Artiști ai picturii moderne. Artiștii ruși contemporani. Artiști talentați care creează tablouri extraordinare Artiști contemporani de top vânduți

Evaluarea celor mai scumpe lucrări ale artiștilor în viață este o construcție care vorbește despre rolul și locul artistului în istoria artei mult mai puțin decât despre vârstă și sănătate.

Regulile pentru compilarea ratingului nostru sunt simple: în primul rând, sunt luate în considerare doar tranzacțiile cu lucrări ale autorilor în viață; în al doilea rând, sunt luate în considerare doar vânzările la licitație publică; și în al treilea rând, se respectă regula „un artist - o lucrare” (dacă două înregistrări îi aparțin lui Jones în evaluarea lucrărilor, atunci rămâne doar cea mai scumpă, iar restul nu sunt luate în considerare). Clasamentul se realizează în termeni de dolari (la cursul de schimb de la data vânzării).

1. JEFF KOONS Iepure. 1986. 91,075 milioane USD

Cu cât urmărești mai mult cariera la licitație a lui Jeff Koons (1955), cu atât devii mai convins că nimic nu este imposibil pentru arta pop. Puteți admira sculpturile Koons sub formă de jucării de la baloane, dar le poți considera kitsch și de prost gust - dreptul tău. Un lucru nu poate fi negat: instalațiile Jeff Koons costă bani nebuni.

Jeff Koons și-a început călătoria către faimă ca cel mai de succes artist în viață din lume în 2007, când instalația sa gigantică din metal Hanging Heart a fost cumpărată pentru 23,6 milioane de dolari de la Sotheby's. Lucrarea a fost cumpărată de Galeria Larry Gagosian, reprezentând Koons (în presă a scris că a fost în interesul miliardarului ucrainean Viktor Pinchuk).Galeria a achiziționat nu doar o instalație, ci, de fapt, o operă de artă de bijuterii.Chiar dacă lucrarea nu este realizată din aur (oțel inoxidabil a servit ca material) și este în mod clar mai mare ca dimensiune decât un pandantiv obișnuit (o sculptură cu o înălțime de 2,7 m cântărește 1.600 kg), dar are un scop similar. Peste șase mii și jumătate de ore au fost petrecute pentru realizarea unei compoziții cu inima acoperită cu zece straturi de vopsea. Drept urmare, s-au plătit bani gigantici pentru „decorul” spectaculos.

Urmează vânzarea florii cu balon violet pentru 12,92 milioane de lire sterline (25,8 milioane de dolari) la Christie's Londra pe 30 iunie 2008. Interesant, cu șapte ani mai devreme, anteriori proprietari ai „Flower” au cumpărat lucrarea cu 1,1 milioane de dolari. Este ușor de calculat că în acest timp prețul său de piață a crescut de aproape 25 de ori.

Scăderea pieței de artă din 2008-2009 a dat scepticilor un motiv să calomneze că moda pentru Koons a trecut. Dar s-au înșelat: odată cu piața de artă, interesul pentru lucrările lui Koons a fost reînviat. Succesorul lui Andy Warhol la tronul regelui artei pop și-a actualizat cel mai bun personal în noiembrie 2012 cu vânzarea la Christie's a unei sculpturi multicolore „Lalele” din seria „Triumph” pentru 33,7 milioane de dolari, inclusiv comision.

Dar „Lalelele” erau „flori” în sens literal și figurat. Doar un an mai târziu, în noiembrie 2013, a urmat vânzarea sculpturii din oțel inoxidabil câine-balon (portocaliu): prețul ciocanului a fost de până la 58,4 milioane de dolari! O sumă fabuloasă pentru un artist viu. Opera unui autor contemporan a fost vândută pentru prețul unui tablou Van Gogh sau Picasso. Acestea erau fructele de pădure...

Cu acest rezultat, Koons a domnit timp de câțiva ani în fruntea clasamentului artiștilor în viață. În noiembrie 2018, a fost depășit pentru scurt timp de David Hockney (vezi locul doi în clasamentul nostru). Dar doar șase luni mai târziu, totul a revenit la normal: 15 mai 2019 la New York la licitația postbelică și artă contemporană Christie's a scos la vânzare o sculptură de manual pentru Koons în 1986 - un „Iepure” argintiu din oțel inoxidabil, imitând un balon de formă similară.

În total, Koons a creat 3 astfel de sculpturi plus o copie a autorului. Licitația a inclus o copie a „Rabbit” numărul 2 – din colecția editurii de cult Cy Newhouse, coproprietar al editurii Conde Nast (reviste Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ etc.). „Rabbit” de argint a fost cumpărat de „tatăl glamourului” Cy Newhouse în 1992 pentru o sumă impresionantă după standardele acelor ani - 1 milion de dolari. După 27 de ani în lupta a 10 ofertanți, prețul ciocanului sculpturii a fost de 80 de ori mai mare decât prețul de vânzare anterior. Și cu comisionul Premium al Cumpărătorului, rezultatul final a fost un record de 91,075 milioane USD pentru toți artiștii în viață.

2. DAVID HOKNEY Portretul artistului. Bazin cu două figurine. 1972. 90.312.500 $

David Hockney (1937) este unul dintre cei mai importanți artiști britanici ai secolului XX. În 2011, David Hockney a fost votat cel mai influent artist britanic al tuturor timpurilor, într-un sondaj efectuat pe mii de pictori și sculptori britanici profesioniști. În același timp, Hockney a ocolit maeștri precum William Turner și Francis Bacon. Opera sa, de regulă, este atribuită artei pop, deși în lucrările sale timpurii a gravitat mai mult către expresionism în spiritul lui Francis Bacon.

Născut și crescut David Hockney în Anglia, Yorkshire. Mama viitorului artist a ținut familia într-o austeritate puritană, iar tatăl său, un simplu contabil care a desenat puțin la nivel amator, și-a încurajat fiul să picteze. La începutul lui douăzeci de ani, David s-a mutat în California, unde a trăit în total aproximativ trei decenii. Mai are două ateliere acolo. Hockney i-a făcut pe eroii operelor sale să fie bogați locali, vilele, piscinele, peluzele scăldate în soarele din California. Una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale din perioada americană - pictura „Splash” - este o imagine a unui snop de pulverizare care se ridică din piscină după ce o persoană a sărit în apă. Pentru a descrie acest snop, „trăind” nu mai mult de două secunde, Hockney a lucrat două săptămâni. Apropo, acest tablou a fost vândut la Sotheby’s cu 5,4 milioane de dolari în 2006 și de ceva timp a fost considerată cea mai scumpă lucrare a sa.

Hockney (1937) are acum optzeci de ani, dar încă lucrează și chiar inventează noi tehnici artistice folosind inovații tehnice. Odată i-a venit ideea de a face colaje uriașe din poze Polaroid, și-a imprimat lucrările pe fax, iar astăzi artistul stăpânește cu entuziasm desenul pe iPad. Picturile desenate pe tabletă își iau locul cuvenit la expozițiile sale.

În 2005, Hockney s-a întors în sfârșit din State în Anglia. Acum pictează în aer liber și în studio peisaje uriașe (deseori formate din mai multe părți) ale pădurilor și pustiilor locale. Potrivit lui Hockney, în cei 30 de ani petrecuți în California, a devenit atât de neobișnuit cu simpla schimbare a anotimpurilor încât îl fascinează și îl fascinează cu adevărat. Cicluri întregi ale lucrărilor sale recente sunt dedicate, de exemplu, aceluiași peisaj în diferite perioade ale anului.

În 2018, picturile lui Hockney au depășit de câteva ori pragul de 10 milioane de dolari. Și pe 15 noiembrie 2018, la Christie's a fost înregistrat un nou record absolut pentru opera unui artist în viață - 90.312.500 USD pentru tabloul „Portret al artistului (piscina cu două figuri)”.

3. GERHARD RICHTER Pictura abstracta. 1986. 46,3 milioane de dolari

Trai clasic Gerhard Richter (1932) ocupă locul al doilea în clasamentul nostru. Artistul german a fost lider în rândul colegilor în viață până la al 58-lea record al lui Jeff Koons. Dar este puțin probabil ca această împrejurare să zdruncine deja autoritatea de fier a lui Richter pe piața de artă. Conform rezultatelor anului 2012, cifra de afaceri anuală la licitații a artistului german este a doua după cea a lui Andy Warhol și Pablo Picasso.

Timp de mulți ani, nimic nu a prefigurat succesul care a căzut acum asupra lui Richter. Timp de decenii, artistul a ocupat un loc modest pe piața de artă contemporană și nu a aspirat deloc la faimă. Putem spune că faima l-a depășit de la sine. Punctul de plecare este considerat de mulți a fi achiziționarea de către Muzeul MoMA din New York în 1995 a seriei din 18 octombrie 1977 a lui Richter. Muzeul American a plătit 3 milioane de dolari pentru 15 picturi în tonuri de gri și în curând a început să se gândească să organizeze o retrospectivă cu drepturi depline a artistului german. Expoziţia grandioasă a fost deschisă şase ani mai târziu, în 2001, iar de atunci interesul pentru opera lui Richter a crescut cu pasi. Din 2004 până în 2008, prețul picturilor sale s-a triplat. În 2010, lucrările lui Richter au adus deja 76,9 milioane de dolari, în 2011, potrivit site-ului Artnet, lucrările lui Richter la licitație au câștigat un total de 200 de milioane de dolari, iar în 2012 (conform Artprice) - 262,7 milioane de dolari - mai mult decât opera oricărei persoane. alt artist viu.

În timp ce, de exemplu, cu Jasper Johns, succesul copleșitor la licitație însoțește în principal doar lucrările timpurii, o împărțire atât de ascuțită nu este tipică pentru lucrările lui Richter: cererea este la fel de stabilă pentru lucruri din diferite perioade creative, dintre care au fost foarte multe în lucrările lui Richter. Carieră. În ultimii șaizeci de ani, acest artist s-a încercat în aproape toate genurile tradiționale de pictură - portret, peisaj, marina, nud, natură moartă și, bineînțeles, abstracție.

Istoria discurilor de licitație ale lui Richter a început cu o serie de naturi moarte „Lumânări”. 27 de imagini fotorealiste cu lumânări de la începutul anilor 1980, la momentul în care au fost scrise, costau doar 15.000 de mărci germane (5.800 USD) per lucrare. Dar încă nimeni nu a cumpărat Lumânări la prima lor expoziție la Galeria Max Hetzler din Stuttgart. Atunci tema picturilor s-a numit demodat; Astăzi, „Lumânările” sunt considerate lucrări pentru toate timpurile. Și costă milioane de dolari.

În februarie 2008, „Lumânare”, scrisă în 1983, a fost cumpărată în mod neașteptat pentru £ 7,97 milioane (16 milioane USD). Acest record personal a durat trei ani și jumătate. Apoi în octombrie 2011încă unul „Lumânare” (1982) a intrat sub ciocan la Christie's deja pentru £ 10,46 milioane (16,48 milioane USD). Cu acest record, Gerhard Richter a intrat pentru prima dată în topul celor mai de succes trei artiști în viață, luându-și locul în spatele lui Jasper Johns și Jeff Koons.

Apoi a început procesiunea victorioasă a „Tablourilor abstracte” ale lui Richter. Artistul pictează astfel de lucrări într-o tehnică unică a autorului: aplică un amestec de vopsele simple pe un fundal deschis, apoi le unge pe pânză cu o racletă lungă de mărimea unei bare de protecție a unei mașini. Acest lucru are ca rezultat tranziții complicate de culoare, pete și dungi. Examinarea suprafeței „picturilor sale abstracte” este ca săpăturile: pe ele urme ale diferitelor „figuri” privesc prin golurile numeroaselor straturi colorate.

9 noiembrie 2011 la licitaţia de artă modernă şi postbelică Sotheby's la scară largă „Pictură abstractă (849-3)” 1997 a trecut sub ciocan pentru 20,8 milioane USD (13,2 milioane £). Și șase luni mai târziu, 8 mai 2012 la licitația de artă postbelică și contemporană Christie's din New York „Pictură abstractă (798-3)” 1993 a fost un record 21,8 milioane de dolari(inclusiv comision). Cinci luni mai târziu - din nou un record: „Pictură abstractă (809-4)” din colecția muzicianului rock Eric Clapton pe 12 octombrie 2012 la Sotheby's din Londra a fost sub ciocan pentru £ 21,3 milioane (34,2 milioane USD). Bariera de 30 de milioane a fost luată de Richter cu atâta ușurință, de parcă nu ar fi vorba pictura modernă, dar despre capodopere care au deja o sută de ani - nu mai puțin. Deși în cazul lui Richter se pare că includerea în panteon a „marilor” a avut loc deja în timpul vieții artistului. Prețurile germane continuă să crească.

Următorul record al lui Richter a aparținut unei lucrări fotorealiste - un peisaj „Piața Catedralei, Milano (Domplatz, Mailand)” 1968. Lucrarea a fost vândută pentru 37,1 milioane la licitația Sotheby's 14 mai 2013. Vederea celei mai frumoase piețe a fost pictată de un artist german în 1968 la comanda Siemens Electro, special pentru biroul companiei din Milano. La momentul scrierii sale, era cea mai mare lucrare figurativă a lui Richter (cu dimensiunea de aproape trei pe trei metri).

Recordul din Piața Catedralei a stat aproape doi ani, până când 10 februarie 2015 nu l-a întrerupt "Pictura abstracta" ( 1986): prețul de ciocan a atins lire sterline 30,389 milioane (46,3 milioane USD). Pictura abstractă de 300,5 × 250,5 cm, scoasă la licitație la Sotheby’s, este una dintre primele lucrări la scară largă ale lui Richter în tehnica specială a autorului său de a îndepărta straturile de vopsea. Ultima dată în 1999, această „Pictură abstractă” a fost cumpărată la licitație pentru 607 mii USD (din acest an și până la vânzarea curentă, lucrarea a fost expusă la Muzeul Ludwig din Köln). La licitația din 10 februarie 2015, un anume client american în trepte de licitație de 2 milioane de lire sterline a atins prețul de ciocan de 46,3 milioane de dolari, adică din 1999, lucrarea a crescut de peste 76 de ori de preț!

4. Tsui Zhuzhuo „Măriți munți cu zăpadă”. 2013. 39,577 milioane USD

Multă vreme nu am urmărit îndeaproape evoluția situației de pe piața de artă chineză, nevrând să ne supraîncărcăm cititorii cu o cantitate excesivă de informații despre arta „nu a noastră”. Cu excepția disidentului Ai Weiwei, un artist nu atât de scump ca artist de rezonanță, autorii chinezi ni s-au părut prea numeroși și departe de noi pentru a aprofunda în ceea ce se întâmplă pe piața lor acolo. Dar statisticile, după cum se spune, sunt o doamnă serioasă, iar dacă vorbim despre cei mai de succes autori în viață din lume, atunci nu ne putem lipsi de o poveste despre reprezentanții de seamă ai artei contemporane a Imperiului Celest.

Să începem cu un artist chinez Cui Ruzhuo. Artistul s-a născut în 1944 la Beijing și a locuit în SUA între 1981 și 1996. După ce s-a întors în China, a început să predea la Academia Națională de Arte. Cui Ruzhuo reinterpretează stilul tradițional de pictură cu cerneală chinezească și creează pânzele uriașe pe care oamenii de afaceri și oficialii chinezi le place să le prezinte ca cadouri unul altuia. În Occident, se cunosc foarte puține lucruri despre el, deși mulți trebuie să-și amintească povestea sulului de 3,7 milioane de dolari care a fost aruncat din greșeală, confundându-l cu gunoi, de către curățenii unui hotel din Hong Kong. Deci - a fost sulul lui Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo are peste 70 de ani, iar piața muncii sale este înfloritoare. Peste 60 de lucrări ale acestui artist au depășit pragul de un milion de dolari, însă lucrările sale au avut până acum succes doar la licitațiile din China. Recordurile lui Cui Ruzhuo sunt cu adevărat impresionante. În primul rând „Peisaj în zăpadă” la Poly Auction din Hong Kong 7 aprilie 2014 a atins un preț de ciocan de 184 milioane USD ( 23,7 milioane USD).

Exact un an mai târziu 6 aprilie 2015 la o licitație specială Poly din Hong Kong dedicată exclusiv operei lui Cui Ruzhuo, o serie „Marele peisaj înzăpezit al muntosului Jiangnan”(Jiangnan este o regiune istorică din China, care ocupă malul drept al cursurilor inferioare ale râului Yangtze.) din opt peisaje cu cerneală pe hârtie au atins un preț de ciocan de 236 milioane USD ( 30,444 milioane USD).

Un an mai târziu, istoria s-a repetat din nou: la licitația solo a lui Cui Ruzhuo, organizată de Poly Auctions în Hong Kong 4 aprilie 2016 poliptic în șase părți „Măriți munți cu zăpadă” Prețul de ciocan în 2013 (inclusiv comisionul casei de licitație) a ajuns la 306 milioane USD (39,577 milioane USD). Până acum, acesta este un record absolut în rândul artiștilor asiatici în viață.

Potrivit dealerului de artă Johnson Chan, care lucrează cu arta contemporană chineză de 30 de ani, există o dorință necondiționată de a crește prețurile pentru lucrările acestui autor, dar toate acestea se întâmplă la un nivel de preț în care colecționarii experimentați este puțin probabil să-și dorească a cumpara ceva. „Chinezii vor să ridice ratingurile artiștilor lor umfland prețurile pentru lucrările lor la licitațiile internaționale majore, cum ar fi cea organizată de Poly în Hong Kong, dar nu există nicio îndoială că aceste rating sunt complet fabricate”, comentează Johnson Chang despre Cui Ruzhuo. ultima înregistrare.

Aceasta, desigur, este doar opinia unui singur dealer și avem o evidență reală înregistrată în toate bazele de date. Așa că să-l luăm în considerare. Cui Ruzhuo însuși, judecând după declarațiile sale, este departe de modestia lui Gerhard Richter când vine vorba de succesul său la licitație. Se pare că această cursă pentru recorduri îl captivează serios. „Sper ca în următorii 5-10 ani prețurile pentru lucrările mele să depășească prețurile pentru lucrările maeștrilor occidentali precum Picasso și Van Gogh. Acesta este visul chinezesc”, spune Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Steag. 1983. 36 de milioane de dolari

Locul trei în clasamentul artiștilor vii îi aparține unui american Către Jasper Johns (1930). Prețul record actual pentru lucrarea lui Jones este $ 36 de milioane. Atât de mult plătit pentru faimosul lui "Steag" la licitația Christie's 12 noiembrie 2014.

O serie de picturi „steagul”, începute de Jones la mijlocul anilor ’50, imediat după întoarcerea artistului din armată, a devenit unul dintre cele centrale în opera sa. Chiar și în tinerețe, artistul era interesat de ideea unui readymade, de transformarea unui obiect de zi cu zi într-o operă de artă. Cu toate acestea, steagurile lui Jones nu erau reale, erau pictate în ulei pe pânză. Astfel, o operă de artă a dobândit proprietățile unui lucru din viața obișnuită, era în același timp imaginea drapelului și a drapelului însuși. O serie de lucrări cu steaguri i-au adus lui Jasper John faima mondială. Dar nu mai puțin populare sunt lucrările sale abstracte. Timp de mulți ani, lista celor mai scumpe lucrări, întocmite conform regulilor de mai sus, a fost condusă de un rezumat "Start fals". Până în 2007, această pânză foarte strălucitoare și decorativă, pictată de Jones în 1959, a fost considerată proprietarul unui preț practic inaccesibil pentru un artist în viață (deși un clasic de viață) - $ 17 milioane. Atât au plătit pentru el în aur pentru piața de artă 1988.

Interesant este că experiența lui Jasper Johns ca deținător de record nu a fost continuă. În 1989, a fost întrerupt de munca colegului său Willem de Kooning: abstracția de doi metri "Mixing" a fost vândută la Sotheby's pentru 20,7 milioane de dolari. Jasper Johns a trebuit să se mute. Dar după 8 ani, în 1997, de Kooning a murit , și „False start” Jones a ocupat din nou prima linie a licitației artiștilor în viață timp de aproape 10 ani.

Dar în 2007 totul s-a schimbat. Recordul False Start a fost pentru prima dată eclipsat de munca tinerilor și ambițioșilor Damien Hirst și Jeff Koons. Apoi a avut loc o vânzare record de 33,6 milioane de dolari a picturii „Inspectorul de beneficii pentru dormit” de Lusien Freud (acum decedat și, prin urmare, nu participă la acest rating). Apoi au început înregistrările lui Gerhard Richter. În general, până acum cu un record actual de 36 de milioane, pe locul trei se află Jasper Johns, unul dintre maeștrii artei americane postbelice, care lucrează la intersecția neo-dadaismului, expresionismului abstract și artei pop.

6. ED RUSHAY Lovitura. 1963. 30,4 milioane de dolari

Succesul brusc al tabloului „Smash” al unui artist american Edward Ruscha (n. 1937) la licitatie Christie's 12 noiembrie 2014 a adus acest autor la numărul celor mai scumpi artiști în viață. Prețul record anterior pentru opera lui Ed Ruscha (deseori numele Ruscha este pronunțat în rusă ca „Rusha”, dar pronunția corectă este Ruscha) a fost „doar” 6,98 milioane de dolari: atât au plătit pentru pânza lui „Burning Gas”. Gară” în 2007. Şapte ani mai târziu a lui Lovitura cu o estimare de 15–20 de milioane de dolari, a ajuns la prețul unui ciocan 30,4 milioane de dolari. Este evident că piața lucrărilor acestui autor a atins un nou nivel - nu degeaba Barack Obama împodobește Casa Albă cu lucrările sale, iar Larry Gagosian însuși îl expune în galeriile sale.

Ed Ruscha nu a aspirat niciodată la New York-ul postbelic, cu nebunia lui pentru expresionismul abstract. În schimb, timp de peste 40 de ani, a căutat inspirație în California, unde s-a mutat din Nebraska la vârsta de 18 ani. Artistul s-a aflat la originile unei noi tendințe în artă, numită pop art. Împreună cu Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud și alți cântăreți de cultură populară, Edward Ruscha a participat la expoziția New Image of Ordinary Things a Muzeului din Pasadena în 1962, care a devenit prima expoziție muzeală de artă pop americană. Cu toate acestea, lui Ed Ruscha însuși nu-i place când opera sa este atribuită artei pop, conceptualismului sau unei alte tendințe în artă.

Stilul său unic se numește „pictură text”. De la sfârșitul anilor 1950, Ed Ruscha a început să picteze cuvinte. Așa cum pentru Warhol o cutie de supă a devenit o operă de artă, pentru Ed Ruscha, cuvinte și expresii obișnuite, luate fie dintr-un panou publicitar, fie dintr-un ambalaj dintr-un supermarket, fie din creditele unui film (Hollywood a fost mereu alături de Ruscha și spre deosebire de mulți dintre colegii săi artiști, Rushey a respectat „fabrica de vise”). Cuvintele de pe pânzele sale capătă proprietățile unor obiecte tridimensionale, acestea sunt adevărate naturi moarte făcute din cuvinte. Când vă uitați la pânzele sale, primul lucru care îmi vine în minte este percepția vizuală și sonoră a cuvântului desenat și numai după aceea - semnificația semantică. Acesta din urmă, de regulă, nu poate fi descifrat fără ambiguitate; cuvintele și frazele alese de Ruscha pot fi interpretate în diferite moduri. Același cuvânt galben strălucitor „Smash” pe un fundal albastru intens poate fi perceput ca o chemare agresivă de a sparge ceva sau pe cineva în bucăți; ca un adjectiv singuratic scos din context (parte a unui titlu de ziar, de exemplu) sau pur și simplu ca un singur cuvânt prins într-un flux urban de imagini vizuale. Ed Ruscha se bucură de această incertitudine. „Întotdeauna am avut un respect profund pentru lucrurile ciudate, inexplicabile... Explicațiile, într-un fel, ucid un lucru”, a spus el într-un interviu.

7. LANA HRISTOS Fără titlu (RIOT). 1990. 29,93 milioane de dolari

artist american Christopher Wool(1955) a intrat pentru prima dată în clasamentul artiștilor vii în 2013 - după vânzarea Apocalypse Now pentru 26,5 milioane de dolari.Acest record l-a pus imediat la egalitate cu Jasper Johns și Gerhard Richter. Suma acestei tranzacții istorice - de peste 20 de milioane de dolari - i-a surprins pe mulți, deoarece înainte de aceasta prețurile pentru lucrările artistului nu depășeau 8 milioane de dolari. Cu toate acestea, creșterea rapidă a pieței pentru lucrările lui Christopher Wool era deja evidentă la acel moment. : palmaresul artistului a inclus 48 de tranzacții de licitație în valoare de peste 1 milion de dolari, iar 22 dintre ele (aproape jumătate) au avut loc în 2013. Doi ani mai târziu, numărul lucrărilor lui Chris Wool, vândute cu peste 1 milion de dolari, a ajuns la 70, iar un nou record personal nu a întârziat să apară. La licitatie Lucrarea Sotheby’s din 12 mai 2015 „Fără titlu (RIOT)” a fost vândut cu $ 29,93 milioane inclusiv Premium Cumpărător.

Christopher Wool este cel mai bine cunoscut pentru literele sale negre la scară mare pe foi de aluminiu alb. Ei sunt cei care, de regulă, stabilesc recorduri la licitații. Acestea sunt toate lucruri de la sfârșitul anilor 1980 și începutul anilor 1990. După cum spune legenda, într-o seară, Wool se plimba seara prin New York și brusc a văzut graffiti cu litere negre pe un camion alb nou - cuvintele sex și dragoste. Această priveliște l-a impresionat atât de mult încât s-a întors imediat în studio și și-a scris propria versiune cu aceleași cuvinte. Anul era 1987, iar căutarea în continuare a artistului de cuvinte și expresii pentru lucrările sale „literale” reflectă spiritul contradictoriu al acestui timp. Acesta este denumirea „vinde casa, vinde mașina, vinde copii”, preluată de Wool din filmul „Apocalypse Now”, și cuvântul „FOOL” („prost”) cu majuscule și cuvântul „RIOT” („răzvrătire”), des întâlnită în titlurile de ziare ale vremii.

Cuvinte și expresii Lână aplicată pe foi de aluminiu folosind șabloane cu vopsele alchidice sau emailate, lăsând în mod deliberat dungi, urme de șablon și alte dovezi ale procesului de creație. Artistul a împărțit cuvintele, astfel încât privitorul să nu înțeleagă imediat sensul. La început, vezi doar un grup de litere, adică percepi cuvântul ca un obiect vizual și abia apoi citești și descifrezi sensul frazei sau cuvântului. Lâna a folosit un font folosit de armata americană după al Doilea Război Mondial, ceea ce sporește impresia unui ordin, a unei directive, a unui slogan. Aceste lucrări „de litere” sunt percepute ca parte a peisajului urban, ca graffiti ilegale care au încălcat curățenia suprafeței unui obiect stradal. Această serie de lucrări ale lui Christopher Wool este recunoscută ca fiind unul dintre vârfurile abstracției lingvistice și, prin urmare, este foarte apreciată de iubitorii de artă contemporană.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. 28,81 milioane USD

britanic Peter Doig(1959), deși aparține generației postmoderniștilor Koons și Hirst, a ales pentru sine un gen de peisaj cu totul tradițional, care multă vreme nu a fost favorabil artiștilor avansați. Prin opera sa, Peter Doig reînvie interesul în scădere al publicului pentru pictura figurativă. Opera sa este foarte apreciată atât de critici, cât și de nespecialiști, iar dovada în acest sens este creșterea rapidă a prețurilor la lucrările sale. Dacă la începutul anilor 1990 peisajele lui costau câteva mii de dolari, acum nota se ridică la milioane.

Lucrarea lui Doig este adesea denumită realism magic. Bazat pe peisaje reale, el creează imagini fanteziste, misterioase și adesea sumbre. Artistului îi place să înfățișeze obiecte abandonate de oameni: o clădire dărăpănată construită de Le Corbusier în mijlocul unei păduri sau o canoe albă goală pe suprafața unui lac din pădure. Pe lângă natură și imaginație, Doig este inspirat de filme de groază, cărți poștale vechi, fotografii, videoclipuri de amatori și așa mai departe. Picturile lui Doig sunt colorate, complicate, decorative și nu provocatoare. E plăcut să deții un astfel de tablou. Productivitatea scăzută a autorului alimentează și interesul colecționarilor: artistul care locuiește în Trinidad nu realizează mai mult de o duzină de tablouri pe an.

La începutul anilor 2000, peisajele individuale ale artistului au fost vândute cu câteva sute de mii de dolari. Totodată, opera lui Doig a fost inclusă în Galeria Saatchi, la Bienala de la Muzeul Whitney și în colecția MoMA. În 2006, barajul de licitație de 1 milion de dolari a fost depășit. anul urmator a avut loc o descoperire neașteptată: lucrarea „White Canoe”, oferită la Sotheby’s pe 7 februarie 2007 cu o estimare de 0,8-1,2 milioane de dolari, a fost de cinci ori mai mare decât estimarea preliminară și a fost vândută cu 5,7 milioane de lire sterline (11,3 milioane de dolari). La acea vreme, era un preț record pentru opera unui artist european în viață.

În 2008, Doig a susținut expoziții personale la Galeria Tate și la Muzeul de Artă Modernă din Paris. Etichetele de preț de mai multe milioane de dolari pentru munca lui Doig au devenit norma. Dosarul personal al lui Peter Doig a fost recent actualizat de câteva ori pe an - avem timp doar să schimbăm imaginea și locul acestui artist în clasamentul autorilor în viață.

Cea mai scumpă lucrare a lui Peter Doig până în prezent este peisajul cu zăpadă din Rosedale din 1991. Interesant este că recordul a fost stabilit nu la Sotheby's sau Christie's, ci la licitația de artă contemporană Phillips. S-a întâmplat pe 18 mai 2017. O vedere a Rosedale acoperită de zăpadă, unul dintre cartierele din Toronto, a fost vândută unui cumpărător de telefoane pentru 28,81 milioane de dolari, în creștere cu aproximativ 3 milioane de dolari față de recordul anterior (25,9 milioane de dolari pentru „Înghițit în noroi”). Tabloul „Rosedale” a participat la expoziția cheie a lui Doig de la Galeria Whitechapel din Londra în 1998 și, în general, această lucrare a fost proaspătă pentru piață și, prin urmare, prețul record este binemeritat.

9. FRANK STELLA Pini Cape. 1959. 28 de milioane de dolari

Frank Stella este un reprezentant strălucit al abstracției post-pictură și al minimalismului în artă. La o anumită etapă, se face referire la un stil de pictură cu margini dure. La început, Stella a pus în contrast geometria strictă, monocromul ascetic și structurarea picturilor sale cu spontaneitatea și aleatorietatea pânzelor expresioniștilor abstracti precum Jackson Pollock.

La sfârșitul anilor 1950, artistul a fost văzut de celebrul galeristă Leo Castelli și a primit pentru prima dată o expoziție. Pe ea, el a prezentat așa-numitele „Tablouri negre” - pânze pictate peste cu linii negre paralele, cu goluri subțiri de pânză nepictată între ele. Liniile se pliază în forme geometrice, care amintesc oarecum de iluzii optice, aceleași imagini care pâlpâie, se mișcă, se răsucesc, creează o senzație de spațiu adânc, dacă le privești îndelung. Stella a continuat tema liniilor paralele cu benzi subțiri despărțitoare în lucrările sale pe aluminiu și cupru. Culorile, baza picturală și chiar forma picturilor s-au schimbat (printre altele se remarcă lucrări în forma literelor U, T, L). Dar principiul principal al picturii sale a constat în continuare în claritatea conturului, monumentalitate, formă simplă, monocrom. În deceniile următoare, Stella s-a îndepărtat de la o astfel de pictură geometrică către forme și linii netede, naturale și de la picturi monocromatice la tranziții de culoare luminoase și variate. În anii 1970, Stella a fost captivată de modelele uriașe folosite pentru a picta navele. Artistul le-a folosit pentru picturi uriașe cu elemente de asamblare - a inclus bucăți de țevi de oțel sau plasă de sârmă în lucrările sale.

În primele sale interviuri, Frank Stella vorbește sincer despre semnificațiile puse în munca sa sau, mai degrabă, despre absența lor: „Ceea ce vezi este ceea ce vezi”. Pictura este un obiect în sine, nu o reproducere a nimic. „Este o suprafață plană cu vopsea pe ea și nimic altceva”, a spus Stella.

Ei bine, semnată de Frank Stella, această „suprafață cu vopsea pe ea” ar putea valora milioane de dolari astăzi. Pentru prima dată în clasamentul artiștilor în viață, Frank Stella a ajuns în 2015 cu vânzarea Delaware Crossing (1961) pentru 13,69 milioane de dolari, inclusiv comision.

Patru ani mai târziu, pe 15 mai 2019, un nou record a fost stabilit de lucrarea timpurie (1959) „Cape of Pines”: prețul ciocanului a fost de peste 28 de milioane de dolari, inclusiv comision. Acesta este unul dintre cele 29 de „picturi negre” – tocmai cele cu care Stella și-a făcut debutul la prima sa expoziție la New York. Absolventul Universității Princeton, Frank Stella, avea atunci 23 de ani. Adesea nu avea suficienți bani pentru vopsea în ulei pentru artiști. Tânărul artist a făcut lumina lunii ca o lucrare de reparații, îi plăceau foarte mult culorile pure ale vopselei, iar atunci i-a venit ideea de a lucra cu această vopsea pe pânză. Cu vopsea email neagra, Stella picteaza dungi paralele, lasand intre ele linii subtiri de panza fara amorsare. Mai mult, scrie fără rigle, cu ochii, fără schiță prealabilă. Stella nu a știut niciodată exact câte linii negre vor apărea într-un anumit tablou. De exemplu, în pictura „Cape of Pines”, există 35. Titlul lucrării se referă la numele capului din Golful Massachusetts - Point of Pines. La începutul secolului XX, avea un mare parc de distracții, iar astăzi este unul dintre cartierele orașului Revere.

10. YOSHITOMO NARA Cuțit la spate. 2000. 24,95 milioane de dolari

Yoshitomo Nara (1959) este una dintre figurile cheie ale artei neo-pop japoneze. Japoneză - pentru că, în ciuda faimei globale și a mulți ani de muncă în străinătate, opera sa se distinge încă printr-o identitate națională pronunțată. Personajele preferate ale Narei sunt fetele și câinii în stilul benzilor desenate manga și anime japoneze. Imaginile pe care le-a inventat de mulți ani „s-au dus la oameni”: sunt imprimate pe tricouri, suveniruri și diverse „marchuri” sunt realizate cu ele. Născut într-o familie săracă, departe de capitală, nu este doar iubit pentru talentul său, ci și apreciat ca o persoană care s-a făcut pe sine. Artistul lucrează rapid și expresiv. Se știe că unele dintre capodoperele sale au fost finalizate literalmente peste noapte. Picturile și sculpturile lui Yoshitomo Nara, de regulă, sunt foarte concise și chiar crunte în mijloace expresive, dar poartă întotdeauna o puternică încărcătură emoțională. Adolescentele de la Nara privesc adesea privitorul cu o mișcare neplăcută. În ochii lor - obrăznicie, provocare și agresivitate. În mâini - apoi un cuțit, apoi o țigară. Există opinia conform căreia perversiunile de comportament descrise sunt o reacție la moralitatea publică opresivă, diversele tabuuri și principiile educației adoptate de japonezi. Severitatea aproape medievală și rușinea provoacă probleme în interior, creează terenul pentru o explozie emoțională întârziată. „Cuțitul la spate” reflectă doar una dintre ideile principale ale artistului. În această lucrare există o privire urâtă a unei fete și o mână amenințătoare rănită la spate. Până în 2019, picturile și sculpturile lui Yoshitomo Nara au depășit deja milionul, sau chiar câteva milioane de mai multe ori. Dar douăzeci de milioane - pentru prima dată. Nara este unul dintre cei mai faimoși artiști japonezi din lume. Și acum cel mai scump dintre cei vii. Pe 6 octombrie 2109, la Sotheby's din Hong Kong, a luat acest titlu de la Takashi Murakami și a depășit-o vizibil pe artista de avangardă Yayoi Kusama, în vârstă de 90 de ani (prețurile maxime de licitație pentru picturile ei se apropie deja de 9 milioane de dolari).

11. ZENG FANZHI Ultima cina. 2001. 23,3 milioane de dolari

La Sotheby's Hong Kong 5 octombrie 2013 pânză la scară de an "Ultima cina" artist din Beijing Zeng Fanzhi (1964) a fost vândut pentru o sumă record de 160 de milioane de dolari Hong Kong - 23,3 milioane de dolari STATELE UNITE ALE AMERICII. Costul final al lucrării lui Fanzhi, scrisă, desigur, sub influența lui Leonardo da Vinci, s-a dovedit a fi de două ori mai mare decât estimarea preliminară de aproximativ 10 milioane de dolari. Prețul precedent al lui Zeng Fanzhi a fost de dolari. 9,6 milioane plătită la licitația Christie's din Hong Kong în mai 2008 pentru lucrare Seria masti. 1996 Nr. 6".

„Cina cea de taină” este cea mai mare pictură (2,2 × 4 metri) realizată de Fanzhi din seria „Măști”, care acoperă perioada 1994-2001. Ciclul este dedicat evoluției societății chineze sub influența reformelor economice. Introducerea elementelor unei economii de piață de către guvernul RPC a condus la urbanizarea și dezbinarea chinezilor. Fanzhi îi înfățișează pe locuitorii orașelor moderne chineze, care trebuie să lupte pentru un loc la soare. Cunoscuta compoziție a frescei lui Leonardo în lectura lui Fanzhi capătă o cu totul altă semnificație: scena este transferată de la Ierusalim în sala de clasă a unei școli chineze cu plăci hieroglifice tipice pe pereți. „Hristos” și „apostolii” s-au transformat în pionieri cu cravate stacojii, și doar „Iuda” poartă o cravată de aur - aceasta este o metaforă a capitalismului occidental, pătrunzând și distrugând modul obișnuit de viață într-o țară socialistă.

Lucrările lui Zeng Fanzhi sunt apropiate stilistic de expresionismul european și sunt la fel de dramatice. Dar, în același timp, sunt pline de simboluri și specificități chinezești. Această versatilitate atrage atât colecționarii chinezi, cât și occidentali la opera artistului. O confirmare directă a acestui lucru este proveniența Cinei celei de Taină: lucrarea a fost scoasă la licitație de celebrul colecționar al avangardei chineze din anii 1980 și începutul anilor 1990, baronul belgian Guy Ullens.

12. ROBERT RAYMAN Pod. 1980. 20,6 milioane de dolari

La licitatie Christie's 13 mai 2015 lucrare abstractă "Pod" Artist american în vârstă de 85 de ani Robert Ryman(Robert Ryman) a fost vândut pentru 20,6 milioane de dolari luând în considerare comisionul – de două ori mai scump decât estimarea mai mică.

Robert Ryman(1930) nu și-a dat seama imediat că vrea să devină artist. La 23 de ani, s-a mutat la New York din Nashville, Tennessee, dorind să devină saxofonist de jazz. Între timp, nu a devenit un muzician celebru, a trebuit să câștige bani în plus ca paznic la MoMA, unde i-a cunoscut pe Saul LeWitt și Dan Flavin. Primul a lucrat în muzeu ca secretar de noapte, iar al doilea ca paznic și operator de lift. Inspirat de lucrările expresioniștilor abstracti pe care i-a văzut la MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock și Newman - Robert Ryman s-a apucat de pictură în 1955.

Ryman este adesea menționat drept un minimalist, dar preferă să fie numit „realist” pentru că nu-l interesează să creeze iluzii, el demonstrează doar calitățile materialelor pe care le folosește. Majoritatea lucrărilor sale sunt pictate cu vopsele de toate nuanțele posibile de alb (de la cenușiu sau gălbui până la alb orbitor) bazate pe o formă pătrată laconică. Pe parcursul carierei, Robert Ryman a încercat multe materiale și tehnici: a pictat în uleiuri, acrilice, cazeină, email, pasteluri, guașă etc. pe pânză, oțel, plexiglas, aluminiu, hârtie, carton ondulat, vinil, tapet etc. prietenul, un restaurator profesionist, Orrin Riley, l-a sfătuit cu privire la causticitatea materialelor pe care s-a gândit să le folosească. După cum a spus odată un artist: „Nu am niciodată o întrebare ce scrie, principalul lucru - Cum scrie". Totul ține de textura, natura loviturilor, granița dintre suprafața colorată și marginile bazei, precum și relația dintre lucrare și perete. Din 1975, un element special al operei sale au fost corpurile de fixare, pe care Ryman le proiectează el însuși și le lasă în mod deliberat vizibile, subliniind munca sa „la fel de reali precum sunt pereții de care atârnă sunt reali”. Ryman preferă să dea lucrărilor „nume” mai degrabă decât „titluri”. „Numele” este ceea ce ajută la distingerea unei lucrări de alta, iar Ryman își denumește adesea lucrările după mărci de vopsea, companii etc., iar „titlul” pretinde un fel de aluzii și semnificații profund ascunse, a căror prezență în lucrări pe care artistul le neagă în mod regulat. Nu contează decât materialul și tehnica.

13. Damien Hirst Primăvara somnoroasă. 2002. 19,2 milioane de dolari

artist englez Către Damien Hirst (1965) a fost destinat să fie primul care a ocupat primul loc în acest rating într-o dispută cu clasicul viu Jasper Johns. Lucrarea deja amintită „False Start” ar putea rămâne un lider de nescufundat multă vreme dacă 21 iunie 2007 instalarea la acea vreme Hirst, în vârstă de 42 de ani „Primăvara adormită”(2002) nu a fost vândut la Sotheby's pentru £ 9,76 milioane, adică pentru 19,2 milioane de dolari. Lucrarea, de altfel, are un format destul de neobișnuit. Pe de o parte, acesta este o vitrină cu manechine de pastile (6.136 de pastile), de fapt, o instalație clasică. Și pe de altă parte, această vitrină este realizată plat (10 cm adâncime), luată într-un cadru și atârnată pe perete ca un panou cu plasmă, oferind astfel pe deplin confortul posesiei inerent tablourilor. În 2002, sora instalației, Sleepy Winter, s-a vândut cu 7,4 milioane de dolari, mai mult de jumătate din preț. Cineva a „explicat” diferența de preț prin faptul că tabletele sunt mai decolorate iarna. Dar este clar că această explicație este absolut nefondată, deoarece mecanismul de stabilire a prețurilor pentru astfel de lucruri nu mai este asociat cu efectul lor decorativ.

În 2007, mulți l-au recunoscut pe Hirst drept autorul celei mai scumpe lucrări dintre artiștii în viață. Întrebarea, însă, este din categoria „în funcție de modul în care se numără”. Cert este că Hurst a fost vândut cu lire sterline scumpe, iar Jones pentru dolari care au scăzut acum și chiar acum douăzeci de ani. Dar chiar dacă socotim la valoarea nominală, fără a ține cont de inflația de 20 de ani, atunci munca lui Hirst a fost mai scumpă în dolari, iar a lui Jones în lire sterline. Situația era la limită și fiecare era liber să decidă pe cine să considere cel mai scump. Dar Hurst a rezistat pe primul loc nu atât de mult. În același 2007, a fost înlocuit de pe primul loc de Koons cu „Hanging Heart”.

Chiar în ajunul scăderii globale a prețurilor pentru arta contemporană, Hirst și-a asumat un angajament fără precedent pentru un tânăr artist - o licitație solo a lucrărilor sale, care a avut loc pe 15 septembrie 2008 la Londra. Vestea falimentului băncii Lehman Brothers anunțată cu o zi înainte nu a stricat apetitul iubitorilor de artă contemporană: dintre cele 223 de lucrări oferite de Sotheby's, doar cinci nu și-au găsit noi proprietari (unul dintre cumpărători, de altfel, era Viktor Pinchuk). Muncă „Taurul de aur”- o efigie uriașă de taur în formaldehidă, încoronată cu un disc de aur, - adus 10,3 milioane GBP (18,6 milioane USD). Acesta este cel mai bun rezultat al lui Hurst dacă este măsurat în lire sterline (în moneda în care a fost făcută tranzacția). Cu toate acestea, ne poziționăm în dolari, așa că (fie ca Vițelul de Aur să ne ierte) vom considera că cea mai bună vânzare a lui Hirst este Sleepy Spring.

Din 2008, Hirst nu a avut vânzări de Sleepy Spring și Golden Calf. Înregistrările noi din anii 2010 - pentru munca lui Richter, Jones, Fanzhi, Wool și Koons - l-au mutat pe Damien pe a șasea linie a ratingului nostru. Dar să nu facem o judecată categorică despre declinul erei Hirst. Potrivit analiștilor, Hurst ca „superstar” a intrat deja în istorie, ceea ce înseamnă că îl vor cumpăra pentru o perioadă foarte lungă de timp; cu toate acestea, cea mai mare valoare în viitor este prezisă pentru lucrările create în cea mai inovatoare perioadă a carierei sale, adică în anii 1990.

14. Maurizio Cattelan L. 2001. 17,19 milioane de dolari

Italianul Maurizio Cattelan (1960) a ajuns la artă după ce a lucrat ca agent de securitate, bucătar, grădinar și designer de mobilă. Autorul autodidact a devenit faimos mondial pentru sculpturile și instalațiile sale ironice. A aruncat un meteorit asupra Papei, a transformat soția unui client într-un trofeu de vânătoare, a făcut găuri în podeaua unui muzeu al vechilor maeștri, a ridicat un deget mijlociu uriaș la bursa din Milano, a adus un măgar viu la târgul Frieze. În viitorul apropiat, Cattelan promite că va instala o toaletă de aur la Muzeul Guggenheim. În cele din urmă, bufoniile lui Maurizio Cattelan au fost recunoscute pe scară largă în lumea artei: este invitat la Bienala de la Veneția (instalația „Alții” în 2011 - un stol de două mii de porumbei care privesc amenințător din toate țevile și grinzile la mulțimile de vizitatori. trecând mai jos), aranjează că are o retrospectivă la Muzeul Guggenheim din New York (noiembrie 2011) și, în sfârșit, se plătesc bani mari pentru sculpturile lui.

Din 2010, cea mai scumpă lucrare a lui Maurizio Cattelan a fost o sculptură în ceară a unui bărbat care se uită dintr-o gaură din podea, similară în exterior cu artistul însuși („Fără titlu”, 2001). Această sculptură-instalație, care există în valoare de trei exemplare plus copia autorului, a fost expusă pentru prima dată la Muzeul Boijmans van Beuningen din Rotterdam. Apoi, acest personaj răutăcios a privit dintr-o gaură din podeaua sălii cu picturi ale pictorilor olandezi din secolele al XVIII-lea și al XIX-lea. Maurizio Cattellan în această lucrare se asociază cu un criminal îndrăzneț care invadează spațiul sacru al sălii muzeului cu picturi ale marilor maeștri. Astfel, el vrea să priveze arta de aureola de sfințenie pe care i-o conferă pereții muzeului. Lucrarea, de dragul expunerii pe care de fiecare dată trebuie să-i faci găuri în podea, a fost vândută cu 7,922 milioane de dolari la Sotheby's.

Recordul a rămas până pe 8 mai 2016, când lucrarea și mai provocatoare a lui Cattelan, Him, înfățișând un Hitler în genunchi, a intrat sub ciocan pentru 17,189 milioane de dolari.Chestia este ciudată. Numele este ciudat. Selectarea personajelor este riscantă. Ca orice altceva cu Cattelan. Ce înseamnă El? „A Lui” sau „Maestatea Sa infernală”? Este clar că cu siguranță nu vorbim despre scandarea imaginii Fuhrer-ului. În această lucrare, Hitler apare mai degrabă într-o formă neputincioasă, jalnică. Și în mod absurd - întruparea Satanei este făcută de mărimea unui copil, îmbrăcat într-un costum de școlar și îngenuncheat cu o expresie umilă pe față. Pentru Cattelan, această imagine este o invitație de a reflecta asupra naturii răului absolut și o modalitate de a scăpa de frici. Apropo, sculptura „El” este binecunoscută publicului occidental. Frații ei din serie au fost expuși de mai mult de 10 ori în muzeele de top din întreaga lume, inclusiv Centrul Pompidou și Muzeul Solomon Guggenheim.

15. MARC GROTJAN Untitled (S III Released to France Face 43.14). 2011. 16,8 milioane de dolari

Pe 17 mai 2017, una dintre cele mai puternice tablouri ale lui Marc Grotjan scoase vreodată la licitație a apărut la licitația de seară Christie's New York. Tabloul „Untitled (S III Released to France Face 43.14)” a fost realizat de colecționarul parizian Patrick Seguin cu o estimare de 13-16 milioane de dolari, iar din moment ce vânzarea lotului a fost garantată de un terț, nimeni nu a fost deosebit de surprins de stabilirea unui nou record personal de licitație de către artistul în vârstă de 49 de ani . Prețul ciocanului de 14,75 milioane de dolari (16,8 milioane de dolari cu Buyer's Premium) a depășit recordul precedent de licitație al lui Grotjan cu peste 10 milioane de dolari, permițându-i să intre în clubul artiștilor vii a căror opera se vinde cu opt cifre. Aceleași rezultate cu șapte cifre (vânzări de peste 1 milion de dolari, dar nu mai mult de 10 milioane de dolari) în pușculița de licitație Mark Grotyan pentru aproximativ treizeci.

Mark Grotjan (1968), în a cărui lucrare experții văd influența modernismului, minimalismului abstract, pop și op art-ului, a ajuns la identitatea sa corporativă la mijlocul anilor 1990, după ce s-a mutat cu prietenul său Brent Peterson la Los Angeles și și-a deschis o galerie acolo. „Camera 702”. După cum își amintește artistul însuși, în acel moment a început să se gândească la ceea ce a fost mai întâi pentru el în artă. Căuta motivul cu care să poată experimenta. Și mi-am dat seama că a fost mereu interesat de linie și culoare. Experimentele în spiritul raionismului și minimalismului cu perspectivă liniară, numeroase puncte de fugă și forme triunghiulare abstracte multicolore au adus în cele din urmă lui Grotjan faima mondială.

Din peisaje abstracte, colorate, cu orizonturi multiple și puncte de fugă, a ajuns să aibă forme triunghiulare care amintesc de aripi de fluture. Tablouri de Grotjan 2001–2007 Îi spun „Fluturi”. Astăzi, mutarea punctului de fuga sau folosirea mai multor puncte de fuga simultan, distanțate în spațiu, este considerată una dintre cele mai puternice tehnici ale artistului.

Următoarea serie mare de lucrări s-a numit „Faces”; în liniile abstracte ale acestei serii se pot ghici trăsăturile unui chip uman, simplificate la starea de mască în spiritul lui Matisse, Jawlensky sau Brancusi. Vorbind despre simplificarea și stilizarea supremă a formelor, despre soluția compozițională a picturilor, când contururile împrăștiate ale ochilor și gurii par să ne privească din desișul pădurii, cercetătorii notează legătura dintre „Chipurile” lui Grotjan cu arta. a triburilor primitive din Africa și Oceania, în timp ce artistului însuși pur și simplu „îi plac imaginea cu ochii care privesc din junglă. Mi-am imaginat uneori fețele de babuini sau maimuțe. Nu pot spune că am fost influențat conștient sau subconștient de arta africană primitivă, ci mai degrabă, am fost influențat de artiști care au fost influențați de ea. Picasso este cel mai evident exemplu.”

Lucrările din seria „Faces” se numesc brutale și elegante, plăcute ochiului și plăcute minții. De-a lungul timpului, textura acestor lucrări se schimbă și: pentru a crea efectul de spațiu interior, artistul folosește lovituri largi de vopsea groasă, chiar stropire în stilul lui Pollock, dar suprafața picturii este nivelată astfel încât, la o examinare mai atentă , pare complet plat. Pictura fără titlu (S III Released to France Face 43.14) aparține acestei serii celebre de Mark Grotjan.

16. TAKASHI MURAKAMI Cowboy-ul meu singuratic. 15,16 milioane de dolari

japonez Takashi Murakami (1962) a intrat în ratingul nostru cu sculptura „Cowboyul meu singuratic”, vândut la Sotheby's în mai 2008 pentru $ 15,16 milioane. Odată cu această vânzare, Takashi Murakami a fost mult timp considerat cel mai de succes artist asiatic în viață - până când a fost eclipsat de vânzarea Cina cea de taină de Zeng Fanzhi.

Takashi Murakami lucrează ca artist, sculptor, designer de modă și animator. Murakami a vrut să ia ceva cu adevărat japonez ca bază a lucrării sale, fără împrumuturi occidentale sau alte împrumuturi. În anii săi de studenție, a fost fascinat de arta tradițională japoneză a nihonga, mai târziu a fost înlocuită de arta populară anime și manga. Astfel s-a născut psihedelicul Mr DOB, modele de flori zâmbitoare și sculpturi strălucitoare și strălucitoare din fibră de sticlă, de parcă tocmai ar fi ieșit din paginile benzilor desenate japoneze. Unii consideră arta lui Murakami ca fiind fast-food și întruchiparea vulgarității, alții îl numesc pe artist pe japonezul Andy Warhol - iar în rândurile acestuia din urmă, după cum vedem, sunt mulți oameni foarte bogați.

Murakami a împrumutat numele sculpturii sale din The Lonely Cowboys (1968) de Andy Warhol, pe care japonezii, după cum a recunoscut el însuși, nu o vizionase niciodată, dar îi plăcea foarte mult combinația de cuvinte. Murakami cu o sculptură i-a mulțumit pe fanii benzilor desenate japoneze erotice și a râs de ei. Mărit în dimensiune și, pe lângă asta, și tridimensional, eroul anime se transformă într-un fetiș al culturii de masă. Această declarație artistică este destul de în spiritul artei pop clasice occidentale (amintiți-vă setul de mobilier al lui Allen Jones sau Pantera roz a lui Koons), dar cu o notă națională.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. 14.784.505 USD

KAWS este pseudonimul artistului american Brian Donelly din New Jersey. Este cel mai tânăr participant la ratingul nostru, născut în 1974. Donelly a început ca animator la Disney (desenând fundaluri pentru desenul animat „101 Dalmați” și altele). Sunt interesat de graffiti de când eram mic. La început, semnătura lui era un craniu cu „X” în locul orbitelor. Munca tânărului scriitor a fost îndrăgită de oamenii din lumea spectacolului și de oamenii din industria modei: a realizat coperta albumului Kanye West, a lansat colaborări pentru Nike, Comme des Garçons și Uniqlo. De-a lungul timpului, KAWS a devenit o figură cunoscută în lumea artei contemporane. Figurina sa semnătură Mickey Mouse și-a găsit drumul în muzee, spații publice și colecții private. Odată ce KAWS a lansat o ediție limitată de jucării de vinil cu marca My Plastic Heart, iar acestea au devenit dintr-o dată subiectul unui mare interes al colecționarilor. Unul dintre colecționarii pasionați ai acestor „jucării” este fondatorul Black Star, rapperul Timati: a adunat aproape în totalitate întreaga serie de „Cavs Companions”.

Lucrarea lui KAWS a stabilit un record pentru opera unui artist - 14,7 milioane de dolari - la licitația Sotheby's din Hong Kong pe 1 aprilie 2019. A fost în colecția designerului de modă japonez Nigo. Meter canvas Albumul KAWS este un omagiu adus coperta celebrului album The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" din 1967. Doar în loc de oameni, are Kimpsons - personaje stilizate din seria de desene animate Simpsons cu „X” în loc de ochi.

18. JIN SHAN mireasă tadjică. 1983. 13,89 milioane de dolari

Printre artiștii chinezi relativ tineri și contemporani, care aparțin așa-numitului „noul val” de la sfârșitul anilor 1980 în arta chineză, ratingul nostru a inclus în mod destul de neașteptat un reprezentant al unei generații complet diferite și al unei școli diferite. Jin Shan (Jin Shangyi), care acum are peste 80 de ani, aparține reprezentanților străluciți ai primei generații de artiști din China comunistă. Părerile acestui grup de artiști s-au format în mare măsură sub influența celui mai apropiat aliat comunist - URSS.

Arta oficială sovietică, realismul socialist, pictura în ulei, care era încă neobișnuită pentru China (spre deosebire de pictura tradițională cu cerneală chineză) în anii 1950, a fost la apogeul popularității și a venit la Universitatea de Artă din Beijing timp de trei ani (din 1954 până în 1957) să predea artist sovietic Konstantin Metodievici Maksimov. Jin Shani, care la acea vreme era cel mai tânăr din grup, a intrat în clasa sa. Artistul și-a amintit întotdeauna de profesorul său cu mare căldură, spunând că Maksimov a fost cel care l-a învățat să înțeleagă și să descrie corect modelul. K. M. Maksimov a adus în discuție o întreagă galaxie de realiști chinezi, acum clasici.

În opera lui Jin Shan se poate simți influența atât a „stilului sever” sovietic, cât și a școlii europene de pictură. Artistul a dedicat mult timp studierii moștenirii Renașterii și clasicismului, în timp ce a considerat necesar să păstreze spiritul chinezesc în lucrările sale. Tabloul „Mireasa Tajik”, pictat în 1983, este considerat o capodopera recunoscută universal, o nouă piatră de hotar în opera lui Jin Shan. Ea a fost scoasă la licitația China Guardian în noiembrie 2013 și a fost vândută de câteva ori mai scump decât estimarea - pentru 13,89 milioane de dolari, inclusiv comision.

19. BANKSY Parlamentul degradat. 2008. 12,14 milioane de dolari

Picturile murale care poartă eticheta Banksy au început să apară pe pereții orașelor (mai întâi în Marea Britanie și apoi în întreaga lume) la sfârșitul anilor 1990. Graffiti-urile sale filozofice și în același timp ascuțite au fost dedicate problemelor atacului statului asupra libertăților cetățenilor, crimelor împotriva mediu inconjurator, consumul iresponsabil, inumanitatea sistemului de migrație ilegală. De-a lungul timpului, „reproșurile” de zid ale lui Banksy au câștigat o popularitate mediatică fără precedent. De fapt, el a devenit unul dintre principalii purtători de cuvânt ai opiniei publice condamnând ipocrizia statelor și corporațiilor, producând o nedreptate tot mai mare în sistemul capitalist.

Semnificația lui Banksy, simțul „nervului timpului” și acuratețea metaforelor sale au fost apreciate nu numai de public, ci și de colecționari. În anii 2010, pentru lucrările sale s-au dat sute de mii sau chiar mai mult de un milion de dolari. S-a ajuns la punctul în care graffiti-ul Banksy a fost spart și furat împreună cu bucăți de pereți.

Într-o eră a supravegherii digitale avansate, Banksy reușește în continuare să rămână anonim. Există o versiune că aceasta nu mai este o singură persoană, ci un grup de mai mulți artiști, în frunte cu o femeie talentată. Asta ar explica multe. Și diferența exterioară a scriitorilor prinși în lentilele camerelor martorilor și metoda impersonală de aplicare a șablonului (oferă viteză mare și nu necesită participarea directă a autorului) și romantismul emoționant al subiectelor picturilor (bile, fulgi de nea etc.). Oricum ar fi, cei de la proiectul Banksy, inclusiv asistenții lui, știu să țină gura.

În 2019 cel mai mult munca scumpa Banksy a devenit în mod neașteptat un parlament devolut de pânză de patru metri (parlament „degradat”, „degradat” sau „delegat”). Cimpanzeii care se ceartă în Camera Comunelor par să bată joc de public în anul scandalosului Brexit. Este surprinzător că pictura a fost pictată cu 10 ani înainte de acest punct de cotitură istoric și, prin urmare, cineva o consideră profetică. La o licitație Sotheby's din 3 octombrie 2019, un cumpărător necunoscut a cumpărat petrolul pentru 12.143.000 de dolari printr-o licitație acerbă - de șase ori prețul estimării preliminare.

20. JOHN CURREN „Dulce și simplu”. 1999. 12,007 milioane de dolari

artist american John Curran (1962) cunoscut pentru picturile sale figurative satirice pe teme sexuale și sociale provocatoare. Opera lui Curren reușește să îmbine tehnicile de pictură ale vechilor maeștri (în special Lucas Cranach cel Bătrân și manieriștii) și fotografia de modă din reviste glossy. Obținând mai grotesc, Karren distorsionează adesea proporțiile corpului uman, mărește sau reduce părțile individuale ale acestuia, înfățișează eroi în ipostaze rupte, manierate.

Curren a început în 1989 cu portrete ale fetelor redesenate dintr-un album școlar; a continuat la începutul anilor 1990 cu poze cu frumuseți cu buste inspirate din fotografiile de la Cosmopolitan și Playboy; în 1992, au apărut portretele doamnelor în vârstă înstărite; iar în 1994, Curren s-a căsătorit cu sculptorul Rachel Feinstein, care a devenit muza și modelul său principal timp de mulți ani. Până la sfârșitul anilor 1990, priceperea tehnică a lui Currin, combinată cu kitsch-ul și grotescul picturilor sale, i-au adus popularitate. În 2003, Larry Gagosian a preluat promovarea artistului, iar dacă un astfel de dealer precum Gagosian preia autorul, atunci succesul este garantat. În 2004, o retrospectivă a lui John Curran a avut loc la Muzeul Whitney.

În această perioadă, opera sa a început să se vândă pentru șase cifre. Recordul actual pentru un tablou de John Curran îi aparține lui Sweet and Simple, vândut pe 15 noiembrie 2016 la Christie's cu 12 milioane de dolari, acum peste 50 de ani, acesta este cu siguranță un progres în carieră. Recordul său anterior în 2008 a fost de 5,5 milioane de dolari (plătit, de altfel, pentru aceeași lucrare „Cute and Simple”).

21. BRICE MARDEN Cel Participant. 1996–1999 10,917 milioane USD

Un alt artist abstract american în viață în clasamentul nostru este Bryce Marden (1938). Lucrările lui Marden în stilul minimalismului și, de la sfârșitul anilor 1980 - pictura gestuală, se disting printr-o paletă unică a autorului, ușor dezactivată. Combinațiile de culori din lucrările lui Marden sunt inspirate din călătoriile sale în jurul lumii - Grecia, India, Thailanda, Sri Lanka. Printre autorii care au influențat formarea lui Marden se numără Jackson Pollock (la începutul anilor 1960 Marden a lucrat ca agent de securitate la Muzeul Evreiesc, unde a observat personal „picurăturile” lui Pollock), Alberto Giacometti (s-a familiarizat cu opera sa la Paris) și Robert Rauschenberg (unele în timp ce Marden lucra ca asistent). Prima etapă a lucrării lui Marden este dedicată pânzelor minimaliste clasice, constând din blocuri dreptunghiulare colorate (orizontale sau verticale). Spre deosebire de mulți alți minimalisti care au căutat calitatea ideală a lucrărilor, parcă tipărite de o mașină, și nu desenate de o persoană, Marden a păstrat urme ale operei artistului, combinate materiale diferite(vopsele cu ceară și ulei). De la mijlocul anilor 1980, sub influența caligrafiei orientale, abstracția geometrică a fost înlocuită de linii șerpuitoare, asemănătoare meandre, al căror fundal era aceleași câmpuri de culoare monocrome. Una dintre aceste lucrări „meander” – „The Attended” – a fost vândută la Sotheby's în noiembrie 2013 pentru 10,917 milioane de dolari, inclusiv comision.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23 decembrie 1959. 10,6 milioane USD

23. ZHANG XIAOGANG Dragoste eterna. 10,2 milioane de dolari

Un alt reprezentant al artei contemporane chineze este un simbolist și suprarealist Zhang Xiaogang (1958). La Sotheby's Hong Kong 3 aprilie 2011, unde a fost vândută avangarda chineză din colecția baronului belgian Guy Ullens, un triptic de Zhang Xiaogang "Dragoste eterna" a fost vândut cu $ 10,2 milioane. La acea vreme, era un record nu numai pentru artist, ci pentru întreaga artă contemporană chineză. Se spune că opera lui Xiaogang a fost cumpărată de soția miliardarului Wang Wei, care este pe cale să-și deschidă propriul muzeu.

Zhang Xiaogang, care este pasionat de misticism și filozofia orientală, a scris povestea „ Dragoste eternaîn trei părți - viață, moarte și renaștere. Acest triptic a fost prezentat în emblematica expoziție China/Avangardă din 1989 de la Muzeul Național de Artă. Tot în 1989, demonstrațiile studențești au fost suprimate cu brutalitate în Piața Tiananmen de către armată. În urma acestui tragic eveniment, șuruburile au început să se strângă - expoziția de la Muzeul Național a fost dispersată, mulți artiști au emigrat. Ca răspuns la realismul socialist impus de sus, a apărut o direcție a realismului cinic, unul dintre principalii reprezentanți ai căruia a fost Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Neputincios Henry Moore. 1967. 9,9 milioane de dolari

american Bruce Nauman (1941), câștigătorul premiului principal al celei de-a 48-a Bienale de la Veneția (1999), a ajuns de mult la palmaresul său. Nauman și-a început cariera în anii șaizeci. Cunoscătorii îl numesc, alături de Andy Warhol și Joseph Beuys, una dintre cele mai influente figuri din arta celei de-a doua jumătate a secolului XX. Cu toate acestea, intelectualitatea bogată și nedecorativitatea absolută a unora dintre lucrările sale i-au împiedicat în mod evident recunoașterea rapidă și succesul în rândul publicului larg. Nauman experimentează adesea cu limbajul, descoperind semnificații neașteptate ale frazelor familiare. Cuvintele devin personajele centrale ale multor lucrări ale sale, inclusiv pseudo-semnele și panourile neon. Naumann însuși se numește sculptor, deși în ultimii patruzeci de ani s-a încercat absolut diferite genuri- sculptură, fotografie, artă video, spectacole, grafică. La începutul anilor '90, Larry Gagosian a rostit cuvintele profetice: „Valoarea reală a lucrării lui Naumann nu a fost încă realizată”. Si asa s-a intamplat: 17 mai 2001 la Christie's de Naumann în 1967 „Neajutorat Henry Moore (vedere din spate)”(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) a stabilit un nou record în segmentul de artă postbelică. O ghips din mâinile lui Naumann legate la spate, din ipsos și ceară, a intrat sub ciocan pentru $ 9,9 milioaneîn colecția magnatului francez Francois Pinault (după alte surse, americanul Phyllis Wattis). Estimarea lucrării a fost de doar 2-3 milioane de dolari, așa că rezultatul a fost o adevărată surpriză pentru toată lumea.

Înainte de această vânzare legendară, doar două dintre lucrările lui Naumann depășiseră pragul milionului de dolari. Și în întreaga sa carieră de licitație de până acum, doar șase lucrări, pe lângă „Henry Moore...”, au mers pentru sume de șapte cifre, dar rezultatele lor încă nu pot fi comparate cu nouă milioane.

„Helples Henry Moore” este una dintre seriile de lucrări polemice ale lui Naumann despre figura lui Henry Moore (1898–1986), un artist britanic care a fost considerat printre cei mai mari sculptori ai secolului al XX-lea în anii șaizeci. Tinerii autori, care s-au trezit în umbra unui maestru recunoscut, l-au atacat apoi cu critici acerbe. Opera lui Naumann este un răspuns la această critică și în același timp o reflecție pe tema creativității. Titlul lucrării devine un joc de cuvinte, deoarece conectează două sensuri ale cuvântului englezesc bound - bound (în sensul literal) și sortit unei anumite soarte.

Atenţie! Toate materialele site-ului și baza de date a rezultatelor licitațiilor de pe site, inclusiv informații de referință ilustrate despre lucrările vândute la licitații, sunt destinate utilizării exclusiv în conformitate cu art. 1274 din Codul civil al Federației Ruse. Utilizarea în scopuri comerciale sau cu încălcarea regulilor stabilite de Codul civil al Federației Ruse nu este permisă. site-ul nu este responsabil pentru conținutul materialelor transmise de terți. In cazul incalcarii drepturilor tertilor, administratia site-ului isi rezerva dreptul de a le scoate din site si din baza de date la cererea organismului abilitat.

) în lucrările ei expresive de măturare a fost capabilă să păstreze transparența ceții, lejeritatea pânzei, legănarea lină a navei pe valuri.

Picturile ei uimesc prin profunzimea, volumul, saturația lor, iar textura este de așa natură încât este imposibil să-ți iei ochii de la ele.

Simplitate caldă Valentina Gubareva

Artist primitiv din Minsk Valentin Gubarev nu urmărește faima și doar face ceea ce iubește. Opera sa este nebun de populară în străinătate, dar aproape necunoscută compatrioților săi. La mijlocul anilor '90, francezul s-a îndrăgostit de schițele sale de zi cu zi și a semnat un contract cu artistul pentru 16 ani. Tablourile, care, s-ar părea, ar trebui să fie de înțeles doar pentru noi, purtătorii „modestului farmec al socialismului nedezvoltat”, au fost pe placul publicului european, iar expozițiile au început în Elveția, Germania, Marea Britanie și alte țări.

Realism senzual de Serghei Marshennikov

Serghei Marshennikov are 41 de ani. Locuiește la Sankt Petersburg și creează în cele mai bune tradiții ale școlii clasice rusești de portrete realiste. Eroinele picturilor sale sunt tandre și lipsite de apărare în femeile lor pe jumătate goale. Multe dintre cele mai cunoscute tablouri o înfățișează pe muza și soția artistului, Natalia.

Lumea miopă a lui Philip Barlow

În epoca modernă a imaginilor de înaltă rezoluție și a ascensiunii hiperrealismului, opera lui Philip Barlow atrage imediat atenția. Se cere însă un oarecare efort din partea privitorului pentru a se forța să privească siluete neclare și puncte luminoase de pe pânzele autorului. Probabil, așa văd oamenii care suferă de miopie lumea fără ochelari și lentile de contact.

Sunny Bunnies de Laurent Parcelier

Pictura lui Laurent Parcelier este lume minunataîn care nu există nici tristețe, nici deznădejde. Nu veți găsi la el poze sumbre și ploioase. Pe pânzele sale există multă lumină, aer și culori strălucitoare, pe care artistul le aplică cu mișcări caracteristice, recunoscute. Acest lucru creează senzația că picturile sunt țesute din mii de razele de soare.

Dinamica urbană în lucrările lui Jeremy Mann

Ulei pe panouri de lemn de artistul american Jeremy Mann pictează portrete dinamice ale unei metropole moderne. „Forme abstracte, linii, contrast de pete luminoase și întunecate - totul creează o imagine care evocă sentimentul pe care o trăiește o persoană în mulțimea și frământările orașului, dar poate exprima și calmul pe care îl găsește atunci când contemplează frumusețea liniștită”, spune artistul.

Lumea iluzorie a lui Neil Simon

În picturile artistului britanic Neil Simone (Neil Simone) totul nu este ceea ce pare la prima vedere. „Pentru mine, lumea din jurul meu este o serie de forme, umbre și limite fragile și în continuă schimbare”, spune Simon. Și în picturile sale totul este cu adevărat iluzoriu și interconectat. Granițele sunt spălate, iar poveștile curg unele în altele.

Drama de dragoste a lui Joseph Lorasso

Artistul american contemporan, născut în Italia, Joseph Lorusso, transferă pe pânză scenele în care le-a văzut Viata de zi cu zi oameni normali. Îmbrățișări și sărutări, impulsuri pasionale, momente de tandrețe și dorință îi umplu pozele emoționante.

Viața satului lui Dmitri Levin

Dmitri Levin este un maestru recunoscut al peisajului rus, care s-a impus ca un reprezentant talentat al școlii realiste rusești. Cea mai importantă sursă a artei sale este atașamentul său față de natură, pe care o iubește cu tandrețe și pasiune și din care se simte parte.

Estul strălucitor Valery Blokhin

Arta este în continuă evoluție, la fel ca întreaga lume din jurul nostru. Artiștii moderni ai secolului 21 și picturile lor nu seamănă deloc cu cele care au existat în Evul Mediu, Renaștere. Apar noi nume, materiale, genuri, moduri de exprimare a talentelor. În acest clasament, ne vom familiariza cu zece artiști inovatori ai timpului nostru.

10. Pedro Campos. Pe locul zece se află spaniolul, a cărui pensulă poate concura cu ușurință cu camera, el pictează astfel de pânze realiste. În cea mai mare parte, el creează naturi moarte, dar nu atât temele picturilor sale aduc o admirație uimitoare, ci întruchiparea magistrală. Texturi, strălucire, adâncime, perspectivă, volum - toate acestea Pedro Campos le-a subordonat pensulei sale, astfel încât realitatea, și nu ficțiunea, să privească privitorul din pânză. Fără înfrumusețare, fără romantism, doar realitate, acesta este sensul genului fotorealismului. Apropo, artistul și-a dobândit atenția la detalii și scrupulozitatea în munca unui restaurator.

9. Richard Estes. Un alt admirator al genului fotorealismului, Richard Estes, a început cu pictura obișnuită, dar mai târziu a trecut la pictarea peisajelor urbane. Artiștii de astăzi și creațiile lor nu trebuie să se adapteze nimănui și asta e grozav, fiecare se poate exprima așa cum își dorește în ceea ce își dorește. Ca și în cazul lui Pedro Campos, lucrările acestui maestru pot fi ușor confundate cu fotografiile, orașul este atât de asemănător cu cel real. Rar vezi oameni în picturile lui Estes, dar aproape întotdeauna există reflexii, strălucire, linii paralele și o compoziție perfectă, ideală. Astfel, el nu doar copiază peisajul urban, ci găsește în el perfecțiunea și încearcă să o arate.

8. Kevin Sloan Există un număr incredibil de artiști contemporani ai secolului 21 și picturile lor, dar nu fiecare dintre ei merită atenție. Americanul Kevin Sloan merită, pentru că lucrările sale par să mute privitorul într-o altă dimensiune, o lume plină de alegorii, semnificații ascunse, mistere metaforice. Artistului iubește să picteze animale, pentru că, în opinia sa, obține mai multă libertate în acest fel decât cu oamenii pentru a spune povestea. Sloane își creează „realitatea trucului” cu uleiuri de aproape 40 de ani. Foarte des, pe pânze apar ceasuri: fie un elefant, fie o caracatiță se uită la ele; această imagine poate fi interpretată ca timp care trece sau ca limitări ale vieții. Fiecare poză cu Sloan este uimitoare, vreau să dezleg ceea ce a vrut să-i transmită autoarea.

7. Laurent Parcelier. Acest pictor aparține acelor artiști contemporani ai secolului XXI, ale căror picturi au fost recunoscute devreme, chiar și în timpul studiilor. Talentul lui Laurent s-a manifestat în albumele publicate sub titlul general „Lumea ciudată”. Pictează în ulei, stilul său este ușor, gravitează spre realism. O trăsătură caracteristică a lucrărilor artistului este abundența de lumină care pare să se reverse din pânze. De regulă, el înfățișează peisaje, câteva locuri recunoscute. Toate lucrările sunt neobișnuit de ușoare și aerisite, pline de soare, prospețime, respirație.

6. Jeremy Mann Un originar din San Francisco și-a iubit orașul, cel mai adesea l-a reprezentat în picturile sale. Artiștii contemporani ai secolului XXI se pot inspira pentru picturile lor oriunde: pe ploaie, pavaj umed, semne cu neon, lumini ale orașului. Jeremy Mann infuzează peisajele simple cu dispoziție, istorie, experimentare cu tehnici și alegeri de culoare. Materialul principal al lui Mann este uleiul.

5. Hans Rudolf Giger. Pe locul cinci se află unic, unic Hans Giger, creatorul Alien din filmul cu același nume. Artiștii de astăzi și lucrările lor sunt diverse, dar fiecare este genial în felul său. Acest elvețian mohorât nu pictează natura și animalele, preferă pictura „biomecanică”, în care a reușit. Unii îl compară pe artist cu Bosch pentru lugubru, fantasticul pânzelor sale. Deși picturile lui Giger miroase a ceva de altă lume, periculos, nu-l poți refuza prin tehnică, pricepere: este atent la detalii, selectează corect nuanțele, gândește totul până la cel mai mic detaliu.

4. Will Barnet Acest artist are propriul stil unic de autor, prin urmare lucrările sale sunt ușor acceptate de marile muzee ale lumii: Muzeul Metropolitan de Artă, Galeria Națională de Artă, Muzeul Britanic, Muzeul Ashmolean, Muzeul Vatican. Artiștii contemporani ai secolului XXI și lucrările lor, pentru a fi recunoscuți, trebuie cumva să iasă în evidență de restul maselor. Și Will Barnett o poate face. Lucrările sale sunt grafice și contrastante, el înfățișează adesea pisici, păsări, femei. La prima vedere, picturile lui Barnett sunt simple, dar la o examinare ulterioară, îți dai seama că această simplitate este tocmai geniul lor.

3. Neil Simon. Acesta este unul dintre artiștii contemporani ai secolului XXI, ale cărui lucrări nu sunt atât de simple pe cât par la prima vedere. Între intrigi și lucrările lui Neil Simon, granițele par spălate, curg de la una la alta, îl atrag pe privitor, îl trage în lumea iluzorie a artistului. Creațiile lui Simon se caracterizează prin culori strălucitoare, saturate, care le dau energie și putere și evocă un răspuns emoțional. Maestrul adora sa se joace cu perspectiva, cu marimea obiectelor, cu combinatii neobisnuite si forme neasteptate. În lucrările artistului există multă geometrie, care se îmbină cu peisajele naturale, parcă se repezi înăuntru, dar nu distruge, ci completează armonios.

2. Igor Morsky. Artistul de astăzi din secolul 21 și picturile sale sunt adesea comparate cu marele geniu Salvador Dali. Lucrările maestrului polonez sunt imprevizibile, misterioase, incitante, evocă un răspuns emoțional viu și, pe alocuri, sunt nebunești. Ca orice alt suprarealist, el nu caută să arate realitatea așa cum este, ci arată fațete pe care nu le vom vedea niciodată în viață. Cel mai adesea, personaj principal Opera lui Morsky este un om cu toate fricile, pasiunile, lipsurile lui. De asemenea, metaforele operelor acestui suprarealist privesc adesea puterea. Desigur, acesta nu este artistul a cărui operă o atârnați deasupra patului, ci cel la a cărui expoziție merită cu siguranță să mergeți.

1. Yayoi Kusama. Așadar, pe primul loc al clasamentului nostru se află o artistă japoneză care a obținut un succes incredibil în toată lumea, în ciuda faptului că are unele boli psihice. Principala „trăsătură” a artistului sunt bulinele. Ea acoperă tot ce vede cu cercuri de diverse forme și dimensiuni, numindu-le toate rețelele infinitului. Expoziții interactive iar instalatiile lui Kusama sunt un succes, pentru ca uneori toata lumea isi doreste (chiar daca nu recunoaste) sa fie in interiorul lumii psihedelice a halucinatiilor, a imediatetii copilaroase, a fanteziei si a cercurilor colorate. Printre artiștii contemporani ai secolului 21 și picturile lor, Yayoi Kusama este cel mai bine vândut.

În perioada 8 iunie - 31 iulie are loc la Moscova a VI-a Bienala Internațională pentru Artă Tânără. Peste 50 de artiști din întreaga lume cu vârsta sub 35 de ani și-au prezentat lucrările. Dar artiștii contemporani nu sunt expuși doar în galerii sau muzee - adesea lucrările lor pot fi cumpărate. Nu trebuie să fie neapărat scump: popularizarea artei contemporane a pus în mișcare un proces de democratizare a prețurilor care i-a determinat pe unii orașe să bugeteze costul picturilor pentru reparații. Nici măcar casele de licitații și târgurile de artă nu puteau ignora interesul pentru arta clasei de mijloc, în care au început să apară lucrări ale tinerilor artiști. Satul i-a cerut Ekaterinei Polozhentseva, jurnalist și coproprietar al galeriei Oily Oil, să selecteze lucrări ale artiștilor ruși contemporani care sunt accesibile atât ca abordare, cât și ca preț.

Ekaterina Polozhentseva

Timofey Radya

Artista din Ekaterinburg Tima Radya combină filozofia și arta stradală în lucrările ei. Filosof prin educație și adevărată artistă din fire, Tima nutrește de multă vreme ideea unei lucrări viitoare, apoi o implementează în spațiul urban cu ajutorul micii ei armate de colegi. Expresii care au devenit meme, „Te-aș îmbrățișa, dar sunt doar text”, „Cu cât mai lumină, cu atât poți vedea mai puțin” sau „Cine suntem, de unde suntem, unde mergem?” devin temporar parte a mediului urban, dar rămân pentru totdeauna în fotografiile lui Radi. Le vinde în galerii.

Timofey Radya. Jos moartea. 2013. Imprimare foto pe hârtie mată. 60 x 80. Tiraj 15/24. Preț - 44 000 de ruble. Cumpărați - Artwin Gallery

Alexey Dubinsky

Dubinsky s-a născut la Grozny în 1985 și a primit educația clasică la Academia Rusă de Pictură, Sculptură și Arhitectură Ilya Glazunov. Alexei lucrează în maniera expresionismului abstract, care ascunde întotdeauna imaginea unui fel de erou - Alexei însuși, prietenii săi sau „o familie complet fericită”. În primăvara anului 2018, Dubinsky a susținut o mare expoziție personală curatoriată de Sofya Simakova la Triumph Gallery, după care apariția lui Alexei în această listă este un mare succes: lucrările mari (metru cu metru) lui Dubinsky au ieșit de mult din categorie de prețuri care sunt numite decent cu voce tare. Dar graficele din ultimii ani sunt încă disponibile pentru cumpărare fără a se bloca pentru un buget personal sau familial.

Kirill Kto

Dacă vedeți ochi sculptați în bannere pe străzile Moscovei, să știți că sunt făcuți de o persoană căreia îi place foarte mult să meargă - Kirill Lebedev. Al doilea semn de marcă al lui Who este frazele scrise cu majuscule. Se întâmplă adesea ca fiecare literă să fie desenată în propria ei culoare. Cine este greu de confundat cu cineva. În urmă cu câțiva ani, galeristele Elvira Tarnogradskaya și Nadezhda Stepanova i-au cerut lui Kirill să transfere mai multe lucrări pe pânze: succesul ideii a fost evident. Prețurile cui cresc mai repede decât par noii ochi ai orașului. Există însă și o variantă pentru cei care își numără banii - serigrafie, semnată de autor și produsă în ediție limitată.

Julia Iosilzon

Iosilzon s-a născut la Moscova în 1992. Yulia locuiește acum la Londra, unde urmează o diplomă de licență la Slade School of Art de la Facultatea de Arte Plastice. Şederea non-stop în atelierul studenţesc de artă nu a împiedicat-o să susţină o expoziţie personală la Galeria Triumph din Moscova. De obicei face lucrări expresive pe mătase întinsă pe targă. Printre eroii lucrărilor, se recunosc un lup și un iepure de câmp din sovietica „Ei bine, așteaptă!”. Iosilzon va trebui să pună deoparte mai multe salarii pentru pictură, dar grafica se mai poate cumpăra cu bani puțini.

Anton Totibadze

Anton Totibadze este fiul artistului Konstantin Totibadze și nepotul artistului Georgy Totibadze. Anton continuă tradiția nespusă a familiei de a picta naturi moarte și peisaje de zi cu zi, adesea inspirată de gătitul de shish kebab în propria curte. Muzeul Rus din Sankt Petersburg a inclus deja una dintre aceste lucrări ale lui Anton Totibadze în colecția sa. Nu e rău pentru un artist de 25 de ani.

Anton Totibadze. Inconvenient temporar. 2017. Tempera pe pânză. 15 x 19. Pret - 25 000 de ruble. Cumpărați - OilyOil.com

Ales Nomad

Anna Asyamova s-a născut în Kazahstan și a absolvit Universitatea de Arte din Kemerovo. Lucrările ei timpurii sunt portrete austere în care nu a amestecat culorile. Mai târziu, Ales a devenit interesat de pictură și a început să picteze portrete în stilul vechilor maeștri și să le remodeleze în rucsacuri sau jucării moi, folosind fermoare pentru a face munca multifuncțională. În această etapă, Vladimir Dubossarsky a observat-o și s-a oferit să facă o expoziție comună. Unul dintre cei mai scumpi artiști ruși în viață, desigur, a influențat costul lucrărilor noi ale lui Ales. Dar lucrările timpurii și astăzi puteți cumpăra la un preț de până la 22 de mii de ruble.

Ales Nomad. Nuntă. 2013. Carton, acril, markere. 70 x 100. Pret - 22 000 de ruble. Cumpărați - OilyOil.com

Valery Chtak

Valery Chtak este un artist cu o istorie grozavă de expoziție și un stil recunoscut. Lucrarea lui este întotdeauna o paletă monocromă negru-alb-gri cu text. În picturile lui există puțină pictură și multe imagini simple, parcă din peretele unui vecin pasaj subteran. Bibliotecar prin educație, Chtak lucrează mult cu cuvântul: „Toți morții sunt morți la fel”, „Îmi place să mă distrezi, să urăști și să te răzbuni” sau „Când este miezul nopții la Moscova, este și miezul nopții la Murmansk” - versurile artistului, care merită cumpărate și astăzi.

Dmitri Aske

Dmitry Aske este un alt artist care s-a mutat de pe stradă în studioul de artă. O mare parte din lucrarea lui Aske de astăzi este lambriuri din lemn tăiate și pictate manual, pe care artistul le asambla în panouri. Dintre lucrările bugetare ale lui Dima, astăzi merită să acordați atenție serigrafiei sale pictate manual. vopsele acrilice. Printurile lui Asuke sunt semnate și numerotate.

Dmitri Aske. Buddha. Hartie serigrafica, acrilica, bumbac. 50 x 50. Pret - 16 000 de ruble. Cumpărați - format1.net

Fotografie: coperta, 15–21 - Oily Oil, 1 - Artwin, 2 - Timofei Radya, 3–7, 12–14 - Sample, 8, 25, 26 - White Wall Problems galerie online, 9–11, 22–24 - Galerie Triunghi , 27 - „Format unu”

„Jucători de cărți”

Autor

Paul Cezanne

Țară Franţa
Ani de viață 1839–1906
Stil Post impresionism

Artistul s-a născut în sudul Franței, în orășelul Aix-en-Provence, dar a început să picteze la Paris. Succesul real i-a venit după o expoziție personală organizată de colecționarul Ambroise Vollard. În 1886, cu 20 de ani înainte de plecare, s-a mutat la periferia orașului natal. Tinerii artiști au numit călătoriile la el „un pelerinaj la Aix”.

130x97 cm
1895
Preț
250 de milioane de dolari
vândut în 2012
la licitatie privata

Lucrarea lui Cezanne este ușor de înțeles. Singura regulă a artistului a fost transferul direct al subiectului sau complotului pe pânză, astfel încât picturile sale nu provoacă nedumerire privitorului. Cezanne a combinat în arta sa două tradiții principale franceze: clasicismul și romantismul. Cu ajutorul texturii colorate, a dat formei obiectelor o plasticitate uimitoare.

O serie de cinci tablouri „Jucătorii de cărți” a fost scrisă în 1890-1895. Intriga lor este aceeași - mai mulți oameni joacă poker cu entuziasm. Lucrările diferă doar prin numărul de jucători și dimensiunea pânzei.

Patru picturi sunt păstrate în muzee din Europa și America (Muzeul d'Orsay, Muzeul Metropolitan de Artă, Fundația Barnes și Institutul de Artă Courtauld), iar al cincilea, până de curând, a fost o podoabă a colecției private a Armatorul grec miliardar George Embirikos. Cu puțin timp înainte de moarte, în iarna lui 2011, a decis să-l scoată la vânzare. Potențialii cumpărători ai operei „gratuite” a lui Cezanne au fost dealerul de artă William Aquavella și proprietarul de galerie celebru în întreaga lume Larry Gagosian, care au oferit aproximativ 220 de milioane de dolari pentru aceasta. Drept urmare, imaginea a ajuns Familia regală statul arab Qatar pentru 250 de milioane.Cea mai mare afacere de artă din istoria picturii a fost încheiată în februarie 2012. Acest lucru a fost raportat la Vanity Fair de jurnalista Alexandra Pierce. Ea a aflat costul picturii și numele noului proprietar, iar apoi informația a pătruns în mass-media din întreaga lume.

În 2010, în Qatar s-au deschis Muzeul Arab de Artă Modernă și Muzeul Național Qatar. Acum colecțiile lor cresc. Poate că a cincea versiune a The Card Players a fost achiziționată de șeic în acest scop.

Cel maipoza scumpain lume

Proprietar
Șeicul Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dinastia al-Thani a condus Qatarul de peste 130 de ani. În urmă cu aproximativ o jumătate de secol, aici au fost descoperite rezerve uriașe de petrol și gaze, ceea ce a făcut instantaneu din Qatar una dintre cele mai bogate regiuni din lume. Datorită exportului de hidrocarburi, această țară mică a înregistrat cel mai mare PIB pe cap de locuitor. Șeicul Hamad bin Khalifa al-Thani a preluat puterea în 1995, în timp ce tatăl său se afla în Elveția, cu sprijinul membrilor familiei. Meritul actualului domnitor, potrivit experților, este într-o strategie clară de dezvoltare a țării, creând o imagine de succes a statului. Qatarul are acum o constituție și un prim-ministru, iar femeile au câștigat dreptul de vot la alegerile parlamentare. Apropo, emirul Qatarului a fost cel care a fondat canalul de știri Al Jazeera. Autoritățile statului arab acordă o mare atenție culturii.

2

„Numărul 5”

Autor

Jackson Pollock

Țară STATELE UNITE ALE AMERICII
Ani de viață 1912–1956
Stil expresionism abstract

Jack the Sprinkler - o astfel de poreclă i-a fost dată lui Pollock de către publicul american pentru tehnica sa specială de pictură. Artistul a abandonat pensula și șevalet și a turnat vopseaua pe suprafața pânzei sau a plăcii de fibre în timpul mișcării continue în jurul și în interiorul acestora. DIN primii aniîi plăcea filozofia lui Jiddu Krishnamurti, al cărei mesaj principal este că adevărul este dezvăluit în timpul unei „revărsări” libere.

122x244 cm
1948
Preț
140 de milioane de dolari
vândut în anul 2006
la licitatie Sotheby's

Valoarea muncii lui Pollock nu este în rezultat, ci în proces. Autorul nu și-a numit accidental arta „pictură de acțiune”. Cu mâna sa ușoară, a devenit principalul atu al Americii. Jackson Pollock a amestecat vopsea cu nisip, sticlă spartă și a scris cu o bucată de carton, un cuțit de paletă, un cuțit, o lopată. Artistul a fost atât de popular încât în ​​anii 1950 au existat chiar imitatori în URSS. Tabloul „Numărul 5” este recunoscut ca fiind unul dintre cele mai ciudate și mai scumpe din lume. Unul dintre fondatorii DreamWorks, David Geffen, l-a cumpărat pentru o colecție privată, iar în 2006 l-a vândut la Sotheby`s pentru 140 de milioane de dolari colecționarului mexican David Martinez. Cu toate acestea, firma de avocatură a emis în scurt timp un comunicat de presă în numele clientului său în care afirmă că David Martinez nu este proprietarul tabloului. Un singur lucru se știe sigur: finanțatorul mexican a adunat într-adevăr recent lucrări de artă contemporană. Este puțin probabil să fi ratat un astfel de „pește mare” precum „Numărul 5” al lui Pollock.

3

"Femeia III"

Autor

Willem de Kooning

Țară STATELE UNITE ALE AMERICII
Ani de viață 1904–1997
Stil expresionism abstract

Originar din Țările de Jos, a emigrat în Statele Unite în 1926. În 1948, a avut loc o expoziție personală a artistului. Criticii de artă au apreciat compozițiile complexe, nervoase alb-negru, recunoscând în autorul lor un mare artist modernist. În cea mai mare parte a vieții a suferit de alcoolism, dar bucuria de a crea o nouă artă se simte în fiecare lucrare. De Kooning se distinge prin impulsivitatea picturii, linii mari, motiv pentru care uneori imaginea nu se încadrează în limitele pânzei.

121x171 cm
1953
Preț
137 de milioane de dolari
vândut în anul 2006
la licitatie privata

În anii 1950, în picturile lui de Kooning apar femei cu ochii goali, sâni masivi și trăsături urâte. „Femeia III” a devenit ultima munca din această serie, licitare.

Din anii 1970, pictura a fost păstrată la Muzeul de Artă Modernă din Teheran, dar după introducerea unor reguli morale stricte în țară, au încercat să scape de ea. În 1994, lucrarea a fost scoasă din Iran, iar 12 ani mai târziu, proprietarul ei David Geffen (același producător care a vândut „Numărul 5” al lui Jackson Pollock) a vândut tabloul milionarului Stephen Cohen pentru 137,5 milioane de dolari. Este interesant că într-un an Geffen a început să-și vândă colecția de picturi. Acest lucru a dat naștere la o mulțime de zvonuri: de exemplu, că producătorul a decis să cumpere Los Angeles Times.

La unul dintre forumurile de artă s-a exprimat o opinie despre asemănarea „Femeia III” cu pictura de Leonardo da Vinci „Doamna cu hermină”. În spatele zâmbetului cu dinți și al figurii fără formă a eroinei, cunoscătorul picturii a deslușit grația unei persoane cu sânge regal. Acest lucru este evidențiat și de coroana prost trasată care încoronează capul unei femei.

4

„Portretul AdeleiBloch-Bauer I"

Autor

Gustav Klimt

Țară Austria
Ani de viață 1862–1918
Stil modern

Gustav Klimt s-a născut în familia unui gravor și a fost al doilea dintre cei șapte copii. Trei fii ai lui Ernest Klimt au devenit artiști și doar Gustav a devenit faimos în întreaga lume. Și-a petrecut cea mai mare parte a copilăriei în sărăcie. După moartea tatălui său, el a fost responsabil pentru întreaga familie. În acest moment, Klimt și-a dezvoltat stilul. Înaintea picturilor sale, orice privitor îngheață: sub loviturile subțiri de aur se vede clar erotismul sincer.

138x136 cm
1907
Preț
135 de milioane de dolari
vândut în anul 2006
la licitatie Sotheby's

Soarta picturii, care se numește „Mona Lisa austriacă”, ar putea deveni cu ușurință baza unui bestseller. Opera artistului a devenit cauza conflictului întregului stat și a unei singure doamne în vârstă.

Deci, „Portretul Adelei Bloch-Bauer I” înfățișează un aristocrat, soția lui Ferdinand Bloch. Ultima ei voință a fost să transfere tabloul la Galeria de Stat din Austria. Cu toate acestea, Bloch a anulat donația prin testament, iar naziștii au expropriat tabloul. Ulterior, galeria a cumpărat cu greu Adele de Aur, dar apoi a apărut moștenitoarea - Maria Altman, nepoata lui Ferdinand Bloch.

În 2005, a început procesul de mare profil „Maria Altman împotriva Republicii Austria”, în urma căruia imaginea „a plecat” cu ea la Los Angeles. Austria a luat măsuri fără precedent: s-au negociat împrumuturi, populația a donat bani pentru a cumpăra portretul. Binele nu a învins niciodată răul: Altman a ridicat prețul la 300 de milioane de dolari. La momentul procesului, ea avea 79 de ani și a intrat în istorie drept persoana care a schimbat voința lui Bloch-Bauer în favoarea intereselor personale. Tabloul a fost achiziționat de Ronald Lauder, proprietarul New Gallery din New York, unde a rămas până astăzi. Nu pentru Austria, pentru el Altman a redus prețul la 135 de milioane de dolari.

5

"Ţipăt"

Autor

Edvard Munch

Țară Norvegia
Ani de viață 1863–1944
Stil expresionism

Primul tablou al lui Munch, devenit celebru în întreaga lume, „Fata bolnavă” (există în cinci exemplare) este dedicat surorii artistului, care a murit de tuberculoză la vârsta de 15 ani. Munch a fost întotdeauna interesat de tema morții și a singurătății. În Germania, pictura sa grea și maniacale a provocat chiar scandal. Cu toate acestea, în ciuda comploturilor deprimante, picturile sale au un magnetism aparte. Luați cel puțin „Scream”.

73,5x91 cm
1895
Preț
119,992 milioane USD
vandut in 2012
la licitatie Sotheby's

Numele complet al picturii este Der Schrei der Natur (tradus din germană - „strigătul naturii”). Chipul fie al unei persoane, fie al unui extraterestru exprimă disperare și panică - privitorul experimentează aceleași emoții atunci când se uită la imagine. Una dintre lucrările cheie ale expresionismului avertizează temele care au devenit acute în arta secolului al XX-lea. Potrivit unei versiuni, artistul l-a creat sub influența unei tulburări mintale, pe care a suferit-o toată viața.

Tabloul a fost furat de două ori din diferite muzee, dar a fost returnat. Ușor deteriorat după furt, The Scream a fost restaurat și a fost gata să fie prezentat din nou la Muzeul Munch în 2008. Pentru reprezentanții culturii pop, lucrarea a devenit o sursă de inspirație: Andy Warhol a creat o serie de printuri-copii ale acesteia, iar masca din filmul „Scream” este realizată după imaginea și asemănarea eroului imaginii.

Pentru un complot, Munch a scris patru versiuni ale operei: cea dintr-o colecție privată este realizată în pastel. Miliardarul norvegian Petter Olsen a scos-o la licitație pe 2 mai 2012. Cumpărătorul a fost Leon Black, care nu a cruțat o sumă record pentru „Scream”. Fondatorul Apollo Advisors, L.P. și Lion Advisors, L.P. cunoscut pentru dragostea lui pentru artă. Black este patronul Colegiului Dartmouth, al Muzeului de Artă Modernă, al Centrului de Artă Lincoln și al Muzeului Metropolitan de Artă. Are cea mai mare colecție de picturi ale artiștilor contemporani și maeștrilor clasici din secolele trecute.

6

„Nud pe fundalul unui bust și frunze verzi”

Autor

Pablo Picasso

Țară Spania, Franța
Ani de viață 1881–1973
Stil cubism

De origine este spaniol, dar ca spirit și loc de reședință este un adevărat francez. Picasso și-a deschis propriul studio de artă în Barcelona când avea doar 16 ani. Apoi a mers la Paris și a cheltuit cel mai viaţă. De aceea există un dublu accent în numele lui de familie. Stilul inventat de Picasso se bazează pe negarea opiniei că obiectul înfățișat pe pânză poate fi privit dintr-un singur unghi.

130x162 cm
1932
Preț
106,482 milioane USD
vândut în anul 2010
la licitatie Christie's

În timpul muncii sale la Roma, artistul a cunoscut-o pe dansatoarea Olga Khokhlova, care i-a devenit curând soție. El a pus capăt vagabondajului, s-a mutat cu ea într-un apartament de lux. Până atunci, recunoașterea a găsit un erou, dar căsătoria a fost distrusă. Una dintre cele mai scumpe tablouri din lume a fost creată aproape întâmplător - din mare dragoste, care, ca întotdeauna cu Picasso, a fost de scurtă durată. În 1927, a devenit interesat de tânăra Marie-Therese Walter (ea avea 17 ani, el 45). În secret de soția sa, a plecat cu amanta într-un oraș de lângă Paris, unde a pictat un portret înfățișând-o pe Marie-Therese în imaginea lui Daphne. Tabloul a fost cumpărat de dealer-ul din New York Paul Rosenberg și vândut în 1951 lui Sidney F. Brody. Soții Brody au arătat lumii pictura o singură dată și doar pentru că artistul avea 80 de ani. După moartea soțului ei, doamna Brody a scos lucrarea la licitație la Christie's în martie 2010. În șase decenii, prețul a crescut de peste 5.000 de ori! Un colecționar necunoscut l-a cumpărat cu 106,5 milioane de dolari. În 2011, în Marea Britanie a avut loc o „expoziție cu o singură pictură”, unde a văzut lumina pentru a doua oară, dar numele proprietarului este încă necunoscut.

7

„Opt elfizi”

Autor

Andy Warhole

Țară STATELE UNITE ALE AMERICII
Ani de viață 1928-1987
Stil
arta pop

„Sexul și petrecerile sunt singurele locuri în care trebuie să apari în persoană”, a spus artistul pop cult, regizorul și unul dintre fondatorii revistei Interview, designerul Andy Warhol. A lucrat cu Vogue și Harper's Bazaar, a conceput coperți de discuri și a creat pantofi pentru I.Miller. În anii 1960, au apărut picturi înfățișând simbolurile Americii: supa lui Campbell și Coca-Cola, Presley și Monroe - ceea ce l-a transformat într-o legendă.

358x208 cm
1963
Preț
100 de milioane de dolari
vândut în 2008
la licitatie privata

Anii 60 ai lui Warhol - așa-numita eră a artei pop din America. În 1962, a lucrat în Manhattan la Factory Studio, unde s-a adunat toată boemia din New York. Cei mai străluciți reprezentanți ai săi: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote și alte personalități celebre din lume. În același timp, Warhol a încercat tehnica serigrafiei - mai multe repetări ale unei imagini. De asemenea, a folosit această metodă când a creat „Opt Elvises”: privitorul pare să vadă cadre dintr-un film în care vedeta prinde viață. Tot ceea ce artista a iubit atât de mult este aici: o imagine publică win-win, culoare argintie și o premoniție a morții ca mesaj principal.

Există doi dealeri de artă care promovează astăzi opera lui Warhol pe piața mondială: Larry Gagosian și Alberto Mugrabi. Prima din 2008 a cheltuit 200 de milioane de dolari pentru a cumpăra mai mult de 15 lucrări Warhol. Al doilea cumpără și vinde tablourile lui ca felicitări de Crăciun, doar că mai scumpe. Dar nu ei, ci umilul consultant de artă francez Philippe Segalo l-a ajutat pe cunoscătorul de artă roman Annibale Berlinghieri să vândă cei Opt Elvisi unui cumpărător necunoscut pentru o sumă record pentru Warhol - 100 de milioane de dolari.

8

"Portocale,Roșu / galben"

Autor

Mark Rothko

Țară STATELE UNITE ALE AMERICII
Ani de viață 1903–1970
Stil expresionism abstract

Unul dintre creatorii picturii pe câmpuri de culoare s-a născut în Dvinsk, Rusia (acum Daugavpils, Letonia), în familie mare farmacist evreu. În 1911 au emigrat în SUA. Rothko a studiat la departamentul de artă a Universității Yale, a obținut o bursă, dar sentimentele antisemite l-au forțat să-și părăsească studiile. Cu toate acestea, criticii de artă l-au idolatrizat pe artist, iar muzeele l-au urmărit toată viața.

206x236 cm
1961
Preț
86,882 milioane USD
vândut în 2012
la licitatie Christie's

Primele experimente artistice ale lui Rothko au fost de orientare suprarealistă, dar de-a lungul timpului a simplificat intriga la pete de colorare, lipsindu-le de orice obiectivitate. La început aveau nuanțe strălucitoare, iar în anii 1960 erau pline de maro, violet, îngroșându-se până la negru până la momentul morții artistului. Mark Rothko a avertizat să nu caute vreun sens în picturile sale. Autorul a vrut să spună exact ce a spus: doar culoarea care se dizolvă în aer și nimic mai mult. El a recomandat să privești lucrările de la o distanță de 45 cm, astfel încât privitorul să fie „târât” în culoare, ca într-o pâlnie. Atenție: vizualizarea în conformitate cu toate regulile poate duce la efectul meditației, adică conștientizarea infinitului vine treptat, cufundare completă în sine, relaxare, purificare. Culoarea din picturile sale trăiește, respiră și are un puternic impact emoțional (uneori se spune că este vindecatoare). Artistul a spus: „Privitorul ar trebui să plângă uitându-se la ei” – și chiar au existat astfel de cazuri. Conform teoriei lui Rothko, în acest moment oamenii trăiesc aceeași experiență spirituală pe care a avut-o el în procesul de lucru la imagine. Dacă ați reușit să o înțelegeți la un nivel atât de subtil, atunci nu vă mirați că aceste lucrări de abstractionism sunt adesea comparate de critici cu icoane.

Lucrarea „Orange, Red, Yellow” exprimă esența picturii lui Mark Rothko. Costul său inițial la licitația Christie's din New York este de 35-45 de milioane de dolari. Un cumpărător necunoscut a oferit un preț de două ori mai mare decât estimarea. Numele fericitului proprietar al tabloului, așa cum este adesea cazul, nu a fost dezvăluit.

9

"Triptic"

Autor

bacon Francis

Țară
Marea Britanie
Ani de viață 1909–1992
Stil expresionism

Aventurile lui Francis Bacon, omonim și, în plus, descendent îndepărtat al marelui filozof, au început când tatăl său l-a lepădat, incapabil să accepte înclinațiile homosexuale ale fiului său. Bacon a mers mai întâi la Berlin, apoi la Paris, iar apoi urmele lui se confundă în toată Europa. Chiar și în timpul vieții sale, lucrările sale au fost expuse în cele mai importante centre culturale ale lumii, inclusiv Muzeul Guggenheim și Galeria Tretiakov.

147,5x198 cm (fiecare)
1976
Preț
86,2 milioane de dolari
vândut în 2008
la licitatie Sotheby's

Muzeele de prestigiu s-au străduit să posede picturi ale lui Bacon, dar publicul englez amabil nu se grăbea să facă rost de o astfel de artă. Legendarul prim-ministru britanic Margaret Thatcher a spus despre el: „Omul care pictează aceste tablouri îngrozitoare”.

Perioada de început în opera sa, artistul însuși a considerat perioada postbelică. Întors de la slujbă, s-a apucat din nou de pictură și a creat principalele capodopere. Înainte de participarea lui „Triptych, 1976” la licitație, cea mai scumpă lucrare a lui Bacon a fost „Study for a Portrait of Pope Inocent X” (52,7 milioane de dolari). În „Tripticul, 1976”, artistul a descris complotul mitic al persecuției lui Oreste de către furi. Desigur, Oreste este Bacon însuși, iar furiile sunt chinurile lui. Timp de mai bine de 30 de ani, pictura a fost într-o colecție privată și nu a participat la expoziții. Acest fapt îi conferă o valoare deosebită și, în consecință, crește costul. Dar ce înseamnă câteva milioane pentru un cunoscător de artă și chiar generos în rusă? Roman Abramovici a început să-și creeze colecția în anii 1990, în acest sens a fost influențat semnificativ de iubita sa Dasha Zhukova, care a devenit un proprietar de galerie la modă în Rusia modernă. Potrivit datelor neoficiale, omul de afaceri deține lucrări ale lui Alberto Giacometti și Pablo Picasso, cumpărate pentru sume care depășesc 100 de milioane de dolari. În 2008, a devenit proprietarul Tripticului. Apropo, în 2011, a fost achiziționată o altă lucrare valoroasă a lui Bacon - „Trei schițe pentru un portret al lui Lucian Freud”. Surse ascunse spun că Roman Arkadievici a devenit din nou cumpărător.

10

„Iaz cu nuferi”

Autor

Claude Monet

Țară Franţa
Ani de viață 1840–1926
Stil impresionism

Artistul este recunoscut drept fondatorul impresionismului, care a „brevetat” această metodă în pânzele sale. Prima lucrare semnificativă a fost pictura „Mic dejun pe iarbă” (versiunea originală a operei lui Edouard Manet). În tinerețe, a desenat caricaturi și s-a apucat de pictură adevărată în timpul călătoriilor sale de-a lungul coastei și în aer liber. La Paris, a dus un stil de viață boem și nu l-a părăsit nici după ce a servit în armată.

210x100 cm
1919
Preț
80,5 milioane de dolari
vândut în 2008
la licitatie Christie's

Pe lângă faptul că Monet a fost un mare artist, era, de asemenea, implicat cu entuziasm în grădinărit, adora animalele sălbatice și florile. În peisajele sale, starea naturii este de moment, obiectele par a fi estompate de mișcarea aerului. Impresia este sporită de linii mari, de la o anumită distanță devin invizibile și se contopesc într-o imagine texturată, tridimensională. În pictura regretatului Monet, un loc aparte îl ocupă tema apei și a vieții în ea. În orașul Giverny, artistul avea propriul iaz, unde creștea nuferi din semințe aduse special de el din Japonia. Când florile lor au înflorit, el a început să picteze. Seria Nuferi este formată din 60 de lucrări pe care artistul le-a pictat de-a lungul a aproape 30 de ani, până la moartea sa. Vederea i s-a deteriorat odată cu vârsta, dar nu s-a oprit. În funcție de vânt, anotimp și vreme, priveliștea iazului era în continuă schimbare, iar Monet a vrut să surprindă aceste schimbări. Printr-o muncă atentă, a ajuns la el o înțelegere a esenței naturii. Unele dintre tablourile seriei sunt păstrate în cele mai importante galerii ale lumii: Muzeul Național de Artă Occidentală (Tokyo), Orangerie (Paris). Versiunea următorului „Iaz cu nuferi” a intrat în mâinile unui cumpărător necunoscut pentru o sumă record.

11

Steaua falsă t

Autor

Jasper Johns

Țară STATELE UNITE ALE AMERICII
Anul nasterii 1930
Stil arta pop

În 1949, Jones a intrat la școala de design din New York. Alături de Jackson Pollock, Willem de Kooning și alții, este recunoscut drept unul dintre principalii artiști ai secolului XX. În 2012, a primit medalia prezidențială a libertății, cel mai înalt premiu civil din Statele Unite.

137,2x170,8 cm
1959
Preț
80 de milioane de dolari
vândut în anul 2006
la licitatie privata

La fel ca Marcel Duchamp, Jones a lucrat cu obiecte reale, înfățișându-le pe pânză și în sculptură în deplină concordanță cu originalul. Pentru lucrările sale a folosit obiecte simple și de înțeles pentru toată lumea: o sticlă de bere, un steag sau hărți. Nu există o compoziție clară în imaginea False Start. Artistul pare să se joace cu privitorul, semnând adesea „incorect” culorile din imagine, transformând însuși conceptul de culoare: „Am vrut să găsesc o modalitate de a descrie culoarea, astfel încât să poată fi determinată printr-o altă metodă”. Cea mai explozivă și „nesigură”, potrivit criticilor, pictura a fost achiziționată de un cumpărător necunoscut.

12

"Aşezatgolpe canapea"

Autor

Amedeo Modigliani

Țară Italia, Franța
Ani de viață 1884–1920
Stil expresionism

Modigliani a fost adesea bolnav din copilărie, în timpul unui delir febril, și-a recunoscut destinul de artist. A studiat desenul la Livorno, Florența, Veneția, iar în 1906 a plecat la Paris, unde arta sa a înflorit.

65x100 cm
1917
Preț
68,962 milioane USD
vândut în anul 2010
la licitatie Sotheby's

În 1917, Modigliani a cunoscut-o pe Jeanne Hebuterne, în vârstă de 19 ani, care i-a devenit model și mai târziu soția sa. În 2004, unul dintre portretele ei s-a vândut cu 31,3 milioane de dolari, ultimul record înainte de vânzarea filmului Nud așezat pe canapea în 2010. Tabloul a fost achiziționat de un cumpărător necunoscut la cel mai mare preț pentru Modigliani în acest moment. Vânzările active de lucrări au început abia după moartea artistului. A murit în sărăcie, suferind de tuberculoză, iar a doua zi, Jeanne Hebuterne, care era însărcinată în nouă luni, s-a sinucis.

13

„Vultur pe un pin”

Autor

Qi Baishi

Țară China
Ani de viață 1864–1957
Stil guohua

Interesul pentru caligrafie l-a determinat pe Qi Baishi să picteze. La vârsta de 28 de ani, a devenit studentul artistului Hu Qingyuan. Ministerul Culturii din China i-a acordat titlul de „Mare Artist al Poporului Chinez”, în 1956 a primit Premiul Internațional pentru Pace.

10x26 cm
1946
Preț
65,4 milioane de dolari
vândut în 2011
la licitatie Gardianul Chinei

Qi Baishi era interesat de acele manifestări ale lumii înconjurătoare, cărora mulți nu le acordă importanță, iar aceasta este măreția lui. Un om fără educație a devenit profesor și un creator remarcabil în istorie. Pablo Picasso a spus despre el: „Mi-e teamă să merg în țara ta, pentru că există Qi Baishi în China”. Compoziția „Vultur pe un pin” este recunoscută drept cea mai mare lucrare a artistului. Pe lângă pânză, include două suluri hieroglifice. Pentru China, suma pentru care a fost cumpărat produsul este un record - 425,5 milioane de yuani. Doar sulul anticului caligraf Huang Tingjian a fost vândut cu 436,8 milioane de dolari.

14

„1949-A-#1”

Autor

Clifford Still

Țară STATELE UNITE ALE AMERICII
Ani de viață 1904–1980
Stil expresionism abstract

La 20 de ani, a vizitat Muzeul Metropolitan de Artă din New York și a fost dezamăgit. Mai târziu, s-a înscris la un curs studențesc de ligă de arte, dar a plecat la 45 de minute după începerea cursului - s-a dovedit a fi „nu al lui”. Prima expoziție personală a provocat o rezonanță, artistul s-a regăsit, și odată cu ea și recunoașterea

79x93 cm
1949
Preț
61,7 milioane de dolari
vândut în 2011
la licitatie Sotheby's

Toate lucrările sale, care sunt mai mult de 800 de pânze și 1600 de lucrări pe hârtie, au lăsat în continuare moștenire orașului american, unde va fi deschis un muzeu care poartă numele lui. Denver a devenit un astfel de oraș, dar doar construcția a fost costisitoare pentru autorități, iar patru lucrări au fost scoase la licitație pentru a o finaliza. Este puțin probabil ca lucrările lui Still să fie scoase la licitație din nou, ceea ce le-a crescut prețul în avans. Tabloul „1949-A-No.1” s-a vândut pentru o sumă record pentru artist, deși experții au prezis vânzarea a maxim 25-35 de milioane de dolari.

15

„Compoziție supremistă”

Autor

Kazimir Malevici

Țară Rusia
Ani de viață 1878–1935
Stil Suprematism

Malevici a studiat pictura la Școala de Artă din Kiev, apoi la Academia de Arte din Moscova. În 1913, a început să picteze picturi geometrice abstracte într-un stil pe care l-a numit Suprematism (din latină „dominare”).

71x 88,5 cm
1916
Preț
60 de milioane de dolari
vândut în 2008
la licitatie Sotheby's

Pictura a fost păstrată în muzeul orașului din Amsterdam timp de aproximativ 50 de ani, dar după o dispută de 17 ani cu rudele lui Malevich, muzeul a dat-o. Artistul a pictat această lucrare în același an cu Manifestul Suprematismului, așa că Sotheby`s chiar înainte de licitație a anunțat că nu va intra într-o colecție privată pentru mai puțin de 60 de milioane de dolari. Și așa s-a întâmplat. Este mai bine să-l priviți de sus: figurile de pe pânză seamănă cu o vedere aeriană a pământului. Apropo, cu câțiva ani mai devreme, aceleași rude au expropriat o altă „compoziție supremistă” de la Muzeul MoMA pentru a o vinde la Phillips cu 17 milioane de dolari.

16

„Scăldatorii”

Autor

Paul Gauguin

Țară Franţa
Ani de viață 1848–1903
Stil Post impresionism

Până la vârsta de șapte ani, artistul a locuit în Peru, apoi s-a întors în Franța împreună cu familia, dar amintirile din copilărie l-au împins constant să călătorească. În Franța, a început să picteze, a fost prieten cu Van Gogh. A petrecut chiar câteva luni cu el în Arles, până când Van Gogh i-a tăiat urechea în timpul unei cearte.

93,4x60,4 cm
1902
Preț
55 de milioane de dolari
vândut în 2005
la licitatie Sotheby's

În 1891, Gauguin a aranjat o vânzare a picturilor sale pentru a folosi veniturile pentru a pătrunde adânc în insula Tahiti. Acolo a creat lucrări în care se poate simți legătura subtilă dintre natură și om. Gauguin locuia într-o colibă ​​de paie, iar pe pânzele lui înflorise un paradis tropical. Soția lui era o tânără tahitiană Tehura, în vârstă de 13 ani, ceea ce nu l-a împiedicat pe artist să se angajeze în promiscuitate. După ce a contractat sifilis, a plecat în Franța. Totuși, Gauguin era înghesuit acolo și s-a întors în Tahiti. Această perioadă este numită „al doilea tahitian” – atunci s-a pictat tabloul „Bathers”, unul dintre cele mai luxoase din opera sa.

17

„Narcise și o față de masă în albastru și roz”

Autor

Henri Matisse

Țară Franţa
Ani de viață 1869–1954
Stil fauvism

În 1889, Henri Matisse a avut un atac de apendicită. Când și-a revenit după operație, mama lui i-a cumpărat vopsele. Mai întâi, din plictiseală, Matisse a copiat cărți poștale colorate, apoi - lucrările marilor pictori pe care le-a văzut la Luvru, iar la începutul secolului XX a venit cu un stil - fauvismul.

65,2x81 cm
1911
Preț
46,4 milioane de dolari
vândut în anul 2009
la licitatie Christie's

Tabloul „Narcise și o față de masă în albastru și roz” i-a aparținut multă vreme lui Yves Saint Laurent. După moartea couturierului, întreaga sa colecție de artă a trecut în mâinile prietenului și iubitului său Pierre Berger, care a decis să o scoată la licitație la Christie's. Perla colecției vândute a fost tabloul „Narcise și o față de masă în albastru și roz”, pictat pe o față de masă obișnuită în loc de pânză. Ca exemplu de fauvism, este plin de energia culorii, culorile par să explodeze și să țipe. Dintre cunoscutele serii de picturi pe față de masă, astăzi această lucrare este singura care se află într-o colecție privată.

18

"Fata adormita"

Autor

RoyLee

chtenstein

Țară STATELE UNITE ALE AMERICII
Ani de viață 1923–1997
Stil arta pop

Artistul s-a născut la New York, iar după absolvirea școlii, a plecat în Ohio, unde a urmat cursuri de artă. În 1949, Liechtenstein a primit diploma de Master în Arte Plastice. Interesul pentru benzi desenate și capacitatea de a fi ironic l-au făcut un artist de cult al secolului trecut.

91x91 cm
1964
Preț
44,882 milioane USD
vândut în 2012
la licitatie Sotheby's

Odată, guma de mestecat a căzut în mâinile lui Liechtenstein. A redesenat poza din insertul de pe pânză și a devenit celebru. Acest complot din biografia sa conține întregul mesaj al artei pop: consumul este noul zeu și nu există mai puțină frumusețe într-un ambalaj de gumă decât în ​​Mona Lisa. Picturile sale amintesc de benzi desenate și desene animate: Lichtenstein a mărit pur și simplu imaginea finită, a desenat rastere, a folosit serigrafie și serigrafie. Tabloul „Fata adormită” a aparținut de aproape 50 de ani colecționarilor Beatrice și Philip Gersh, ai căror moștenitori l-au vândut la licitație.

19

"Victorie. Boogie Woogie"

Autor

Piet Mondrian

Țară Olanda
Ani de viață 1872–1944
Stil neoplasticism

Ale mele nume real- Cornelis - artistul s-a schimbat în Mondrian când s-a mutat la Paris în 1912. Împreună cu artistul Theo van Doesburg a fondat mișcarea neoplazică. Limbajul de programare Piet poartă numele lui Mondrian.

27x127 cm
1944
Preț
40 de milioane de dolari
vândut în 1998
la licitatie Sotheby's

Cel mai „muzical” dintre artiștii secolului XX și-a câștigat existența cu naturi moarte cu acuarelă, deși a devenit celebru ca artist neoplazic. S-a mutat în SUA în anii 1940 și și-a petrecut restul vieții acolo. Jazz și New York - asta l-a inspirat cel mai mult! Tabloul „Victorie. Boogie Woogie este cel mai bun exemplu în acest sens. Patratele ingrijite „de marca” au fost obtinute prin folosirea benzii adezive – materialul preferat al lui Mondrian. În America, a fost numit „cel mai faimos imigrant”. În anii şaizeci, Yves Saint Laurent a produs rochiile de renume mondial „Mondrian” cu imprimeu mare cu carouri colorate.

20

„Compoziția nr. 5”

Autor

BusuiocKandinsky

Țară Rusia
Ani de viață 1866–1944
Stil avangardă

Artistul s-a născut la Moscova, iar tatăl său era din Siberia. După revoluție, a încercat să coopereze cu autoritățile sovietice, dar în curând și-a dat seama că legile proletariatului nu au fost create pentru el și a emigrat în Germania nu fără dificultăți.

275x190 cm
1911
Preț
40 de milioane de dolari
vândut în 2007
la licitatie Sotheby's

Kandinsky a fost unul dintre primii care au abandonat complet pictura cu obiecte, pentru care a primit titlul de geniu. În timpul nazismului din Germania, picturile sale au fost clasificate drept „artă degenerată” și nu au fost expuse nicăieri. În 1939, Kandinsky a luat cetățenia franceză, la Paris a participat liber la procesul artistic. Picturile sale „sună” ca niște fugi, motiv pentru care multe sunt numite „compoziții” (prima a fost scrisă în 1910, ultima în 1939). „Compoziția nr. 5” este una dintre lucrările cheie din acest gen: „Cuvântul „compoziție” mi-a sunat ca o rugăciune”, a spus artista. Spre deosebire de mulți adepți, el a plănuit ceea ce va înfățișa pe o pânză uriașă, ca și cum ar fi scris note.

21

„Studiul unei femei în albastru”

Autor

Fernand Léger

Țară Franţa
Ani de viață 1881–1955
Stil cubism-post-impresionism

Leger a primit o educație arhitecturală, iar apoi a fost student la Școala de Arte Frumoase din Paris. Artistul se considera un adept al lui Cezanne, a fost un apologe al cubismului, iar în secolul XX a avut succes și ca sculptor.

96,5x129,5 cm
1912–1913
Preț
39,2 milioane de dolari
vândut în 2008
la licitatie Sotheby's

David Normann, președintele Sotheby's International Impressionism and Modernism, consideră că suma uriașă plătită pentru The Lady in Blue este pe deplin justificată. Tabloul aparține celebrei colecții Leger (artista a pictat trei tablouri pe un subiect, ultimul dintre ele se află astăzi în mâini private. - Ed.), iar suprafața pânzei s-a păstrat în forma sa originală. Autorul însuși a dat această lucrare galeriei Der Sturm, apoi a ajuns în colecția lui Hermann Lang, un colecționar german de modernism, iar acum aparține unui cumpărător necunoscut.

22

„Scena de stradă. Berlin"

Autor

Ernst LudwigKirchner

Țară Germania
Ani de viață 1880–1938
Stil expresionism

Pentru expresionismul german Kirchner a devenit o persoană emblematică. Cu toate acestea, autoritățile locale l-au acuzat de aderarea la „arta degenerată”, care a afectat tragic soarta picturilor sale și viața artistului, care s-a sinucis în 1938.

95x121 cm
1913
Preț
38,096 milioane USD
vândut în anul 2006
la licitatie Christie's

După ce s-a mutat la Berlin, Kirchner a creat 11 schițe scene de stradă. A fost inspirat de agitația și nervozitatea orașului mare. În tabloul, vândut în 2006 la New York, anxietatea artistului este deosebit de acută: oamenii de pe o stradă din Berlin seamănă cu păsările - grațioși și periculoși. A fost ultima lucrare din celebra serie, vândută la licitație, restul sunt păstrate în muzee. În 1937, naziștii l-au tratat cu brutalitate pe Kirchner: 639 dintre lucrările sale au fost confiscate din galerii germane, distruse sau vândute în străinătate. Artistul nu a putut supraviețui acestui lucru.

23

„Odihnădansator"

Autor

Edgar Degas

Țară Franţa
Ani de viață 1834–1917
Stil impresionism

Istoria lui Degas ca artist a început cu faptul că a lucrat ca copist la Luvru. A visat să devină „famos și necunoscut”, iar în cele din urmă a reușit. La sfârșitul vieții, surd și orb, Degas, în vârstă de 80 de ani, a continuat să participe la expoziții și licitații.

64x59 cm
1879
Preț
37,043 milioane USD
vândut în 2008
la licitatie Sotheby's

„Balerinii au fost întotdeauna pentru mine doar o scuză pentru a descrie țesăturile și a capta mișcarea”, a spus Degas. Scenele din viața dansatorilor par a fi aruncate cu ochiul: fetele nu pozează pentru artistă, ci pur și simplu devin parte din atmosfera surprinsă de privirea lui Degas. Resting Dancer s-a vândut cu 28 de milioane de dolari în 1999, iar la mai puțin de 10 ani mai târziu a fost cumpărat cu 37 de milioane de dolari - astăzi este cea mai scumpă lucrare a artistului scoasă vreodată la licitație. Degas a acordat multă atenție ramelor, le-a proiectat el însuși și a interzis schimbarea lor. Mă întreb ce cadru este instalat pe tabloul vândut?

24

"Pictură"

Autor

Juan Miro

Țară Spania
Ani de viață 1893–1983
Stil artă abstractă

Pe parcursul război civilîn Spania, artistul a fost de partea republicanilor. În 1937, a fugit de la puterea fascistă la Paris, unde a trăit în sărăcie împreună cu familia. În această perioadă, Miro pictează tabloul „Ajută Spania!”, Atrăgând atenția întregii lumi asupra dominației fascismului.

89x115 cm
1927
Preț
36,824 milioane USD
vândut în 2012
la licitatie Sotheby's

Al doilea nume al tabloului este „Steaua albastră”. Artistul a scris-o în același an când a anunțat: „Vreau să ucid pictura” și a batjocorit fără milă pânzele, zgâriind vopseaua cu cuie, lipând pene de pânză, acoperind lucrarea cu gunoi. Scopul său a fost să dezminți miturile despre misterul picturii, dar, făcând față acestui lucru, Miro și-a creat propriul mit - o abstracție suprarealistă. „Pictura” sa se referă la ciclul „imagini-vise”. Patru cumpărători s-au luptat pentru ea la licitație, dar un telefon incognito a rezolvat disputa, iar „Pictura” a devenit cea mai scumpă pictură a artistului.

25

"Trandafir albastru"

Autor

Yves Klein

Țară Franţa
Ani de viață 1928–1962
Stil pictură monocromă

Artistul s-a născut într-o familie de pictori, dar a studiat limbile orientale, navigația, meșteșugul de aurire a ramelor, budismul zen și multe altele. Personalitatea și bufnițele sale obscure erau de multe ori mai interesante decât picturile monocrome.

153x199x16 cm
1960
Preț
36,779 milioane USD
vândut în 2012
la licitația Christie's

Prima expoziție de lucrări solide galbene, portocalii, roz nu a trezit interesul publicului. Klein a fost ofensat și data viitoare a prezentat 11 pânze identice, pictate cu ultramarin amestecat cu o rășină sintetică specială. El a brevetat chiar această metodă. Culoarea a intrat în istorie ca „International Klein Blue”. Artistul a vândut și golul, a creat tablouri expunând hârtiei la ploaie, dând foc cartonului, realizând amprente ale unui corp uman pe pânză. Într-un cuvânt, am experimentat cât am putut de bine. Pentru a crea „Trandafirul albastru” am folosit pigmenți uscați, rășini, pietricele și un burete natural.

26

„Îl caut pe Moise”

Autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Țară Marea Britanie
Ani de viață 1836–1912
Stil neoclasicismul

Sir Lawrence însuși a adăugat prefixul „alma” la numele său de familie pentru a apărea primul în cataloagele de artă. În Anglia victoriană, picturile sale erau atât de solicitate încât artistul a primit titlul de cavaler.

213,4x136,7 cm
1902
Preț
35,922 milioane USD
vândut în 2011
la licitatie Sotheby's

Tema principală a operei lui Alma-Tadema a fost antichitatea. În picturi, el a încercat să înfățișeze epoca Imperiului Roman în cel mai mic detaliu, pentru aceasta chiar a studiat săpături arheologice pe Peninsula Apenini, iar în casa sa din Londra a reprodus interiorul istoric al acelor ani. Poveștile mitologice au devenit o altă sursă de inspirație pentru el. Artistul a fost la mare căutare în timpul vieții, dar după moartea sa a fost repede uitat. Acum interesul revine, dovadă fiind costul picturii „În căutarea lui Moise”, de șapte ori mai mare decât estimarea înainte de vânzare.

27

„Portretul unui funcționar gol adormit”

Autor

Lucian Freud

Țară Germania,
Marea Britanie
Ani de viață 1922–2011
Stil pictura figurativă

Artistul este nepotul lui Sigmund Freud, tatăl psihanalizei. După instaurarea fascismului în Germania, familia sa a emigrat în Marea Britanie. Lucrările lui Freud se află în Colecția Wallace din Londra, unde niciun artist contemporan nu a mai expus.

219,1x151,4 cm
1995
Preț
33,6 milioane de dolari
vândut în 2008
la licitatie Christie's

Pa artiști de modă Secolul al XX-lea a creat „pete de culoare pe perete” pozitive și le-a vândut cu milioane de euro, Freud a pictat picturi extrem de naturaliste și le-a vândut pentru și mai mult. „Prin strigătele sufletului și suferința cărnii veștejite”, a spus el. Criticii cred că toate acestea sunt „moștenirea” lui Sigmund Freud. Picturile au fost atât de activ expuse și vândute cu succes, încât experții au avut o îndoială: au proprietăți hipnotice? Vândut la licitație, „Portretul unui oficial gol adormit”, potrivit Soarelui, a fost achiziționat de cunoscătorul de frumusețe și miliardarul Roman Abramovici.

28

"Vioara si chitara"

Autor

Xunul gris

Țară Spania
Ani de viață 1887–1927
Stil cubism

Născut la Madrid, unde a absolvit Școala de Arte și Meserii. În 1906 s-a mutat la Paris și a intrat în cercul celor mai influenți artiști ai epocii: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, a lucrat și cu Serghei Diaghilev și trupa sa.

5x100 cm
1913
Preț
28,642 milioane USD
vândut în anul 2010
la licitatie Christie's

Gris, în propriile sale cuvinte, era angajat în „arhitectura plană, colorată”. Picturile sale sunt gândite cu precizie: nu a lăsat o singură lovitură accidentală, ceea ce face ca creativitatea să fie legată de geometrie. Artistul și-a creat propria versiune a cubismului, deși avea un mare respect pentru Pablo Picasso, părintele fondator al mișcării. Succesorul i-a dedicat chiar prima sa lucrare cubistă, Tribute to Picasso. Pictura „Vioara si chitara” este recunoscuta ca remarcabila in opera artistului. În timpul vieții sale, Gris era cunoscut, favorizat de critici și critici de artă. Lucrările sale sunt expuse în cele mai mari muzee din lume și sunt păstrate în colecții private.

29

"PortretCâmpurile lui Eluard»

Autor

Salvador Dali

Țară Spania
Ani de viață 1904–1989
Stil suprarealism

„Suprarealismul sunt eu”, a spus Dali când a fost exclus din grupul suprarealist. De-a lungul timpului, a devenit cel mai faimos artist suprarealist. Lucrările lui Dali sunt peste tot, nu doar în galerii. De exemplu, el a venit cu ambalajul pentru Chupa-Chups.

25x33 cm
1929
Preț
20,6 milioane de dolari
vândut în 2011
la licitatie Sotheby's

În 1929, poetul Paul Eluard și soția sa rusă Gala au venit să-l viziteze pe marele provocator și încăierare Dali. Întâlnirea a fost începutul unei povești de dragoste care a durat mai bine de jumătate de secol. Tabloul „Portretul lui Paul Eluard” a fost pictat chiar în timpul acestei vizite istorice. „Am simțit că mi s-a încredințat datoria de a surprinde chipul poetului, din al cărui Olimp am furat una dintre muze”, a spus artista. Înainte de a o întâlni pe Gala, era virgin și era dezgustat la gândul că va face sex cu o femeie. Triunghi amoros a existat până la moartea lui Eluard, după care a devenit duetul Dali-Gala.

30

"Aniversare"

Autor

Marc Chagall

Țară Rusia, Franța
Ani de viață 1887–1985
Stil avangardă

Moishe Segal s-a născut la Vitebsk, dar în 1910 a emigrat la Paris, și-a schimbat numele și a devenit aproape de artiștii de avangardă ai epocii. În anii 1930, când naziștii au preluat puterea, el a plecat în Statele Unite cu ajutorul unui consul american. S-a întors în Franța abia în 1948.

80x103 cm
1923
Preț
14,85 milioane de dolari
vândut în 1990
la licitația Sotheby's

Pictura „Jubilee” este recunoscută drept una dintre cele mai bune lucrări ale artistului. Are toate trăsăturile operei sale: legile fizice ale lumii sunt șterse, sentimentul unui basm este păstrat în decorul vieții mic-burgheze, iar dragostea este în centrul intrigii. Chagall nu a atras oamenii din natură, ci doar din memorie sau din fantezii. Tabloul „Jubileu” îl înfățișează pe artist însuși împreună cu soția sa Bela. Tabloul a fost vândut în 1990 și nu a mai fost licitat de atunci. Interesant este că Muzeul de Artă Modernă din New York MoMA păstrează exact la fel, doar sub numele de „Birthday”. Apropo, a fost scris mai devreme - în 1915.

proiect pregătit
Tatiana Palasova
rating compilat
conform listei www.art-spb.ru
revista tmn №13 (mai-iunie 2013)