Artiști ruși din epoca de argint și picturile lor. „Epoca de argint” rusă: Arte plastice. Caracteristica originală a noului

    Cuprins 1 Literatură 1.1 Poezii 1.1.1 A 1.1.2 B 1.1.3 ... Wikipedia

    Cadrul cronologic Epoca Argintului Cultura rusă nu poate fi stabilită într-un an. Începutul acestei perioade este de obicei atribuit primei jumătăți a anilor 1890, între manifestele lui Nikolai Minsky „În lumina conștiinței” (1890) și Dmitry ... ... Wikipedia

    Include pictori ai Imperiului Rus, ai Uniunii Sovietice și Federația Rusă lucrând activ în străinătate. Cuprins 1 Secolul XVIII 2 Secolul XIX 3 Secolul XX 3.1 ... Wikipedia

    - ... Wikipedia

    Cuprins 1 decembristi 2 revoluționari 3 militari și eroi ai Uniunii Sovietice ... Wikipedia

    - ... Wikipedia

    Acest articol este propus spre ștergere. Puteți găsi o explicație a motivelor și discuția corespunzătoare pe pagina Wikipedia: De șters / 19 octombrie 2012. Până la finalizarea procesului de discuție, articolul poate fi ... Wikipedia

    Expoziție de lucrări ale artiștilor din Leningrad dedicate celei de-a 60-a aniversări a Marii Revoluții din Octombrie Catalogul expoziției Locul ... Wikipedia

    Catalogul expoziției Locul: L ... Wikipedia

    Catalogul expoziției Locul desfășurării: Muzeul Rus de Stat din Leningrad Ora: 1960 Expoziție de lucrări ale artiștilor din Leningrad din 1960 ... Wikipedia

Cărți

  • Orașul epocii de argint, Volodina T.I .. Spațiul orașului în arta plastică rusă și literatura epocii de argint. Cartea este primul studiu interdisciplinar al subiectului în știința internă modernă ...
  • Orașul epocii de argint. Spațiul orașului în arte plastice și literatura rusă din epoca de argint, Volodina T.I .. Spațiul orașului în arta plastică și literatura rusă din epoca de argint. Cartea este primul studiu interdisciplinar al subiectului spațiului în știința internă modernă ...

Piesa „Unchiul Vanya” pe scena Moscovei teatru de artă

Fotografie din 1899

Debutul teatral al lui Cehov în 1896 nu a avut succes: prima producție a Pescărușului a fost un eșec asurzitor pe scena Teatrului Alexandrinsky din Sankt Petersburg. Pentru succes avea nevoie de el, la fel cum noul teatru avea nevoie de el însuși. Doi ani mai târziu, Stanislavsky și Nemirovich-Danchenko au deschis teatrul public de artă din Moscova, unde abandonează metodele tradiționale: sunt înlocuite de psihologism și necesită lucrări noi. În decembrie 1898, Pescărușul a adus faimă atât teatrului, cât și lui Cehov. Turneul de teatru devine un simbol al Teatrului de Artă din Moscova: anul următor Stanislavsky va pune în scenă unchiul Vanya, apoi Trei Surori și Livada de cireși". Principalele roluri feminine sunt interpretate de Olga Knipper, din 1901 - soția lui Cehov.

Wikimedia Commons

Portretul lui V. Ya.Bryusov

Desen de Mihail Vrubel. 1906 an

În 1894, tânărul poet Valery Bryusov a publicat o colecție de poezii „Simbolisti ruși” - un manifest. În prefață, el scrie că scopul simbolismului este de a surprinde stări de spirit subtile, de a le transmite în imagini vagi, sugestii. În urma poeților, artiștii apelează și la simbolism, în special la Mihail Vrubel. El se va angaja să picteze portretul lui Bryusov la sfârșitul vieții sale și nu va termina niciodată din cauza bolii. Bryusov însuși va spune mai târziu că toată viața sa s-a străduit să fie ca acest portret.

Stat Galeria Tretiakov

„Soldați, copii curajoși, unde este gloria voastră?”

Pictură de Valentin Serov. 1905 an

La 9 (22) ianuarie 1905, muncitorii de la Sankt Petersburg, care făcuseră greva de aproape o săptămână, au mers cu o petiție la Palatul de Iarnă, cerând convocarea Adunării Constituante. Manifestanții neînarmați au fost împușcați, ceea ce a declanșat începerea primei revoluții rusești - și în acea zi a intrat în istorie ca Duminica Sângeroasă. Valentin Serov a urmărit dispersarea protestatarilor de pe ferestrele Academiei de Arte din Sankt Petersburg. După aceste evenimente, în semn de protest, a părăsit academia, al cărei președinte era unchiul împăratului, Marele Duce Vladimir Alexandrovici, care a suprimat personal revoltele.

Muzeul Rus de Stat

"Portret de grup al artiștilor societății" Lumea artei ""

Pictură de Boris Kustodiev. 1920 ani

Boris Kustodiev a decis să picteze un portret al prietenilor și asociaților săi la scurt timp după adunarea constitutivă a Lumii artei din 1910. Aceasta este deja a doua compoziție a lumii artei: perioada de glorie a primei „clasice” a căzut în 1898-1904, când Alexander Benois și Serghei Diaghilev au proclamat respingerea academismului și căutarea inspirației în subiectele trecutul îndepărtat. În grabă de a surprinde „Lumea artei” pentru istorie, Kustodiev pictează mai întâi portrete individuale, iar mai târziu intenționează să le combine într-o pânză monumentală. Reușește să creeze un portret de grup după revoluție. În imagine de la stânga la dreapta în fundal: Igor Grabar, Nicholas Roerich, Eugene Lansere, Ivan Bilibin, Alexander Benois, Georgy Narbut, Nikolai Milioti, Konstantin Somov, Mstislav Dobuzhinsky; în prim-plan: Boris Kustodiev, Anna Ostroumova-Lebedeva, Kuzma Petrov-Vodkin.

Muzeul Rus de Stat

Costum pentru Iskander (Vaslav Nijinsky) pentru baletul „Peri”

Desen de Leon Bakst. 1911 an

În 1906, antreprenorul Serghei Diaghilev organizează pentru prima dată „Anotimpurile rusești” - aduce tablouri la Paris Artiști ruși... După succes incredibil el organizează turnee de compozitori, iar în 1909 vine rândul. Costumele și decorațiunile, strălucitoare și neobișnuite, sunt create după schițele lumii artiștilor Leon Bakst și Alexander Benois. Diaghilev face apel la tineri compozitori și dansatori, iar publicul parizian îi întâmpină cu entuziasm pe Mikhail Fokine, Ida Rubinstein și Vaslav Nijinsky. Muzica pentru baletul „Peri” este scrisă de Paul Duc, rolul lui Iskander este atribuit lui Nijinsky, dar în această compoziție producția nu va avea loc niciodată din cauza conflictelor interne. Anotimpurile lui Diaghilev vor continua până la moartea antreprenorului în 1929, iar baletul va deveni unul dintre simbolurile culturii rusești.

Muzeul Metropolitan de Artă

"Autoportret și portret al lui Pyotr Petrovich Konchalovsky"

Pictură de Ilya Mashkov. 1910 an

În 1910, s-a deschis la Moscova - și instantaneu, o expoziție intitulată „The Jack of Diamonds”. Picturile lui Ilya Mashkov, Pyotr Konchalovsky, Aristarkh Lentulov sunt pline de estetică grosolană, boemă, neobișnuită atât ca formă, cât și prin conținut. Atât în ​​centrul expoziției, cât și al scandalului se află pânza lui Mashkov, unde s-a descris pe el însuși și pe Konchalovsky ca luptători pe jumătate goi. Pe raftul din colțul din stânga sus este un volum cu inscripția „Cézanne” - pentru „Jacks of Diamonds” este idolul principal. Pe anul urmator se creează o asociație artistică cu același nume, dar unii dintre organizatorii expoziției - inclusiv Mihail Larionov, care a inventat numele - nu vor mai intra în ea. În această perioadă, curenții se înlocuiesc reciproc cu o viteză incredibilă, artiștii din „Coada măgarului” sunt dușmănoși cu „Jacks of Diamonds”, futuristii se ceartă între ei, iar adversarii sunt acuzați de academism.

Muzeul Rus de Stat

Schițe de costume pentru opera „Victoria peste soare”: Unii răuvoitori, Sportiv al viitorului, Funerale, Cititor

Desene de Kazimir Malevich. 1913 an

Din 1910, când Velimir Khlebnikov și David Burliuk au publicat colecția „Capcana judecătorilor”, futuristii au șocat neobosit publicul, scriitorii și criticii. În 1913, au creat o operă care unește poeți, artiști și compozitori - opera „Victoria peste soare”. Aleksey Kruchenykh și Velimir Khlebnikov scriu libretul („fluierul de vis al spumei va umple contemplația”), Mikhail Matyu-shin compune muzică disonantă, iar Kazimir Malevich desenează peisajul. Opera declară ideea principală a futuristilor: budienii (adică futuristii înșiși) cuceresc Soarele, care simbolizează tot ceea ce este familiar, vechi, toată estetica veche care părea de neclintit.

Wikimedia Commons

„Mintea eroică a lui Kozma Kryuchkov”

Desen de Dmitry Moor. Litografia Asociației I.D.Sytin. 1914 an

Cazacul Kozma Kryuchkov a devenit primul erou rus al războiului mondial, după ce patru dintre ei împreună cu tovarășii lor au atacat 27 de cavaleri germani la graniță și au învins inamicul. Toți cazacii au fost premiați cu cruci de Sfântul Gheorghe, iar Kryuchkov însuși, care a ucis 11 germani, a rămas mult timp un simbol al vitejiei naționale: despre el era scris constant în ziare, portretul său împodobea chiar și învelișul dulciurilor eroice. În timpul Războiului Mondial a primit o altă Cruce Sf. Gheorghe și două medalii „Pentru vitejie” și a murit în 1919 în timpul răscoalei cazacilor Don împotriva bolșevicilor.

Figura:
„4 cazaci - Kozma Kryuchkov, Astakhov, Ivankov, Shchegolkov - au condus 27 de cavaleri germani ...<…>Pictura descrie modul în care Bogdan Kozma îi împinge pe germani în vârfuri și îi plantează ca copacii. Cu o linie de pescuit, este mai bine să pleci acasă. "

Biblioteca publică istorică de stat din Rusia

Membrii familiei regale care îngrijeau răniții în timpul primului război mondial

Fotografie din albumul familiei Romanov. 1914-1915 ani

Încă de la începutul războiului mondial, familia regală a încercat să arate că întâmpină greutăți împreună cu supușii săi. Împăratul Nicolae al II-lea apare în public cu o uniformă de câmp modestă, iar Marele Ducese și Împărăteasa Alexandra Feodorovna ajută răniții din spital ca surori de milă. Propaganda de stat subliniază neobosit implicarea familiei imperiale în viața soldaților obișnuiți. Cu toate acestea, în fiecare an de război, ei vorbesc despre persoanele auguste. Învestirea unei surori a îndurării nu o salvează pe Alexandra Fyodorovna de zvonurile despre legătura ei cu Rasputin și despre spionajul în favoarea Germaniei.

Beinecke Rare Book & Manuscript Library

Vulturi cu două capete smulse

Fotografie din 1917

În martie 1917, monarhia rusă a căzut - Nicolae al II-lea a abdicat de la tron, puterea a trecut la guvernul provizoriu. Primele săptămâni de viață fără țar au trecut sub semnul de a scăpa de simbolurile regimului: portretele împăratului și ale familiei sale au fost arse la focuri, vulturii cu două capete și coroanele au fost doborâți din garduri și clădiri.

La începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea, au avut loc schimbări semnificative în pictura rusă. Scenele de gen s-au estompat în fundal. Peisajul a pierdut perspectiva fotografică și liniară, a devenit mai democratic, bazat pe combinația și jocul petelor de culoare. Portretele combinau adesea convenția ornamentală a fundalului și claritatea sculpturală a feței.

Începutul unei noi etape în pictura rusă este asociat cu asociația creativă „Lumea artei”. La sfârșitul anilor 80 ai secolului al XIX-lea. la Sankt Petersburg a apărut un cerc de studenți și studenți la gimnaziu, iubitori de artă. S-au adunat la apartamentul unuia dintre participanți - Alexandra Benois. Fermecător, capabil să creeze o atmosferă creativă în jurul său, el a devenit sufletul cercului încă de la început. Membrii săi permanenți au fost Konstantin Somov și Lev Bakst ... Mai târziu li s-au alăturat Eugene Lansere, nepotul lui Benoit și Serghei Diaghilev care a venit din provincie.

Întâlnirile cercului au avut un caracter cam bufonat. Dar rapoartele prezentate de membrii săi au fost pregătite cu atenție și seriozitate. Prietenii au fost fascinați de ideea de a uni toate tipurile de artă și de a apropia culturile diferitelor popoare. Au vorbit cu consternare și amărăciune că arta rusă este puțin cunoscută în Occident și că maeștrii interni nu sunt suficient de familiarizați cu realizările artiștilor europeni contemporani.

Prietenii au crescut, au intrat în creativitate, și-au creat prima lucrare serioasă. Și nu au observat cum Diaghilev se afla în capul cercului. Fostul provincial s-a transformat într-un tânăr foarte educat, cu un gust artistic rafinat și o perspectivă de afaceri. El însuși nu era implicat profesional în niciun fel de artă, ci a devenit principalul organizator al unei noi asociații creative. În caracterul lui Diaghilev, eficiența și calculul sobru au coexistat cu o anumită aventură, iar aventurile sale îndrăznețe au adus cel mai adesea noroc.

În 1898 Diaghilev a organizat la Sankt Petersburg o expoziție de artiști ruși și finlandezi. De fapt, aceasta a fost prima expoziție de artiști din noua tendință. A urmat alte vernise și, în cele din urmă, în 1906 - o expoziție la Paris „Două secole de pictură și sculptură rusă”. „Descoperirea culturală” a Rusiei în Europa de Vest s-a datorat eforturilor și entuziasmului lui Diaghilev și al prietenilor săi.

În 1898, cercul Benoit-Diaghilev a început să publice revista World of Art. Articolul programatic al lui Diaghilev afirma că scopul artei este exprimarea de sine a creatorului. Arta, a scris Diaghilev, nu ar trebui folosită pentru a ilustra vreo doctrină socială. Dacă este autentic, este în sine un adevăr al vieții, o generalizare artistică și, uneori, o revelație.

Numele „World of Art” din revista a trecut către o asociație creativă de artiști, a cărei coloană vertebrală a fost același cerc. Asociației i s-au alăturat maeștri precum V. A. Serov, M. A. Vrubel, M. V. Nesterov, I. I. Levitan, N. K. Roerich. Toți semănau puțin unul cu celălalt, lucrau într-un mod creativ diferit. Și totuși, au existat multe lucruri în comun în ceea ce privește munca, stările și opiniile lor.

„Miriskusniki” au fost alarmați de debutul erei industriale, când orașele uriașe au crescut, construite cu clădiri fabrici fără chip și locuite de oameni singuri. Ei erau îngrijorați că arta, concepută pentru a aduce armonie și pacificare în viață, a fost din ce în ce mai stoarsă din ea și a devenit proprietatea unui mic cerc de „aleși”. Ei sperau că arta, revenind la viață, va înmuia treptat, spiritualiza și uni oamenii.

„Miriskusniki” credea că în timpurile preindustriale, oamenii erau în contact mai strâns cu arta și natura. Secolul al XVIII-lea li s-a părut deosebit de atractiv. Dar înțelegeau totuși că epoca lui Voltaire și Catherine nu era atât de armonioasă pe cât li se părea și, prin urmare, o unitate de peisaje Versailles și Tsarskoye Selo cu regi, împărătese, domni și doamne este înfășurată într-o ceață ușoară de tristețe și de sine. ironie. Fiecare astfel de peisaj de AN Benois, KA Somov sau EE Lanceray se încheie cu un oftat, ca să zicem: este păcat că a trecut irevocabil! Păcat că nu a fost chiar așa de drăguț!

Pictura în ulei, care părea cam grea pentru artiștii Lumii artei, a dispărut în fundal în opera lor. Acuarele, pastelurile și guașa au fost folosite mult mai des, ceea ce a făcut posibilă crearea unor lucrări în culori deschise și aerisite. Desenul a jucat un rol special în creativitatea noii generații de artiști. Arta gravurii a fost reînviată. Mulțumiri pentru acest lucru aparțin lui A.P. Ostroumova-Lebedeva. Maestră a peisajului urban, a capturat multe gravuri europene (Roma, Paris, Amsterdam, Bruges) în gravurile sale. Dar în centrul activității sale se aflau Petersburg și suburbiile palatului său - Tsarskoe Selo, Pavlovsk, Gatchina. Aspectul puternic reținut al capitalei nordice pe gravurile ei s-a reflectat în ritmul tensionat al siluetelor și liniilor, în contrastele culorilor albe, negre și gri.

Renașterea este legată de creativitatea „lumii artei” grafică de carte, cărți de artă. Fără a se limita la ilustrații, artiștii au introdus în cărți semne de carte, vinete complicate și finaluri Art Nouveau. S-a înțeles că proiectarea cărții ar trebui să fie strâns legată de conținutul ei. Graficianul a început să acorde atenție detaliilor precum formatul cărții, culoarea hârtiei, fontul, sângerarea. Mulți maeștri remarcabili din acea vreme s-au angajat în proiectarea cărților. Pușkin " Călăreț de bronz„Conectat ferm cu desenele lui Benois și„ Hadji Murad ”al lui Tolstoi - cu ilustrații de Lanceray. Începutul secolului XX. depuse pe rafturile bibliotecii cu multe exemple de artă de carte de înaltă clasă.

Artiștii lumii artei au adus un tribut generos artei, în primul rând muzicii. Decorațiile artiștilor de atunci - uneori rafinate, apoi aprinse ca focul - combinate cu muzică, dans, cântat, au creat un spectacol orbitor de luxos. L. Bakst a adus o contribuție semnificativă la succesul baletului Scheherazade (la muzica lui Rimsky-Korsakov). Baletul The Firebird (pe muzica lui IF Stravinsky) a fost la fel de strălucitor și festiv conceput de A. Ya. Golovin. Seturile lui Nicholas Roerich pentru opera „Prințul Igor”, dimpotrivă, sunt foarte reținute și severe.

Baletul „Petrushka”, care a ocolit scenele teatrale din multe țări, a fost o lucrare comună a compozitorului Igor Stravinsky și a artistului Alexander Benois. Un complot nepretențios despre modul în care Petrushka s-a îndrăgostit de Ballerina, jucat cu grație, cu o notă de ironie și tristețe, a inspirat gânduri triste despre soarta artistului într-o lume nemiloasă unde domină forța fizică și pasiunile aspre.

În domeniul picturii teatrale, Lumea artiștilor s-a apropiat cel mai mult de împlinirea visului lor prețuit - de a combina diferite tipuri de artă într-o singură operă.

Soarta asociației World of Art s-a dovedit a fi dificilă. Revista a încetat să mai fie publicată după 1904. În acest moment, mulți artiști s-au îndepărtat de asociație și a fost redusă la dimensiunea cercului original. Legăturile creative și personale ale membrilor săi au continuat de mulți ani. „Lumea artei” a devenit un simbol artistic al frontierei de două secole. O întreagă etapă în dezvoltarea picturii rusești este asociată cu aceasta. M. A. Vrubel, M. V. Nesterov și N. K. Roerich au ocupat un loc special în asociație.

Mihail Alexandrovici Vrubel (1856 - 1910) a fost un meșter versatil. A lucrat cu succes la picturi monumentale, picturi, decorațiuni, ilustrații de carte, desene pentru vitralii. Și a rămas întotdeauna el însuși, înfocat, dus, vulnerabil. Trei teme principale, trei motive traversează opera sa.

Prima, sublimă din punct de vedere spiritual, s-a manifestat, în primul rând, după imaginea tinerei Maicii Domnului cu Pruncul, pictată pentru iconostasul Bisericii Sfântul Chiril din Kiev.

Motivele demonice ale lui Vrubel au fost inspirate din poezia lui Lermontov. Dar Demonul lui Vrubel a devenit o imagine artistică independentă. Pentru Vrubel, Demonul, un înger căzut și păcătos, s-a dovedit a fi ca un al doilea „eu” - un fel de erou liric. Această temă a sunat cu o forță deosebită în tabloul „Demonul așezat”. Figura puternică a Demonului acoperă aproape întreaga pânză. Se pare că trebuie să se ridice și să se îndrepte. Dar mâinile sunt coborâte, degetele sunt strânse atât de dureros și are o melancolie profundă în ochi. Acesta este Demonul lui Vrubel: spre deosebire de cel al lui Lermontov, el nu este atât un distrugător nemilos, cât o personalitate suferindă.

În 1896, pentru expoziția All-Russian de la Nijni Novgorod, Vrubel a pictat panoul „Mikula Selyaninovich”, în care l-a înzestrat pe eroul-plugar național cu o asemenea putere, de parcă puterea primitivă a pământului în sine ar fi conținută în el. Deci, în opera lui Vrubel, a apărut o a treia direcție - epic-folk. „Bogatyr” său, exagerat de puternic, călare pe un cal uriaș, a fost scris și în acest spirit. Pictura „Pan” este adiacentă acestei serii. Zeitatea pădurii este descrisă ca un bătrân șifonat, cu ochi albaștri și mâini puternice.

Ultimii ani din viața lui Vrubel au fost sortiți unei boli psihice grave. În momentele de iluminare, în el s-au născut idei noi - „Viziunea profetului Ezechiel”, „Serafimul cu șase aripi”. Poate că a vrut să combine, să îmbine cele trei direcții principale ale operei sale. Dar o astfel de sinteză era dincolo de puterea chiar a lui Vrubel. În ziua înmormântării sale, Benoit a spus că generațiile viitoare „vor privi în urmă la ultimele decenii ale secolului al XIX-lea. ca în „era lui Vrubel” ... În el s-a exprimat timpul nostru în cel mai frumos și mai trist de care a fost capabil.

Mihail Vasilievici Nesterov (1862-1942) și-a scris lucrările timpurii în spiritul Itineranților. Dar apoi în lucrarea sa au sunat motive religioase. Nesterov a scris un ciclu de picturi dedicate lui Serghei Radonejski. Cea mai veche dintre ele a fost pictura „Viziunea către tineretul Bartolomeu” (1889-1890). Băiatul cu cap alb, care era destinat să devină mentorul spiritual al Rusiei Antice, ascultă cu venerație cuvintele profetice și toată natura, peisajul rus simplu de la sfârșitul verii, părea să fie plină de acest sentiment de uimire.

Natura joacă un rol special în pictura lui Nesterov. În picturile sale, ea acționează ca un „personaj”, sporind starea generală de spirit. Artistul a avut un succes deosebit în peisajele delicate și transparente din vara nordică. Îi plăcea să picteze natura Rusiei Centrale în pragul toamnei, când câmpurile și pădurile tăcute s-au acordat să o aștepte. Nesterov nu are aproape peisaje „pustii”, iar picturile fără peisaje sunt rare.

Motivele religioase din opera lui Nesterov au fost exprimate cel mai pe deplin în pictura sa bisericească. Potrivit schițelor sale, unele lucrări de mozaic au fost executate pe fațadele Bisericii Învierii lui Hristos, ridicată la Sankt Petersburg pe locul uciderii lui Alexandru al II-lea.

Artista a creat o întreagă galerie de portrete ale unor oameni de seamă din Rusia. Cel mai adesea, el și-a portretizat personajele în aer liber, continuându-și tema preferată de „dialog” între om și natură. L. N. Tolstoi a fost capturat într-un colț îndepărtat al parcului Yasnaya Polyana, filosofii religioși S. N. Bulgakov și P. A. Florensky - în timpul unei plimbări (pictând „Filozofii”).

Pictura de portret a devenit principala direcție a operei lui Nesterov în anii puterii sovietice. A pictat în principal oameni apropiați în spirit, intelectuali ruși. Realizarea sa deosebită a fost portretul expresiv al academicianului I.P. Pavlov.

Nicholas Roerich (1874 - 1947) în timpul vieții sale a creat peste șapte mii de tablouri. Au împodobit muzee în multe orașe din țara noastră și din străinătate. Artistul a devenit o figură publică de talie mondială. Dar stadiul incipient al operei sale aparține Rusiei.

Roerich a ajuns la pictură prin arheologie. Chiar și în anii de gimnaziu, a participat la excavarea movilelor antice. Imaginația tânărului a pictat imagini vii ale epocilor îndepărtate. După gimnaziu, Roerich a intrat simultan în universitate și în Academia de Arte. Tânărul artist a început să-și îndeplinească prima mare idee - o serie de tablouri „Începutul Rusiei. Slavi ".

Prima imagine din această serie, „Messenger. Clan s-a revoltat după clan ”, a fost scris în maniera Itineranților. Mai târziu, culoarea a început să joace un rol din ce în ce mai activ în pictura lui Roerich - pură, intensă, neobișnuit de expresivă. Așa a fost pictat tabloul „Oaspeți de peste mări”. Cu o culoare albastru-verde intens, artista a reușit să transmită puritatea și răceala apei râului. Vela galben-roșiatică a unei bărci de peste mări se stropește în vânt. Reflecția sa este zdrobită în valuri. Jocul acestor culori este înconjurat de o linie albă punctată de pescăruși zburători.

Cu tot interesul său pentru antichitate, Roerich nu a părăsit viața modernă, a ascultat vocile ei, a reușit să ridice ceea ce alții nu au auzit. El a fost profund deranjat de situația din Rusia și din lume. Începând din 1912, Roerich a creat o serie de picturi ciudate în care, s-ar părea, nu există un loc de acțiune definit, epocile sunt amestecate. Acestea sunt un fel de „vise profetice”. Una dintre aceste picturi se numește „Ultimul înger”. Un înger se ridică în nori roșii care se învârtesc, lăsând pământul cuprins de foc.

În picturile pictate în anii războiului, Roerich încearcă să recreeze valorile religiei și ale muncii pașnice. El se îndreaptă spre motivele ortodoxiei populare. Pe pânzele sale, sfinții coboară pe pământ, îndepărtează nenorocirea de oameni și îi protejează de pericole. Roerich a terminat ultimele poze ale acestei serii deja într-o țară străină. Pe unul dintre ei („Zvenigorod”) sfinții în haine albe și cu halouri aurii părăsesc templul antic și binecuvântează pământul. În acea perioadă, în Rusia sovietică s-a desfășurat persecuția asupra bisericii, bisericile au fost distruse și profanate. Sfinții s-au dus la oameni.

Introducere ………………………………………………………… ..2

Arhitectură ………………………………………………………… .3

Pictură ………………………………………………………… ..5

Educație ………………………………………………………… 10

Știință …………………………………………………………… 13

Concluzie ………………………………………………………… ..17

Referințe ………………………………………………… .18

Introducere

Epoca de argint a culturii ruse a fost surprinzător de scurtă. A durat mai puțin de un sfert de secol: 1900 - 1922. Data de începere coincide cu anul morții filosofului și poetului religios rus V.S. Solovyov și ultimul - odată cu anul expulzării din Rusia deja sovietică a unui grup mare de filozofi și gânditori. Concizia perioadei nu-i diminuează deloc semnificația. Dimpotrivă, în timp, această importanță crește chiar. Rezidă în faptul că cultura rusă - deși nu toate, ci doar o parte din aceasta - a fost prima care a realizat pericolul dezvoltării, ale cărui orientări valorice sunt raționalismul unilateral, ireligia și lipsa spiritualității. Lumea occidentală a ajuns la această realizare mult mai târziu.

Epoca de Argint include, în primul rând, două fenomene spirituale principale: renașterea religioasă rusă de la începutul secolului al XX-lea, cunoscută și sub numele de „căutarea lui Dumnezeu” și modernismul rus, îmbrățișând simbolismul și acmeismul. Lui îi aparțin poeți precum M. Tsvetaeva, S. Yesenin și B. Pasternak, care nu au făcut parte din tendințele numite. Asociația de artă „Lumea artei” (1898 - 1924) ar trebui atribuită și epocii de argint.

Arhitectura epocii de argint»

Era progresului industrial la începutul secolelor XIX-XX. a făcut o adevărată revoluție în construcții. Noile tipuri de clădiri precum bănci, magazine, fabrici și gări au ocupat un loc în creștere în peisajul urban. Apariția de noi materiale de construcție (beton armat, structuri metalice) și îmbunătățirea echipamentelor de construcție au făcut posibilă utilizarea structurii și tehnici artistice, a cărei înțelegere estetică a dus la aprobarea stilului Art Nouveau!

În lucrările lui F.O. Shekhtel a întruchipat în cea mai mare măsură principalele tendințe de dezvoltare și genurile modernității rusești. Formarea stilului în opera maestrului a mers în două direcții - național-romantic, în conformitate cu stilul neorusesc și rațional. Trăsăturile Art Nouveau se manifestă cel mai pe deplin în arhitectura conacului Nikitsky Gate, unde, abandonând schemele tradiționale, se aplică principiul asimetric al planificării. Compoziția înclinată, dezvoltarea liberă a volumelor în spațiu, marginile asimetrice ale ferestrelor, balcoanelor și pridvoarelor, cornișa accentuată - toate acestea demonstrează principiul inerent modernității asimilării unei structuri arhitecturale unei forme organice.

Decorarea conacului folosește tehnici tipice Art Nouveau, precum vitraliile colorate și o friză mozaic cu ornamente florale care înconjoară întreaga clădire. Răsucirile capricioase ale ornamentului se repetă în împletirea vitraliilor, în desenul grătarelor de pe balcon și gardul străzii. Același motiv este folosit în decorarea interioară, de exemplu, sub formă de balustrade de marmură pentru scări. Mobilierul și detaliile decorative ale interiorului clădirii formează un singur întreg cu ideea generală a clădirii - pentru a transforma mediul de zi cu zi într-un fel de performanță arhitecturală, apropiată de atmosfera jocurilor simbolice.

Odată cu creșterea tendințelor raționaliste în mai multe clădiri ale lui Shekhtel, au fost evidențiate trăsăturile constructivismului - un stil care avea să se contureze în anii 1920.

La Moscova, noul stil s-a exprimat în mod deosebit viu, în special, în opera unuia dintre fondatorii Art Nouveau rus L.N. Kekusheva A.V. Șușev, V.M. Vasnetsov și alții, însă, la Sankt Petersburg, Art Nouveau a fost influențat de clasicismul monumental, în urma căruia a apărut un alt stil - neoclasicismul.
În ceea ce privește integritatea abordării și soluția ansamblului de arhitectură, sculptură, pictură, arte decorative, Art Nouveau este unul dintre cele mai consistente stiluri.

Pictura „Epocii Argintului”

Tendințele care au determinat dezvoltarea literaturii din „Epoca Argintului” au fost, de asemenea, caracteristice artelor plastice, care au constituit o întreagă epocă în cultura rusă și mondială. La începutul secolului, creativitatea unuia dintre cei mai mari maeștri ai picturii rusești, Mihail Vrubel, a înflorit. Imaginile lui Vrubel sunt imagini-simboluri. Ele nu se încadrează în cadrul ideilor vechi. Artistul este „un uriaș care gândește nu în categoriile cotidiene ale vieții înconjurătoare, ci în concepte„ eterne ”, el se grăbește în căutarea adevărului și frumuseții”. Visul de frumusețe al lui Vrubel, care era atât de greu de găsit în lumea din jur, care este plin de contradicții fără speranță. Fantezia lui Vrubel ne duce în alte lumi în care frumusețea nu se eliberează însă de bolile secolului - acestea sunt sentimentele oamenilor de atunci, întruchipate în culori și linii, când societatea rusă tânjea spre reînnoire și căuta o drumul spre el.

În opera lui Vrubel, fantezia a fost combinată cu realitatea. Intrigile unor tablouri și panouri ale sale sunt sincer fantastice. Înfățișând demonul sau basmul prințesei lebedei, prințesa visătoare sau Pan, își atrage eroii într-o lume ca și cum ar fi fost creat de puterea puternică a mitului. Dar chiar și atunci când subiectul imaginii sa dovedit a fi realitate, Vrubel părea să înzestreze natura cu abilitatea de a simți și de a gândi și a întărit imens sentimentele umane de mai multe ori. Artistul s-a străduit să se asigure că vopselele de pe pânzele sale strălucesc cu o lumină interioară, strălucind ca niște pietre prețioase.

Un alt pictor important al începutului de secol este Valentin Serov. Originile operei sale se află în anii 80 ai secolului al XIX-lea. El a continuat cele mai bune tradiții ale rătăcitorilor și, în același timp, un îndrăzneț descoperitor de noi căi în artă. Un artist minunat, a fost un profesor genial. Mulți artiști proeminenți din cele nouă sute de ani ai noului secol îi datorează abilitățile sale.
În primii ani ai operei sale, artistul vede cel mai înalt scop al artistului în întruchiparea principiului poetic. Serov a învățat să vadă marele și semnificativul în mic. În minunatele sale portrete „Fată cu piersici” și „Fată luminată de soare” nu atât imagini concrete cât simboluri ale tinereții, frumuseții, fericirii, iubirii.

Mai târziu, Serov s-a străduit să exprime idei despre frumusețea unei persoane în portrete de personalități creative, afirmând o idee importantă pentru cultura artistică rusă: o persoană este frumoasă atunci când este creator și artist (portrete ale lui K. A. Korovin, I. I. Levitan). Curajul lui V. Serov în caracterizarea modelelor sale este izbitor, fie că este vorba de inteligența progresistă sau de bancheri, doamnele din înalta societate, înalții oficiali și membrii familiei regale.

Portretele lui Serov create în primul deceniu al noului secol mărturisesc fuziunea celor mai bune tradiții ale picturii rusești și crearea de noi principii estetice. Așa sunt portretele lui M. A. Vrubel, T. N. Karsavina, ulterior - portretul „rafinat stilizat” al lui V. O. Girshman și frumosul, în spiritul Art Nouveau, portretul lui Ida Rubinstein.

La sfârșitul secolului, se dezvoltă creativitatea artiștilor care au devenit mândria Rusiei: K. A. Korovin, A. P. Ryabushkin, M. V. Nesterov. Pânzele magnifice despre subiectele Rusiei antice îi aparțin lui N. Roerich, care a visat sincer la un nou rol pentru artă și a sperat că „dintr-un slujitor aservit, arta se poate transforma din nou în primul motor al vieții”.

Sculptura rusă din această perioadă se distinge și prin bogăția sa. Cele mai bune tradiții ale sculpturii realiste din a doua jumătate a secolului al XIX-lea în lucrările sale (inclusiv un monument al primului tipograf Ivan Fedorov) au fost întruchipate de S. M. Volnukhin. Tendința impresionistă în sculptură a fost exprimată de P. Trubetskoy. Opera lui A.S. Golubkina și S.T.

Dar toate aceste procese nu s-ar putea desfășura în afara contextului social. Teme - Rusia și libertatea, inteligența și revoluția - au pătruns atât în ​​teoria, cât și în practica culturii artistice rusești din această perioadă. Cultura artistică de la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea este caracterizată de numeroase platforme și tendințe. Două simboluri vitale, două concepte istorice - „ieri” și „mâine” - au dominat clar conceptul de „azi” și au definit limitele în care a avut loc confruntarea diferitelor idei și concepte.

Atmosfera psihologică generală din anii postrevoluționari a făcut ca unii artiști să nu aibă încredere în viață. Atenția asupra formei crește, se realizează un nou ideal estetic al artei moderniste contemporane. Școlile avangardei rusești, care au devenit cunoscute de întreaga lume, se dezvoltă, pe baza lucrărilor lui V. E. Tatlin, K. S. Malevich, V. V. Kandinsky.

Artiștii care au participat la expoziție în 1907 sub denumirea simbolică strălucitoare „Trandafir albastru” au fost intens promovați de revista „Lână de aur” (N. P. Krymov, P. V. Kuznetsov, M. S. Saryan, S. Yu. Sudeikin, N.. N. Sapunov și alții). Erau diferiți în aspirațiile lor creative, dar erau uniți de dorința de expresivitate, de a crea un nou forma de arta, la reînnoirea limbajului pictural. În manifestări extreme, acest lucru a dus la cultul „artei pure”, în imagini generate de subconștient.

Apariția Jack of Diamonds în 1911 și activitatea ulterioară a artiștilor relevă legătura pictorilor ruși cu destinele mișcărilor de artă europene. În lucrările lui P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov și altor „diamante” cu căutările lor formale, dorința de a construi o formă cu ajutorul culorii, și compoziția și spațiul pe anumite ritmuri, principiile care s-au format în Europa de Vest își găsesc expresia. În acest moment, cubismul din Franța a ajuns la un stadiu „sintetic”, trecând de la simplificare, schematizare și descompunere a formei la o separare completă de reprezentare. Pentru artiștii ruși, care au fost atrași de o atitudine analitică față de subiect în cubismul timpuriu, această tendință era străină. Dacă Konchalovsky și Mashkov arată o evoluție clară către o percepție realistă a lumii, atunci tendința procesului artistic al altor artiști din Jack of Diamonds a avut un alt sens. În 1912, tinerii artiști, după separarea de Jack of Diamonds, și-au numit grupul The Donkey's Tail. Titlul sfidător subliniază caracterul rebel al spectacolelor, care sunt îndreptate împotriva normelor stabilite de creativitate artistică. Artiști ruși: N. Goncharov, K. Malevich, M. Chagall - continuă să caute, să o facă energic și intenționat. În viitor, căile lor au divergut.
Larionov, care a refuzat să descrie realitatea, a ajuns la așa-numitul rayism. Malevich, Tatlin, Kandinsky au pornit pe calea artei abstracte.

Căutările artiștilor Blue Rose și Jack of Diamonds nu epuizează noile tendințe în arta primelor decenii ale secolului XX. Un loc special în această artă aparține KS Petrov-Vodkin. Arta sa înflorește în perioada post-octombrie, dar deja în cele nouă sutimi, își declară originalitatea creativă cu frumoasele sale pânze „Băieții care joacă” și „Baia calului roșu”.