă perioada 1994-2001. Ciclul este dedicat evoluției societății chineze sub influența reformelor economice. Introducerea elementelor unei economii de piață de către guvernul RPC a condus la urbanizarea și dezbinarea chinezilor. Fanzhi îi înfățișează pe locuitorii orașelor moderne chineze, care trebuie să lupte pentru un loc la soare. Cunoscuta compoziție a frescei lui Leonardo în lectura lui Fanzhi capătă un cu totul alt sens: scena este transferată de la Ierusalim în sala de clasă a unei școli chineze, cu plăci hieroglifice tipice pe pereți. „Hristos” și „apostolii” s-au transformat în pionieri cu cravate stacojii, iar doar „Iuda” poartă o cravată de aur - aceasta este o metaforă a capitalismului occidental, pătrunzând și distrugând modul obișnuit de viață într-o țară socialistă.

Lucrările lui Zeng Fanzhi sunt apropiate stilistic de expresionismul european și sunt la fel de dramatice. Dar, în același timp, sunt pline de simboluri și specificități chinezești. Această versatilitate atrage atât colecționarii chinezi, cât și occidentali la opera artistului. O confirmare directă a acestui fapt este proveniența Cinei celei de Taină: lucrarea a fost scoasă la licitație de celebrul colecționar al avangardei chineze din anii 1980 și începutul anilor 1990, baronul belgian Guy Ullens.

12. ROBERT RAYMAN Pod. 1980. 20,6 milioane de dolari

La licitatie Christie's 13 mai 2015 lucrare abstractă "Pod" Artist american în vârstă de 85 de ani Robert Ryman(Robert Ryman) a fost vândut pentru 20,6 milioane de dolari luând în considerare comisionul – de două ori mai scump decât estimarea mai mică.

Robert Ryman(1930) nu și-a dat seama imediat că vrea să devină artist. La 23 de ani, s-a mutat la New York din Nashville, Tennessee, dorind să devină saxofonist de jazz. Între timp, nu a devenit un muzician celebru, a trebuit să câștige bani în plus ca paznic la MoMA, unde i-a cunoscut pe Saul LeWitt și Dan Flavin. Primul a lucrat în muzeu ca secretar de noapte, iar al doilea ca paznic și operator de lift. Inspirat de lucrările expresioniștilor abstracti pe care i-a văzut la MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock și Newman - Robert Ryman s-a apucat de pictură în 1955.

Ryman este adesea menționat ca un minimalist, dar preferă să fie numit „realist” pentru că nu este interesat să creeze iluzii, el demonstrează doar calitățile materialelor pe care le folosește. Majoritatea lucrărilor sale sunt pictate cu vopsele de toate nuanțele posibile. culoare alba(de la cenușiu sau gălbui până la alb orbitor) bazat pe o formă pătrată laconică. Pe parcursul carierei, Robert Ryman a încercat multe materiale și tehnici: a pictat în uleiuri, acrilice, cazeină, email, pasteluri, guașă etc. pe pânză, oțel, plexiglas, aluminiu, hârtie, carton ondulat, vinil, tapet etc. prietenul, un restaurator profesionist, Orrin Riley, l-a sfătuit cu privire la causticitatea materialelor pe care s-a gândit să le folosească. După cum a spus odată un artist: „Nu am niciodată o întrebare ce scrie, principalul lucru - Cum scrie". Totul ține de textura, natura loviturilor, granița dintre suprafața colorată și marginile bazei, precum și relația dintre lucrare și perete. Din 1975, un element special al operei sale l-au constituit corpurile de fixare, pe care Ryman le proiectează el însuși și le lasă în mod deliberat vizibile, subliniindu-și munca „la fel de reali precum sunt pereții de care atârnă sunt reali”. Ryman preferă să dea lucrărilor „nume” mai degrabă decât „titluri”. „Numele” este ceea ce ajută la distingerea unei lucrări de alta, iar Ryman își denumește adesea lucrările după mărci de vopsea, companii etc., iar „titlul” pretinde un fel de aluzii și semnificații profund ascunse, a căror prezență în lucrări pe care artistul le neagă în mod regulat. Nu contează decât materialul și tehnica.

13. Damien Hirst Primăvara somnoroasă. 2002. 19,2 milioane de dolari

artist englez Către Damien Hirst (1965) a fost destinat să fie primul care a ocupat primul loc în acest rating într-o dispută cu clasicul viu Jasper Johns. Lucrarea deja amintită „False Start” ar putea rămâne un lider de nescufundat multă vreme dacă 21 iunie 2007 instalarea la acea vreme Hirst, în vârstă de 42 de ani „Primăvara adormită”(2002) nu a fost vândut la Sotheby's pentru £ 9,76 milioane, adică pentru 19,2 milioane de dolari. Lucrarea, de altfel, are un format destul de neobișnuit. Pe de o parte, acesta este o vitrină cu manechine de pastile (6.136 de pastile), de fapt, o instalație clasică. Și pe de altă parte, această vitrină este realizată plat (10 cm adâncime), luată într-un cadru și atârnată pe perete ca un panou cu plasmă, oferind astfel pe deplin confortul posesiei inerent tablourilor. În 2002, sora instalației, Sleepy Winter, s-a vândut cu 7,4 milioane de dolari, mai mult de jumătate din preț. Cineva a „explicat” diferența de preț prin faptul că tabletele sunt mai decolorate iarna. Dar este clar că această explicație este absolut nefondată, deoarece mecanismul de stabilire a prețurilor pentru astfel de lucruri nu mai este asociat cu efectul lor decorativ.

În 2007, mulți l-au recunoscut pe Hirst drept autorul celei mai scumpe lucrări dintre artiștii în viață. Întrebarea, însă, este din categoria „în funcție de modul în care se numără”. Cert este că Hurst a fost vândut cu lire sterline scumpe, iar Jones pentru dolari care au scăzut acum și chiar acum douăzeci de ani. Dar chiar dacă socotim la valoarea nominală, fără a ține cont de inflația de 20 de ani, atunci munca lui Hirst a fost mai scumpă în dolari, iar a lui Jones în lire sterline. Situația era la limită și fiecare era liber să decidă pe cine să considere cel mai scump. Dar Hurst a rezistat pe primul loc nu atât de mult. În același 2007, a fost înlocuit de pe primul loc de Koons cu „Hanging Heart”.

Chiar în ajunul scăderii globale a prețurilor pentru arta contemporană, Hirst și-a asumat un angajament fără precedent pentru un tânăr artist - o licitație solo a lucrărilor sale, care a avut loc pe 15 septembrie 2008 la Londra. Vestea falimentului băncii Lehman Brothers anunțată cu o zi înainte nu a stricat apetitul iubitorilor de artă contemporană: dintre cele 223 de lucrări oferite de Sotheby's, doar cinci nu și-au găsit noi proprietari (unul dintre cumpărători, de altfel, era Viktor Pinchuk). Muncă „Taurul de aur”- o efigie uriașă de taur în formaldehidă, încoronată cu un disc de aur, - adus 10,3 milioane GBP (18,6 milioane USD). Acesta este cel mai bun rezultat al lui Hurst dacă este măsurat în lire sterline (în moneda în care a fost făcută tranzacția). Cu toate acestea, ne clasam în termeni de dolari, așa că (fie ca Vițelul de Aur să ne ierte) cea mai buna vanzare Hurst, vom lua în considerare în continuare „Primăvara adormită”.

Din 2008, Hirst nu a avut vânzări de Sleepy Spring și Golden Calf. Înregistrările noi din anii 2010 - pentru munca lui Richter, Jones, Fanzhi, Wool și Koons - l-au mutat pe Damien pe a șasea linie a ratingului nostru. Dar să nu facem o judecată categorică despre declinul erei Hirst. Potrivit analiștilor, Hurst ca „superstar” a intrat deja în istorie, ceea ce înseamnă că îl vor cumpăra pentru o perioadă foarte lungă de timp; cu toate acestea, cea mai mare valoare în viitor este prezisă pentru lucrările create în cea mai inovatoare perioadă a carierei sale, adică în anii 1990.

14. Maurizio Cattelan L. 2001. 17,19 milioane de dolari

Italianul Maurizio Cattelan (1960) a ajuns la artă după ce a lucrat ca agent de securitate, bucătar, grădinar și designer de mobilă. Autorul autodidact a devenit faimos mondial pentru sculpturile și instalațiile sale ironice. A aruncat un meteorit asupra Papei, a transformat soția unui client într-un trofeu de vânătoare, a făcut găuri în podeaua unui muzeu al vechilor maeștri, a ridicat un deget mijlociu uriaș la bursa din Milano, a adus un măgar viu la târgul Frieze. În viitorul apropiat, Cattelan promite că va instala o toaletă de aur la Muzeul Guggenheim. În cele din urmă, bufoniile lui Maurizio Cattelan au fost recunoscute pe scară largă în lumea artei: este invitat la Bienala de la Veneția (instalația „Alții” în 2011 - un stol de două mii de porumbei care privesc amenințător din toate țevile și grinzile la mulțimile de vizitatori. trecând mai jos), aranjează că are o retrospectivă la Muzeul Guggenheim din New York (noiembrie 2011) și, în sfârșit, se plătesc bani mari pentru sculpturile lui.

Din 2010, cea mai scumpă lucrare a lui Maurizio Cattelan a fost o sculptură în ceară a unui bărbat care se uită dintr-o gaură din podea, similară în exterior cu artistul însuși („Fără titlu”, 2001). Această sculptură-instalație, care există în valoare de trei exemplare plus copia autorului, a fost expusă pentru prima dată la Muzeul Boijmans van Beuningen din Rotterdam. Apoi, acest personaj răutăcios a privit dintr-o gaură din podeaua sălii cu picturi ale pictorilor olandezi din secolele al XVIII-lea și al XIX-lea. Maurizio Cattellan în această lucrare se asociază cu un criminal îndrăzneț care invadează spațiul sacru al sălii muzeului cu picturi ale marilor maeștri. Astfel, el vrea să priveze arta de aureola de sfințenie pe care i-o conferă pereții muzeului. Lucrarea, de dragul expunerii pe care de fiecare dată trebuie să-i faci găuri în podea, a fost vândută cu 7,922 milioane de dolari la Sotheby's.

Recordul a rămas până pe 8 mai 2016, când lucrarea și mai provocatoare a lui Cattelan, Him, înfățișând un Hitler în genunchi, a intrat sub ciocan pentru 17,189 milioane de dolari.Chestia este ciudată. Numele este ciudat. Selectarea personajelor este riscantă. Ca orice altceva cu Cattelan. Ce înseamnă El? „A Lui” sau „Maestatea Sa infernală”? Este clar că cu siguranță nu vorbim despre scandarea imaginii Fuhrer-ului. În această lucrare, Hitler apare mai degrabă într-o formă neputincioasă, jalnică. Și în mod absurd - întruparea Satanei este făcută de mărimea unui copil, îmbrăcat într-un costum de școlar și îngenuncheat cu o expresie umilă pe față. Pentru Cattelan, această imagine este o invitație de a reflecta asupra naturii răului absolut și o modalitate de a scăpa de frici. Apropo, sculptura „El” este binecunoscută publicului occidental. Frații ei din serie au fost expuși de mai mult de 10 ori în muzeele de top din întreaga lume, inclusiv Centrul Pompidou și Muzeul Solomon Guggenheim.

15. MARC GROTJAN Untitled (S III Released to France Face 43.14). 2011. 16,8 milioane de dolari

Pe 17 mai 2017, una dintre cele mai puternice tablouri ale lui Marc Grotjan scoase vreodată la licitație a apărut la licitația de seară Christie's New York. Tabloul „Untitled (S III Released to France Face 43.14)” a fost realizat de colecționarul parizian Patrick Seguin cu o estimare de 13-16 milioane de dolari, iar din moment ce vânzarea lotului a fost garantată de un terț, nimeni nu a fost deosebit de surprins de stabilirea unui nou record personal de licitație de către artistul în vârstă de 49 de ani . Prețul ciocanului de 14,75 milioane de dolari (16,8 milioane de dolari cu Buyer's Premium) a depășit recordul precedent de licitație al lui Grotjan cu peste 10 milioane de dolari, permițându-i să intre în clubul artiștilor vii a căror opera se vinde cu opt cifre. Aceleași rezultate cu șapte cifre (vânzări de peste 1 milion de dolari, dar nu mai mult de 10 milioane de dolari) în pușculița de licitație Mark Grotyan pentru aproximativ treizeci.

Mark Grotjan (1968), în a cărui lucrare experții văd influența modernismului, minimalismului abstract, pop și op art-ului, a ajuns la identitatea sa corporativă la mijlocul anilor 1990, după ce s-a mutat cu prietenul său Brent Peterson la Los Angeles și și-a deschis o galerie acolo. „Camera 702”. După cum își amintește artistul însuși, în acel moment a început să se gândească la ceea ce a fost mai întâi pentru el în artă. Căuta motivul cu care să poată experimenta. Și mi-am dat seama că a fost mereu interesat de linie și culoare. Experimentele în spiritul raionismului și minimalismului cu perspectivă liniară, numeroase puncte de fugă și forme triunghiulare abstracte multicolore au adus în cele din urmă lui Grotjan faima mondială.

Din peisaje abstracte, colorate, cu multiple orizonturi și puncte de fuga, a ajuns să aibă forme triunghiulare care amintesc de aripi de fluture. Tablouri de Grotjan 2001–2007 Îi spun „Fluturi”. Astăzi, mutarea punctului de fuga sau folosirea mai multor puncte de fuga simultan, distanțate în spațiu, este considerată una dintre cele mai puternice tehnici ale artistului.

Următoarea serie mare de lucrări s-a numit „Faces”; în liniile abstracte ale acestei serii se pot ghici trăsăturile unui chip uman, simplificate la starea de mască în spiritul lui Matisse, Jawlensky sau Brancusi. Vorbind despre simplificarea și stilizarea supremă a formelor, despre soluția compozițională a picturilor, când contururile împrăștiate ale ochilor și gurii par să ne privească din desișul pădurii, cercetătorii notează legătura dintre „Chipurile” lui Grotjan cu arta. a triburilor primitive din Africa și Oceania, în timp ce artistului însuși pur și simplu „îi plac imaginea cu ochii care privesc din junglă. Mi-am imaginat uneori fețele de babuini sau maimuțe. Nu pot spune că am fost influențat conștient sau subconștient de arta africană primitivă, ci mai degrabă, am fost influențat de artiști care au fost influențați de ea. Picasso este cel mai evident exemplu.”

Lucrările din seria „Faces” se numesc brutale și elegante, plăcute ochiului și plăcute minții. De-a lungul timpului, textura acestor lucrări se schimbă și: pentru a crea efectul de spațiu interior, artistul folosește lovituri largi de vopsea groasă, chiar stropire în stilul lui Pollock, dar suprafața picturii este nivelată astfel încât, la o examinare mai atentă , pare complet plat. Pictura fără titlu (S III Released to France Face 43.14) aparține acestei serii celebre de Mark Grotjan.

16. TAKASHI MURAKAMI Cowboy-ul meu singuratic. 15,16 milioane de dolari

japonez Takashi Murakami (1962) a intrat în ratingul nostru cu sculptura „Cowboyul meu singuratic”, vândut la Sotheby's în mai 2008 pentru $ 15,16 milioane. Odată cu această vânzare, Takashi Murakami a fost mult timp considerat cel mai de succes artist asiatic în viață - până când a fost eclipsat de vânzarea Cina cea de taină de Zeng Fanzhi.

Takashi Murakami lucrează ca artist, sculptor, designer de modă și animator. Murakami a vrut să ia ceva cu adevărat japonez ca bază a lucrării sale, fără împrumuturi occidentale sau alte împrumuturi. În anii săi de studenție, a fost fascinat de arta tradițională japoneză a nihonga, mai târziu a fost înlocuită de arta populară anime și manga. Astfel s-a născut psihedelicul Mr DOB, modele de flori zâmbitoare și sculpturi strălucitoare și strălucitoare din fibră de sticlă, de parcă tocmai ar fi ieșit din paginile benzilor desenate japoneze. Unii consideră arta lui Murakami ca fiind fast-food și întruchiparea vulgarității, alții îl numesc pe artist pe japonezul Andy Warhol - iar în rândurile acestuia din urmă, după cum vedem, sunt mulți oameni foarte bogați.

Murakami a împrumutat numele sculpturii sale din The Lonely Cowboys (1968) de Andy Warhol, pe care japonezii, după cum a recunoscut el însuși, nu o vizionase niciodată, dar îi plăcea foarte mult combinația de cuvinte. Murakami cu o sculptură i-a mulțumit pe fanii benzilor desenate japoneze erotice și a râs de ei. Mărit în dimensiune și, pe lângă asta, și tridimensional, eroul anime se transformă într-un fetiș al culturii de masă. Această declarație artistică este destul de în spiritul artei pop clasice occidentale (amintiți-vă setul de mobilier al lui Allen Jones sau Pantera roz a lui Koons), dar cu o notă națională.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. 14.784.505 USD

KAWS este pseudonimul artistului american Brian Donelly din New Jersey. Este cel mai tânăr participant la ratingul nostru, născut în 1974. Donelly a început ca animator la Disney (desenând fundaluri pentru desenul animat „101 Dalmați” și altele). Sunt interesat de graffiti de când eram mic. La început, semnătura lui era un craniu cu „X” în locul orbitelor. Munca tânărului scriitor a fost îndrăgită de oamenii din lumea spectacolului și de oamenii din industria modei: a realizat coperta albumului Kanye West, a lansat colaborări pentru Nike, Comme des Garçons și Uniqlo. De-a lungul timpului, KAWS a devenit o figură cunoscută în lumea artei contemporane. Figurina sa semnătură Mickey Mouse și-a găsit drumul în muzee, spații publice și colecții private. Odată ce KAWS a lansat o ediție limitată de jucărie de vinil cu marca My Plastic Heart și au devenit dintr-o dată subiectul unui mare interes al colecționarilor. Unul dintre colecționarii pasionați ai acestor „jucării” este fondatorul Black Star, rapperul Timati: a adunat aproape în totalitate întreaga serie de „Cavs Companions”.

Lucrarea lui KAWS a stabilit un record pentru opera unui artist - 14,7 milioane de dolari - la licitația Sotheby's din Hong Kong pe 1 aprilie 2019. A fost în colecția designerului de modă japonez Nigo. Meter canvas Albumul KAWS este un omagiu adus coperta celebrului album The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" din 1967. Doar în loc de oameni, are Kimpsons - personaje stilizate din seria de desene animate Simpsons cu „X” în loc de ochi.

18. JIN SHAN mireasă tadjică. 1983. 13,89 milioane de dolari

Printre artiștii chinezi relativ tineri și contemporani, care aparțin așa-numitului „noul val” de la sfârșitul anilor 1980 în arta chineză, ratingul nostru a inclus în mod destul de neașteptat un reprezentant al unei generații complet diferite și al unei școli diferite. Jin Shan (Jin Shangyi), care acum are peste 80 de ani, aparține reprezentanților străluciți ai primei generații de artiști din China comunistă. Părerile acestui grup de artiști s-au format în mare măsură sub influența celui mai apropiat aliat comunist - URSS.

Arta oficială sovietică, realismul socialist, pictura în ulei, care era încă neobișnuită pentru China (spre deosebire de pictura tradițională cu cerneală chineză) au fost la apogeul popularității în anii 1950, iar artistul sovietic Konstantin a venit să predea la Universitatea de Artă din Beijing timp de trei ani. (din 1954 până în 1957).Metodievici Maksimov. Jin Shani, care la acea vreme era cel mai tânăr din grup, a intrat în clasa sa. Artistul și-a amintit întotdeauna de profesorul său cu mare căldură, spunând că Maksimov a fost cel care l-a învățat să înțeleagă și să descrie corect modelul. K. M. Maksimov a adus în discuție o întreagă galaxie de realiști chinezi, acum clasici.

În opera lui Jin Shan se poate simți influența atât a „stilului sever” sovietic, cât și a școlii europene de pictură. Artistul a dedicat mult timp studierii moștenirii Renașterii și clasicismului, în timp ce a considerat necesar să păstreze spiritul chinezesc în lucrările sale. Tabloul „Mireasa Tajik”, pictat în 1983, este considerat o capodopera recunoscută universal, o nouă piatră de hotar în opera lui Jin Shan. Ea a fost scoasă la licitația China Guardian în noiembrie 2013 și a fost vândută de câteva ori mai scump decât estimarea - pentru 13,89 milioane de dolari, inclusiv comision.

19. BANKSY Parlamentul degradat. 2008. 12,14 milioane de dolari

Picturile murale care poartă eticheta Banksy au început să apară pe pereții orașelor (mai întâi în Marea Britanie și apoi în întreaga lume) la sfârșitul anilor 1990. Graffiti-urile sale filozofice și în același timp ascuțite au fost dedicate problemelor atacului statului asupra libertăților cetățenilor, crimelor împotriva mediu inconjurator, consumul iresponsabil, inumanitatea sistemului de migrație ilegală. De-a lungul timpului, „reproșurile” de zid ale lui Banksy au câștigat o popularitate mediatică fără precedent. De fapt, el a devenit unul dintre principalii purtători de cuvânt ai opiniei publice condamnând ipocrizia statelor și corporațiilor, producând o nedreptate tot mai mare în sistemul capitalist.

Semnificația lui Banksy, simțul „nervului timpului” și acuratețea metaforelor sale au fost apreciate nu numai de public, ci și de colecționari. În anii 2010, pentru lucrările sale s-au dat sute de mii sau chiar mai mult de un milion de dolari. S-a ajuns la punctul în care graffiti-ul Banksy a fost spart și furat împreună cu bucăți de pereți.

Într-o eră a supravegherii digitale avansate, Banksy reușește în continuare să rămână anonim. Există o versiune că aceasta nu mai este o singură persoană, ci un grup de mai mulți artiști, în frunte cu o femeie talentată. Asta ar explica multe. Și diferența exterioară a scriitorilor prinși în lentilele camerelor martorilor și metoda impersonală de aplicare a șablonului (oferă viteză mare și nu necesită participarea directă a autorului) și romantismul emoționant al subiectelor picturilor (bile, fulgi de nea etc.). Oricum ar fi, cei de la proiectul Banksy, inclusiv asistenții lui, știu să țină gura.

În 2019 cel mai mult munca scumpa Banksy a devenit în mod neașteptat un parlament devolut de pânză de patru metri (parlament „degradat”, „degradat” sau „delegat”). Cimpanzeii care se ceartă în Camera Comunelor par să bată joc de public în anul scandalosului Brexit. Este surprinzător că pictura a fost pictată cu 10 ani înainte de acest punct de cotitură istoric și, prin urmare, cineva o consideră profetică. La o licitație Sotheby's din 3 octombrie 2019, un cumpărător necunoscut a cumpărat petrolul pentru 12.143.000 de dolari printr-o licitație acerbă - de șase ori prețul estimării preliminare.

20. JOHN CURREN „Dulce și simplu”. 1999. 12,007 milioane de dolari

artist american John Curran (1962) cunoscut pentru picturile sale figurative satirice pe teme sexuale și sociale provocatoare. Opera lui Curren reușește să îmbine tehnicile de pictură ale vechilor maeștri (în special Lucas Cranach cel Bătrân și manieriștii) și fotografia de modă din reviste glossy. Obținând mai grotesc, Karren distorsionează adesea proporțiile corpului uman, mărește sau reduce părțile individuale ale acestuia, înfățișează eroi în ipostaze rupte, manierate.

Curren a început în 1989 cu portrete ale fetelor redesenate dintr-un album școlar; a continuat la începutul anilor 1990 cu poze cu frumuseți cu buste inspirate din fotografiile de la Cosmopolitan și Playboy; în 1992, au apărut portretele doamnelor în vârstă înstărite; iar în 1994, Curren s-a căsătorit cu sculptorul Rachel Feinstein, care a devenit muza și modelul său principal timp de mulți ani. Până la sfârșitul anilor 1990, priceperea tehnică a lui Currin, combinată cu kitsch-ul și grotescul picturilor sale, i-au adus popularitate. În 2003, Larry Gagosian a preluat promovarea artistului, iar dacă un astfel de dealer precum Gagosian preia autorul, atunci succesul este garantat. În 2004, o retrospectivă a lui John Curran a avut loc la Muzeul Whitney.

În această perioadă, opera sa a început să se vândă pentru șase cifre. Recordul actual pentru un tablou de John Curran îi aparține lui Sweet and Simple, vândut pe 15 noiembrie 2016 la Christie's pentru 12 milioane de dolari, acum peste 50 de ani, acesta este cu siguranță un progres în carieră. Recordul său anterior în 2008 a fost de 5,5 milioane de dolari (plătit, de altfel, pentru aceeași lucrare „Cute and Simple”).

21. BRICE MARDEN Cel Participant. 1996–1999 10,917 milioane USD

Un alt artist abstract american în viață în clasamentul nostru este Bryce Marden (1938). Lucrările lui Marden în stilul minimalismului și, de la sfârșitul anilor 1980 - pictura gestuală, se disting printr-o paletă unică a autorului, ușor dezactivată. Combinațiile de culori din lucrările lui Marden sunt inspirate din călătoriile sale în jurul lumii - Grecia, India, Thailanda, Sri Lanka. Printre autorii care au influențat formarea lui Marden se numără Jackson Pollock (la începutul anilor 1960 Marden a lucrat ca agent de securitate la Muzeul Evreiesc, unde a observat personal „picurăturile” lui Pollock), Alberto Giacometti (s-a familiarizat cu opera sa la Paris) și Robert Rauschenberg (unele în timp ce Marden lucra ca asistent). Prima etapă a lucrării lui Marden este dedicată pânzelor minimaliste clasice, constând din blocuri dreptunghiulare colorate (orizontale sau verticale). Spre deosebire de mulți alți minimalisti care au căutat calitatea ideală a lucrărilor, parcă tipărite de o mașină, și nu desenate de o persoană, Marden a păstrat urme ale operei artistului, combinate materiale diferite(ceară și vopsele de ulei). De la mijlocul anilor 1980, sub influența caligrafiei orientale, abstracția geometrică a fost înlocuită de linii șerpuitoare, asemănătoare meandre, al căror fundal era aceleași câmpuri de culoare monocrome. Una dintre aceste lucrări „meander” – „The Attended” – a fost vândută la Sotheby's în noiembrie 2013 pentru 10,917 milioane de dolari, inclusiv comision.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23 decembrie 1959. 10,6 milioane USD

23. ZHANG XIAOGANG Dragoste eterna. 10,2 milioane de dolari

Un alt reprezentant al artei contemporane chineze este un simbolist și suprarealist Zhang Xiaogang (1958). La Sotheby's Hong Kong 3 aprilie 2011, unde a fost vândută avangarda chineză din colecția baronului belgian Guy Ullens, un triptic de Zhang Xiaogang "Dragoste eterna" a fost vândut cu $ 10,2 milioane. La acea vreme, era un record nu numai pentru artist, ci pentru întreaga artă contemporană chineză. Se spune că opera lui Xiaogang a fost cumpărată de soția miliardarului Wang Wei, care este pe cale să-și deschidă propriul muzeu.

Zhang Xiaogang, care este pasionat de misticism și filozofia orientală, a scris povestea „ Dragoste eternaîn trei părți - viață, moarte și renaștere. Acest triptic a fost prezentat în emblematica expoziție China/Avangardă din 1989 de la Muzeul Național de Artă. Tot în 1989, demonstrațiile studențești au fost suprimate cu brutalitate în Piața Tiananmen de către armată. În urma acestui tragic eveniment, șuruburile au început să se strângă - expoziția de la Muzeul Național a fost dispersată, mulți artiști au emigrat. Ca răspuns la realismul socialist impus de sus, a apărut o direcție a realismului cinic, unul dintre principalii reprezentanți ai căruia a fost Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Neputincios Henry Moore. 1967. 9,9 milioane de dolari

american Bruce Nauman (1941), câștigătorul premiului principal al celei de-a 48-a Bienale de la Veneția (1999), a ajuns de mult la palmaresul său. Nauman și-a început cariera în anii șaizeci. Cunoscătorii îl numesc, alături de Andy Warhol și Joseph Beuys, una dintre cele mai influente figuri din arta celei de-a doua jumătate a secolului XX. Cu toate acestea, intelectualitatea bogată și nedecorativitatea absolută a unora dintre lucrările sale i-au împiedicat în mod evident recunoașterea rapidă și succesul în rândul publicului larg. Nauman experimentează adesea cu limbajul, descoperind semnificații neașteptate ale frazelor familiare. Cuvintele devin personajele centrale ale multor lucrări ale sale, inclusiv pseudo-semnele și panourile neon. Nauman însuși se numește sculptor, deși în ultimii patruzeci de ani s-a încercat în genuri complet diferite - sculptură, fotografie, artă video, spectacole, grafică. La începutul anilor 1990, Larry Gagosian a rostit cuvintele profetice: „Valoarea reală a lucrării lui Naumann nu a fost încă realizată”. Si asa s-a intamplat: 17 mai 2001 la Christie's de Naumann în 1967 „Neajutorat Henry Moore (vedere din spate)”(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) a stabilit un nou record în segmentul de artă postbelică. O ghips din mâinile lui Naumann legate la spate, din ipsos și ceară, a intrat sub ciocan pentru $ 9,9 milioaneîn colecția magnatului francez Francois Pinault (după alte surse, americanul Phyllis Wattis). Estimarea lucrării a fost de doar 2-3 milioane de dolari, așa că rezultatul a fost o adevărată surpriză pentru toată lumea.

Înainte de această vânzare legendară, doar două dintre lucrările lui Naumann depășiseră pragul milionului de dolari. Și în întreaga sa carieră de licitație de până acum, doar șase lucrări, pe lângă „Henry Moore...”, au mers pe șapte cifre, dar rezultatele lor încă nu pot fi comparate cu nouă milioane.

„Helples Henry Moore” este una dintre seriile de lucrări polemice ale lui Naumann despre figura lui Henry Moore (1898–1986), un artist britanic care a fost considerat printre cei mai mari sculptori ai secolului al XX-lea în anii șaizeci. Tinerii autori, care s-au trezit în umbra unui maestru recunoscut, l-au atacat apoi cu critici acerbe. Opera lui Naumann este un răspuns la această critică și în același timp o reflecție pe tema creativității. Titlul lucrării devine un joc de cuvinte, deoarece conectează două sensuri ale cuvântului englezesc bound - bound (în sensul literal) și sortit unei anumite soarte.

Atenţie! Toate materialele site-ului și baza de date a rezultatelor licitațiilor de pe site, inclusiv informații de referință ilustrate despre lucrările vândute la licitații, sunt destinate utilizării exclusiv în conformitate cu art. 1274 din Codul civil al Federației Ruse. Utilizarea în scopuri comerciale sau cu încălcarea regulilor stabilite de Codul civil al Federației Ruse nu este permisă. site-ul nu este responsabil pentru conținutul materialelor transmise de terți. In cazul incalcarii drepturilor tertilor, administratia site-ului isi rezerva dreptul de a le scoate din site si din baza de date la cererea organismului abilitat.