Un grup de percuție și un grup de instrumente ciupite și cu clape într-o orchestră simfonică. Orchestra simfonică: formare și dezvoltare Ce instrumente sunt într-o orchestră simfonică

Fedorov Anzhelika, Gibadullina Xenia

Prezentările au fost realizate în cadrul proiectului „În lume instrumente muzicale".

Descarca:

Previzualizare:

https://accounts.google.com

Subtitrările diapozitivelor:

Instrumente muzicale Fedorov Anzhelika Clasa 5 A

Balalaikas

Balalaika este un instrument muzical popular rusesc cu trei coarde ciupite, de la 600-700 mm (prima balalaika) la 1,7 metri (balalaica contrabas) lungime, cu carcasa de lemn triunghiulara usor curbata (tot ovala in secolele XVIII-XIX). Balalaica este unul dintre instrumentele care au devenit (alaturi de acordeon si, intr-o mai mica masura, jalnic) simbolul muzical al poporului rus.

Descriere: Corpul este lipit împreună din segmente separate (6-7), capul gâtului lung este ușor îndoit înapoi. Corzi metalice (În secolul al XVIII-lea, două dintre ele erau nervurate; balalaika moderne au șiruri de nailon sau carbon). Pe tastatura unei balalaikă moderne există 16-31 de freturi metalice (până la sfârșitul secolului al XIX-lea - 5-7 frete forțate).

Sunet: puternic, dar moale. Cele mai comune tehnici de extragere a sunetului: râs, pizzicato, double pizzicato, single pizzicato, vibrato, tremolo, fracțiuni, trucuri de chitară.

Sistem Înainte ca balalaica să fie transformată într-un instrument de concert la sfârșitul secolului al XIX-lea de către Vasily Andreev, nu avea un sistem permanent, omniprezent. Fiecare interpret a acordat instrumentul în funcție de stilul său de interpretare, starea de spirit generala piese jucate și tradiții locale. Sistemul introdus de Andreev (două coarde la unison – nota „mi”, unul – un litru mai sus – nota „la” (atât „mi” cât și „la” a primei octave) s-a răspândit în rândul cântăreților de concert balalaika și a început să fie numit „academic". Există și un sistem „folk" - primul șir este „sol”, al doilea - „mi”, al treilea - „do". În acest sistem, triadele sunt mai ușor de luat, dezavantajul din aceasta este dificultatea de a cânta pe coarde deschise.Pe lângă cele de mai sus, există și tradiții regionale de acordare a instrumentului Numărul de setări locale rare ajunge la două duzini.

Soiuri: Balalaica contrabas Într-o orchestră modernă de instrumente populare rusești se folosesc cinci soiuri de balalaika: prima, secundă, viola, bas și contrabas. Dintre acestea, doar prima este un instrument solo, virtuos, în timp ce restului li se atribuie funcții pur orchestrale: a doua și viola implementează acompaniamentul acordurilor, în timp ce basul și contrabasul îndeplinesc funcția de bas.

Origine: Tar - unul dintre precursorii chitarei Cele mai vechi dovezi care au supraviețuit ale instrumentelor cu coarde cu un corp și un gât rezonanți, strămoșii chitarei moderne, datează din mileniul II î.Hr. e. Imaginile kinnorului (un instrument cu coarde sumerian-babilonian, menționat în legendele biblice) au fost găsite pe basoreliefuri de lut în timpul săpăturilor arheologice din Mesopotamia. În Egiptul antic și India, erau cunoscute și instrumente similare: nabla, nefer, citara în Egipt, vin și sitar în India. LA Grecia anticăși Roma, instrumentul citharei era popular. Predecesorii chitarei aveau un corp de rezonanță alungit și rotund și un gât lung cu corzi întinse pe el. Corpul a fost făcut dintr-o singură bucată - dintr-un dovleac uscat, coajă de țestoasă sau scobit dintr-o singură bucată de lemn. În secolele III - IV d.Hr. e. în China apar instrumente ruan (sau yuan) și yueqin, în care carcasa din lemn a fost asamblată din plăcile de sunet superioare și inferioare și părțile laterale care le leagă. În Europa, acest lucru a determinat introducerea chitarelor latine și maure în jurul secolului al VI-lea. Mai târziu, în secolele XV - XVI, a apărut instrumentul vihuela, care a influențat și formarea designului chitarei moderne.

Originea numelui: Cuvântul „chitară” provine din fuziunea a două cuvinte: cuvântul sanscrit „sangita”, care înseamnă „muzică” și persanul vechi „tar”, care înseamnă „coarda”. Potrivit unei alte versiuni, cuvântul „chitară” provine din cuvântul sanscrit „kutur”, adică „cu patru coarde” (cf. setar - cu trei coarde). Pe măsură ce chitara s-a răspândit din Asia Centrală prin Grecia până în Europa de Vest, cuvântul „chitară” a suferit modificări: „cithara (ϰιθάϱα)” în Grecia antică, latină „cithara”, „guitarra” în Spania, „chitarra” în Italia, „guitare”. ” în Franța, „chitară” în Anglia și, în final, „chitară” în Rusia. Numele „chitară” a apărut pentru prima dată în literatura medievală europeană în secolul al XIII-lea.

Dispozitive pentru chitară Părți principale: Chitara este un corp cu un gât lung, numit „gât”. Partea frontală, de lucru a gâtului este plată sau ușor convexă. Corzile sunt întinse de-a lungul ei, fixate la un capăt pe corp, cu celălalt pe cutia de cuie de la capătul gâtului. Pe corp, corzile sunt fixate nemișcate prin intermediul unui suport, pe cap cu ajutorul unui mecanism cu cheie, care permite reglarea tensiunii corzilor. Coarda se află pe două șei, inferioară și superioară, distanța dintre ele, care determină lungimea părții de lucru a coardei, este scara chitarei. Nuca este situată în partea de sus a gâtului, lângă cap. Cel de jos este montat pe un suport pe corpul chitarei. Deoarece șaua poate fi folosită așa-numita. „șeile” sunt mecanisme simple care vă permit să reglați lungimea fiecărei sfori.

Flaut este un nume comun pentru o serie de instrumente din grupul de suflat, dar acum au fost create și cele din metal. Este unul dintre cele mai vechi instrumente muzicale la origine. Spre deosebire de alte instrumente de suflat, sunetele de flaut se formează ca urmare a tăierii curentului de aer pe margine, în loc să folosească trestia. Un muzician care cântă la flaut este denumit în mod obișnuit flautist.

Istoria dezvoltării flautului Flaut osos al epocii paleolitice (cultura aurignaciană). Cea mai veche formă de flaut pare să fie fluierul. Treptat, găurile pentru degete au început să fie tăiate în tuburile de fluier, transformând un fluier simplu într-un flaut fluier, pe care era deja posibilă interpretarea unor lucrări muzicale. Primele descoperiri arheologice ale flautului datează din 35 - 40 de mii de ani î.Hr., astfel încât flautul este unul dintre cele mai vechi instrumente muzicale. Flautul longitudinal era cunoscut în Egipt în urmă cu cinci mii de ani și rămâne principalul instrument de suflat în Orientul Mijlociu. În Europa a fost răspândită în secolele XV - XVII. Flautul longitudinal, care are 5-6 orificii pentru degete și este capabil de suflare în octave, oferă o scară muzicală completă, intervale individuale în cadrul cărora se pot schimba, formând diferite freturi prin încrucișarea degetelor, închiderea orificiilor la jumătate, precum și schimbarea direcției. și puterea de respirație. Acum folosit ocazional în interpretarea muzicii vechi.

Flaut Piccolo din punct de vedere al sunetului, este un instrument printre instrumentele de suflat. Are un strălucitor, în forte - un timbru străpungător și șuierător. Un flaut mic are jumătate din lungimea unuia obișnuit și sună cu o octavă mai sus și este imposibil să extragi un număr de sunete joase de pe el. Gama piccolo este de la d ² la c 5 (re din a doua octava - până la a cincea octava), există și instrumente care au capacitatea de a lua c ² și cis ². Notele pentru ușurință în citire sunt scrise cu o octavă mai jos.

Flaut de nai, „flaut de nai” Articolul principal: Flaut de nai Flaut de nai (flaut de nai) - o clasă de instrumente de suflat din lemn, un flaut cu mai multe țevi, constând din mai multe (2 sau mai multe) tuburi goale de diferite lungimi. Capetele inferioare ale tuburilor sunt închise, cele superioare sunt deschise.

Flaut irlandez Articol principal: Flaut irlandez Flaut irlandez este un flaut transversal folosit pentru a cânta muzică populară irlandeză (precum scoțiană, bretonă etc.). Este un flaut transversal al așa-numitului. un sistem simplu - cele 6 găuri principale ale sale nu sunt închise cu supape; atunci când se joacă, acestea sunt închise direct de degetele interpretului. Flautul irlandez se găsește în versiuni cu valve (de la 1 la 10), și fără. Și, de asemenea, există încă 6 tipuri de flaut.

Previzualizare:

Pentru a utiliza previzualizarea prezentărilor, creați un cont Google (cont) și conectați-vă: https://accounts.google.com

Subtitrările diapozitivelor:

Compoziția orchestrei simfonice Interpretată de o elevă de clasa a VI-a B Gibadullina Ksenia

În ce constă o orchestră simfonică O orchestră simfonică modernă este formată din 4 grupuri principale. Fundamentul orchestrei este un grup de coarde (viori, viole, violoncel, contrabas). Grupul de instrumente de suflat din lemn include flaute, oboi, clarinete, fagoturi. Al treilea grup de instrumente de orchestră este alama (corn, trompetă, trombon, trompetă). Instrumentele de percuție (timpani, triunghi, capcană și tobe bas, chimvale) devin din ce în ce mai importante în orchestra simfonică.

Vioara este un instrument muzical cu coarde înalte. Are o origine populară, a căpătat un aspect modern în secolul al XVI-lea și s-a răspândit în secolul al XVII-lea. Are patru coarde acordate în cincimi: g, d1, a1, e² (sarea unei octave mici, re, la a primei octave, mi a celei de-a doua octave), interval de la g (sarea unei octave mici) la a4 ( la de octava a patra) si mai mare. Timbrul viorii este gros în registrul mic, moale la mijloc și strălucitor în agut. Vioară

Originea viorii Progenitorii viorii au fost rebabul arab, fidelul spaniol, crotta britanică, a căror fuziune a format viola. Formele de vioară au fost stabilite până în secolul al XVI-lea; celebri producători de viori - familia Amati - aparțin acestui secol și începutul secolului al XVII-lea. Instrumentele lor au o formă excelentă și un material excelent. În general, Italia era renumită pentru producția de viori, printre care viorile Stradivari și Guarneri sunt în prezent foarte apreciate. Fidel. Detaliu al altarului Bisericii Sfântul Zaharia, Veneția, Giovanni Bellini, 1505.

Cello Cello (în italiană violoncel, abreviat violoncel, germană Violoncello, franceză violoncelle, engleză violoncel) este un instrument muzical cu coarde cu arc din registrul de bas și tenor, cunoscut din prima jumătate a secolului al XVI-lea, cu aceeași structură ca și vioara sau viola, însă, mult mai mare. Violoncelul are posibilități expresive largi și tehnică de interpretare atent dezvoltată, este folosit ca instrument solo, ansamblu și orchestral.

Originea violoncelului Aspectul violoncelului datează de la începutul secolului al XVI-lea. Inițial, a fost folosit ca instrument de bas pentru a însoți cântatul sau cântatul unui instrument de registru superior. Au existat numeroase varietăți de violoncel, care diferă unele de altele ca mărime, număr de coarde și acordare (cel mai comun acord era un ton mai mic decât cel modern). În secolele XVII-XVIII, eforturile maeștrilor muzicali remarcabili ai școlilor italiene (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana etc.) au creat un model clasic de violoncel cu o dimensiune a corpului bine stabilită.

Flaut este un nume comun pentru o serie de instrumente de suflat din lemn. Spre deosebire de alte instrumente de suflat, sunetele de flaut se formează ca urmare a tăierii curentului de aer pe margine, în loc să folosească trestia. Un muzician care cântă la flaut este denumit în mod obișnuit flautist. Flaut

Originea flautului Cea mai veche formă a flautului pare să fie fluierul. Treptat, găurile pentru degete au început să fie tăiate în tuburile de fluier, transformând un fluier simplu într-un flaut fluier, pe care era deja posibilă interpretarea unor lucrări muzicale. Primele descoperiri arheologice ale flautului datează din 35 - 40 de mii de ani î.Hr., astfel încât flautul este unul dintre cele mai vechi instrumente muzicale. Flautul longitudinal era cunoscut în Egipt în urmă cu cinci mii de ani și rămâne principalul instrument de suflat în Orientul Mijlociu. Flautul longitudinal, care are 5-6 orificii pentru degete și este capabil de suflare în octave, oferă o scară muzicală completă, intervale individuale în cadrul cărora se pot schimba, formând diferite freturi prin încrucișarea degetelor, închiderea orificiilor la jumătate, precum și schimbarea direcției. și puterea de respirație.

Oboe Oboe (din franceză hautbois, literal „copac înalt”, oboi în engleză, germană și italiană) este un instrument muzical de suflat din lemn din registrul sopranei, care este un tub conic cu sistem de supape și o trestie dublă (limbă). Aspect modern oboi dobândit în prima jumătate a secolului al XVIII-lea. Instrumentul are un melodios, dar oarecum nazal, iar în registrul superior - un timbru ascuțit.

Originea oboiului În al doilea sfert al secolului al XIX-lea, proiectarea instrumentelor de suflat din lemn a cunoscut o adevărată revoluție: Theobald Böhm a inventat un sistem de supape inelare speciale pentru închiderea mai multor orificii simultan și l-a aplicat pe instrumentul său - flaut, mai târziu acest sistem a fost adaptat pentru clarinet și alte instrumente. Mărimea și locația găurilor nu mai depindeau de lungimea degetelor muzicianului. Acest lucru a făcut posibilă îmbunătățirea intonației, a face timbrul mai clar și mai pur și a extins gama de instrumente. Pentru oboi, acest sistem în forma sa originală nu era potrivit. După ceva timp, Guillaume Triber și fiii săi Charles-Louis (profesor la Conservatorul din Paris) și Frederic au propus un mecanism îmbunătățit adaptat pentru oboi, schimbând în același timp ușor designul instrumentului în sine. Adepții lor, François și Lucien Lauret, au creat un nou model de oboi numit „Modelul de conservator cu supapă plată”, care a fost adoptat rapid de toți oboiștii.

Trombone Trombone (trombon italian, lit. „pipă mare”, trombon engleză și franceză, germană Posaune) este un instrument muzical de suflat din alamă din registrul bas-tenor. Trombonul este cunoscut încă din secolul al XV-lea. Se deosebește de alte instrumente de alamă prin prezența în culise - un tub special mobil în formă de U, cu ajutorul căruia muzicianul schimbă volumul de aer conținut în instrument, obținând astfel capacitatea de a reda sunetele unei scări cromatice. (supapele servesc acestui scop la trompetă, corn și tubă).

Aspectul trombonului datează din secolul al XV-lea. În general, se acceptă faptul că predecesorii direcți ai acestui instrument au fost țevile rocker, la cântare pe care muzicianul avea ocazia să miște țeava instrumentului, obținând astfel o scară cromatică. În timpul existenței sale, trombonul practic nu a suferit modificări radicale în designul său. Originea trombonului

Corn (din germană Waldhorn - „cornul de pădure”, italiană corno, engleză franceză corn, francez cor) este un instrument muzical de suflat din alamă din registrul bas-tenor.

Originea cornului francez Derivat dintr-un corn de semnal de vânătoare, a intrat în orchestră la mijlocul secolului al XVII-lea. Până în anii 1830, ca și alte instrumente de alamă, nu avea valve și era un instrument natural cu o scară limitată (așa-numitul „corn natural”, care a fost folosit de Beethoven). Cornul francez este folosit în trupe simfonice și de alamă, precum și în ansamblu și instrument solo.

Timpani Timpani (timbale italiană, timbales franceze, Pauken germană, tobe de ibric engleză) este un instrument muzical de percuție cu o anumită înălțime. Sunt un sistem de două sau mai multe (până la șapte) boluri metalice în formă de ceaun, a căror latură deschisă este acoperită cu piele sau plastic, iar partea inferioară poate avea o gaură.

Originea timpanelor Timbalul este un instrument de origine foarte veche. În Europa, timpanele, apropiate ca formă de cele moderne, dar cu un sistem constant, au devenit cunoscute deja în secolul al XV-lea, iar din secolul al XVII-lea timpanii fac parte din orchestre. Ulterior, a apărut un mecanism cu șurub de tensionare, care a făcut posibilă reconstruirea timpanului. În afacerile militare, erau folosite în cavaleria grea, unde erau folosite ca transmisie a semnalelor de control al luptei.

Chimvale Chimbalele sunt un instrument muzical de percuție cu o înălțime nedefinită. Plăcile sunt cunoscute din cele mai vechi timpuri, întâlnindu-se în China, India, mai târziu în Grecia și Turcia. Sunt un disc de formă convexă realizat din aliaje speciale prin turnare și forjare ulterioară. Există o gaură în centrul chimvalului pentru atașarea instrumentului la un suport special sau pentru atașarea unei curele.

Istoria chimvalelor Chimvalele, împreună cu creșterea grupului de percuție în orchestră, au apărut probabil pentru prima dată în partiturile lui Gluck. La sfârșitul secolului al XVIII-lea, în perioada lui Haydn și Mozart, chimvale (împreună cu o tobă de bas și un triunghi) se găseau rar în partituri de operă, doar pentru a reflecta aroma barbară sau turcească.

O orchestră simfonică este un grup destul de mare de muzicieni care interpretează diverse lucrări muzicale. De regulă, repertoriul include muzică de tradiție vest-europeană. Care este compoziția unei orchestre simfonice? Cum este diferit de alte grupuri muzicale? Mai multe despre asta mai târziu.

Compunerea orchestrei simfonice pe grupe

În colectivul modern sunt implicate patru categorii de interpreți muzicali. De unde ar trebui să începem să ne gândim la compoziția unei orchestre simfonice? Instrumentele cântate de muzicieni se disting prin diversitatea, proprietățile dinamice, caracteristicile ritmice și sonore.

Fundația trupei este considerată a fi muzicieni care cântă la coarde. Numărul lor este de aproximativ 2/3 din numărul total de interpreți. Orchestra simfonică include contrabasişti, violoncelisti, violonişti şi violişti. De regulă, corzile acționează ca purtători principali ai începutului melodic.

Următorul grup este suflat din lemn. Acestea includ fagoturi, clarinete, oboi, flaute. Fiecare instrument are propria sa parte. În comparație cu instrumentele cu arc, instrumentele de suflat nu au o asemenea amploare și diversitate în tehnicile de interpretare. Cu toate acestea, au mai multă putere, luminozitate a nuanțelor cu un sunet compact.

Orchestra simfonică include și instrumente de alamă. Acestea includ trompete, trombone, tube, coarne. Datorită prezenței lor, interpretarea pieselor muzicale devine mai puternică, ele acționând ca suport ritmic și de bas.

Siruri de caractere

Vioara este considerată cel mai înalt sunet. Acest instrument se caracterizează prin posibilități tehnice și expresive bogate. Viorii i se încredințează adesea pasaje dificile și rapide, triluri diverse, sărituri melodice și largi, tremolo.

Un altul este alt. Metoda de a cânta este similară cu vioara. În general, este acceptat că viola este oarecum inferioară viorii în ceea ce privește luminozitatea și strălucirea timbrului. Dar, în același timp, acest instrument transmite perfect muzică de natură visătoare-romantică, elegiacă.

Violoncelul este de două ori mai mare decât viola, dar arcul său este mai scurt decât cel pentru violă și vioară. Acest instrument aparține categoriei de „picior”: este instalat între genunchi, sprijinindu-se pe podea cu un turlă de metal.

Contrabasul este mult mai mare ca dimensiune - trebuie cântat stând pe un scaun înalt sau în picioare. Acest instrument este excelent pentru a cânta pasaje destul de rapide. Contrabasul formează fundația sunetului corzilor, interpretând părțile vocii de bas. Destul de des face parte dintr-o orchestră de jazz.

suflat din lemn

Flautul este unul dintre cele mai vechi instrumente din lume. Prima mențiune despre ea poate fi găsită în sulurile din Egipt, Roma, Grecia. Dintre toate instrumentele de suflat, flautul este considerat cel mai mobil instrument, iar prin virtuozitatea lui le depășește cu mult pe restul.

Oboiul este considerat nu mai puțin vechi. Acest instrument este unic prin faptul că, datorită particularităților designului său, nu își pierde setările. Prin urmare, toți ceilalți „participanți” sunt configurați în funcție de acesta.

Un alt instrument destul de popular este clarinetul. Doar el are acces la o schimbare destul de flexibilă a puterii sunetului. Datorită acestei proprietăți și altor proprietăți, clarinetul este considerat una dintre cele mai expresive „voci” care alcătuiesc fanfara.

Tobe. informatii generale

Având în vedere componența orchestrei simfonice pe grupe, trebuie remarcate instrumentele de percuție. Funcția lor este ritmică. În același timp, formează un fundal bogat de sunet și zgomot, decorează și completează paleta de melodii cu diverse efecte. În funcție de natura sunetului, instrumentele de percuție pot fi împărțite în două tipuri. Primul le include pe cei care au un anumit timpan, clopote, xilofon și altele. Al doilea tip include instrumente cărora le lipsește înălțimea sonoră precisă. Acestea, în special, includ chimvale, tobe, o tamburină, un triunghi.

Descriere

Destul de vechi, ca unele dintre instrumentele descrise mai sus, este timpanul. Erau destul de comune în multe țări: Grecia, Africa, printre sciți. Spre deosebire de alte instrumente din piele, timpanele au o anumită înălțime.

Chimvalele sunt plăci metalice rotunde mari. În centru sunt ușor convexe - în acest loc curelele sunt fixate astfel încât interpretul să le poată ține în mâini. Se cântă în picioare - așa se răspândește cel mai bine sunetul în aer. O orchestră simfonică include de obicei o pereche de chimvale.

Xilofonul este un dispozitiv destul de original. Blocurile de lemn de diferite dimensiuni sunt folosite ca corp de sunet. Trebuie spus că xilofonul face adesea parte din orchestra populară rusă. Sunetul pe care îl fac blocurile de lemn este ascuțit, clic, „uscat”. Uneori evocă o stare de spirit sumbră, creând imagini grotești, bizare. O orchestră a cărei compoziție poate include nu numai un xilofon, cel mai adesea cântă într-o specială poveste- de regulă, în basme sau episoade epice.

Alamă

Trâmbița a fost prima care a intrat în orchestra de operă. Timbrul ei nu este caracterizat de lirism. Ca regulă generală, trompetele sunt considerate exclusiv instrumente de fanfară.

Cel mai poetic din „colectiv” este cornul francez. În registrul mic, timbrul său este oarecum sumbru, iar în registrul superior este destul de tensionat.

Saxofonul ocupă într-un fel o poziție intermediară între instrumentele de suflat și alamă. Puterea sunetului său este mult mai mare decât cea a clarinetului. De la începutul secolului XX, saxofonul a devenit una dintre principalele „voci” care alcătuiesc ansamblurile de jazz.

Tuba se referă la „bas”. Este capabil să acopere cea mai joasă parte a gamei grupului de cupru.

Unelte unice. Harpă

Compoziția principală a orchestrei simfonice este descrisă mai sus. Instrumentele pot fi introduse suplimentar. De exemplu, harpa. Acest instrument este considerat unul dintre cele mai vechi din istoria muzicala umanitatea. Venea dintr-un arc cu o coardă întinsă, care suna destul de melodios când era tras. Harpa aparține Frumuseții și aspectul ei este superior tuturor celorlalți „participanți”.

Harpa are abilități virtuozice destul de deosebite. Pe el, pasajele din arpegii, acorduri largi, glissandos și armonici sunt excelente. Rolul harpei nu este atât de emoțional, cât de colorat într-o anumită măsură. Instrumentul îi însoțește adesea pe alții. În plus, harpei i se oferă solo-uri spectaculoase.

pian

Sursa de sunet a acestui instrument sunt corzile metalice. Ciocanele de lemn, acoperite cu pâslă, încep să bată în ele când apăsați tastele cu degetele. Rezultatul este un sunet diferit. Pianul a câștigat o mare popularitate ca instrument solo. Dar, în unele cazuri, el poate acționa și ca un „participant obișnuit”. Unii compozitori folosesc pianul ca element decorativ, aducând noi culori și sonoritate sunetului întregii orchestre.

Organ

Acest vânt era cunoscut în cea mai îndepărtată antichitate. La acea vreme, aerul era suflat cu burduf manual. Ulterior, designul instrumentului a fost îmbunătățit. În Europa antică, orga era folosită în slujbele bisericești. Acesta este un instrument gigantic cu o mare varietate de timbre. Gama orgii este mai mare decât cea a tuturor instrumentelor din orchestră adunate. Designul prevede blănuri care pompează aer, un sistem de țevi de diferite dimensiuni și dispozitive, tastaturi - picior și mai multe manuale.

Țevile cu același timbru într-un singur set se numesc „registru”. Organele mari ale catedralei au aproximativ o sută de registre. Colorarea sunetelor în unele dintre ele seamănă cu sunetul unui flaut, oboi, clarinet, violoncel și alte instrumente orchestrale. Cu cât registrele sunt mai diverse și mai „bogate”, cu atât interpretul are mai multe oportunități. Arta de a cânta la orgă se bazează pe capacitatea de a „înregistra” cu pricepere, adică utilizarea întregului potențial tehnic.

La folosirea orgii în muzica de ultimă oră, în special teatrală, compozitorii urmăreau în primul rând un scop sonor-reprezentator, mai ales în acele momente în care era necesară reproducerea atmosferei bisericești. Așa că, de exemplu, Liszt în „Bătălia hunilor” (un poem simfonic) a pus în contrast lumea creștină cu barbarii care foloseau orga.

O orchestră simfonică modernă este formată din 4 grupuri principale. Fundamentul orchestrei este un grup de coarde (viori, viole, violoncel, contrabas). În cele mai multe cazuri, coardele sunt principalele purtătoare ale începutului melodic în orchestră. Numărul de muzicieni care cântă coarde este de aproximativ 2/3 din întreaga trupă. Grupul de instrumente de suflat din lemn include flaute, oboi, clarinete, fagoturi. Fiecare dintre ei are de obicei un partid independent. Cedată celor înclinate în saturație de timbru, proprietăți dinamice și o varietate de tehnici de cânt, instrumentele de suflat au o putere mare, un sunet compact, nuanțe luminoase de culoare. Al treilea grup de instrumente de orchestră este alama (corn, trompetă, trombon, tubă). Ele aduc noi culori strălucitoare orchestrei, îmbogățindu-i capacitățile dinamice, dând putere și strălucire sunetului și servesc, de asemenea, ca suport de bas și ritm.
Instrumentele de percuție devin din ce în ce mai importante în orchestra simfonică. Funcția lor principală este ritmică. În plus, ele creează un fundal special de sunet și zgomot, completează și decorează paleta orchestrală cu efecte de culoare. După natura sunetului, tobele sunt împărțite în 2 tipuri: unele au o anumită înălțime (timpani, clopoței, xilofon, clopoței etc.), altele au o înălțime exactă (triunghi, tamburin, tobă mică și mare, chimvale) . Dintre instrumentele care nu sunt incluse în grupele principale, rolul harpei este cel mai semnificativ. Ocazional, compozitorii includ celesta, pianul, saxofonul, orga și alte instrumente în orchestră.

suflat din lemn

FLAUT

Unul dintre cele mai vechi instrumente din lume, cunoscut în antichitate - în Egipt, Grecia și Roma. Din cele mai vechi timpuri, oamenii au învățat să extragă sunete muzicale dintr-o trestie tăiată, închisă la un capăt. Acest instrument muzical primitiv a fost aparent strămoșul îndepărtat al flautului.

În Europa, în Evul Mediu, s-au răspândit două tipuri de flaut: drept și transversal. Flautul drept, sau „flautul cu vârf”, era ținut drept înainte, ca un oboi sau un clarinet; oblic sau transversal - la un unghi. Flautul transversal s-a dovedit a fi mai viabil, deoarece era ușor de îmbunătățit. La mijlocul secolului al XVIII-lea, a înlocuit în cele din urmă flautul drept din orchestra simfonică. În același timp, flautul, împreună cu harpa și clavecinul, a devenit unul dintre cele mai îndrăgite instrumente de muzică casnică. La flaut, de exemplu, au cântat artistul rus Fedotov și regele prusac Frederic al II-lea.

Flautul este cel mai mobil instrument de suflat din lemn: din punct de vedere al virtuozității, le depășește pe toate celelalte instrumente de suflat. Un exemplu în acest sens este suita de balet „Daphnis and Chloe” de Ravel, unde flautul acționează de fapt ca un instrument solo.

Flautul este un tub cilindric, din lemn sau metal, închis pe o parte - la cap. Există și o gaură laterală pentru injectarea aerului. Cântarea la flaut necesită mult consum de aer: atunci când este suflată, o parte din el se sparge pe marginea ascuțită a găurii și pleacă. Din aceasta se obtine un ton sibilant caracteristic, mai ales in registrul grave. Din același motiv, notele susținute și melodiile largi sunt greu de interpretat la flaut.

Rimski-Korsakov a descris sonoritatea flautului astfel: „Timbrul este rece, cel mai potrivit pentru melodii cu o natură grațioasă și frivolă în majoritate și cu o notă de tristețe superficială în minor”.

Compozitorii folosesc adesea un ansamblu de trei flaute. Un exemplu este dansul ciobanilor din Spărgătorul de nuci de Ceaikovski.

OBOI

concurează cu flautul în antichitatea originii sale: își urmărește genealogia până la flautul primitiv. Dintre strămoșii oboiului, aulosul grecesc a fost cel mai utilizat, fără de care elenii antici nu și-ar putea imagina nici o sărbătoare, nici o reprezentație teatrală. Strămoșii oboiului au venit în Europa din Orientul Mijlociu.

În secolul al XVII-lea, un oboi a fost creat dintr-o bombardă - un instrument de tip pipă, care a devenit imediat popular în orchestră. Curând a devenit și un instrument de concert. Timp de aproape un secol, oboiul a fost idolul muzicienilor și iubitorilor de muzică. Cei mai buni compozitori ai secolelor XVII-XVIII - Lully, Rameau, Bach, Händel - au adus un omagiu acestei pasiuni: Händel, de exemplu, a scris concerte pentru oboi, a căror dificultate poate deruta chiar și oboiștii moderni. Cu toate acestea, la începutul secolului al XIX-lea, „cultul” oboiului în orchestră a dispărut oarecum, iar rolul principal în grupul de suflat a trecut la clarinet.

După structura sa, oboiul este un tub conic; la un capăt al acestuia se află un mic clopot în formă de pâlnie, la celălalt - un baston, pe care interpretul îl ține în gură.

Datorită unor caracteristici de design, oboiul nu își pierde niciodată reglajul. Prin urmare, a devenit o tradiție acordarea întregii orchestre la ea. În fața unei orchestre simfonice, când muzicienii se adună pe scenă, nu este neobișnuit să-l auzi pe oboistul cântând prima octavă în La, iar ceilalți interpreți ajustându-și instrumentele.

Oboiul are o tehnică mobilă, deși este inferior în acest sens flautului. Este mai degrabă un instrument cântând decât un instrument virtuos: de regulă, domeniul său este tristețea și elegia. Așa sună în tema lebedelor de la pauza până la actul al doilea din „Lacul lebedelor” și în melodia melancolică simplă a celei de-a doua părți a simfoniei a IV-a a lui Ceaikovski. Ocazional, oboiului i se atribuie „roluri comice”: în Frumoasa adormită a lui Ceaikovski, de exemplu, în varianta „Pisica și pisicuța”, oboiul imită amuzant mieunatul pisicii.

CLARINET

Este un tub cilindric de lemn cu un clopot în formă de coroană la un capăt și un vârf de trestie la celălalt.

Dintre toate instrumentele de suflat, doar clarinetul are flexibilitatea de a schimba volumul sunetului. Aceasta și multe alte calități ale clarinetului l-au făcut una dintre cele mai expresive voci din orchestră. Este curios faptul că doi compozitori ruși, care se ocupă de aceeași intriga, au acționat exact în același mod: atât în ​​„Crăiasa zăpezii” - Rimski-Korsakov, cât și Ceaikovski - melodiile ciobanului lui Lel sunt încredințate clarinetului.

Adesea, timbrul clarinetului este asociat cu situații dramatice sumbre. Această zonă de expresivitate a fost „descoperită” de Weber. În scena „Wolf Valley” din „Magic Shooter” el a ghicit mai întâi ce efecte tragice sunt ascunse în registrul scăzut al instrumentului. Mai târziu, Ceaikovski a folosit sunetul ciudat al clarinetelor joase din The Queen of Spades în momentul în care apare fantoma contesei.

Clarinet mic.
Micul clarinet a venit la orchestra simfonică din alamă militară. A fost folosit pentru prima dată de Berlioz, care i-a încredințat „tema iubită” distorsionată în ultima mișcare a Simfoniei Fantastice. Clarinetul mic a fost folosit adesea de Wagner, Rimsky-Korsakov, R. Strauss. Şostakovici.

corn basset.
La sfârșitul secolului al XVIII-lea, familia clarinetului s-a îmbogățit cu încă un membru: în orchestră a apărut cornul de basset - o varietate veche a clarinetului alto. A depășit instrumentul principal ca mărime, iar timbrul său - calm, solemn și mat - ocupa o poziție intermediară între clarinetul obișnuit și cel bas. A stat în orchestră doar câteva decenii și și-a datorat perioada de glorie lui Mozart. Pentru două corni de basset cu fagoturi a fost scris începutul „Requiemului” (acum, cornii de basset sunt înlocuiți cu clarinete).

O încercare de a reînvia acest instrument sub denumirea de clarinet alto a fost făcută de R. Strauss, dar de atunci nu pare să se fi mai repetat. În zilele noastre, cornurile de basset sunt incluse în trupele militare.

Clarinet bas.
Clarinetul bas este cel mai „impresionant” membru al familiei. Construită la sfârșitul secolului al XVIII-lea, a câștigat o poziție puternică în orchestra simfonică. Forma acestui instrument este destul de neobișnuită: clopotul său este îndoit în sus, ca o pipă de fumat, iar mușticul este montat pe o tijă curbată - toate acestea pentru a reduce lungimea exorbitantă a instrumentului și pentru a facilita utilizarea acestuia. Meyerbeer a fost primul care a „descoperit” enorma putere dramatică a acestui instrument. Wagner, începând cu „Lohengrin”, îl face un bass permanent.

Compozitorii ruși au folosit adesea clarinetul bas în munca lor. Deci, sunetele sumbre ale clarinetului bas se aud în imaginea a V-a " dama de pică„pe vremea când Herman citește scrisoarea Lisei. Acum clarinetul bas este membru permanent al unei mari orchestre simfonice, iar funcțiile sale sunt foarte diverse.

FAGOT

Strămoșul fagotului este vechea pipă de bas - bombarda. Fagotul care l-a înlocuit a fost construit de canonicul Afragno degli Albonesi în prima jumătate a secolului al XVI-lea. O țeavă mare de lemn îndoită în jumătate semăna cu un mănunchi de lemn de foc, ceea ce se reflectă în numele instrumentului (cuvântul italian fagotto înseamnă „mănunchi”). Fagotul și-a cucerit contemporanii cu eufonia timbrului, care, în contrast cu vocea răgușită a bombardei, au început să-l numească „dolcino” – dulce.

În viitor, păstrându-și contururile exterioare, fagotul a suferit îmbunătățiri serioase. Din secolul al XVII-lea a intrat în orchestra simfonică, iar din secolul al XVIII-lea - în armată. Trunchiul conic de lemn al fagotului este foarte mare, așa că este „pliat” în jumătate. Un tub metalic curbat este atașat la partea superioară a instrumentului, pe care este pus un baston. În timpul jocului, fagotul este atârnat de o sfoară în jurul gâtului interpretului.

În secolul al XVIII-lea, instrumentul s-a bucurat de o mare dragoste în rândul contemporanilor: unii îl numeau „mândru”, alții – „blând, melancolic, religios”. Rimski-Korsakov a definit culoarea fagotului într-un mod foarte ciudat: „Timbrul este senil batjocoritor la major și dureros de trist la minor”. Performanța în fagot necesită multă respirație, iar fortele într-un registru scăzut poate provoca oboseală extremă pentru interpret. Funcțiile instrumentului sunt foarte diverse. Adevărat, în secolul al XVIII-lea se limitau adesea la a susține basuri cu coarde. Dar în secolul al XIX-lea, cu Beethoven și Weber, fagotul a devenit vocea individuală a orchestrei și fiecare dintre maeștrii următori și-a găsit noi proprietăți. Meyerbeer din „Robert the Devil” i-a forțat pe fagoți să înfățișeze „râsul morții, din care gerul rupe pielea” (cuvintele lui Berlioz). Rimski-Korsakov în „Scheherazade” (o poveste a prințului Kalender) a descoperit un narator poetic la fagot. În acest ultim rol, fagotul interpretează mai ales des - probabil de aceea Thomas Mann a numit fagotul „pasăre batjocoritoare”. Exemple pot fi găsite în Scherzo umoristic pentru patru fagori de Prokofiev și în Petya și Lupul de Prokofiev, unde fagotului i se atribuie „rolul” de bunic, sau la începutul finalului Simfoniei a IX-a a lui Șostakovici.

Varietățile de fagot sunt limitate în timpul nostru la un singur reprezentant - contrafagotul. Este cel mai jos instrument al orchestrei. Mai jos decât sunetele limitative ale contrafagotului, sună doar basurile pedală ale orgăi.

Ideea de a continua scala de fagot în jos a apărut cu mult timp în urmă - primul contrafagot a fost construit în 1620. Dar era atât de imperfect încât, până la sfârșitul secolului al XIX-lea, când instrumentul a fost îmbunătățit, foarte puțini oameni au apelat la el: ocazional Haydn, Beethoven, Glinka.

Contrafagotul modern este un instrument îndoit de trei ori: lungimea sa desfăcută este de 5 m 93 cm (!); în tehnică seamănă cu un fagot, dar este mai puțin agil și are un timbru gros, aproape de orgă. Compozitorii secolului al XIX-lea - Rimsky-Korsakov, Brahms - au apelat de obicei la contrafagot pentru a spori basul. Dar uneori sunt scrise solo-uri interesante pentru el. Ravel, de exemplu, în „Convorbirea frumuseții și a fiarei” (baletul „Mama mea gâsca”) i-a încredințat vocea monstrului.

Siruri de caractere

VIOARĂ

Un instrument cu coarde cu arc, cel mai înalt în sunet, cel mai bogat în capacități expresive și tehnice dintre instrumentele familiei viorilor. Se crede că predecesorul imediat al viorii a fost așa-numita lira de braccio, care provine din violele antice; ca o vioară, acest instrument era ținut la umăr (braccio italian - umăr), tehnicile de joc erau și ele asemănătoare cu cele de vioară.

De la mijlocul secolului al XVI-lea. vioara este stabilită în practica muzicală ca instrument solo și de ansamblu. Multe generații de meșteri au lucrat pentru a îmbunătăți designul, îmbunătățirea calităților sunetului viorii. Istoria a păstrat numele lui A. și N. Amati, A. și D. Guarneri, A. Stradivari - maeștri italieni remarcabili de la sfârșitul secolului al XVI-lea - începutul secolului al XVIII-lea, care au creat mostre de viori care sunt încă considerate de neîntrecut.

Corpul viorii are o formă caracteristică ovală, cu crestături pe laterale. Carcasa conectează cele două punți ale instrumentului (găuri speciale sunt tăiate în partea de sus - efs). Există 4 corzi întinse peste bordură, acordate în cincimi.

Gama viorii acoperă 4 octave; cu toate acestea, cu ajutorul armonicilor, se pot extrage și o serie de sunete mai înalte.

Vioara este un instrument predominant monofonic. Cu toate acestea, pe el sunt extrase intervale armonice și chiar acorduri cu 4 sunete.

Timbrul viorii este melodios, bogat in nuante sonore si dinamice, in expresivitate se apropie de vocea umana. Pentru a schimba timbrul în timpul jocului, uneori este folosit un mute. Viorii, care are o mobilitate tehnică excepțională, i se încredințează adesea executarea de pasaje dificile și rapide, sărituri largi și melodice, diverse feluri de triluri, tremolo.

ALTO

iar felul în care se cântă amintește foarte mult de vioară, așa că dacă nu observi diferența de mărime (și este foarte greu de făcut asta: viola este vizibil mai mare decât vioara), atunci pot fi ușor confundate. Se crede că timbrul violei este inferior viorii în strălucire și luminozitate. Cu toate acestea, acest instrument are și avantajele sale unice: este indispensabil în muzica de natură elegiacă, visătoare-romantică. În ceea ce privește virtuozitatea, viola este aproape la fel de perfectă ca și vioara, dar dimensiunea mare a violei necesită ca jucătorul să aibă o întindere adecvată a degetelor și o forță fizică.

Viola nu și-a primit imediat rolul cuvenit printre instrumentele orchestrei. După înflorirea școlii polifonice a lui Bach și Handel, când viola era membru egal al grupului de coarde, au început să-i încredințeze o voce armonică subordonată. Violiștii din acele vremuri erau de obicei violoniști fără succes. În lucrările lui Gluck, Haydn și, într-o oarecare măsură, Mozart, viola este folosită doar ca voce medie sau inferioară a orchestrei. Numai în operele lui Beethoven și ale compozitorilor romantici viola capătă semnificația unui instrument melodic.

Viola datorează o mare parte din recunoașterea ei violoniștilor remarcabili ai secolului trecut, în special lui Paganini, care a cântat la violă într-un cvartet și a cântat într-un concert solo. Mai târziu, Berlioz introduce partea de violă solo în simfonia sa „Harold în Italia”, încredințându-i caracterizarea lui Harold. După aceea, atitudinea compozitorilor și interpreților față de violă a început să se schimbe. Wagner în „Tannhäuser”, într-o scenă numită „Grota lui Venus”, scrie pentru violă o parte incredibil de dificilă pentru acea vreme. R. Strauss interpretează și mai magistral viola solo în filmul simfonic „Don Quijote”. Violele sunt adesea încredințate cu o voce melodică împreună cu violoncele, viori sau complet independent, ca, de exemplu, în actul al doilea al „Cocoșul de aur” al lui Rimski-Korsakov în timpul dansului reginei Shemakhan.

VIOLONCEL

a intrat în viața muzicală în a doua jumătate a secolului al XVI-lea. Ea își datorează creația artei unor maeștri instrumentali remarcabili precum Magini, Gasparo de Salo și mai târziu - Amati și Stradivari. Ca și viola, violoncelul a fost mult timp considerat un instrument secundar în orchestră. Până la sfârșitul secolului al XVIII-lea, compozitorii l-au folosit în principal ca voce de bas, iar chiar la începutul secolului anterior, în legătură cu aceasta, părțile pentru violoncel și contrabas erau scrise în partitură pe o singură linie.

Violocelul are de două ori dimensiunea violei, arcul său este mai scurt decât vioara și viola, coardele sunt mult mai lungi. Violoncelul aparține numărului de instrumente „picior”: interpretul îl pune între genunchi, sprijinind vârful de metal pe podea.

Beethoven a fost primul care a „descoperit” frumusețea timbrului violoncelului. În urma lui, compozitorii i-au transformat sunetul în vocea cântătoare a orchestrei - să ne amintim partea a doua a simfoniei a VI-a a lui Ceaikovski.

Destul de des în opere, balete și lucrări simfonice violoncelul este atribuit solo - ca, de exemplu, în „Don Quijote” de R. Strauss. În numărul de piese de concert scrise pentru ea, violoncelul este al doilea după vioară.

La fel ca vioara și viola, violoncelul are patru coarde acordate în cvinte, dar cu o octavă mai jos de viole. În ceea ce privește capacitățile tehnice, violoncelul nu este inferior viorii și în unele cazuri chiar o depășește. De exemplu, datorită coardelor mai lungi ale violoncelului, este posibil să se obțină o serie mai bogată de armonice pe acesta.

CONTRABAS

depășește cu mult omologii săi atât ca dimensiune, cât și ca volum al registrului mic: contrabasul este de două ori mai mare decât violoncelul, care este de două ori mai mare decât viola.

Cel mai probabil, contrabasul, un descendent al vechii viole, a apărut în orchestră în secolul al XVII-lea. Forma contrabasului și-a păstrat până astăzi trăsăturile violei antice: corpul îndreptat în sus, părțile înclinate - datorită acestui fapt, interpretul se poate apleca peste partea superioară a corpului și „întinde mâna” în partea de jos. a gâtului pentru a extrage cele mai înalte sunete. Instrumentul este atât de mare încât interpretul îl cântă în timp ce stă în picioare sau stă pe un scaun înalt.

Din punct de vedere al virtuozității, contrabasul modern este destul de mobil: de multe ori, împreună cu violoncelul, se execută pasaje destul de rapide pe el. Dar „mulțumită” dimensiunii sale, necesită o întindere uriașă a degetelor, iar arcul său este foarte greu. Toate acestea fac tehnica instrumentului mai grea: pasajele în care se cere ușurință sună oarecum greu pe el. Cu toate acestea, rolul său în orchestră este enorm: interpretând invariabil părți de voce de bas, el creează fundația pentru sunetul grupului de coarde și, împreună cu fagotul și tuba sau trombonul al treilea, întreaga orchestră. În plus, contrabasurile sună grozav într-o octavă cu violoncel în melodii.

În orchestră, este foarte rar să împarți contrabasurile în mai multe părți sau să interpretezi solo-uri pe ele.

Alamă

TEVA

a intrat în orchestra de operă de la începuturi; Orfeul lui Monteverdi sunase deja cinci trâmbițe.

În secolul al XVII-lea și în prima jumătate a secolului al XVIII-lea, pentru trompete au fost scrise părți foarte virtuozice și înalte, al căror prototip erau părțile de soprană din compozițiile vocale și instrumentale ale vremii. Pentru a interpreta aceste părți cele mai dificile, muzicienii din vremea lui Purcell, Bach și Haendel foloseau instrumente naturale comune în acea epocă, cu o pipă lungă și un muștiuc al unui dispozitiv special care făcea posibilă extragerea cu ușurință a celor mai înalte tonuri. O trompetă cu un astfel de muștiuc se numea „clarino”, același nume a fost dat în istoria muzicii și stilul de scriere pentru ea.

În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, odată cu schimbarea scrisului orchestral, stilul clarino a fost uitat, iar trompeta a devenit predominant un instrument de fanfară. Era limitat în posibilitățile sale ca un corn francez și se afla într-o poziție și mai proastă, deoarece „sunetele închise” care extindeau scala nu erau folosite pe el din cauza timbrului lor prost. Dar în anii treizeci ai secolului al XIX-lea, odată cu inventarea mecanismului supapei, a început o nouă eră în istoria țevii. A devenit instrument cromatic și, după câteva decenii, a înlocuit trompeta naturală din orchestră.

Timbrul trompetei nu se caracterizează prin versuri, dar reușește cât mai bine eroic. Printre clasicii vienezi, trompetele erau un instrument pur de fanfară. Adesea au îndeplinit aceleași funcții în muzica secolului al XIX-lea, anunțând începutul procesiilor, marșurilor, festivităților solemne și vânătorii. Wagner a folosit țevi mai mult decât altele și într-un mod nou. Timbrul lor este aproape întotdeauna asociat în operele sale cu romantismul și eroismul cavaleresc.

Trâmbița este renumită nu numai pentru puterea sa sonoră, ci și pentru calitățile sale remarcabile de virtuozitate.

TROMBON

și-a primit numele de la numele italian pentru pipă - tromba - cu sufixul de mărire „unu”: trombon înseamnă literal „trâmbiță”. Și într-adevăr: tubul trombonului este de două ori mai lung decât cel al trompetei. Deja în secolul al XVI-lea, trombonul și-a primit forma modernă și de la începuturi a fost un instrument cromatic. Scala cromatică completă este realizată pe ea nu prin mecanismul supapelor, ci cu ajutorul așa-numitului culise. Culisele este un tub suplimentar lung, în formă de litera latină U. Se introduce în tubul principal și se prelungește după dorință. În acest caz, sistemul instrumentului scade în mod corespunzător. Interpretul împinge aripile în jos cu mâna dreaptă și susține instrumentul cu stânga.

Trombonele au fost de multă vreme o „familie” formată din instrumente de diferite dimensiuni. Nu cu mult timp în urmă, familia trombonelor era formată din trei instrumente; fiecare dintre ele corespundea uneia dintre cele trei voci ale corului și își primea numele: trombon-alto, trombon-tenor, trombon-bas.

Cântarea la trombon necesită o cantitate imensă de aer, deoarece mișcarea aripilor durează mai mult decât apăsarea supapelor pe un corn sau o trompetă. Din punct de vedere tehnic, trombonul este mai puțin mobil decât vecinii săi din grup: scara de pe el nu este atât de rapidă și clară, fortele este puțin greu, legato-ul este dificil. Cantilena la trombon necesită multă tensiune din partea interpretului. Cu toate acestea, acest instrument are calități care îl fac indispensabil în orchestră: sunetul trombonului este mai puternic și mai masculin. Monteverdi în opera „Orfeu” a simțit poate pentru prima dată caracterul tragic inerent sunetului unui ansamblu de trombon. Și începând cu Gluck, trei tromboni au devenit obligatorii într-o orchestră de operă; ele apar adesea la punctul culminant al unei drame.

Trio-ul de tromboni se pricepe la fraze oratorice. Din a doua jumătatea anului XIX secolul, un grup de tromboane este completat de un instrument de bas - o tubă. Împreună, trei tromboane și o tubă formează un cvartet de „alama grea”.

Un efect foarte ciudat este posibil pe trombon - glissando. Se realizează prin alunecarea în culise într-o poziție a buzelor interpretului. Această tehnică era cunoscută chiar de Haydn, care în oratoriul „Cele patru anotimpuri” o folosea pentru a imita lătratul câinilor. Glissando este utilizat pe scară largă în muzica modernă. Urlatul în mod deliberat și aspru al trombonului din Dansul Sabiei din baletul Gayane de Khachaturian este curios. Interesant este și efectul unui trombon cu mute, care conferă instrumentului un sunet de rău augur, bizar.

CORN FRANCEZ

Progenitorul cornului modern a fost cornul. Din cele mai vechi timpuri, semnalul cornului anunța începutul bătăliei, în Evul Mediu și mai târziu, până la începutul secolului al XVIII-lea, se auzea la vânătoare, concursuri și ceremonii solemne de curte. În secolul al XVII-lea, cornul de vânătoare a fost introdus ocazional în operă, dar abia în secolul următor a devenit membru permanent al orchestrei. Și chiar numele instrumentului - corn - reamintește rolul său din trecut: acest cuvânt provine din germanul „Waldhorn” – „corn de pădure”. În cehă, acest instrument este încă numit corn de pădure.

Tubul metalic al vechiului corn francez era foarte lung: la desfacere, unele dintre ele ajungeau la 5m 90cm. Un astfel de instrument nu putea fi ținut drept în mâini; așa că țeava a fost îndoită și modelată într-o formă grațioasă asemănătoare cochiliei.

Sunetul vechiului corn era foarte frumos, dar instrumentul s-a dovedit a fi limitat în capacitățile sale de sunet: a fost posibil să se extragă doar așa-numita scară naturală, adică acele sunete care apar din împărțirea coloanei de aer conținute. în tub în 2, 3, 4, 5, 6, etc. Potrivit legendei, în 1753, cornista din Dresda Gampel a băgat accidental mâna în clopot și a descoperit că acordarea cornului a scăzut. De atunci, această tehnică a devenit utilizată pe scară largă. Sunetele obținute în acest fel au fost numite „închise”. Dar erau surzi și foarte diferiți de cei deschisi strălucitori. Nu toți compozitorii riscau adesea să apeleze la ei, de obicei mulțumiți de motive de fanfară scurte, bine răsunătoare, construite pe sunete deschise.

În 1830, a fost inventat mecanismul supapei - un sistem permanent de tuburi suplimentare, care vă permite să obțineți o scară cromatică completă, care sună bine pe corn. Câteva decenii mai târziu, cornul francez îmbunătățit l-a înlocuit în cele din urmă pe cel vechi natural, care a fost folosit ultima dată de Rimski-Korsakov în opera Noaptea de mai în 1878.

Cornul este considerat cel mai poetic instrument din grupul de alame. În registrul mic timbrul cornului este oarecum sumbru, în registrul superior este foarte tensionat. Cornul poate cânta sau spune încet. Cvartetul de corn sună foarte blând - îl puteți auzi în „Valsul florilor” din baletul „Spărgătorul de nuci” al lui Ceaikovski.

TUBĂ

Instrument destul de tânăr. A fost construită în al doilea sfert al secolului al XIX-lea în Germania. Primele tube erau imperfecte și au fost folosite inițial doar în orchestrele militare și de grădină. Abia când a ajuns în Franța, în mâinile maestrului instrumental Adolphe Sax, tuba a început să îndeplinească cerințele înalte ale orchestrei simfonice.

Tuba este un instrument de bas capabil să atingă cel mai de jos capăt al gamei din grupul de alamă. În trecut, funcțiile sale erau îndeplinite de șarpe, un instrument de formă bizară care îi datorează numele (în toate limbile romanice, șarpele înseamnă „șarpe”) – apoi trombonele de bas și contrabas și ophicleida cu timbrul său barbar. Dar calitățile sonore ale tuturor acestor instrumente erau de așa natură încât nu dădeau fanfarei un bas bun și stabil. Până când a apărut tuba, maeștrii s-au încăpățânat să caute un nou instrument.

Dimensiunile tubului sunt foarte mari, tubul ei este de două ori mai lung decât tubul trombonului. În timpul jocului, interpretul ține instrumentul în fața lui cu clopoțelul sus.

Tuba este un instrument cromatic. Consumul de aer pe tub este enorm; uneori, mai ales în forte într-un registru scăzut, interpretul este forțat să-și schimbe respirația la fiecare sunet. Prin urmare, solo-urile pe acest instrument sunt de obicei destul de scurte. Din punct de vedere tehnic, tuba este mobilă, deși grea. Într-o orchestră, ea servește de obicei ca bas într-un trio de tromboane. Dar uneori tuba acționează ca un instrument solo - ca să spunem așa, în roluri caracteristice. Astfel, în timp ce instrumenta „Tablouri la o expoziție” a lui Mussorgski în piesa „Vite”, Ravel i-a încredințat tubei de bass imaginea plină de umor a unui cărucior care zbârnâie târând de-a lungul drumului. Partea de tubă este scrisă aici într-un registru foarte înalt.

SAXOFON

Creatorul SAXOFONULUI este remarcabilul producător de instrumente franco-belgian Adolf Sachs. Sachs a plecat de la o presupunere teoretică: este posibil să se construiască un instrument muzical care să ocupe o poziție intermediară între suflat și alamă? Un astfel de instrument, capabil să lege timbrele cuprului și lemnului, avea mare nevoie de fanfarele militare imperfecte ale Franței. Pentru a-și implementa planul, A. Sachs a folosit un nou principiu de construcție: a conectat un tub conic cu o trestie de clarinet și un mecanism de supapă pentru oboi. Corpul instrumentului era din metal, contururile exterioare semănau cu un clarinet bas; evazat la capăt, tub puternic îndoit în sus, de care este atașat un baston pe vârf metalic, îndoit în formă de „S”. Ideea lui Sachs a avut un succes genial: noul instrument a devenit cu adevărat legătura dintre alamă și suflat în trupele militare. Mai mult, timbrul său s-a dovedit a fi atât de interesant încât a atras atenția multor muzicieni. Colorarea sunetului saxofonului amintește de un corn englezesc, clarinet și violoncel în același timp, dar puterea sonoră a saxofonului depășește cu mult puterea sonoră a clarinetului.

După ce și-a început existența în fanfarele militare ale Franței, saxofonul a fost introdus curând în opera și orchestra simfonică. Multă vreme – câteva decenii – doar compozitorii francezi au apelat la el: Thomas („Hamlet”), Massenet („Werther”), Bizet („Arlesienne”), Ravel (instrumentație a Katrinok-ului lui Mussorgski dintr-o expoziție). Atunci au crezut în el și compozitorii din alte țări: Rahmaninov, de exemplu, i-a încredințat saxofonului una dintre cele mai bune melodii ale sale în prima parte a Dansurilor simfonice.

Este curios că pe drumul său neobișnuit saxofonul a trebuit să se confrunte cu obscurantismul: în Germania în anii fascismului a fost interzis ca instrument de origine non-ariană.

În anii 1910, muzicienii ansamblurilor de jazz au atras atenția asupra saxofonului, iar în curând saxofonul a devenit „regele jazzului”.

Mulți compozitori ai secolului al XX-lea au apreciat acest instrument interesant. Debussy a scris Rapsodie pentru saxofon și orchestră, Glazunov - Concert pentru saxofon și orchestră, Prokofiev, Șostakovici și Khachaturian s-au referit la el în mod repetat în lucrările lor.

Tobe

Timpane

Unul dintre cele mai vechi instrumente din lume. Din cele mai vechi timpuri, acestea au fost răspândite în multe țări: în Orient și Africa, în Grecia, la Roma și printre sciți. Cântând la timpan, oamenii au însoțit evenimente importante din viața lor: sărbători și războaie.

În Europa, timpane mici, manuale au existat de mult timp. Cavalerii medievali le foloseau în timp ce călăreau. Timbalele mari au intrat în Europa abia în secolul al XV-lea - prin Turcia și Ungaria. În secolul al XVII-lea, timpanii au intrat în orchestră.

Timbanele moderne seamănă la exterior cu cazane mari de cupru pe un suport, acoperite cu piele. Pielea este strânsă peste ceaun cu mai multe șuruburi. Se lovesc de piele cu două bețe cu vârfuri rotunde moi din pâslă.

Spre deosebire de alte instrumente de percuție cu piele, timpanele produc un sunet de o anumită înălțime. Fiecare timpan este acordat pe un anumit ton, prin urmare, pentru a obține două sunete, o pereche de timpane a început să fie folosită în orchestră din secolul al XVII-lea. Timpanul poate fi reconstruit: pentru aceasta, executantul trebuie să strângă sau să slăbească pielea cu șuruburi: cu cât tensiunea este mai mare, cu atât tonul este mai mare. Cu toate acestea, această operațiune necesită timp și riscă în timpul execuției. Prin urmare, în secolul al XIX-lea, meșterii au inventat timpane mecanice, reglate rapid folosind pârghii sau pedale.

Rolul timpanilor în orchestră este destul de divers. Bătăile lor subliniază ritmul altor instrumente, formând fie figuri ritmice simple, fie complicate. Loviturile alternate rapid ale ambelor bastoane (tremolo) produc o acumulare eficientă sau o reproducere a tunetului. De asemenea, Haydn a descris zgomote zgomotoase cu ajutorul timpanelor în Cele patru anotimpuri. Şostakovici în Simfonia a IX-a face timpanii să imite canonada. Uneori, timpanilor li se atribuie mici solo-uri melodice, ca, de exemplu, în prima mișcare a Simfoniei a unsprezecea a lui Șostakovici.

FARFURII

erau deja cunoscuți lumii antice și Orientului antic, dar turcii sunt renumiti pentru dragostea lor deosebită și arta excepțională de a le face. În Europa, farfuriile au devenit populare în secolul al XVIII-lea, după războiul cu otomanii.

Chimvalele sunt vase mari de metal realizate din aliaje de cupru. Chimvalele sunt ușor convexe în centru - curele de piele sunt atașate aici, astfel încât interpretul să poată ține instrumentul în mâini. Chimvalele se cântă în picioare, astfel încât nimic să nu interfereze cu vibrația lor și astfel încât sunetul să se răspândească liber în aer. Metoda obișnuită de a cânta la acest instrument este o lovitură oblică, alunecătoare, a unui chimval împotriva altuia - după aceea, se aude o stropire metalică sonoră, care atârnă în aer mult timp. Dacă interpretul vrea să oprească vibrația chimvalelor, le aduce la piept, iar vibrațiile se potolesc. Compozitorii însoțesc adesea lovirea chimvalelor cu tunetul tobei; aceste instrumente sună adesea împreună, ca, de exemplu, în primele bare ale finalei Simfoniei IV a lui Ceaikovski. Pe lângă impactul oblic, există mai multe alte moduri de a cânta la chimvale: atunci când, de exemplu, un chimval care atârnă liber este lovit fie cu un bețișor de timpani, fie cu bețișoare de capcană din lemn.

O orchestră simfonică folosește de obicei o pereche de chimvale. În cazuri rare - ca, de exemplu, în Simfonia funerară și triumfală a lui Berlioz, se folosesc trei perechi de plăci.

XILOFON,

aparent născut în momentul în care omul primitiv a lovit cu un băț un bloc de lemn uscat și a auzit sunetul unui anumit ton. Multe dintre aceste xilofoane primitive din lemn au fost găsite în America de Sud, Africa și Asia. În Europa, din secolul al XV-lea, acest instrument a căzut în mâinile muzicienilor ambulanți și abia la începutul secolului al XIX-lea a devenit instrument de concert. Își datorează perfecționarea muzicianului autodidact din Mogilev, Mihail Iosifovich Guzikov.

Corpul de sunet în xilofon este blocuri de lemn de diferite dimensiuni (xylon - în greacă „lemn”, telefon – „sunet”). Ele sunt aranjate pe patru rânduri pe mănunchiuri de covoraș. Artistul le poate rula și le poate așeza pe o masă specială în timpul jocului; La xilofon se cântă cu două picioare de capră din lemn. Sunetul xilofonului este uscat, rapid și ascuțit. Este foarte caracteristică în culoare, astfel încât apariția sa într-o piesă muzicală este de obicei asociată cu o situație specială a intrigii sau o dispoziție specială. Rimski-Korsakov în „Povestea țarului Saltan” îi încredințează xilofonului cântecul „În grădină, în grădină” în momentul în care veverița roade nuci de aur. Lyadov desenează zborul lui Baba Yaga într-un mortar cu sunetele unui xilofon, încercând să transmită trosnitul ramurilor care se sparg. Destul de des timbrul xilofonului evocă o dispoziție mohorâtă, creează imagini bizare, grotești. Frazele scurte ale xilofonului din „episodul de invazie” din Simfonia a șaptea a lui Șostakovici sună melancolic.

Xilofonul este un instrument foarte virtuos. Pe el, este posibilă o mare fluență în pasaje rapide, tremolo și un efect special - glissando: o mișcare rapidă a unui baston de-a lungul barelor.

TAMBĂ Mică

Este practic un instrument militar. Este un cilindru plat acoperit cu piele pe ambele părți. Corzile sunt întinse sub piele din partea inferioară; răspunzând la loviturile bețelor, ele dau sunetului tobei un trosnet caracteristic. Bătaia tobei sună foarte interesant - tremolo cu două bețe, care poate fi adus la cea mai mare viteză. Puterea sunetului într-un astfel de tremolo variază de la un foșnet la un trosnet tunător. Uvertura la „Vira hoțoaica” a lui Rossini începe cu o lovitură a două capcane, o lovitură plictisitoare a tobei se aude în momentul execuției lui Till Ulenspiegel într-un poem simfonic de Richard Strauss.

Uneori, corzile de sub pielea inferioară a tobei sunt coborâte și nu mai răspund la bătăile bețelor. Acest efect este echivalent cu introducerea unui mute: capcana își pierde puterea sonoră. Așa sună în secțiunea de dans „Prinț și prințesă” din „Sheherazade” de Rimski-Korsakov.

Capcana a apărut pentru prima dată în opera mică în secolul al XIX-lea, iar la început a fost introdusă doar în episoadele militare. Meyerbeer a fost primul care a scos capcana din episoadele militare din operele Hughenoții și Profetul.

În unele cazuri, capcana devine „principalul actor"nu doar în mari episoade simfonice, ci în întreaga lucrare. Un exemplu este „episodul de invazie" din Simfonia a șaptea a lui Șostakovici și Bolero-ul lui Ravel, unde una și apoi două tobe de capcană țin întregul puls ritmic al muzicii.

Toba mare (it. gran casso).

În zilele noastre există două tipuri de tobe. Unul dintre ele este un cilindru metalic de diametru mare - până la 72 cm - acoperit cu piele pe ambele părți. Acest tip de tobă este utilizat pe scară largă în trupele militare, formațiile de jazz și trupele simfonice americane. Un alt tip de tobă este un cerc cu piele pe o parte. A apărut în Franța și s-a răspândit rapid în orchestrele simfonice din Europa. Pentru a lovi pielea tobei, se folosește un băț de lemn cu un ciocan moale acoperit cu pâslă sau plută.

Foarte des, bătăile tobei sunt însoțite de sunetul chimvalelor sau alternează cu acesta, ca în dansul treptat „În Sala Regelui Muntelui” din „Peer Gynt” al lui Grieg. Pe toba mare, este posibilă și o alternanță rapidă de bătăi - tremolo. Pentru a face acest lucru, utilizați un bețișor cu două ciocane la ambele capete sau bețișoare de timpani. Rimksy-Korsakov a folosit cu mare succes tremolo de tobă în instrumentarea picturii simfonice a lui Mussorgsky „Noaptea pe muntele chel”.

La început, toba mare a apărut doar în „muzică turcească”, dar de la începutul secolului al XIX-lea au început adesea să o folosească în scopuri sonoro-vizuale: pentru a imita canonada, tunetul. Beethoven a inclus trei tobe mari în „Bătălia de la Vittoria” - pentru a înfățișa loviturile de tun. În același scop, Rimski-Korsakov a folosit acest instrument în Povestea țarului Saltan, Șostakovici în Simfonia a 11-a, Prokofiev în scena a opta a operei Război și pace (începutul bătăliei de la Borodino). În același timp, toba mare sună și acolo unde nu există onomatopee și mai ales des - în episoade de muzică zgomotoase, solemne.

TRIUNGHI

unul dintre cele mai mici instrumente ale orchestrei simfonice. Este o tijă de oțel îndoită în formă de triunghi. Este agățat de o snur de venă și lovit cu un mic băț de metal - se aude un sunet, foarte clar.

Modalitățile de a juca pe triunghi nu sunt foarte diverse. Uneori se extrage de pe el un singur sunet, alteori modele ritmice simple. Sună bine pe un triunghi tremolo.

Triunghiul a fost menționat pentru prima dată în secolul al XV-lea. În secolul al XVIII-lea a fost folosit într-o operă a compozitorului Grétry. Apoi triunghiul a devenit un membru invariabil al „turcilor”, adică. muzică exotică, care apare împreună cu tobă și chimvale. Acest grup de percuție a fost folosit de Mozart în „Răpirea din seraj”, Beethoven în „Marșul turcesc” din „Ruinele Atenei” și de alți compozitori care au căutat să reproducă imaginea muzicală a Orientului. Triunghiul este interesant și în piesele de dans grațioase: în Dansul Anitrei din Peer Gynt al lui Grieg, Valsul-Fantezie al lui Glinka.

Clopote,

probabil cel mai poetic instrument de percuție. Numele său provine de la varietatea sa străveche, în care corpul de sunet era niște clopote mici acordate la o anumită înălțime. Ulterior au fost înlocuite cu un set de plăci metalice de diferite dimensiuni. Sunt dispuse pe două rânduri, ca clape de pian, și sunt fixate într-o cutie de lemn. Clopotele se cântă cu două ciocane metalice. Există o altă varietate a acestui instrument: clopoței de la tastatură. Au o tastatură de pian și ciocane care transmit vibrațiile de la clape către plăcile metalice. Cu toate acestea, acest lanț de mecanisme nu este foarte bine reflectat în sunetul lor: nu este la fel de strălucitor și sună ca la clopotele obișnuiți. Cu toate acestea, cedând clopotelor de ciocan în frumusețea sunetului, tastaturile le depășesc în termeni tehnici. Datorită tastaturii pianului, sunt posibile pasaje destul de rapide și acorduri polifonice pe ele. Timbrul clopotelor este argintiu, blând și sonor. Sună în Flautul magic al lui Mozart când intră Papageno, în aria cu clopote din Lakma lui Delibes, în Fecioara zăpezii de Rimski-Korsakov, când Mizgir, urmărind Fecioara Zăpezii, vede luminile licuricilor, în Cocoșul de aur când pleacă Astrologul. .

Clopote

Din cele mai vechi timpuri, sunetul clopotelor a chemat oamenii la ceremonii și sărbători religioase și a anunțat, de asemenea, nenorociri. Odată cu dezvoltarea operei, odată cu apariția unor comploturi istorice și patriotice în ea, compozitorii au început să introducă clopote în casa de operă. Sunetele clopotelor din opera rusă sunt deosebit de bogat reprezentate: sunete solemne la Ivan Susanin, Povestea țarului Saltan, Servitoarea din Pskov și Boris Godunov (în scena încoronării), tocsinul tulburător din Prințul Igor, clopoțelul funerar în „Boris Godunov. În toate aceste opere au răsunat adevărate clopote de biserică, care sunt plasate în spatele scenei în marile sale de operă. Cu toate acestea, nu fiecare operă și-a putut permite să aibă propriul său clopotniță, așa că compozitorii au introdus doar ocazional clopote mici în orchestră - așa cum a făcut Ceaikovski în uvertura din 1812. Între timp, odată cu dezvoltarea muzicii de program, a devenit din ce în ce mai necesară imitarea sunetului clopotelor într-o orchestră simfonică - așa că, după un timp, au fost create clopote orchestrale - un set de țevi de oțel suspendate de un cadru. În Rusia, aceste clopote se numesc italiene. Fiecare dintre conducte este acordată la un anumit ton; loviți-i cu un ciocan de metal cu o garnitură de cauciuc.

Clopotele orchestrale au fost folosite de Puccini în opera „Tosca”, Rahmaninov în poemul vocal-simfonic „Clopotele”. Prokofiev în „Alexander Nevsky” a înlocuit țevile cu bare metalice lungi.

tamburin (tamburin)

Unul dintre cele mai vechi instrumente din lume, tamburina, a apărut în orchestra simfonică în secolul al XIX-lea. Dispozitivul acestui instrument este foarte simplu: de regulă, este un cerc de lemn, pe o parte a căruia pielea este întinsă. Bibelourile metalice sunt atașate de fanta cercului (pe lateral), iar în interior sunt înșirate clopoței mici, pe o sfoară în formă de stea întinsă. Toate acestea sună la cea mai mică tremurare a tamburinului.

Partea tamburinului, precum și alte tobe care nu au o anumită înălțime, sunt de obicei înregistrate nu pe doage, ci pe o riglă separată, care se numește „fir”.

Metodele de a cânta la tamburin sunt foarte diverse. În primul rând, acestea sunt lovituri ascuțite asupra pielii și care bat modele ritmice complexe pe ea. În aceste cazuri, atât pielea, cât și clopotele fac sunetul. Cu o lovitură puternică, tamburina sună ascuțit, cu o atingere slabă, se aude un zgomot ușor de clopoței. Există multe moduri în care interpretul face să sune doar clopote. Aceasta este o scuturare rapidă a tamburinei - dă un tremolo penetrant; este o scuturare blândă; și, în sfârșit, se aude un tril spectaculos atunci când interpretul trece degetul mare umed peste piele: această tehnică provoacă un sunet viu de clopoței.

Tamburina este un instrument caracteristic, de aceea este departe de a fi folosită în orice lucrare. De obicei, el apare acolo unde Orientul sau Spania ar trebui să prindă viață în muzică: în Șeherazada și în Capriccio spaniol al lui Rimski-Korsakov, în dansul băieților arabi în baletul Raymond de Glazunov, în dansurile temperamentale ale Polovtsy din Prințul Igor al lui Borodin, în Carmen lui Bizet.

CASTANIETE

Numele „CASTANETE” în ​​spaniolă înseamnă „castane mici”. Spania, cel mai probabil, era patria lor; acolo castagnetele au devenit un adevărat instrument național. Castanetele sunt realizate din lemn de esență tare: abanos sau cimiș, castagnetele sunt asemănătoare ca formă cu scoici.

În Spania, două perechi de castanete erau folosite pentru a însoți dansul și cântatul; fiecare pereche era prinsă cu un șnur care era tras împreună în jurul degetului mare. Degetele rămase, rămânând libere, băteau ritmuri complicate pe cojile de lemn. Fiecare mână avea nevoie de propria mărime a castanetelor: în mâna stângă, interpretul ținea cochilii de volum mare, emiteau un ton mai scăzut și trebuia să atingă ritmul principal. Castanete pentru mana dreapta erau mai mici; tonul lor era mai ridicat. Dansatorii și dansatorii spanioli au stăpânit la perfecțiune această artă complexă, pe care au fost predați încă din copilărie. Cliquetul uscat și fervent al castanetelor a însoțit întotdeauna dansurile temperamentale spaniole: bolero, seguidillo, fandango.

Când compozitorii au vrut să introducă castagnetele în muzica simfonică, a fost concepută o versiune simplificată a acestui instrument - castagnetele orchestrale. Acestea sunt două perechi de scoici montate pe capetele unui mâner de lemn. Când sunt scuturate, se aude un clic - o copie slabă a castanetelor spaniole reale.

În orchestră, castagnetele au început să fie folosite în primul rând în muzica de natură spaniolă: în uverturile spaniole ale lui Glinka „Vânătoarea Aragonului” și „Noaptea la Madrid”, în „Capriccio spaniol” de Rimski-Korsakov, în dansurile spaniole din baletele lui Ceaikovski, iar în muzica occidentală - în „Carmen” de Bizet, în lucrările simfonice „Iberia” de Debussy, „Alborada del Gracioso” de Ravel. Unii compozitori au dus castagnetele dincolo de sfera muzicii spaniole: Saint-Saens le-a folosit în opera „Samson și Dalida”, Prokofiev – în cel de-al treilea concert pentru pian.

FRUSTA

constă din două scânduri de lemn, dintre care una are mâner, iar a doua este fixată cu capătul inferior deasupra mânerului pe o balama - cu un leagăn ascuțit sau cu ajutorul unui arc strâns, produce un bumbac pe celălalt cu capătul său liber. De regulă, numai separate, nu prea des succesive aplaudă forte, fortissimo sunt extrase pe fruste.

Frusta este un instrument de percuție care nu are o anumită înălțime, prin urmare partea lui, ca și partea unui tamburin, este înregistrată nu pe doage, ci pe un „fir”.

Frusta contenta se găsește adesea în partiturile moderne. Cu două palme pe acest instrument începe partea a treia din „Lorelei” din Simfonia a Paisprezecea a lui Șostakovici.

BLOC DE LEMN

Instrument de percuție de origine chineză. Înainte de apariția sa în grupul de percuție al orchestrei simfonice, blocul de lemn era foarte popular în jazz.

Un bloc de lemn este un bloc de lemn de esență tare mic, dreptunghiular, cu o tăietură adâncă și îngustă în față. Tehnica de a cânta pe un bloc de lemn este toba: sunetul este extras lovind planul superior al instrumentului cu bețișoare dintr-o capcană, ciocane de lemn, bețe cu capete de cauciuc. Sunetul rezultat este ascuțit, înalt, în mod caracteristic zgomot, cu înălțimea nedefinită.

Ca instrument de percuție, cu înălțime nedefinită, blocul de lemn este notat pe un „fir” sau pe o combinație de rigle.

BLOC DE TAMPLE

Un instrument de origine coreeană sau nord-chineză, un atribut al unui cult budist. Unealta are o formă rotunjită, goală în interior, cu o tăietură adâncă în mijloc (ca o gură care râde), și este din lemn de esență tare.

Ca majoritatea celorlalte instrumente de percuție „exotice”, distribuția inițială a blocului de tâmple a fost în jazz, de unde a pătruns în compoziția orchestrei simfonice.

Sunetul unui bloc de tâmple este mai sumbru și mai profund decât cel al unui bloc de lemn aproape de acesta, are o înălțime destul de sigură, așa că folosind un set de blocuri de tâmple, puteți obține fraze melodice - de exemplu, S. Slonimsky le-a folosit. instrumente în „Concert -buff”.

Blocurile de templă sunt jucate lovind vârful cu bețe cu vârf de cauciuc, ciocane de lemn și bețișoare de tobă.

GUIRO, reco-reco

Aceste instrumente sunt de origine latino-americană, se aseamănă atât prin principiul lor constructiv, cât și prin felul în care cântă.

Sunt realizate dintr-un segment de bambus (reco-reco), dintr-o tărtăcuță uscată (guiro) sau dintr-un alt obiect gol, care este un rezonator. Pe o parte a instrumentului, se realizează o serie de crestături sau crestături. În unele cazuri, se montează o placă cu suprafață ondulată. Aceste crestături sunt efectuate cu un băț special de lemn, în urma căruia se extrage un sunet înalt, ascuțit, cu un trosnet caracteristic. Cea mai comună varietate a acestor instrumente înrudite este guiro. I. Stravinski a fost primul care a introdus acest instrument în orchestra simfonică – în „Sarimul primăverii”. Reko-reko se găsește în „Concert-buff” al lui Slonimsky.

MARACA

este un zdrănător rotund sau în formă de ou de lemn pe mâner și umplut cu împușcături, boabe, pietricele sau alte materiale în vrac. Aceste instrumente populare sunt făcute, de regulă, dintr-o nucă de cocos sau dintr-o tărtăcuță uscată pe un mâner natural. Maracasul este foarte popular în orchestrele de muzică de dans, în jazz. Ca parte a unei orchestre simfonice, S. Prokofiev a fost primul care a folosit acest instrument („Dansul fetelor antilene” din baletul „Romeo și Julieta”, cantata „Alexander Nevsky”). Acum se folosesc de obicei câteva instrumente - interpretul le ține cu ambele mâini și, tremurând, extrage un sunet. Ca și alte instrumente de percuție fără o înălțime specifică, maracasul este notat pe „fir”. Conform principiului producției de sunet, maracasul este aproape de chocalo și cameso. Acestea sunt cilindri din metal - cec - sau din lemn - cameso, umplute, ca maracas, cu un fel de substanță liberă. La unele modele, peretele lateral este strâns cu o membrană de piele. Atât chekalo, cât și cameso sunt mai zgomotoase și mai ascuțite decât maracas. De asemenea, sunt ținute cu ambele mâini, scuturate vertical sau orizontal sau rotite.

KABACA

La început, acest instrument de origine afro-braziliană a fost popular în orchestrele de muzică latino-americană, de unde a primit distribuția ulterioară. În exterior, taverna seamănă cu un maracas dublat, acoperit cu o plasă cu mărgele mari înșirate pe ea. Interpretul ține instrumentul într-o mână și fie pur și simplu îl bate cu degetele celeilalte mâini, fie derulează grila cu margele cu o mișcare tangențială a palmei. În acest din urmă caz, apare un foșnet, mai lung, care amintește de sunetul maracasului. Unul dintre primele kabatsu a fost folosit de Slonimsky în „Concert-buff”.

KONG

Acest instrument este de origine cubaneză. După modernizare, congas-urile au devenit utilizate pe scară largă în orchestrele de muzică de dans, jazz și chiar în lucrări de muzică serioasă. Conga are următorul dispozitiv: pe un corp cilindric din lemn (înălțime de la 17 la 22 cm) pielea este întinsă și fixată cu un cerc metalic (tensionarea acesteia este reglată din interior cu șuruburi). Bordul metalic nu se ridică deasupra nivelului pielii: aceasta este ceea ce determină o conga atât de caracteristică care se joacă cu palmele - con le mani sau degetele - con le dita. Două congas cu diametre diferite sunt de obicei conectate între ele printr-un suport comun. Cong mai mic sună cu o treime mai sus decât cel mai larg. Sunetul congăi este înalt, în special „gol” și variază în funcție de locul și metoda de impact.

Single

HARPĂ

Unul dintre cele mai vechi instrumente muzicale ale omenirii. A apărut dintr-un arc cu o coardă întinsă, care suna melodios când era tras. Mai târziu, sunetul corzii arcului a fost folosit ca semnal. Omul care a tras trei sau patru corzi de arc de un arc, care, datorită lungimii lor inegale, scotea sunete de diferite înălțimi, a devenit creatorul primei harpe. Chiar și în frescele egiptene din secolul al XV-lea î.Hr., harpele seamănă încă cu un arc. Și aceste harpe nu sunt cele mai vechi: cei mai vechi arheologi au găsit în timpul săpăturilor din orașul sumerian Ur din Mesopotamia - a fost făcut în urmă cu patru mii și jumătate de ani, în secolul XXVI î.Hr.

În cele mai vechi timpuri, în Orient, în Grecia și Roma, harpa a rămas unul dintre cele mai comune și îndrăgite instrumente. A fost adesea folosit pentru a însoți cântatul sau cântatul la alte instrumente. Harpa a apărut devreme în Europa medievală: aici Irlanda era renumită pentru arta sa specială de a cânta, unde cântăreții populari - barzi - își cântau saga în acompaniamentul ei.

Harpa este un instrument ciupit cu coarde. Se crede că frumusețea aspectului ei îi depășește pe toți vecinii ei din orchestră. Contururile sale grațioase ascund forma unui triunghi, cadrul metalic este decorat cu sculpturi. Pe cadru sunt trase șiruri (47-48) de diferite lungimi și grosimi, care formează o plasă transparentă. La începutul secolului al XIX-lea, celebrul maestru de pian Erar a îmbunătățit harpa antică. A găsit o modalitate de a schimba rapid lungimea coardelor și, prin urmare, înălțimea harpei.

Posibilitățile virtuoziste ale harpei sunt destul de ciudate: acorduri largi, pasaje din arpegii, glissando - alunecarea mâinii de-a lungul tuturor coardelor acordate pe un acord, armonicile sunt excelente pe ea.

Rolul harpei în orchestră nu este atât de emoționant, cât de colorat. Harpa însoțește adesea instrumente diferite orchestră; alteori, este însărcinată cu solo-uri spectaculoase. Sunt mulți dintre ei în baletele lui Ceaikovski, Glazunov, în operele lui Rimski-Korsakov. Dintre compozitorii vest-europeni ai secolului al XIX-lea, harpa a fost cea mai utilizată de Berlioz, Meyerbeer, Wagner și Liszt. Cunoscuta parte a două harpe din „Vals” din „Simfonia fantastică” a lui Berlioz a marcat începutul acelui stil virtuos care a devenit cel mai important în ultimele trei secole. Anterior, din momentul apariției sale în orchestra simfonică a secolului al XVIII-lea și până la Berlioz, harpa a imitat sunetul unei lăute, al unei chitare (ca în „Vânătoarea aragoneză” de Glinka) sau al unui clavecin. Harpa era folosită și în cazurile în care era necesar să se evoce o asociere cu antichitatea. Orfeu al lui Gluck sau Prometeu al lui Beethoven sunt exemple.

Orchestra folosește de obicei una sau două harpe, dar în unele cazuri numărul acestora crește. Astfel, „Mlada” de Rimski-Korsakov are trei harpe, în timp ce „Rheingold Gold” de Wagner are șase.

PIAN

Sursa de sunet la PIAN sunt corzile metalice, care încep să sune de la impactul ciocanelor din lemn acoperite cu pâslă, iar ciocanele sunt acționate de apăsarea degetului asupra tastelor.

Primele instrumente cu tastatură, cunoscute deja la începutul secolului al XV-lea, au fost clavecinul și clavicordul (în italiană - clavicembalo). La clavicord, coardele erau vibrate de pârghii metalice - tangente, la clavecin - de pene de corb, iar mai târziu - de cârlige metalice. Sunetul acestor instrumente era dinamic monoton și s-a estompat rapid.

Primul pian cu acțiune de ciocan, numit așa pentru că cânta atât sunete forte, cât și sunete de pian, a fost cel mai probabil construit de Bartolomeo Cristofori în 1709. Acest nou instrument a câștigat rapid recunoaștere și, după multe îmbunătățiri, a devenit un concert modern. Un pian a fost construit în 1826 pentru a crea muzică acasă.

Pianul este cunoscut pe scară largă ca instrument de concert solo. Dar uneori acționează și ca un instrument obișnuit al orchestrei. Compozitorii ruși, începând cu Glinka, au început să introducă pianul (partea de pian) în orchestră, uneori împreună cu harpa, pentru a recrea sonoritatea harpei. Așa este folosit în cântecele lui Bayan din „Ruslan și Lyudmila” de Glinka, din „Sadko” și din „Noaptea de mai” a lui Rimski-Korsakov. Uneori pianul reproduce sunetul unui clopot, ca în Boris Godunov de Mussorgski, orchestrat de Rimski-Korsakov. Dar nu întotdeauna doar imită alte timbre. Unii compozitori îl folosesc în orchestră ca instrument de decorare care poate introduce sonoritate și culori noi în orchestră. Deci, Debussy a scris în suita simfonică „Primăvara” partea de pian la patru mâini. În cele din urmă, uneori este considerat ca un fel de instrument de percuție cu un ton puternic și uscat. Scherzo ascuțit și grotesc din Prima Simfonie a lui Șostakovici este un exemplu în acest sens.

ORGAN

Instrumentul de suflat cu tastatura - ORGAN - era cunoscut in vremuri stravechi. În organele antice, aerul era pompat manual cu burduf. În Europa medievală, orga a devenit un instrument de închinare la biserică. În mediul spiritual al secolului al XVII-lea s-a născut arta polifonică cu orgă, cei mai buni reprezentanți ai căreia au fost Frescobaldi, Bach și Handel.

Orga este un instrument gigantic cu multe timbre diferite.

„Aceasta este o întreagă orchestră, care în mâini pricepute poate transmite totul, poate exprima totul”, a scris Balzac despre el. Într-adevăr, gama orgii o depășește pe cea a tuturor instrumentelor din orchestră combinate. Orga include burdufuri pentru alimentarea cu aer, un sistem de țevi de diferite modele și dimensiuni (în orgile moderne, numărul țevilor ajunge la 30.000), mai multe tastaturi manuale - manuale și o pedală de picior. Cele mai mari țevi ating o înălțime de 10 metri sau mai mult, înălțimea celor mai mici - 8 milimetri. Aceasta sau acea colorare a unui sunet depinde de dispozitivul lor.

Un set de conducte cu un singur timbru se numește registru. Orgile mari de catedrală au mai mult de o sută de registre: în orga Notre Dame, numărul lor ajunge la 110. Colorarea sunetelor registrelor individuale seamănă cu timbrul unui flaut, oboi, corn englezesc, clarinet, clarinet bas, trompetă, violoncel. Cu cât registrele sunt mai bogate și mai variate, cu atât interpretul are mai multe oportunități, deoarece arta cântării la orgă este arta unei bune înregistrări, adică. utilizarea cu pricepere a tuturor resurselor tehnice ale instrumentului.

În cea mai recentă muzică orchestrală (în special cea de teatru), orga a fost folosită în primul rând în scopuri sonoro-vizuale - acolo unde era necesar să se reproducă atmosfera bisericească. Liszt, de exemplu, în poemul său simfonic „Bătălia hunilor”, cu ajutorul unei orgi, a opus lumea creștină barbarilor.

Este alcătuit din șase grupuri de instrumente, cum ar fi: coarde arcuite, suflat, alamă, percuție, clape și suplimentare. Până la 110 muzicieni cântă într-o orchestră simfonică mare, iar într-una mică până la 50. Orchestra este condusă de un dirijor, interpretare artistică a musicalului.

Instrumentele cu coarde cu arc formează baza unei orchestre simfonice. Ei sunt purtătorii începutului melodic al unei opere muzicale. Instrumentele acestui grup sunt similare ca aspect și timbru, iar sunetul este extras cu un arc. Sunetul expresiv al viorii este central în grup și în toată orchestra. Viola diferă de vioară printr-o dimensiune ceva mai mare și un sunet mai înăbușit, mat. Violoncelul urmează în aparență contururile viorii, dar este mult mai mare decât acesta. Violoncelul nu este ținut pe umăr, ca și cele două instrumente anterioare, ci se sprijină pe un suport. Acest instrument are un sunet scăzut, dar catifelat și nobil. Contrabasul depășește ca dimensiune nu numai toate instrumentele de mai sus ale grupului, ci și înălțimea unei persoane, de aceea îl cântă în timp ce stau. Sunetul contrabasului este scăzut și bâzâit.

Grupurile de instrumente de suflat din lemn sunt: ​​un flaut de sonerie, un oboi cu un sunet bogat cald, un clarinet cu un timbru variat, un fagot cu sunet răgușit și un fagot cu cel mai jos timbru al grupului de contrafagot. Acest grup și-a primit numele datorită materialului din care sunt fabricate, lemnul, și a metodei de extragere a sunetului, suflarea aerului.

Pentru fabricarea instrumentelor din grupa instrumentelor de suflat cupru, se folosesc metale cu un conținut ridicat de cupru. Introducerea lor este caracterizată de un sunet puternic, solemn și luminos. „Vocea” sonoră a trompetei joacă adesea rolul solo. Cornul este folosit în mod tradițional în muzica pastorală. În momentul culminant al piesei, trombonul își joacă rolul. Tuba are cel mai mic sunet.

Instrumentele de percuție sunt unite printr-un mod de extragere a sunetului - o lovitură. Dar în ceea ce privește sunetul, toate sunt diferite. Sarcina lor principală este de a sublinia ritmul, de a spori sunetul orchestrei, de a adăuga expresivitate. În orchestră se găsesc astfel de instrumente de percuție: timpane, tobe mari și capcane, tamburin, chimvale și triunghiuri, clopote, xilofon.

Grupul de tastaturi se caracterizează prin prezența tastelor albe și negre pentru fiecare instrument. Printre acestea se numără: orgă, clavicord, clavecin, pian. Adesea sunt singuri în orchestră.

Pentru a interpreta anumite lucrări, orchestra include un instrument ciupit cu coarde, cu un timbru delicat și transparent - o harpă. Adaugă o notă de magie unei piese muzicale.

O orchestră este un grup de muzicieni care cântă la diferite instrumente. Dar nu trebuie confundat cu ansamblul. Acest articol vă va spune ce tipuri de orchestre sunt. Și vor fi sfințite și compozițiile lor de instrumente muzicale.

Soiuri de orchestre

Orchestra diferă de ansamblu prin faptul că, în primul caz, aceleași instrumente sunt combinate în grupuri cântând la unison, adică o melodie comună. Și în al doilea caz, fiecare muzician este un solist - își joacă rolul. „Orchestra” este un cuvânt grecesc și se traduce prin „ ring de dans”. Era situat între scenă și public. Corul a fost amplasat pe acest site. Apoi a devenit similar cu gropile orchestrei moderne. Și cu timpul, muzicienii au început să se stabilească acolo. Iar numele de „orchestră” a mers la grupuri de interpreți-instrumentiști.

Tipuri de orchestre:

• simfonic.
• Şir.
• Vânt.
• Jazz.
• Pop.
• Orchestra de instrumente populare.
• Militar.
• Şcoală.

Compoziția instrumentelor diferitelor tipuri de orchestră este strict definită. Symphonic este format dintr-un grup de coarde, percuție și alamă. Fanfarele de coarde și de alamă sunt alcătuite din instrumente corespunzătoare numelor lor. Jazzul poate avea o compoziție diferită. Orchestra de varietate este formată din alamă, coarde, percuție, clape și

Soiuri de coruri

Un cor este un ansamblu mare de cântăreți. Trebuie să fie cel puțin 12 artiști.În majoritatea cazurilor, corurile cântă acompaniate de orchestre. Tipurile de orchestre și coruri sunt diferite. Există mai multe clasificări. În primul rând, corurile sunt împărțite în tipuri în funcție de compoziția lor de voci. Poate fi: coruri de femei, bărbați, mixte, de copii, precum și de băieți. După modul de performanță, se disting folcloric și academic.

Corurile sunt, de asemenea, clasificate după numărul de interpreți:

• 12-20 persoane - ansamblu vocal și coral.
• 20-50 artiști - cor de cameră.
• 40-70 de cântăreți - medie.
• 70-120 de participanți - un cor mare.
• Până la 1000 de artiști - consolidați (din mai multe grupuri).

După statutul lor, corurile se împart în: educaționale, profesionale, amatoare, bisericești.

Orchestra simfonica

Nu toate tipurile de orchestre includ. Acest grup include: viori, violoncel, viole, contrabas. Una dintre orchestre, care include o familie de coarde-arcuri, este una simfonică. Este format din mai multe grupuri diferite de instrumente muzicale. Astăzi, există două tipuri de orchestre simfonice: mici și mari. Primul dintre ele are o compoziție clasică: 2 flaute, același număr de fagoți, clarinete, oboi, trompete și cornuri, nu mai mult de 20 de coarde, ocazional timpani.

Poate fi de orice compoziție. Poate include 60 sau mai multe instrumente cu coarde, tube, până la 5 trombone de diferite timbre și 5 trompete, până la 8 coarne, până la 5 flaut, precum și oboi, clarinete și fagote. Poate include, de asemenea, varietăți din grupul de suflat, cum ar fi oboi d "amour, flaut piccolo, contrafagot, corn englezesc, saxofoane de toate tipurile. Poate include un număr mare de instrumente de percuție. Adesea, o orchestră simfonică mare include o orgă, pian, clavecin şi harpă.

Fanfară

Aproape toate tipurile de orchestre au o familie în compoziția lor.Acest grup include două soiuri: cupru și lemn. Unele tipuri de trupe constau numai din alamă și instrumente de percuție, cum ar fi trupele de alamă și trupele militare. În primul soi, rolul principal revine cornetelor, buglelor tipuri diferite, tubam, bariton-eufonii. Instrumente secundare: trombone, trompete, corni, flaute, saxofoane, clarinete, oboi, fagoturi. Dacă banda de alamă este mare, atunci, de regulă, toate instrumentele din ea cresc în cantitate. Foarte rar pot fi adăugate harpe și tastaturi.

Repertoriul fanfarelor include:

• Marşuri.
• Dansuri europene de sală.
• arii de operă.
• Simfonii.
• Concerte.

Fanfarele concertează cel mai des în zonele de stradă deschise sau însoțesc procesiunea, deoarece sună foarte puternic și luminos.

Orchestra de instrumente populare

Repertoriul lor include în principal compoziții caracter popular. Care este compoziția lor instrumentală? Fiecare națiune are a lui. De exemplu, orchestra rusă include: balalaikas, gusli, domra, zhaleika, fluiere, acordeoane cu nasturi, zdrăngănitoare și așa mai departe.

trupă militară

Tipurile de orchestre formate din instrumente de suflat și percuție au fost deja enumerate mai sus. Există o altă varietate care include aceste două grupuri. Acestea sunt trupe militare. Acestea servesc pentru a suna ceremonii solemne, precum și pentru a participa la concerte. Trupele militare sunt de două tipuri. Unele constau din alamă și alamă. Se numesc omogene. Al doilea tip este trupele militare mixte, care, printre altele, includ un grup de suflat.