Prezentare despre arta clasicismului și rococo. Arta plastică a clasicismului și rococo. frumusețe și efemeritate

artă clasicism și rococo

Nicolas Poussin - pictor de clasicism

Culmea clasicismului în pictură, Academia Franceză a proclamat opera artistului Nicolas Poussin(1594-1665). În timpul vieții sale a fost numit „cel mai iscusit și mai experimentat dintre maeștrii moderni în pensule”, iar după moartea sa a fost declarat „farul picturii franceze”.

Fiind un exponent viu al ideilor clasicismului, Poussin a dezvoltat o metodă creativă bazată pe propria sa idee despre legile frumuseții. El și-a văzut idealul în proporționalitatea părților întregului, în ordinea externă, armonia și claritatea formelor. Picturile sale se disting printr-o compoziție echilibrată, un sistem rigid, verificat matematic de organizare a spațiului, un desen precis, un uimitor simț al ritmului, bazat pe doctrina antică a armoniei muzicale.

Potrivit lui Poussin, principalele criterii pentru adevărul și frumusețea artistică sunt rațiunea și gândirea. Acesta este ceea ce a chemat el să creeze în felul „așa cum o învață natura și rațiunea”. La alegerea subiectelor, Poussin a preferat faptele și faptele eroice, care se bazau pe motive civile ridicate, mai degrabă decât pe pasiunile umane de bază.

Subiectul principal al artei, potrivit artistului, este acela care este asociat cu ideea de sublim și frumos, care poate servi drept model și mijloc de educare a celor mai bune calități morale într-o persoană. Poussin și-a dedicat lucrarea glorificării unui om eroic, capabil să cunoască și să transforme natura cu puterea unei minți puternice. Personajele sale preferate sunt oameni puternici, puternici, cu calități morale ridicate. Adesea se regăsesc în situații dramatice care necesită calmul special, măreția spiritului și forța caracterului. Pictorul și-a transmis sentimentele sublime prin ipostaze, expresii faciale și gesturi.

Dintre comploturile istorice, Poussin a ales doar cele în care exista acțiune, mișcare și exprimare. A început lucrul la pictură cu un studiu atent al sursei literare (Sfânta Scriptură, Metamorfoze de Ovidiu sau Ierusalimul Eliberat de T. Tasso). Dacă a îndeplinit obiectivele stabilite, artistul nu a meditat asupra vieții interioare dificile a eroilor, ci asupra culminării acțiunii. Lupta mentală, îndoielile și dezamăgirile au fost retrogradate pe plan secund. Formula obișnuită a complotului lui Poussin era după cum urmează: „Matrița este aruncată, decizia este luată, alegerea este făcută” (Yu. K. Zolotov).

În opinia sa, ideile clasicismului ar trebui să reflecte compoziția imaginii. El a contrastat improvizația cu aranjamentul atent gândit al figurilor individuale și al grupurilor majore.

Spațiul pictural ar trebui să fie ușor vizibil, planurile ar trebui să se succedă clar. Pentru acțiunea în sine, ar trebui alocată doar o zonă mică în fundal. În majoritatea pânzelor lui Poussin, punctul de intersecție al diagonalelor imaginii se dovedește a fi cel mai important centru semantic al acestuia.

Sistemul compozițional al picturilor lui Poussin s-a bazat pe două principii: echilibrul formelor (construirea grupurilor în jurul centrului) și pe raportul lor liber (deplasarea departe de centru). Interacțiunea acestor două principii a făcut posibilă obținerea unei impresii extraordinare de ordinea, libertatea și mobilitatea compoziției.

Culoarea are o mare importanță în sistemul artistic al lui Poussin. Interconectarea principalelor sunete colorate a fost realizată datorită sistemului de reflexe: culoarea intensă în centrul compoziției este de obicei însoțită de culori neutre moi.

Nicolas Poussin este autorul a numeroase picturi pe teme mitologice, istorice, religioase, precum și peisaje. În ele puteți găsi aproape întotdeauna puneri în scenă rafinate, pline de meditație și dramă. Referindu-se la trecutul îndepărtat, el nu a reluat, ci a recreat creativ, a reinterpretat comploturi bine cunoscute.

Pictură de N. Poussin „Ciobanii Arcadieni”- una dintre culmile operei artistului, unde ideile clasicismului și-au găsit întruparea plină și vie. Se poate simți dorința autorului pentru claritatea sculpturală a formelor, completitudinea plastică și acuratețea desenului, claritatea și echilibrul compoziției geometrice folosind principiul secțiunii aurii. Gravitatea proporțiilor, un ritm liniar neted și clar transmit perfect severitatea și sublimitatea ideilor și personajelor.

Tabloul se bazează pe un profund gând filozofic despre fragilitatea existenței pământești și inevitabilitatea morții. Patru ciobani, locuitori ai Arcadiei fericite (o zonă din sudul Greciei, care este un simbol al prosperității eterne, viață senină fără război, boală și suferință), găsesc accidental un mormânt printre desișuri de tufișuri cu inscripția: „Iya era în Arcadia. Dar acum nu sunt printre cei vii, așa cum nu va fi niciunul dintre voi care să citească acum această inscripție ". Sensul acestor cuvinte îi face să se gândească ... Unul dintre păstori și-a plecat smerit capul, sprijinindu-și mâna pe piatra funerară. Al doilea, îngenuncheat, își trece degetul peste litere, încercând să citească inscripția pe jumătate ștearsă.

Al treilea, fără să-și ia mâinile de pe cuvintele triste, ridică o privire întrebătoare către însoțitorul său. Femeia din dreapta se uită și ea calmă pe inscripție. Își puse mâna pe umărul lui, de parcă ar fi încercat să-l ajute să se împace cu gândul la un sfârșit inevitabil. Astfel, figura unei femei este percepută ca punctul central al păcii spirituale, echilibrul filosofic la care autorul aduce privitorul.

Poussin se străduiește în mod clar să creeze imagini generalizate apropiate de canoanele frumuseții antice: sunt cu adevărat perfecte din punct de vedere fizic, tinere și pline de forță. Figurile, la fel ca statuile antice, sunt echilibrate în spațiu. În scrierea lor, artistul a folosit clarobscur expresiv.

Adânc idee filosofică tabloul de bază este exprimat într-o formă clară de cristal și austeră clasic. Ca și în relieful roman, acțiunea principală are loc pe un prim plan relativ superficial. Compoziția imaginii este extrem de simplă și logică: totul se bazează pe un ritm atent gândit al mișcărilor echilibrate și este subordonat celor mai simple forme geometrice realizate grație acurateței calculelor matematice. Personajele sunt aproape simetric grupate în apropierea pietrei funerare, legate de mișcările mâinilor și de senzația unei pauze prelungite. Autorul reușește să creeze o imagine a unei lumi ideale și armonioase, aranjată după cele mai înalte legi ale rațiunii.

Sistemul coloristic al picturilor lui Poussin s-a bazat de obicei pe convingerea autorului că culoarea este cel mai important mijloc pentru crearea volumului și a profunzimii spațiului. Împărțirea în planuri a fost de obicei accentuată de consonanța culorilor puternice. În prim-plan au predominat de obicei culorile galbene și maronii, în al doilea - cald, verde, în al treilea - rece, în primul rând albastru. În această imagine, totul este supus legilor frumuseții clasice: coliziunea culorii cerului rece cu prim-planul cald și frumusețea golului corpul uman, transmis în condiții de iluminare chiar difuză, a fost percepută în mod deosebit în mod eficient și sublim pe fundalul frunzișului verde luxuriant al unui peisaj senin.

În general, imaginea era impregnată de un sentiment de tristețe ascunsă, pace și liniște idilică. Reconcilierea stoică cu soarta, o acceptare înțeleaptă și demnă a morții a făcut ca clasicismul lui Poussin să fie asemănător cu vechea viziune asupra lumii. Gândul la moarte nu a provocat disperare, ci a fost perceput ca o manifestare inevitabilă a regularității ființei.

Maeștrii „genului galant”: pictura rococo

Principalele teme ale picturii rococo sunt viața rafinată a aristocrației curții, „festivitățile galante”, imagini idilice ale vieții „ciobanului” pe fundalul naturii curate, lumea intrigilor complexe de dragoste și a alegoriilor ingenioase. Viața umană este instantanee și trecătoare și, prin urmare, este necesar să prindem „momentul fericit”, să ne grăbim să trăim și să simțim. „Spiritul lucrurilor mici minunate și aerisite” (M. Kuzmin) devine laitmotivul multor artiști din „stilul regal”.

Pentru majoritatea pictorilor rococo, Venus, Diana, nimfele și cupidonii depășesc toate celelalte zeități. Tot felul de „scăldat”, „toalete de dimineață” și plăceri instantanee sunt acum aproape subiectul principal al imaginii. Numele exotice ale florilor sunt la modă: „culoarea coapsei unei nimfe înspăimântate” (carne), „culoarea unui trandafir plutind în lapte” (roz pal), „culoarea timpului pierdut” (albastru). Compozițiile subțiri ale clasicismului, bine gândite, cedează locul unui design elegant și sofisticat.

Antoine Watteau(1684-1721) a fost numit de contemporanii săi „poetul timpului liber fără griji”, „cântărețul harului și frumuseții”. În lucrările sale, a capturat picnicuri în parcuri veșnic verzi, concerte muzicale și teatrale în sânul naturii, mărturisiri pasionate și certuri ale îndrăgostiților, întâlniri idilice, baluri și mascarade. În același timp, în picturile sale există o tristețe dureroasă, un sentiment de trecere a frumuseții și efemeritatea a ceea ce se întâmplă.

Una dintre picturile ilustre ale artistului - „Pelerinaj la insula Kiferu”, datorită căruia a fost admis la Academia Regală de Pictură și Sculptură și a primit titlul de „Maestru al festivalurilor galante”. Minunate doamne și domni galanți s-au adunat pe malul golfului mare presărat cu flori. Au navigat spre insula Kythera - insula zeiței iubirii și frumuseții Venus (identificată cu zeița greacă a iubirii Afrodita), unde, conform legendei, a ieșit din spuma mării. Sărbătoarea iubirii începe de la statuia reprezentând Venus și cupidon, dintre care una se întinde în jos pentru a așeza o ghirlandă de lauri pe cea mai frumoasă dintre zeițe. La poalele statuii se află arme, armuri, lire și cărți - simboluri ale războiului, artelor și științelor. Ei bine, iubirea este într-adevăr capabilă să cucerească totul!

Acțiunea se desfășoară ca un film, povestind secvențial despre mersul fiecăruia dintre cuplurile îndrăgostite. Limbajul indicilor domnește în relația eroilor: brusc

privirile aruncate, gestul îmbietor al evantaiului în mâinile fetei, vorbirea tăiată la mijlocul propoziției ... Armonia omului și a naturii se simte în toate. Dar se întunecă deja, apusul auriu colorează cerul. Sărbătoarea iubirii dispare, umplând cu tristețe distracția fără griji a cuplurilor îndrăgostite. Foarte curând se vor întoarce la nava lor, ceea ce îi va duce din lumea ireală în lumea realității de zi cu zi. O minunată navă cu vele - nava iubirii - gata să navigheze. Culori calde, moi, culori dezactivate, lovituri ușoare de perie care abia au atins pânza - toate acestea creează o atmosferă specială de farmec și dragoste.

Și din nou iubesc pământul pentru a fi

Că razele apusului sunt atât de solemne

Cu o perie ușoară Antoine Watteau

Mi-a atins inima o dată.

G. Ivanov

Pictura lui Watteau aparține adevăratelor capodopere. „Gilles” („Pierrot”), creat ca semn pentru spectacolele de comediant itinerant. Gilles este personajul principal și favorit al comediei franceze a măștilor, în consonanță cu Pierrot, eroul comediei italiene dell'arte. O creatură neîndemânatică, naivă, ca și cum ar fi fost creată special pentru ridiculizarea și trucurile constante ale arlequinului deștept și viclean. Gilles este descris într-un costum tradițional de pelerină albă și o pălărie rotundă. Stă nemișcat și pierdut în fața privitorului, în timp ce ceilalți comedianți se așează să se odihnească. Pare să caute un interlocutor care să-l poată asculta și înțelege. Există ceva înduioșător și neprotejat în ipostaza ridicolă a comediantului cu mâinile coborâte, cu o privire fixă. În aspectul obosit și trist al clovnului, se ascundea gândul la singurătatea unui bărbat forțat să amuze și să distreze un public plictisit. Deschiderea emoțională a eroului îl face una dintre cele mai profunde și mai semnificative imagini din istoria picturii mondiale.

În termeni artistici, imaginea este realizată în mod strălucit. Simplitatea finală a motivului și a compoziției este combinată aici cu modele precise și culori atent gândite. Halatul alb fantomatic este pictat cu accentuate dar îndrăznețe lovituri de perie. Strălucesc argintiu pal, cenușă-var, tonuri cenușii-bufante curg și strălucesc, rupându-se în sute de lumini tremurânde. Toate acestea creează o atmosferă uimitoare pentru percepția sensului filosofic profund al imaginii. Cum putem să nu fim de acord cu afirmația unuia dintre contemporanii săi: „Watteau scrie nu cu vopsele, ci cu miere, chihlimbar topit”.

Francois Boucher(1703-1770) s-a considerat un discipol fidel al lui Watteau. Unii l-au numit „artistul harurilor”, „Anacreonul picturii”, „pictorul regal”. Al doilea l-a văzut ca un „artist ipocrit”, „care are totul, cu excepția adevărului”. Alții erau sceptici: „Mâna lui culege trandafiri unde alții găsesc doar spini”.

Pensula artistului aparține unui număr de portrete ceremoniale ale preferatului regelui Ludovic al XV-lea, marchiza de Pompadour. Se știe că ea a patronat-o pe Boucher, de mai multe ori i-a comandat picturi pe teme religioase pentru reședințe de țară și conace pariziene. În imaginea „Madame de Pompadour” eroina este prezentată înconjurată de flori împrăștiate și obiecte de lux, care amintește de gusturile și hobby-urile ei artistice. Ea se așază în mod regulat pe fundalul unor draperii solemne luxuriante. Cartea din mâna ei este un indiciu clar de iluminare și angajament față de activitățile intelectuale. Marchiza de Pompadour i-a mulțumit cu generozitate artistului numindu-l mai întâi director al fabricii de tapiserii și apoi președinte al Academiei de Arte, acordându-i titlul de „primul pictor al regelui”.

Francois Boucher s-a îndreptat de mai multe ori spre descrierea unor scene frivole, ale căror personaje principale erau ciobănești, păstorițe timide sau doamne goale plinute sub forma Venuselor și Dianelor mitologice. Tablourile sale sunt pline de sugestii ambigue, detalii picante (tivul ridicat al fustei de satin a ciobanei, piciorul cochetat ridicat al unei Diana scăldătoare, un deget lipit de buze, o privire elocventă, primitoare, oi îmbrățișând picioarele îndrăgostiților, sărutându-se porumbei etc.). Ei bine, artistul cunoștea perfect moda și gusturile epocii sale!

În istoria picturii mondiale, Francois Boucher rămâne în continuare un excelent maestru al culorilor și al desenului rafinat. Compoziții rezolvate ingenios, scurtări neobișnuite ale personajelor, accente bogate de culoare, reflexii strălucitoare ale vopselelor transparente aplicate cu accese mici, ușoare, ritmuri fluide și fluide - toate acestea fac din F. Boucher un pictor de neegalat. Picturile sale se transformă în panouri decorative, decorează interioarele luxuriante ale sălilor și camerelor de zi, apelează la lumea fericirii, a iubirii și a viselor frumoase.

În secolul al XVIII-lea, arta europeană occidentală devine aproape principalul obiect al unei dezbateri aprinse, un punct de coliziune a diferitelor viziuni asupra lumii care reflectă imaginea de ansamblu amestecarea și și varietatea formelor existenței sale. Contemporanii au argumentat despre relația dintre artă și natură, despre rolul și scopul artistului și privitorul, despre relația dintre adevăr și ficțiune. O trăsătură caracteristică a acestui timp a fost faptul incontestabil nu al unei schimbări treptate, ci al existenței simultane a barocului, clasicismului, rococului și sentimentalismului.

Cum, în această situație dificilă, clasicismul s-a „înțeles” cu idealurile barocului, dominând de mai bine de jumătate de secol, atât de diferite și, în multe privințe, chiar opuse în stilurile lor esențiale?

Clasicismul a fost prima direcție clar formată în arta europeană, care și-a creat propriul program estetic, a dezvoltat reguli stricte creație artisticăși orientarea sa ideologică (Dacă la început arta clasicismului era inseparabilă de ideea monarhiei absolute și era întruchiparea integrității, măreției și ordinii, apoi mai târziu, sub forma așa-numitului clasicism revoluționar, a cărui patrie a fost Franța, a servit idealurile contradictorii ale luptei împotriva tiraniei și instaurării activității civile. Dar în ultima etapă a dezvoltării sale, clasicismul a început să exprime activ idealurile imperiului napoleonian - nu fără motiv și-a găsit continuarea artistică în Imperiu. stil).

Arta barocului, care a fost descrisă în detaliu suficient în postările anterioare (pentru cei interesați, le puteți găsi după eticheta corespunzătoare), s-a bazat mai mult pe intuiție decât pe principiul rațional, deci nu a creat nicio teorie. Clasicismul a respins contradicțiile fundamentale ale barocului și a respins deviza sa principală: „Cine nu încalcă regulile, nu este poet”. Recunoscând doar armonia și ordinea, clasicismul a „îndreptat” formele bizare ale artei baroce, a încetat să mai perceapă tragic lume spirituală persoană și a transferat conflictul principal în sfera relațiilor dintre individ și stat.

Barocul, care s-a supraviețuit aproape complet și a ajuns la concluzia sa logică, a dat loc clasicismului. Dar adevăratul moștenitor al barocului nu a fost clasicismul, ci un alt stil - rococo.

Rococo în artele vizuale:
Jean Honore Fragonard „Happy Swing Opportunities” (1766)

În anii 20 ai secolului al XVIII-lea, un nou stil de artă s-a dezvoltat în Franța - rococo (din franceza rocaille - chiuvetă). Numele însuși l-a dezvăluit pe cel principal, trăsătură caracteristică al acestui stil - o pasiune pentru forme sofisticate și complexe, linii bizare, care amintesc în multe privințe de silueta unei cochilii.

Cochilia s-a transformat uneori într-o buclă complexă, cu niște tăieturi ciudate, apoi într-un ornament sub formă de scut sau un sul pe jumătate desfășurat cu imaginea stemei sau a emblemei.

În Franța, interesul pentru stilul rococo a scăzut până la sfârșitul anilor 1760, dar în țările din Europa Centrală influența sa a fost resimțită până la sfârșitul secolului al XVIII-lea.

Arta rococo s-a format în era crizei spirituale a puterii absolutiste din Franța. Reflectând idealurile și sentimentele straturilor superioare ale societății franceze, nu putea decât să experimenteze influența clienților aristocrați.

Scopul principal al artei rococo cu totul hedonistă - Oferă plăcere senzuală. Arta trebuia să mulțumească, să atingă și să distreze, transformând viața într-o mascaradă sofisticată și „grădini de dragoste”. Relațiile amoroase complexe, hobby-urile trecătoare, acțiunile îndrăznețe, riscante, sfidătoare ale eroilor, aventurile și fanteziile, divertismentul galant și sărbătorile au determinat conținutul operelor de artă.

Trăsăturile caracteristice Rococo care pot fi identificate în operele de artă de acest stil, pot fi recunoscute următoarele:

1. Grația și ușurința, complexitatea, rafinamentul decorativ și improvizația, pastoralismul (idila păstorului), pofta de exotism.

Stilul rococo a atins cea mai mare înflorire în operele de artă decorativă și aplicată din Franța (interioare de palate și costume ale aristocrației).

Dar influența sa, de exemplu, asupra impresionisti este fără îndoială. Și cea mai evidentă influență a Rococo se uită în lucrările artiștilor și arhitecților stilului

MHK, gradul 11

Lecția numărul 6

Arta clasicismului și a rococo-ului

D.Z .: Capitolul 6, ?? (p. 63), tv. task-uri (pag. 63-65), fila. (p. 63) completați caietul

© A.I. Kolmakov

OBIECTIVELE LECȚIEI

• să dea o idee despre arta clasicismului, sentimentalismului și rococo;
• lărgi orizonturi, abilități în analiza genurilor de artă;
• pentru a încuraja conștiința națională și autoidentificarea, respectul pentru creativitatea muzicală a rococo.

CONCEPTE, IDEI

• O. Fragonard;
• clasicism;
• G. Rigo;
• rococo;
• sentimentalism;
• hedonism;
• rocailles;
• mascaroni;
• V.L. Borovikovsky;
• stilul imperiului;
• J. J. Rousseau

Testarea cunoștințelor elevilor

1. Care sunt caracteristicile cultura muzicală stil baroc? În ce se deosebește de muzica renascentistă? Folosiți exemple specifice pentru a vă susține răspunsul.

2. De ce este numit C. Monteverdi primul compozitor al barocului? Cum a fost exprimat caracterul reformator al operei sale? Ce este caracteristic „stilului entuziasmat” al muzicii sale? Cum se reflectă acest stil în operele compozitorului? Ce unește creativitatea muzicală a lui C. Monteverdi cu lucrările de arhitectură și pictură barocă?

3. Ce distinge opera muzicală a lui JS Bach? De ce este considerat de obicei în cadrul culturii muzicale a barocului? Ai ascultat vreodată muzica de orgă a lui JS Bach? Unde? Care sunt impresiile tale? Ce opere ale marelui compozitor îți sunt deosebit de apropiate? De ce?

4. Care sunt trăsăturile caracteristice ale muzicii baroce rusești? Care au fost concertele partizane din secolul al XVII-lea - începutul secolului al XVIII-lea? De ce este asociată dezvoltarea muzicii baroce rusești cu formarea școlii de compoziție din Rusia? Ce impresie îți face muzica corală spirituală a MS Berezovsky și a DS Bornyansky?

Activități universale de învățare

•  a evalua ; identifică modalități și mijloace găsiți linkuri asociative sistematizează și generalizează
•  identifică trăsăturile esențiale ale stilurilor clasicism și rococo, pentru a le corela cu o anumită eră istorică; 
• investigați cauzalitatea , modele de schimbare a modelelor artistice ale lumii; 
• a evalua estetic, spiritual și artistic valoarea epocii culturale și istorice ;
• identifică modalități și mijloace exprimarea ideilor sociale și a idealurilor estetice ale epocii în procesul de analiză a operelor de artă ale clasicismului, rococului și sentimentalismului; 
• găsiți linkuri asociativeși diferențele dintre imaginile artistice ale clasicismului, barocului și rococului, prezentate în diferite tipuri de artă; 
• caracterizează principalele caracteristici , imagini și teme ale artei clasicismului, rococului și sentimentalismului; 
• expuneți ipoteze, intrați în dialog , argumentează-ți propriul punct de vedere asupra problemelor formulate; 
• sistematizează și generalizează cunoștințele dobândite despre principalele stiluri și tendințe ale artei din secolele XVII-XVIII. (lucrează cu masa)

STUDIUL NOUELUI MATERIAL

• Estetica clasicismului.
• Rococo și sentimentalism.

Alocarea lecției. Care este semnificația esteticii clasicismului, a artei rococo și a sentimentalismului pentru civilizația și cultura mondială?

sub-întrebări

• Estetica clasicismului. Un apel la moștenirea antică și idealurile umaniste ale Renașterii. Dezvoltarea propriului program estetic. Principalul conținut al artei clasicismului și metoda sa creativă. Caracteristici ale clasicismului în diferite tipuri de artă. Formarea sistemului de stil al clasicismului în Franța și influența acestuia asupra dezvoltării culturii artistice a țărilor vest-europene. Conceptul stilului Empire.
• Rococo și sentimentalism *. Originea termenului „rococo”. Originile stilului artistic și caracteristicile acestuia. Sarcini rococo (pe exemplul capodoperelor artelor și meșteșugurilor). Sentimentalismul ca una dintre tendințele artistice în cadrul clasicismului. Estetica sentimentalismului și fondatorul său, J.J. Rousseau. Specificul sentimentalismului rus în literatură și pictură (V.L.Borovikovsky)

Estetică

clasicism

• Stil nou de artă - clasicism(lat. classicus exemplar) - a urmat realizările clasice ale Antichității și idealurile umaniste ale Renașterii.
• Artă Grecia anticăși Roma antică a devenit pentru clasicism principala sursă de teme și comploturi: referințe la mitologia și istoria antică, referiri la oameni de știință, filosofi și scriitori cu autoritate.
• În conformitate cu tradiția antică, a fost proclamat principiul primatului naturii.

D.G. Levitsky

Portret

Denis Diderot. 1773-1774 Muzeul de Artă și Istorie al orașului Geneva din Elveția.

„... studiază Antichitatea pentru a învăța să vezi Natura”

(Denis Diderot)

Estetică

clasicism

Principiile estetice ale clasicismului:

1. Idealizarea culturii și artei grecești antice, orientarea către principiile morale și ideile de cetățenie

2. Prioritatea valorii educaționale a artei, recunoașterea rolului principal al rațiunii în cunoașterea frumosului.

3. Proporționalitatea, severitatea, claritatea în clasicism sunt combinate cu completitudinea, perfecțiunea imagini artistice, universalism și normativitate.

• Principalul conținut al artei clasicismului a fost înțelegerea lumii ca un mecanism rezonabil aranjat, în care unei persoane i s-a atribuit un rol organizatoric semnificativ.

O. Fragonap. Portret

Denis Diderot. 1765-1769 Luvru, Paris

Estetică

clasicism

Metoda creativă a clasicismului:

• căutând o claritate rezonabilă, armonie și simplitate strictă;
• aproximarea la o reflectare obiectivă a lumii înconjurătoare;
• respectarea corectitudinii și ordinii;
• subordonarea privatului către șef;
• gust estetic ridicat;
• reținere și calm;
• raționalism și consistență în acțiuni.

Claude Lorrain. Plecarea reginei din Seba (1648). London National Galerie de picturi

Estetică

clasicism

Fiecare dintre arte a avut

are propriile sale caracteristici speciale:

1. Baza limbajului arhitectural

clasicismul devine Ordin ( tip de

compoziția arhitecturală folosind

anumite elemente și

supus unei anumite arhitecturale

coafare ) , mult mai mult

apropiate ca formă și proporțional cu

arhitectura Antichității.

2. Se disting opere de arhitectură

organizare strictă

proporționalitatea și echilibrul

volume, geometrice

corectitudinea liniilor, regularitate

planificare.

3. Pictura se caracterizează prin : clar

delimitarea planurilor, severitate

desen, executat cu atenție

modelarea alb-negru a volumului.

4. Un rol special în rezolvare

sarcini educative jucate

literatura și mai ales teatrul ,

care a devenit cea mai răspândită specie

arta acestui timp.

C. Persier, P.F.L. Fopmep.

Arcul de Triumf la Place Carrousel din Paris. 1806 (stil Empire)

Estetică

clasicism

• în timpul domniei „regelui soarelui” Ludovic al XIV-lea (1643-1715), s-a dezvoltat un anumit model ideal de clasicism, care a fost imitat în Spania, Germania, Anglia și în țările din Europa de Est, America de Nord și de Sud.
• la început, arta clasicismului era inseparabilă de ideea monarhiei absolute și era întruchiparea integrității, măreției și ordinii.

G. Rigo. Portretul lui Ludovic al XIV-lea.

1701 Luvru, Paris

Estetică

clasicism

• Catedrala Kazan din Sankt Petersburg (1801-1811) Arh. UN. Voronikhin.

• Arta sub forma așa-numitului clasicism revoluționar, a servit idealurile luptei împotriva tiraniei, pentru afirmarea drepturilor civile ale individului, în concordanță cu Revoluția franceză.
• În ultima etapă a dezvoltării sale, clasicismul este activ

a exprimat idealurile imperiului napoleonian.

• El și-a găsit continuarea artistică în stil imperiu (din stilul francez Empire - „stil imperial”) - stilul târziu (înalt)

clasicismul în arhitectură și arte aplicate. Originar din

Franța în timpul împăratului Napoleon I.

Rococo și

cu e n T și m e n T A l și s m

• O trăsătură caracteristică a secolului al XVIII-lea. în arta europeană occidentală, a devenit un fapt incontestabil al existenței simultane a barocului, rococului și sentimentalismului cu clasicismul.
• Recunoscând doar armoniași ordine, clasicismul a „îndreptat” formele bizare ale artei baroce, a încetat să perceapă tragic lumea spirituală a omului și a transferat conflictul principal în sfera relațiilor dintre individ și stat. Barocul, care și-a depășit utilitatea și a ajuns la concluzia sa logică, a dat loc clasicismului și rococo-ului.

O. Fragonard. Fericit

posibilitățile leagănului. 1766 g.

Colecția Wallace, Londra

Rococo și

cu e n T și m e n T A l și s m

În anii 20. Al XVIII-lea în Franța

s-a dezvoltat un nou stil de artă -

rococo (Franceză rocaille - chiuvetă). Deja

numele în sine a dezvăluit

principala trăsătură caracteristică a acestui lucru

stil - o pasiune pentru rafinat

și forme complexe, bizare

linii, la fel

conturul cochiliei.

Coaja s-a transformat apoi în

buclă complexă cu unele

sloturi ciudate, apoi în

decor în formă de scut sau

scroll derulat pe jumătate cu

imaginea stemei sau a emblemei.

În Franța, interesul pentru stil

Rococo slăbit până la sfârșitul anilor 1760

bienium, dar în țările din Central

Europa, influența ei a fost

perceptibil până la sfârșitul XVIII

secole.

Rococo rinaldian:

interioare ale castelului Gatchina.

Gatchina

Rococo și

cu e n T și m e n T A l și s m

Acasă scopul artei rococo - oferă senzual

plăcere ( hedonism ). Arta trebuia

pentru a mulțumi, atinge și distra, transformând viața într-o mascaradă sofisticată și „grădini de dragoste”.

Relațiile amoroase complexe, hobby-urile trecătoare, acțiunile îndrăznețe, riscante, sfidătoare ale eroilor, aventurile și fanteziile, divertismentul galant și sărbătorile au determinat conținutul operelor de artă rococo.

Alegoria artelor plastice,

1764 - Ulei pe pânză; 103 x 130 cm. Rococo. Franţa. Washington, Nat. Galerie.

Rococo și

cu e n T și m e n T A l și s m

Caracteristicile stilului rococo în operele de artă:

grație și ușurință, complexitate, rafinament decorativ

și improvizație, pastoralism (idila păstorului), pofta de exotic;

Ornament sub formă de scoici și bucle stilizate, arabescuri, ghirlande de flori, cupidoane, cartușe rupte, măști;

o combinație de culori pastelate ușoare și delicate, cu o mulțime de detalii albe și aurii;

cultul nudității frumoase, datând din tradiția antică, senzualitatea sofisticată, erotismul;

Cultul formelor mici, intimității, diminuării (în special în sculptură și arhitectură), dragostea pentru fleacuri și bibelouri („Fleacuri minunate”), care au umplut viața unei persoane galante;

estetica nuanțelor și a aluziilor, dualitate fascinantă

imagini, transmise cu ajutorul gesturilor ușoare, a jumătăților de rotație,

mișcări faciale abia sesizabile, zâmbet pe jumătate, înnorat

aspect sau o strălucire umedă în ochi.

Rococo și

cu e n T și m e n T A l și s m

Stilul rococo a atins cea mai mare înflorire în lucrări

artele decorative și aplicate ale Franței (interioare ale palatelor

și costumele aristocrației). În Rusia, s-a manifestat în primul rând prin decorul arhitectural - sub formă de suluri, scuturi și complexe scoici - rocailles (ornamente decorative imitante

un amestec de scoici bizare și plante bizare) și maekaranov (stuc sau măști sculptate în formă

un chip uman sau capul unui animal plasat deasupra ferestrelor, ușilor, arcadelor, pe fântâni, vaze și mobilier).

Rococo și

cu e n T și m e n T A l și s m

Sentimentalism (fr. sentiment - sentiment). În ceea ce privește viziunea asupra lumii, el, ca și clasicismul, s-a bazat pe ideile iluminării.

Un loc important în estetica sentimentalismului îl ocupa imaginea lumii a sentimentelor și experiențelor umane (de unde și numele său).

Sentimentele au fost percepute ca o manifestare a principiului natural într-o persoană, starea sa naturală, posibilă numai prin contact strâns cu natura.

Realizări ale unei civilizații cu multe

ispite care au corupt sufletul

„Om natural”, dobândit

clar ostil.

Un fel de ideal

sentimentalismul a devenit imaginea ruralului

rezident care a respectat legile

natură curată și trăire în

armonie absolută cu ea.

Curtea Joseph-Desire (Jose-Deseri Cours). pictura. Franţa

Rococo și

cu e n T și m e n T A l și s m

Fondatorul sentimentalismului este considerat educatorul francez J.J. Russo, care a proclamat cultul

sentimente naturale, naturale și

nevoile umane, simplitatea și

cordialitate.

Idealul lui era sensibil

visător sentimental,

obsedat de ideile umanismului,

„Om natural” cu „suflet frumos”, nu corupt de civilizația burgheză.

Sarcina principală a artei lui Rousseau

văzut în învățarea oamenilor

virtuți, cheamă-le pentru cele mai bune

viaţă.

Patosul principal al operelor sale

este lauda sentimentelor umane, pasiuni înalte care au intrat în conflict cu prejudecăți sociale, de clasă.

Filozof francez, scriitor, gânditor al Iluminismului. De asemenea, muzicolog, compozitor și botanist. Născut: 28 iunie 1712, Geneva Decedat: 2 iulie 1778 (66 de ani), Ermenonville, lângă Paris.

Rococo și

cu e n T și m e n T A l și s m

Este cel mai potrivit să considerăm sentimentalismul ca una dintre tendințele artistice care au funcționat în cadrul clasicismului.

Dacă Rococo se concentrează asupra manifestare exterioară sentimente și emoții, apoi sentimentalism

subliniază interiorul,

latura spirituală a ființei umane.

În Rusia, sentimentalismul a fost întruchipat cel mai viu în literatură și pictură, de exemplu, în opera lui V.L. Borovikovsky.

V.L. Borovikovsky. Lizynka și Dashinka. 1794 Stat

Galeria Tretiakov, Moscova

Întrebări de control

1. Care este programul estetic al artei clasicismului? Cum au fost exprimate legăturile și diferențele dintre arta clasicismului și barocul?

2. Ce exemple de Antichitate și Renaștere au urmat arta clasicismului? Ce idealuri din trecut și de ce a trebuit să renunțe?

3. De ce este considerat rococo un stil de aristocrație? Ce caracteristici ale acesteia au întrunit gusturile și dispozițiile timpului lor? De ce nu exista loc în ea pentru exprimarea idealurilor civice? De ce credeți că stilul rococo a atins apogeul în arte și meserii?

4. Comparați principiile de bază ale barocului și rococului. este posibil

5 *. Pe ce idei de iluminare s-a bazat sentimentalismul? Care sunt principalele sale accente? Este legitim să privim sentimentalismul în marele stil al clasicismului?

Teme de prezentări, proiecte

• „Rolul Franței în dezvoltarea culturii artistice europene”.
• „Omul, natura, societatea în programul estetic al clasicismului”.
• „Mostre de Antichitate și Renaștere în Arta Clasicismului”.
• „Criza idealurilor baroce și arta clasicismului”.
• „Rococo și sentimentalism - stiluri și tendințe însoțitoare ale clasicismului”.
• „Caracteristici ale dezvoltării clasicismului în arta Franței (Rusia etc.)”.
• „J. J. Rousseau ca fondator al sentimentalismului. "
• „Cultul sentimentului natural în arta sentimentalismului”.
• „Soarta suplimentară a clasicismului în istoria artei mondiale”.

• Azi am aflat ...
• A fost interesant…
• A fost dificil…
• Am învățat…
• Am fost în stare să ...
• Am fost surprins ...
• Am vrut…

Literatură:

• Programe pentru instituțiile de învățământ. Danilova G.I. World art culture. - M.: Bustard, 2011
• Danilova, G.I. Art / MHC. 11 cl. Nivel de bază: manual / G.I. Danilov. M.: Bustard, 2014.
• Kobyakov Ruslan. St.Petersburg

8. Arte plastice ale clasicismului și rococo

P. 75-85

Plan și răspunsuri scurte:

Creativitatea lui N. Poussin:

Metoda creativă: proporționalitatea părților întregului, ordinea creativă, armonia, claritatea formelor.

Principalele criterii pentru adevărul și frumusețea artistică: rațiunea și gândirea.

Principalele obiecte de artă: ceea ce este asociat cu ideea de sublim și frumos, care poate servi drept model și mijloc de educare a celor mai bune calități morale ale unei persoane. Glorificarea unei persoane eroice, oameni puternici.

Ce comploturi a portretizat: istoric, în care a existat mișcare, acțiune și exprimare.

Sistemul compozițional al picturilor: două principii: echilibrul formelor (construirea unui grup în jurul centrului) și relația lor liberă (îndepărtarea de centru).

Picturile lui Poussin și particularitatea lor, adică:

„Păstorii Arcadieni” - claritatea sculpturală a formelor, completitudinea plastică și acuratețea desenului, claritatea și echilibrul compoziției geometrice, principiul secțiunii aurii. Severitatea proporțiilor, ritm liniar neted și neted. Se bazează pe un profund gând filozofic despre fragilitatea existenței pământești și inevitabilitatea morții.

„Autoportret”, „Tancred și Herminia”, „Moartea lui Germanicus”, „Peisaj cu două nimfe”

Principalele teme ale picturii rococo: viața rafinată a aristocrației curții, „festivitățile galante”, imagini idilice ale vieții „păstorului” pe fondul naturii curate, lumea intrigilor complexe de dragoste și a alegoriilor ingenioase.

A. Watteau. Picturile sale și trăsăturile lor. „Poet al timpului liber fără griji”, „Cântăreț al harului și frumuseții”, „Stăpânul sărbătorilor galante” - așa a fost numit A. Watteau. Pictură: „Pelerinaj la insula Kiferu” - armonia omului și a naturii; „Gamma Iubirii”; „Gilles” („Pierrot”) - un semn pentru spectacolele comedianților rătăcitori, simplitatea motivului și a compoziției, desen precis, culori atent gândite.

F. Boucher. Picturile sale și trăsăturile lor. Elevul A. Watteau, „pictorul harurilor”, „Anacreonul picturii”, „pictorul regal”, „artistul ipocrit”, „care are totul în afară de adevăr”, „mâna lui strânge trandafiri unde alții găsesc doar spini”. Tablouri: Madame de Pompadour, Mic dejun.

CONCEPTE, IDEI

Testarea cunoștințelor elevilor

Activități universale de învățare

sub-întrebări

10.

11.

12.

13.

14.

15.

16.

17.

18.

19.

20.

21.

22. Întrebări de control

23. Atelier de creație

24. Teme de prezentări, proiecte

25. reflecție

26. Literatură: