هنرمندان روسی عصر نقره و نقاشی های آنها. روسی "عصر نقره ای": هنرهای زیبا. ویژگی اولیه جدید

مطالب 1 ادبیات 1.1 شاعران 1.1.1 A 1.1.2 B 1.1.3 ... ویکی پدیا

چارچوب زمانی عصر نقرهفرهنگ روسی را نمی توان با دقت تا یک سال ایجاد کرد. آغاز این دوره معمولاً به نیمه اول دهه 1890 بین مانیفست های نیکولای مینسکی "در پرتو وجدان" (1890) و دیمیتری ... ... ویکی پدیا نسبت داده می شود.

شامل نقاشان امپراتوری روسیه، اتحاد جماهیر شوروی و فدراسیون روسیهفعال در خارج از کشور مطالب 1 قرن XVIII 2 قرن XIX 3 قرن XX 3.1 ... ویکی پدیا

- ... ویکیپدیا

مطالب 1 دسامبر 2 انقلابیون 3 نظامی و قهرمان اتحاد جماهیر شوروی ... ویکی پدیا

- ... ویکیپدیا

این مقاله برای حذف پیشنهاد شده است. توضیح دلایل و بحث مربوطه را می توانید در صفحه ویکی پدیا بیابید: حذف می شود / 19 اکتبر 2012. تا تکمیل فرآیند بحث، مقاله را می توان ... ویکی پدیا

نمایشگاه آثار هنرمندان لنینگراد به مناسبت شصتمین سالگرد انقلاب کبیر اکتبر کاتالوگ نمایشگاه محل ... ویکی پدیا

کاتالوگ نمایشگاه محل برگزاری: L ... ویکی پدیا

کاتالوگ نمایشگاه مکان: موزه دولتی روسیه لنینگراد زمان: 1960 نمایشگاه آثار هنرمندان لنینگراد 1960 ... ویکی پدیا

کتاب ها

• شهر عصر نقره، Volodina T.I. فضای شهر در هنرهای زیبا و ادبیات روسیه عصر نقره. این کتاب اولین مطالعه میان رشته ای این موضوع در علم مدرن داخلی است…
• شهر عصر نقره. فضای شهر در هنر روسیه و ادبیات عصر نقره، Volodina T. I. فضای شهر در هنر روسیه و ادبیات عصر نقره. این کتاب اولین مطالعه میان رشته ای موضوع فضا در علم مدرن داخلی است.

نمایش "عمو وانیا" در صحنه مسکو تئاتر هنری

عکس مربوط به سال 1899

اولین نمایش چخوف در تئاتر در سال 1896 ناموفق بود: اولین ساخته مرغ دریایی یک شکست بزرگ در صحنه تئاتر الکساندرینسکی در سن پترزبورگ بود. برای موفقیت، او به او نیاز داشت، همچنین تئاتر جدید به او نیاز داشت. دو سال بعد، استانیسلاوسکی و نمیروویچ دانچنکو تئاتر هنری عمومی مسکو را افتتاح کردند، که روش‌های سنتی را کنار می‌گذارد: روان‌شناسی جایگزین آنها می‌شود، و همچنین به کارهای جدیدی نیاز دارد. در دسامبر 1898، مرغ دریایی هم برای تئاتر و هم برای چخوف شهرت به ارمغان آورد. درام-تورگ به نماد تئاتر هنری مسکو تبدیل می شود: همان سال بعد استانیسلاوسکی "عمو وانیا" را می گذارد، سپس "سه خواهر" و " باغ گیلاس". نقش های اصلی زن را اولگا نیپر بازی می کند، از سال 1901 - همسر چخوف.

ویکی‌مدیا کامانز

پرتره V. Y. Bryusov

نقاشی توسط میخائیل وروبل. 1906

در سال 1894 ، شاعر جوان والری بریوسوف مجموعه ای از اشعار "سمبلیست های روسی" - مانیفست را منتشر کرد. در مقدمه، او می نویسد که هدف از نمادگرایی، گرفتن حالات ظریف، انتقال آنها در تصاویر مبهم، نکات است. پس از شاعران، هنرمندان نیز به نمادگرایی روی می آورند، در درجه اول میخائیل وروبل. او متعهد می شود که در پایان عمر پرتره ای از بریوسف بکشد و به دلیل بیماری هرگز کار را تمام نخواهد کرد. خود بریوسوف بعداً می گوید که در تمام زندگی خود تلاش کرد تا مانند این پرتره باشد.

دولت گالری ترتیاکوف

"سربازان، فرزندان شجاع، جلال شما کجاست؟"

نقاشی والنتین سرو. 1905

در 9 ژانویه 1905 (22) کارگران سن پترزبورگ که تقریباً یک هفته در اعتصاب به سر می بردند، با طوماری به کاخ زمستانی، خواستار تشکیل مجلس موسسان شد. تظاهرکنندگان غیرمسلح مورد اصابت گلوله قرار گرفتند که به عنوان انگیزه ای برای آغاز اولین انقلاب روسیه بود - و این روز متعاقباً به عنوان یکشنبه خونین در تاریخ ثبت شد. والنتین سرووف پراکنده شدن معترضان را از پنجره آکادمی هنر در سن پترزبورگ تماشا کرد. پس از این اتفاقات، او در اعتراض به آکادمی استعفا داد که رئیس آن عموی امپراتور، دوک بزرگ ولادیمیر الکساندرویچ بود که شخصاً ناآرامی ها را سرکوب کرد.

موزه دولتی روسیه

"پرتره گروهی هنرمندان جامعه" دنیای هنر"

نقاشی بوریس کوستودیف. 1920

بوریس کوستودیف مدت کوتاهی پس از نشست تاسیس دنیای هنر در سال 1910 تصمیم می گیرد پرتره ای از دوستان و همفکران خود بکشد. این در حال حاضر دومین ترکیب دنیای هنر است: اوج اولین، "کلاسیک" در 1898-1904 بود، زمانی که الکساندر بنویس و سرگئی دیاگیلف رد آکادمیک و جستجوی الهام در موضوعات دوردست را اعلام کردند. گذشته کوستودیف با عجله برای گرفتن "دنیای هنر" برای تاریخ، ابتدا پرتره های فردی را نقاشی می کند و بعداً قصد دارد آنها را در یک بوم یادبود ترکیب کند. او پس از انقلاب موفق به خلق یک پرتره گروهی می شود. در تصویر از چپ به راست در پس زمینه: ایگور گرابار، نیکلاس روریچ، یوجین لانسر، ایوان بیلیبین، الکساندر بنویس، گئورگی ناربوت، نیکولای میلیوتی، کنستانتین سوموف، مستیسلاو دوبوژینسکی. در پیش زمینه: بوریس کوستودیف، آنا اوستروموا-لبدوا، کوزما پتروف-ودکین.

موزه دولتی روسیه

طراحی صحنه و لباس اسکندر (واسلاو نیژینسکی) برای باله "پری"

طراحی توسط لئون باکس. 1911

در سال 1906، سرگئی دیاگیلف، کارآفرین، فصول روسیه را برای اولین بار سازماندهی کرد - او نقاشی هایی را به پاریس آورد. هنرمندان روسی. بعد از موفقیت باور نکردنیاو تورهایی را برای آهنگسازان ترتیب می دهد و در سال 1909 نوبت می رسد. لباس‌ها و مناظر، روشن و غیرمعمول، بر اساس طرح‌های هنرمندان دنیای هنر لئون باکس و الکساندر بنوا خلق شده‌اند. دیاگیلف آهنگسازان و رقصندگان جوان را مورد خطاب قرار می دهد و مردم پاریس با اشتیاق از میخائیل فوکین، آیدا روبینشتاین و واسلاو نیژینسکی استقبال می کنند. موسیقی باله «پری» توسط پل دوکاس نوشته شده است، نقش اسکندر به نیژینسکی محول شده است، اما به دلیل درگیری های داخلی، تولید در این آهنگ انجام نخواهد شد. فصل های دیاگیلف تا زمان مرگ کارآفرین در سال 1929 ادامه خواهد داشت و باله به یکی از نمادهای فرهنگ روسیه تبدیل خواهد شد.

موزه هنر متروپولیتن

"خود پرتره و پرتره پیتر پتروویچ کنچالوفسکی"

نقاشی ایلیا ماشکوف. 1910

در سال 1910، نمایشگاهی به نام "جک الماس" در مسکو افتتاح شد - و بلافاصله. نقاشی های ایلیا ماشکوف، پیوتر کونچالوفسکی، آریستارخ لنتولوف مملو از زیبایی شناسی خشن و مسخره است که هم از نظر فرم و هم از نظر محتوا غیرمعمول است. در مرکز نمایشگاه و رسوایی، بوم ماشکوف قرار دارد، جایی که او خود و کونچالوفسکی را به عنوان کشتی گیرانی نیمه برهنه به تصویر کشیده است. در قفسه کتاب در گوشه سمت چپ بالا جلدی با کتیبه "سزان" وجود دارد - برای "جک های الماس" او بت اصلی است. در سال آیندهانجمن هنری به همین نام در حال ایجاد است، اما برخی از برگزارکنندگان نمایشگاه - از جمله میخائیل لاریونوف، که این نام را مطرح کرد - دیگر وارد آن نمی شوند. جریانات در این دوره با سرعتی باورنکردنی جایگزین یکدیگر می شوند، هنرمندان "دم الاغ" با "جک های الماس" دشمنی می کنند، آینده پژوهان با یکدیگر بحث می کنند و مخالفان به آکادمیک متهم می شوند.

موزه دولتی روسیه

طراحی لباس برای اپرای "پیروزی بر خورشید"

نقاشی های کازیمیر مالویچ. 1913

از سال 1910، زمانی که ولیمیر خلبانیکوف و دیوید بورلیوک مجموعه "باغ قضات" را منتشر کردند، آینده سازان به طور خستگی ناپذیری مردم، نویسندگان و منتقدان را شوکه کردند. در سال 1913، آنها اثری را خلق کردند که شاعران، هنرمندان و آهنگسازان را متحد می کند - اپرای پیروزی بر خورشید. الکسی کروچنیخ و ولیمیر خلبنیکوف لیبرتو را می نویسند ("سوت رویایی آلت تناسلی، تفکر را پر می کند")، میخائیل ماتیوشین موسیقی ناهماهنگ می سازد و کازیمیر مالویچ مناظر را ترسیم می کند. اپرا اعلام می کند ایده اصلیآینده پژوهان: Budtlyane (یعنی خود آینده سازان) خورشید را شکست می دهند، نمادی از همه چیز آشنا، قدیمی، تمام زیبایی شناسی قدیمی، که تزلزل ناپذیر به نظر می رسید.

ویکی‌مدیا کامانز

"مورد قهرمانانه کوزما کریوچکوف"

طراحی توسط دیمیتری مور. لیتوگرافی انجمن I. D. Sytin. 1914

کوزما کریوچکوف قزاق اولین قهرمان روسی جنگ جهانی شد، پس از اینکه چهار نفر از آنها به 27 سواره نظام آلمانی در مرز حمله کردند و دشمن را شکست دادند. به همه قزاق ها صلیب های سنت جورج اهدا شد، و خود کریوچکوف که 11 آلمانی را کشت، برای مدت طولانی نمادی از قدرت ملی باقی ماند: دائماً در مورد او در روزنامه ها می نوشتند، پرتره او حتی بسته بندی شیرینی های قهرمانانه را تزئین می کرد. در طول جنگ جهانی، او یک صلیب سنت جورج دیگر و دو مدال "برای شجاعت" دریافت کرد و در سال 1919 در جریان قیام قزاق های دون علیه بلشویک ها درگذشت.

شرح تصویر:
"4 قزاق - کوزما کریوچکوف، آستاخوف، ایوانکوف، شچگلکوف - 27 سواره نظام آلمانی را سوار کردند ...<…>تصویر نشان می‌دهد که چگونه کوزمای بوگاتیر آلمانی‌ها را روی قله‌ها به چوب می‌کشد و آنها را مانند درختان می‌نشیند. رفتن به خانه با چوب خنک‌تر است.»

کتابخانه تاریخی عمومی دولتی روسیه

اعضای خانواده سلطنتی که در طول جنگ جهانی اول از مجروحان مراقبت می کنند

عکس از آلبوم خانواده رومانوف. 1914-1915

خانواده سلطنتی از همان آغاز جنگ جهانی سعی داشتند نشان دهند که در کنار رعایای خود سختی هایی را نیز تجربه می کنند. امپراتور نیکلاس دوم در یک لباس صحرایی ساده در ملاء عام ظاهر می شود و دوشس بزرگ و امپراطور الکساندرا فئودورونا به عنوان خواهران رحمت به مجروحان بیمارستان کمک می کنند. تبلیغات دولتی خستگی ناپذیر بر مشارکت خانواده امپراتوری در زندگی سربازان عادی تأکید می کند. با این حال، با هر سال جنگ، آنها از مردادترین افراد صحبت می کنند. لباس خواهر رحمت الکساندرا فئودورونا را از شایعات در مورد ارتباط او با راسپوتین و جاسوسی به نفع آلمان نجات نمی دهد.

کتابخانه کتاب و نسخ خطی کمیاب Beinecke

عقاب های دو سر کنده شده

عکس مربوط به سال 1917

در مارس 1917، سلطنت روسیه سقوط کرد - نیکلاس دوم از تاج و تخت استعفا داد، قدرت به دولت موقت منتقل شد. اولین هفته های زندگی بدون تزار به نشانه خلاص شدن از شر نمادهای رژیم گذشت: پرتره های امپراتور و خانواده اش در آتش سوزانده شدند، عقاب های دو سر و تاج ها از حصارها و ساختمان ها فرو ریختند.

در اواخر قرن XIX-XX، تغییرات قابل توجهی در نقاشی روسی رخ داد. صحنه های ژانر در پس زمینه محو شدند. منظره کیفیت عکاسی و چشم انداز خطی خود را از دست داد و بر اساس ترکیب و بازی لکه های رنگی دموکراتیک تر شد. پرتره‌ها اغلب مرسوم بودن زینتی پس‌زمینه و وضوح مجسمه‌سازی صورت را با هم ترکیب می‌کردند.

آغاز مرحله جدیدی از نقاشی روسی با انجمن خلاق "دنیای هنر" همراه است. در پایان دهه 80 قرن نوزدهم. در سن پترزبورگ حلقه‌ای از دانش‌آموزان و دانش‌آموزان هنردوست به وجود آمد. آنها در آپارتمان یکی از شرکت کنندگان جمع شدند - الکساندر بنوا. جذاب، قادر به ایجاد یک فضای خلاقانه در اطراف خود، از همان ابتدا روح دایره شد. اعضای دائمی آن بودند کنستانتین سوموف و لو باکست . بعداً یوجین لنسری، برادرزاده بنوا، و سرگئی دیاگیلف که از استان آمده اند.

جلسات حلقه کمی شخصیت دلقک بود. اما گزارش های ارائه شده توسط اعضای آن با دقت و جدیت تهیه شده بود. دوستان مجذوب ایده اتحاد انواع هنر و گرد هم آوردن فرهنگ های مردمان مختلف بودند. آنها با نگرانی و تلخی درباره این واقعیت صحبت کردند که هنر روسیه در غرب کمتر شناخته شده است و استادان روسی به اندازه کافی با دستاوردهای هنرمندان معاصر اروپایی آشنا نیستند.

دوستان بزرگ شدند، به خلاقیت رفتند، اولین کار جدی خود را ایجاد کردند. و آنها متوجه نشدند که چگونه دیاگیلف در راس دایره قرار دارد. این استان سابق به جوانی با تحصیلات عالی با ذوق هنری و ذکاوت تجاری تبدیل شد. او خود به طور حرفه ای به هیچ نوع هنری مشغول نبود، اما سازمان دهنده اصلی یک انجمن خلاق جدید شد. در شخصیت دیاگیلف، کارایی و محاسبه هوشیارانه با ماجراجویی خاصی همراه بود و اقدامات جسورانه او اغلب شانس خوبی را به همراه داشت.

در سال 1898 دیاگیلف نمایشگاهی از هنرمندان روسی و فنلاندی در سن پترزبورگ ترتیب داد. در اصل، این اولین نمایشگاه هنرمندان مسیر جدید بود. به دنبال آن نمایشگاه های دیگری برگزار شد و سرانجام در سال 1906 - نمایشگاهی در پاریس "دو قرن نقاشی و مجسمه سازی روسی". "شکوفایی فرهنگی" روسیه در اروپای غربی مرهون تلاش و اشتیاق دیاگیلف و دوستانش بود.

در سال 1898، حلقه Benois-Dyagilev شروع به انتشار مجله "World of Art" کرد. مقاله برنامه‌ای دیاگیلف بیان می‌کرد که هدف هنر، ابراز وجود خالق است. دیاگیلف نوشت، هنر نباید برای نشان دادن هیچ دکترین اجتماعی مورد استفاده قرار گیرد. اگر اصیل باشد، فی نفسه حقیقت زندگی، تعمیم هنری و گاهی مکاشفه است.

نام "دنیای هنر" از مجله به انجمن خلاق هنرمندان منتقل شد که ستون فقرات آن همه همان دایره بود. استادانی مانند V. A. Serov، M. A. Vrubel، M. V. Nesterov، I. I. Levitan، N. K. Roerich به انجمن پیوستند. همه آنها شباهت کمی به یکدیگر داشتند، به شیوه ای خلاقانه متفاوت کار می کردند. و با این حال در کار، حالات و دیدگاه های آنها اشتراکات زیادی وجود داشت.

Miriskusniks نگران ظهور دوران صنعتی بودند، زمانی که شهرهای بزرگ رشد کردند، با ساختمان‌های کارخانه‌ای بدون چهره ساخته شدند و افراد تنها در آن زندگی می‌کردند. آنها نگران بودند که هنری که برای ایجاد هماهنگی و آرامش در زندگی طراحی شده بود، به طور فزاینده ای از آن خارج می شد و به مالکیت حلقه کوچکی از "برگزیدگان" تبدیل می شد. آنها امیدوار بودند که هنر، با بازگشت به زندگی، به تدریج مردم را نرم، معنوی و متحد کند.

«دنیای هنر» معتقد بود که در دوران پیش از صنعتی شدن مردم با هنر و طبیعت ارتباط نزدیک تری داشتند. قرن هجدهم برای آنها جذاب به نظر می رسید. اما آنها هنوز هم درک می کردند که عصر ولتر و کاترین آنقدرها که به نظر می رسد هماهنگ نیست، و بنابراین واحد ورسای و مناظر تزارسکویه سلو با پادشاهان، امپراتورها، سواره نظام و خانم ها در مه نور غم و اندوه و خودخواهی پوشیده شده است. کنایه هر یک از این منظره ها توسط A. N. Benois، K. A. Somov یا E. E. Lansere با آهی به پایان می رسید: حیف است که به طور غیرقابل برگشتی گذشته است! حیف که واقعا آنقدر زیبا نبود!

نقاشی رنگ روغن که برای هنرمندان دنیای هنر تا حدودی سنگین به نظر می رسید، در پس زمینه کار آنها محو شد. آبرنگ، پاستل، گواش بیشتر مورد استفاده قرار می گرفت، که باعث می شد آثاری در رنگ های روشن و هوا ایجاد شود. طراحی نقش ویژه ای در کار نسل جدید هنرمندان داشت. هنر قلم زنی احیا شد. یک شایستگی بزرگ در این امر متعلق به A.P. Ostroumova-Lebedeva است. او که استاد منظر شهری بود، بسیاری از شهرهای اروپایی (رم، پاریس، آمستردام، بروژ) را در حکاکی های خود به تصویر کشید. اما در مرکز کار او سنت پترزبورگ و حومه کاخ آن - Tsarskoye Selo، Pavlovsk، Gatchina قرار داشت. ظاهر سختگیرانه پایتخت شمالی بر روی حکاکی‌های او در ریتم شدید سایه‌ها و خطوط، در تضاد رنگ‌های سفید، سیاه و خاکستری منعکس می‌شد.

احیای گرافیک کتاب، کتاب هنر. هنرمندان بدون محدود کردن خود به تصویرسازی، برگه‌های جلد، نقاشی‌های پیچیده و پایان‌بندی به سبک آرت نو را وارد کتاب‌ها کردند. این تفاهم حاصل شد که طراحی کتاب باید ارتباط نزدیکی با محتوای آن داشته باشد. طراح گرافیک شروع به توجه به جزئیاتی مانند اندازه کتاب، رنگ کاغذ، فونت، لبه کرد. بسیاری از اساتید برجسته آن زمان به طراحی کتاب مشغول بودند. پوشکین " سوارکار برنزی"به طور محکم با نقاشی های بنوا و "حاجی مراد" تولستوی - با تصاویر لانسر مرتبط است. اوایل قرن بیستم در قفسه های کتابخانه با بسیاری از نمونه های باکیفیت از هنر کتاب قرار داده شده است.

هنرمندان «دنیای هنر» به هنر به ویژه موسیقی ادای احترام کردند. مناظر هنرمندان آن زمان - گاه به طرزی بدیع، گاه شعله ور مانند آتش - در ترکیب با موسیقی، رقص، آواز، منظره‌ای مجلل خیره‌کننده خلق کرد. L. S. Bakst سهم قابل توجهی در موفقیت باله Scheherazade (به موسیقی Rimsky-Korsakov) داشت. A. Ya. Golovin باله The Firebird (با موسیقی I. F. Stravinsky) را به همان روشنی و جشن طراحی کرد. مناظر N. K. Roerich برای اپرای "شاهزاده ایگور" برعکس، بسیار محدود و شدید است.

باله "پتروشکا" که در بسیاری از کشورها به صحنه تئاتر رفت، اثر مشترک ایگور استراوینسکی آهنگساز و هنرمند الکساندر بنویس بود. داستان بی تکلف در مورد اینکه چگونه پتروشکا عاشق بالرین شد ، با لطافت ، با طنز و اندوه جزئی ، افکار غم انگیزی را در مورد سرنوشت این هنرمند در دنیایی بی رحم تحت سلطه قدرت بدنی و احساسات بی رحمانه الهام بخشید.

در زمینه نقاشی تئاتر، "دنیای هنر" به تحقق رویای گرامی خود نزدیک شد - ترکیب انواع مختلف هنر در یک اثر.

سرنوشت انجمن "دنیای هنر" آسان نبود. انتشار مجله پس از سال 1904 متوقف شد. در این زمان، بسیاری از هنرمندان از انجمن دور شده بودند و به اندازه دایره اصلی کاهش یافت. ارتباطات خلاقانه و شخصی اعضای آن سال ها ادامه داشت. دنیای هنر به نماد هنری مرز بین دو قرن تبدیل شده است. یک مرحله کامل در توسعه نقاشی روسی با او همراه است. جایگاه ویژه ای در انجمن توسط M. A. Vrubel، M. V. Nesterov و N. K. Roerich اشغال شد.

میخائیل الکساندرویچ وروبل (1856 - 1910) استاد همه کاره بود. او با موفقیت روی نقاشی های یادبود، نقاشی، تزئینات، تصاویر کتاب، طراحی برای پنجره های شیشه ای رنگی کار کرد. و همیشه خودش بود، پرشور، معتاد، آسیب پذیر. سه موضوع اصلی، سه انگیزه در آثار او جریان دارد.

اولین، از نظر معنوی والا، اول از همه، در تصویر مادر خدای جوان با یک نوزاد، که برای نماد کلیسای سنت سیریل در کیف نقاشی شده بود، ظاهر شد.

نقوش اهریمنی وروبل از شعر لرمانتوف الهام گرفته شده است. اما شیطان وروبل به یک تصویر هنری مستقل تبدیل شد. برای وروبل، شیطان، یک فرشته افتاده و گناهکار، مانند یک "من" دوم - یک نوع قهرمان غنایی - معلوم شد. این مضمون با قدرت خاصی در فیلم "دیو نشسته" به صدا درآمد. شخصیت قدرتمند شیطان تقریباً کل بوم را پوشانده است. به نظر می رسد که او باید بایستد و صاف شود. اما دست ها پایین می آیند، انگشتان به طرز دردناکی فشرده می شوند و حسرت عمیقی در چشم ها وجود دارد. دیو وروبل چنین است: بر خلاف دیو لرمانتوف، او آنقدر که یک فرد رنج کشیده ویرانگر بی رحم نیست.

در سال 1896، وروبل برای نمایشگاه تمام روسیه در نیژنی نووگورود، تابلوی "میکولا سلیاننوویچ" را نقاشی کرد که در آن او به قهرمان-شخم زن عامیانه چنان قدرتی بخشید که گویی قدرت اولیه خود زمین در آن وجود دارد. بنابراین در کار وروبل، جهت سوم ظاهر شد - حماسه-عامه. با این روح، "بوگاتیر" او نیز نوشته شد، به شدت قدرتمند، نشسته بر اسبی عظیم. نقاشی "پان" در مجاورت این مجموعه است. خدای جنگل به صورت پیرمردی چروکیده با چشمان آبی و دستانی قوی به تصویر کشیده شده است.

آخرین سالهای زندگی وروبل محکوم به بیماری روانی شدید بود. در لحظات روشنگری، ایده های جدیدی در او متولد شد - "رؤیای حزقیال پیامبر"، "سرافیم شش بال". شاید او می خواست سه جهت اصلی کار خود را با هم ترکیب کند، ادغام کند. اما چنین ترکیبی فراتر از توان وروبل بود. بنوا در روز تشییع جنازه‌اش گفت که نسل‌های آینده «به دهه‌های آخر قرن نوزدهم نگاه خواهند کرد. همانطور که در "دوران وروبل" ... در او بود که زمان ما به زیباترین و غم انگیزترین چیزی که می توانست بیان شد.

میخائیل واسیلیویچ نستروف (1862-1942) آثار اولیه خود را با روحیه سرگردانان نوشت. اما پس از آن نقوش مذهبی در آثار او به صدا درآمد. نستروف مجموعه ای از نقاشی های اختصاص داده شده به سرگئی رادونژسکی کشید. اولین آنها نقاشی "دید به بارتولمیوی جوان" (1889-1890) بود. پسر سرسفید که به قید قرعه به مربی معنوی روسیه باستان منصوب شده بود، با احترام به سخنان نبوی گوش می دهد و به نظر می رسید که تمام طبیعت، منظره ساده روسیه پایان تابستان، مملو از این احساس احترام است. .

طبیعت در نقاشی نستروف نقش ویژه ای دارد. در نقاشی های او، او به عنوان یک "پروتاگونیست" عمل می کند و خلق و خوی عمومی را تقویت می کند. این هنرمند به ویژه در مناظر نازک و شفاف تابستان شمالی موفق بود. او دوست داشت طبیعت روسیه مرکزی را در آستانه پاییز ترسیم کند، زمانی که مزارع خاموش و جنگل ها مطابق انتظارات او بودند. نستروف تقریباً هیچ مناظر "محوطه ای" ندارد و نقاشی های بدون مناظر نادر است.

نقوش مذهبی در آثار نستروف به طور کامل در نقاشی کلیسای او بیان شده است. بر اساس طرح های او، برخی از موزاییک کاری ها بر روی نمای کلیسای رستاخیز مسیح که در سن پترزبورگ در محل ترور اسکندر دوم ساخته شده است، انجام شده است.

این هنرمند یک گالری کامل از پرتره های افراد برجسته روسیه ایجاد کرد. بیشتر اوقات ، او قهرمانان خود را در فضای باز به تصویر می کشید و موضوع مورد علاقه خود "گفتگوی" بین انسان و طبیعت را ادامه می داد. L. N. Tolstoy در گوشه ای دورافتاده از پارک Yasnaya Polyana، فیلسوفان مذهبی S. N. Bulgakov و P. A. Florensky - در حین پیاده روی دستگیر شد (تصویر "فیلسوفان").

پرتره در طول سالهای قدرت شوروی به کانون اصلی کار نستروف تبدیل شد. او عمدتاً افراد نزدیک به او را از نظر روحی نوشت، روشنفکران روسی. دستاورد ویژه او پرتره رسا آکادمیک I. P. Pavlov بود.

نیکلاس روریچ (1874 - 1947) در طول زندگی خود بیش از هفت هزار نقاشی خلق کرد. موزه های بسیاری از شهرهای کشورمان و خارج از کشور را تزئین کرده اند. این هنرمند به یک چهره عمومی در سطح جهانی تبدیل شد. اما مراحل اولیه کار او متعلق به روسیه است.

روریش از طریق باستان شناسی به نقاشی رسید. حتی در سال های ژیمناستیک در حفاری گوردخمه های باستانی شرکت می کرد. تخیل مرد جوان تصاویر واضحی از دوران های دور ترسیم کرد. پس از ورزشگاه، روریچ به طور همزمان وارد دانشگاه و آکادمی هنر شد. این هنرمند جوان شروع به اجرای اولین ایده بزرگ خود کرد - مجموعه ای از نقاشی های "آغاز روسیه. اسلاوها".

اولین تصویر این مجموعه، «پیام رسان. قیام علیه قبیله، "به شیوه سرگردانان نوشته شده است. در آینده، رنگ شروع به ایفای نقش فعال فزاینده ای در نقاشی روریچ کرد - خالص، شدید، غیرمعمول بیانگر. بنابراین تصویر "مهمانان خارج از کشور" نوشته شده است. این هنرمند با رنگ سبز آبی تند توانست خلوص و سردی آب رودخانه را منتقل کند. بادبان زرد مایل به زرشکی یک قایق خارج از کشور در باد می‌پاشد. انعکاس او به امواج می شکند. بازی این رنگ ها توسط یک خط سفید نقطه چین از مرغان پرنده احاطه شده است.

روریچ با تمام علاقه ای که به دوران باستان داشت، زندگی مدرن را ترک نکرد، او به صدای آن گوش داد، او می دانست چگونه چیزی را که دیگران نمی شنیدند، بگیرد. او به شدت از وضعیت روسیه و جهان ناراحت بود. با شروع سال 1912، روریچ مجموعه ای از نقاشی های عجیب و غریب را خلق کرد که به نظر می رسد در آن مکان مشخصی برای عمل وجود ندارد، دوران ها با هم مخلوط شده اند. اینها نوعی "رویاهای نبوی" هستند. یکی از این تابلوها "آخرین فرشته" نام دارد. در ابرهای قرمز چرخان، فرشته ای بالا می رود و زمین را غرق در آتش می گذارد.

رویریچ در نقاشی‌هایی که در طول سال‌های جنگ کشیده شده است سعی می‌کند ارزش‌های مذهب و کار مسالمت‌آمیز را بازسازی کند. او به انگیزه های ارتدکس عامیانه روی می آورد. بر روی بوم های او، مقدسین به زمین می آیند، بدبختی را از مردم دور می کنند، آنها را از خطرات محافظت می کنند. روریچ آخرین نقاشی های این مجموعه را قبلاً در یک سرزمین خارجی به پایان رساند. بر روی یکی از آنها ("Zvenigorod")، قدیسان با لباس های سفید و با هاله های طلایی از یک معبد باستانی بیرون می آیند و زمین را برکت می دهند. در روسیه شوروی، در آن زمان، آزار و اذیت کلیسا در حال گسترش بود، کلیساها ویران و هتک حرمت شدند. قدیسان نزد مردم رفتند.

مقدمه……………………………………………………………..2

معماری……………………………………………………….3

نقاشی……………………………………………………………..5

تحصیلات………………………………………………………10

علوم……………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………

نتیجه گیری…………………………………………………………………………………………………………………………………

مراجع…………………………………………………….18

معرفی

عصر نقره ای فرهنگ روسیه به طرز شگفت آوری کوتاه بود. کمتر از یک ربع قرن به طول انجامید: 1900 - 1922. تاریخ اولیه مصادف با سال درگذشت فیلسوف مذهبی و شاعر روسی V.S. سولوویف، و آخرین - با سال اخراج گروه بزرگی از فیلسوفان و متفکران از روسیه شوروی. کوتاه بودن دوره از اهمیت آن کم نمی کند. برعکس، با گذشت زمان، این اهمیت حتی افزایش می یابد. این در این واقعیت نهفته است که فرهنگ روسیه - اگر نگوییم همه، بلکه فقط بخشی از آن - اولین کسی بود که به مضر بودن توسعه پی برد که جهت گیری های ارزشی آن عقل گرایی یک طرفه، غیر مذهبی بودن و کمبود معنویت است. دنیای غرب خیلی دیرتر به این موضوع رسید.

عصر نقره اول از همه شامل دو پدیده معنوی اصلی است: احیای دینی روسیه در آغاز قرن بیستم، که به عنوان "جستجوی خدا" نیز شناخته می شود، و مدرنیسم روسی که نمادگرایی و آکمیسم را در بر می گیرد. شاعرانی چون م. تسوتاوا، اس. یسنین و ب. پاسترناک متعلق به او هستند که بخشی از این جنبش ها نبودند. انجمن هنری "دنیای هنر" (1898 - 1924) را نیز باید به عصر نقره نسبت داد.

معماری عصر نقره»

عصر پیشرفت صنعتی در آستانه قرن XIX-XX. صنعت ساخت و ساز را متحول کرد. ساختمان‌های نوع جدیدی مانند بانک‌ها، مغازه‌ها، کارخانه‌ها، ایستگاه‌های راه‌آهن، جایگاه فزاینده‌ای را در منظر شهری به خود اختصاص دادند. ظهور مصالح ساختمانی جدید (بتن مسلح، سازه های فلزی) و بهبود تجهیزات ساختمانی امکان استفاده از مصالح ساختمانی و تکنیک های هنری، که درک زیبایی شناختی آن منجر به تایید سبک آرت نوو شد!

در کار F.O. شختل، روندهای اصلی توسعه و ژانرهای مدرنیته روسی تا حد زیادی تجسم یافت. شکل گیری سبک در کار استاد در دو جهت پیش رفت - ملی-عاشقانه، مطابق با سبک نئوروسی و منطقی. ویژگی های Art Nouveau به طور کامل در معماری عمارت دروازه نیکیتسکی آشکار می شود، جایی که با کنار گذاشتن طرح های سنتی، یک اصل برنامه ریزی نامتقارن اعمال می شود. ترکیب پلکانی، توسعه آزاد حجم ها در فضا، برآمدگی های نامتقارن پنجره های خلیج، بالکن ها و ایوان ها، قرنیز برجسته برجسته - همه اینها اصل جذب یک ساختار معماری را به یک فرم ارگانیک ذاتی در هنر نو نشان می دهد.

در دکوراسیون عمارت، از تکنیک‌های معمولی هنر نو مانند پنجره‌های رنگی شیشه‌ای رنگی و فریز موزاییکی با تزئینات گل‌دار که کل ساختمان را احاطه کرده است، استفاده شده است. پیچ و تاب های عجیب و غریب زینت در درهم آمیختن پنجره های رنگی، به الگوی میله های بالکن و نرده های خیابان تکرار می شود. از همین نقوش در دکوراسیون داخلی به عنوان مثال به صورت نرده های مرمری راه پله استفاده می شود. مبلمان و جزئیات تزئینی فضای داخلی ساختمان با ایده کلی ساختمان یک کل واحد را تشکیل می دهد - تبدیل محیط زندگی به نوعی اجرای معماری، نزدیک به فضای نمایش های نمادین.

با رشد گرایش‌های خردگرایانه در تعدادی از ساختمان‌های شختل، ویژگی‌های ساخت‌گرایی ترسیم شد - سبکی که در دهه 1920 شکل گرفت.

در مسکو، سبک جدید خود را به ویژه در کارهای یکی از بنیانگذاران Art Nouveau روسیه، L.N. Kekusheva A.V. شچوسف، V.M. واسنتسف و دیگران در سنت پترزبورگ، هنر نو تحت تأثیر کلاسیک گرایی تاریخی قرار گرفت، در نتیجه سبک دیگری ظاهر شد - نئوکلاسیک.
از نظر یکپارچگی رویکرد و راه حل مجموعه ای از معماری، مجسمه سازی، نقاشی، هنرهای تزئینی، مدرن یکی از سازگارترین سبک ها است.

نقاشی "عصر نقره"

روندهایی که توسعه ادبیات عصر نقره را تعیین کردند همچنین ویژگی هنرهای زیبا بود که یک دوره کامل در فرهنگ روسیه و جهان را تشکیل می داد. در آغاز قرن، کار یکی از بزرگترین استادان نقاشی روسیه، میخائیل وروبل، شکوفا شد. تصاویر وروبل تصاویری نمادین هستند. آنها در چارچوب ایده های قدیمی نمی گنجند. این هنرمند "غولی است که نه در مقوله های روزمره زندگی پیرامون، بلکه در مفاهیم "ابدی" می اندیشد، او در جستجوی حقیقت و زیبایی می شتابد." رویای زیبایی وروبل که در دنیای اطرافش که پر از تضادهای ناامیدکننده است، به سختی می توان آن را یافت. فانتزی وروبل ما را به جهان‌های دیگری می‌برد، جایی که زیبایی اما از بیماری‌های عصر رهایی نمی‌یابد، این احساسات مردم آن زمان است که در رنگ‌ها و خطوط مجسم می‌شود، زمانی که جامعه روسیه در آرزوی تجدید بود و به دنبال راه‌هایی بود. به آن

در کار وروبل، فانتزی با واقعیت ترکیب شد. طرح‌های برخی از نقاشی‌ها و تابلوهای او صراحتاً فوق‌العاده هستند. او با به تصویر کشیدن دیو یا شاهزاده خانم سوان افسانه ای، رویای پرنسس یا پان، قهرمانان خود را در جهان ترسیم می کند، گویی توسط قدرت عظیم اسطوره خلق شده است. اما حتی زمانی که موضوع تصویر واقعیت پیدا کرد، به نظر می رسید وروبل به طبیعت توانایی احساس و تفکر را می بخشد و چندین بار احساسات انسان را به طرز بی اندازه ای تقویت می کند. این هنرمند به دنبال این بود که اطمینان حاصل کند که رنگ های روی بوم هایش با نور درونی می درخشند و مانند سنگ های قیمتی می درخشند.

یکی دیگر از مهمترین نقاشان آغاز قرن والنتین سرووف است. ریشه کار او - در دهه 80 قرن نوزدهم. او به عنوان ادامه دهنده بهترین سنت های سرگردان و در عین حال کاشف جسور مسیرهای جدید در هنر عمل کرد. یک هنرمند فوق العاده، او یک معلم درخشان بود. بسیاری از هنرمندان برجسته دهه 900 قرن جدید تسلط خود را مدیون او هستند.
هنرمند در نخستین سال‌های کارش بالاترین هدف هنرمند را در تجسم اصل شاعرانه می‌بیند. سروف یاد گرفت که بزرگ و مهم را در کوچک ببیند. در پرتره های شگفت انگیز او "دختری با هلو" و "دختری که توسط خورشید روشن می شود" آنقدر تصاویر ملموس وجود ندارد که نمادهای جوانی، زیبایی، شادی، عشق است.

بعداً سروف به دنبال بیان ایده هایی در مورد زیبایی یک فرد در پرتره های شخصیت های خلاق بود و ایده مهمی را برای فرهنگ هنری روسیه مطرح کرد: یک فرد زمانی زیبا است که خالق و هنرمند باشد (پرتره های K. A. Korovin, I. I. Levitan). شجاعت V. Serov در توصیف مدل های خود شگفت انگیز است، خواه آنها روشنفکران پیشرفته باشند یا بانکدار، خانم های جامعه بالا، مقامات ارشد و اعضای خانواده سلطنتی.

پرتره های V. Serov که در دهه اول قرن جدید خلق شده اند، گواهی بر ادغام بهترین سنت های نقاشی روسی و ایجاد اصول زیبایی شناسی جدید است. چنین هستند پرتره های M. A. Vrubel، T. N. Karsavina، بعدها - پرتره "بسیار تلطیف شده" V. O. Girshman و پرتره زیبا، با روح مدرنیته، Ida Rubinstein.

در آغاز قرن، کار هنرمندانی که به افتخار روسیه تبدیل شدند توسعه یافت: K. A. Korovin، A. P. Ryabushkin، M. V. Nesterov. بوم های باشکوه در مورد موضوعات روسیه باستان متعلق به N. K. Roerich است که صمیمانه رویای نقش جدیدی را برای هنر در سر می پروراند و امیدوار بود که "از یک خدمتکار برده شده ، هنر بتواند دوباره به اولین موتور زندگی تبدیل شود."

مجسمه سازی روسی این دوره نیز غنی است. S. M. Volnukhin بهترین سنت های مجسمه سازی واقع گرایانه نیمه دوم قرن نوزدهم را در آثار خود (از جمله بنای یادبود چاپگر پیشگام ایوان فدوروف) مجسم کرد. گرایش امپرسیونیستی در مجسمه سازی توسط P. Trubetskoy بیان شد. کار A. S. Golubkina و S. T. Konenkov با ترحم انسانی و گاهی اوقات درام عمیق متمایز می شود.

اما همه این فرآیندها نمی توانند خارج از بافت اجتماعی آشکار شوند. مضامین - روسیه و آزادی، روشنفکران و انقلاب - هم در تئوری و هم در عمل فرهنگ هنری روسیه در این دوره نفوذ کرد. فرهنگ هنری اواخر قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم با سکوها و جهت گیری های بسیاری مشخص می شود. دو نماد حیاتی، دو مفهوم تاریخی - «دیروز» و «فردا» - به وضوح بر مفهوم «امروز» تسلط یافتند و مرزهایی را تعیین کردند که تقابل اندیشه ها و مفاهیم گوناگون در آن صورت می گرفت.

فضای عمومی روانی سال های بعد از انقلاب باعث شد برخی از هنرمندان به زندگی بی اعتماد شوند. توجه به فرم در حال رشد است، آرمان زیبایی شناختی جدیدی از هنر مدرنیستی معاصر در حال تحقق است. مدارس آوانگارد روسی که برای کل جهان شناخته شده است، بر اساس کارهای V. E. Tatlin، K. S. Malevich، V. V. Kandinsky در حال توسعه هستند.

هنرمندان شرکت کننده در نمایشگاه در سال 1907 با نام نمادین روشن "رز آبی" به شدت توسط مجله "پشم طلایی" (N. P. Krymov، P. V. Kuznetsov، M. S. Saryan، S. Yu. Sudeikin، N. N. Sapunov و دیگران) تبلیغ شدند. ). آنها در آرزوهای خلاقانه خود متفاوت بودند، اما با جاذبه به بیان، برای ایجاد یک چیز جدید متحد شدند. فرم هنری، به تجدید زبان تصویری. در تظاهرات افراطی، این منجر به کیش "هنر ناب"، در تصاویر تولید شده توسط ناخودآگاه شد.

ظهور در سال 1911 و فعالیت متعاقب آن هنرمندان "جک الماس" ارتباط نقاشان روسی را با سرنوشت جنبش های هنری پاناروپایی آشکار می کند. در آثار پی. در این زمان، کوبیسم در فرانسه به مرحله "ترکیبی" رسید و از ساده سازی، طرحواره سازی و تجزیه فرم به جدایی کامل از بازنمایی حرکت کرد. برای هنرمندان روسی که در کوبیسم اولیه جذب نگرش تحلیلی به این موضوع شده بودند، این گرایش بیگانه بود. اگر کونچالوفسکی و ماشکوف تکامل آشکاری را به سمت یک جهان بینی واقع گرایانه نشان می دهند، پس گرایش روند هنری سایر هنرمندان جک الماس معنای دیگری داشت. در سال 1912، هنرمندان جوان، پس از جدا شدن از "Jack of Diamonds"، گروه خود را "Donkey's Tail" نامیدند. نام سرکش بر ماهیت سرکش نمایش‌ها تأکید می‌کند که بر خلاف هنجارهای تثبیت شده خلاقیت هنری هستند. هنرمندان روسی: N. Goncharov، K. Malevich، M. Chagall به جستجوی خود ادامه می دهند، آنها این کار را با انرژی و هدفمند انجام می دهند. بعدها مسیرشان از هم جدا شد.
لاریونوف که از به تصویر کشیدن واقعیت امتناع می کرد، به اصطلاح رایونیسم رسید. مالویچ، تاتلین، کاندینسکی راه انتزاع گرایی را در پیش گرفتند.

تلاش هنرمندان رز آبی و جک از الماس روندهای جدید در هنر دهه های اول قرن بیستم را خسته نمی کند. جایگاه ویژه ای در این هنر متعلق به K. S. Petrov-Vodkin است. هنر او در دوره پس از اکتبر شکوفا شد، اما قبلاً در دهه 1900 او اصالت خلاقیت خود را با بوم های زیبای "بازی پسران" و "حمام کردن یک اسب قرمز" اعلام کرد.