تصاویری از هنرمندان معاصر جهان. هنرمندان نقاشی معاصر هنرمندان معاصر روسیه گران ترین هنرمندان معاصر

بسیاری معتقدند که هیچ هنرمندی در قرن 21 باقی نمانده است. با این حال ، در واقعیت ، اینطور نیست. و امروزه بسیاری از هنرمندان با استعداد و مشهور وجود دارند که آثار آنها در نمایشگاه ها نمایش داده می شود و درآمد هنگفتی دارند. در زیر لیستی از 20 هنرمند مشهور و پردرآمد وجود دارد که نه تنها در روسیه در کارهای خلاقانه خود فعال هستند.

هنرمند روسی الکساندر ایوانف ، متولد 1962 ، بیشتر برای کار خود به نام "عشق" شناخته می شود ، که در سال 1996 نوشته شد و تقریباً 100000 روبل فروخته شد. سبک او هنر انتزاعی است. او همچنین یک تاجر است ، جمع آوری می کند ، موزه فابرژ را در آلمان ، در بادن-بادن افتتاح می کند.

اولگا بولگاکووا یکی از معدود هنرمندان با استعداد و مشهور روسی است که در سال 1951 متولد شد و به عنوان یکی از اعضای متناظر ، عضو آکادمی هنرهای روسیه است. نماینده چنین جنبشی از نقاشی دوران برژنف ، که "کارناوال" نامیده می شود. معروف ترین اثر او رویای یک پرنده قرمز است که در سال 1988 نوشته شده است.

میخائیل برسیلوفسکی ، هنرمند روسی ، که با نام مستعار میشا شاویچ کار می کند ، در این رتبه گنجانده شده است و مقام هجدهم را به خود اختصاص می دهد. این هنرمند مشهور جهان

هنرمند با استعداد روسی لو تابنکین در سال 1952 در پایتخت روسیه - مسکو متولد شد. این نقاش نقاشی را مانند مجسمه ساز می بیند. این احساس که شخصیت های او از خاک مجسمه شده اند. یکی از مشهورترین نقاشی های لو ، ارکستر جاز است که در سال 2004 نوشته شده است. این به قیمت 117،650 روبل فروخته شد.

پروژه AES + F شامل چهار نفر است ، در واقع ، نام شامل حروف اولیه نام شرکت کنندگان است: تاتیانا آرزاماسوا ، لو Evzovich ، Evgeny Svyatsky ، ولادیمیر فریدنس. خلاقیت این شرکت با ارائه بسیار خوب در دهه نود مشخص می شود و فقط در دو هزارم مورد استقبال قرار گرفت. در بیشتر موارد ، آنها نقاشی های دیواری متحرک بزرگی را ایجاد می کنند که در ده ها صفحه نمایش پخش می شود. یکی از معروف ترین آثار این شرکت: "جنگجو 4".

سرگئی ولکوف هنرمند روسی در سال 1956 در پتروزاوودسک متولد شد. ویژگی های آثار او با کارهایی است که او در دوره هنر پرسترویکا انجام داد. تصاویر بسیار گویا نوشته شده اند ، جایی که به بیانات و ایدئولوژی بسیار عمیق توجه شده است. معروف ترین نقاشی او Double Vision است. سه گانه ".

هنرمندان الکساندر وینوگرادوف و ولادیمیر دوبوسارسکی هر دو در سالهای 1963 و 1964 در مسکو متولد شدند. آنها در سال 1994 با یکدیگر ملاقات کردند و پروژه ای غیرمعمول و عظیم ایجاد کردند. طرح اصلی مورد احترام بسیاری از مجموعه داران قرار گرفته است. نقاشی های آنها در مکانهای مشهوری مانند گالری ترتیاکوف ، موزه روسیه و حتی مرکز پمپیدو آویزان است. آنها خود سازندگان گالری Art-Strelka و سازمان دهندگان جشنواره Art-Klyazma هستند.

هنرمند روسی ولادیمیر یانکیلفسکی نیز در لیست پردرآمدترین و مشهورترین هنرمندان قرار گرفت. وی در سال 1938 در مسکو متولد شد. پدر ولادیمیر نیز هنرمند بود و پسرش حرفه او را به ارث برد. ولادیمیر به سبک سوررئالیسم کار می کند - خلاقیت با ترکیبات متناقض. در سال 1970 ، او یکی از مشهورترین نقاشی ها را با نام "Triptych 10. Anatomy of the Soul II" کشید.

هنرمند ولادیمیر نموخین در سال 1925 در روستای کوچک پریلوکی ، واقع در منطقه مسکو متولد شد. او در بسیاری از نمایشگاه های خارجی در اروپا شرکت کرده است. در دهه نود زندگی و رهبری کرد کار فعالدر آلمان ، اما در سال 2005 به روسیه نقل مکان کرد. ویژگی های کار او ترکیب سه بعدی ، وجود نقش برجسته و نقوش مختلف مقطعی ، به عنوان مثال ، یک عرشه کارت است.

هنرمندی با نامی غیر معمول ، پسر مهاجر سیاسی اسپانیایی ، در روستای کوچک واسیلیکا در منطقه سامارا در سال 1943 متولد شد. او سازمان دهنده گروه هنرمندان "آرگو" بود ، عضو اتحادیه هنرمندان مسکو است. فرانسیسکو همچنین جایزه دولتی دستاوردهای حوزه هنرهای زیبا را دریافت کرد. این هنرمند به طور فعال در کارهای خلاقانه در روسیه و خارج از کشور مشارکت دارد.

هنرمند الکساندر ملامد در گذشته یکی از اعضای دوئت معروف خلاق کوماروف-ملامد بود ، اما او در سال 2003 جدا شد ، سپس آنها به طور جداگانه شروع به کار کردند. محل اقامت از سال 1978 نیویورک است. او بیشتر آثار معروف را به همراه ویتالی کومار نوشت ، آنها همچنین جنبش Sots Art را با هم ایجاد کردند و سازمان دهندگان نمایشگاه بولدوزر بودند.

این هنرمند روسی ، که به عنوان یکی از بنیانگذاران مفهوم گرایی مسکو شناخته می شود ، در سال 1937 در مسکو متولد شد ، جایی که از موسسه پلی گرافیک فارغ التحصیل شد. به گفته خود ویکتور پیوواروف ، اولین اثر او در سن پنج سالگی نوشته شد. او همچنین نماینده هنر "غیر رسمی" است. نقاشی های او در برخی از مشهورترین و بزرگترین مراکز نمایشگاهی قرار دارد: موزه روسیه ، گالری ترتیاکوف، موزه پوشکین im. A.S. پوشکین

این هنرمند در سال 1934 در تفلیس متولد شد. او یکی از درخشان ترین نمایندگان نقاشی بنایی است. زوراب به خاطر آثار خود در قالب یک بنای یادبود پیتر اول ، که در مسکو واقع شده است ، و همچنین یک بنای یادبود ، که در مقابل ساختمان سازمان ملل در نیویورک واقع شده است ، مشهور است. زوراب رئیس آکادمی هنرهای روسیه است ، جایی که موزه و گالری خود او در آن فعالیت می کند. خلاقیت های این هنرمند نه تنها برای روسیه ، بلکه برای کل جهان شناخته شده است.

اسکار رابین هنرمند روس به دلیل سازماندهی نمایشگاه Bulldor در سال 1974 مشهور است و چهار سال بعد از وی تابعیت شوروی سلب شد. او همچنین به عنوان یکی از اولین هنرمندانی که به طور خصوصی نقاشی را در اتحاد جماهیر شوروی به فروش رساند ، محبوب شد. در حال حاضر محل اقامت و کار دائمی وی پاریس است. نقاشی های او در بزرگترین موزه ها و مراکز نمایشگاهی قرار دارد: موزه مسکو هنر معاصر، گالری ترتیاکوف ، موزه روسیه و دیگران.

هنرمند روس اولگ تسلکوف به عنوان هنرمندی شناخته می شود که اصلی ترین حرکت خلاقانه را در دهه شصت قرن بیستم آغاز کرد و ویژگی های بسیار خشن و تیز را در نقاشی های خود نشان داد ، از جمله در به تصویر کشیدن افرادی که شبیه پیکره های خاک رس هستند. از سال 1977 ، اولگ حرفه خلاقانه خود را در پاریس ادامه داد. نقاشی های او در چنین مراکز نمایشگاهی قرار دارد: موزه روسیه ، گالری ترتیاکوف ، ارمیتاژ. یکی از نقاشی های معروف"پسر با بادکنک" است که در سال 1954 نوشته شده است.

گریگوری بروسکین یا گریشا ، هنرمند روسی متولد 1934 در مسکو ، از سال 1969 یکی از اعضای اتحادیه هنرمندان بوده است. او به لطف حراج بزرگ ساتبی مشهور شد و در آن کار خود را با عنوان Fundamental Lexicon با بالاترین قیمت که یک رکورد بود به فروش رساند. در حال حاضر او در نیویورک و مسکو زندگی و کار می کند ، بنابراین او را هنرمند آمریکایی نیز می نامند.

این هنرمند روسی با این واقعیت که چیزهای واقع گرایانه را با نهایت دقت به تصویر می کشد متمایز می شود. فعالیت خلاقانه واقعی او از زمانی آغاز شد که در سال 1985 ، با نمایش در مالایا گروزینسکایا ، توجه و شناخت مجموعه داران نیویورک را به خود جلب کرد. از آن زمان ، آثار او در بسیاری از کشورهای اروپایی به نمایش گذاشته شده است ، در مراکز نمایشگاهی در آمریکا ، آلمان و لهستان است. اکنون او در مسکو زندگی می کند و فعالیت خلاقانه ای انجام می دهد.

افسوس ، این دوئت تا سال 2003 وجود داشت ، اما موفقیت بزرگی بود. دو هنرمند روسی بخاطر ایجاد جنبشی مانند Sots Art ، که شاخه ای از هنر غیر رسمی است ، مشهور شدند. این نوعی واکنش به ایجاد هنر پاپ در غرب بود. بوم هایی با آثار این هنرمندان در موزه های بزرگ از جمله لوور قرار دارند.

این هنرمند روس معروف است که می تواند نقاشی و متن را در آثار خود ترکیب کند ، بعدها آنها آن را هنر هنری نامیدند. در دوران اتحاد جماهیر شوروی او به عنوان تصویرگر در کتاب های کودکان محبوب بود. مدتی در نیویورک و سپس در پاریس زندگی می کرد. او اولین هنرمندی بود که نمایشگاهی را در مرکز پمپیدو برپا کرد. آثار خلاقانه او در گالری ترتیاکوف ، موزه روسیه ، مرکز پمپیدو قرار دارد.

این هنرمند با استعداد روسی ، که همزمان با همسرش امیلیا کار می کند ، می تواند هنرمند ارشد این کشور ، بنیانگذار مفهوم گرایی مسکو در نظر گرفته شود. وی در سال 1933 در دنیپروپتروسک متولد شد ، اما نیویورک از سال 1988 محل زندگی او شد. آثار او را می توان در هرمیتاژ ، گالری ترتیاکوف و موزه روسیه مشاهده کرد. ایلیا جایزه امپراتور ژاپن را دریافت کرد و دو اثر او با عنوان "سوسک" و "سوئیت" گران ترین نقاشی ها هستند.

هنر نقاشی مدرن- اینها آثاری هستند که در زمان حال یا در گذشته اخیر خلق شده اند. سالهای معینی می گذرد و این نقاشی ها به تاریخ تبدیل می شوند. نقاشی های ایجاد شده در دوره 60 از قرن گذشته تا به امروز نشان دهنده چندین حوزه هنر معاصر است که می توان آنها را به عنوان پست مدرنیسم طبقه بندی کرد. در دوران هنر نو ، آثار نقاشان به طور گسترده تری نمایش داده شد و در دهه 70 قرن بیستم ، تغییر در جهت گیری اجتماعی هنر نقاشی ایجاد شد.

هنر معاصر

هنرمندان نقاشی مدرن ، قبل از هر چیز ، گرایش های جدید در هنرهای تجسمی را نشان می دهند. در اصطلاحات فرهنگی ، مفهوم "هنر معاصر" وجود دارد که تا حدودی با مفهوم "نقاشی معاصر" در ارتباط است. تحت هنر هنرمندان واقعی اغلب به معنای نوآوری است ، هنگامی که یک نقاش بدون توجه به تمرکز خود به موضوعات فوق مدرن روی می آورد. این تصویر را می توان در هر شرکت صنعتی نقاشی کرد و نشان داد. یا ، روی بوم ، یک چشم انداز چشم انداز با یک گندمزار ، یک چمنزار ، یک جنگل وجود دارد ، اما در عین حال مطمئناً یک دروگر در دور ترسیم می شود. سبک نقاشی مدرن جهت گیری اجتماعی تصویر را در نظر می گیرد. در عین حال ، مناظر هنرمندان معاصر بدون دلالت اجتماعی بسیار بالاتر ارزش گذاری می شوند.

انتخاب جهت

از اواخر دهه 90 ، هنرمندان نقاشی مدرن موضوعات تولید را کنار گذاشته و آثار خود را به جریان اصلی هنرهای زیبا منتقل کرده اند. استادان نقاشی پرتره زیبا ، موضوعات منظره ، طبیعت بی جان به سبک طراحی فلاندر ظاهر شدند. و به تدریج ، در نقاشی مدرن ، هنر اصلی شروع به ظهور کرد ، به هیچ وجه از نقاشی های ایجاد شده توسط هنرمندان برجسته قرن 18 و 19 و حتی به نوعی حتی برتر از آنها. استادان امروزی قلم مو با استفاده از یک پایگاه فنی توسعه یافته ، تعداد زیادی ابزار جدید به آنها کمک می کند تا برنامه های خود را روی بوم کاملاً منعکس کنند. بنابراین ، هنرمندان نقاشی مدرن می توانند در حد توان خود خلق کنند. البته کیفیت رنگ یا برس در فرایند نقاشی مهم است ، اما استعداد همچنان اصلی ترین چیز است.

اکسپرسیونیسم انتزاعی

هنرمندان معاصر به روشهای نقاشی پایبند هستند که اجازه می دهد از ضربات غیر هندسی به تعداد زیاد روی بوم های بزرگ استفاده شود. از برس های بزرگ استفاده می شود ، گاهی اوقات آنها را نقاشی می کنند. چنین نقاشی ای را به سختی می توان هنر به معنای کلاسیک کلمه نامید ، اما انتزاع ادامه سوررئالیسم است که در سال 1920 به لطف ایده های آندره برتون ظاهر شد و بلافاصله پیروان زیادی پیدا کرد ، مانند Salvator Dali ، Hans Hoffmann ، آدولف گوتلیب. در عین حال ، هنرمندان معاصر اکسپرسیونیسم را به شیوه خود درک می کنند. امروزه این ژانر در اندازه بوم ها ، که می تواند به سه متر برسد ، با سلف خود متفاوت است.

هنر پاپ

آوانگارد مفهومی جدید ، که ارزشهای زیبایی را ترویج می کند ، به یک متضاد انتزاعی گرایی تبدیل شد. هنرمندان معاصر شروع به درج تصاویری از شخصیت های معروف مانند مائو زدونگ یا مرلین مونرو در نقاشی های خود کردند. این هنر نام "هنر پاپ" را دریافت کرده است - یک جهت محبوب و عمومی در نقاشی. فرهنگ عامه جایگزین انتزاع گرایی شد و باعث زیبایی شناسی خاصی شد ، که به شکلی رنگارنگ و دیدنی ، آنچه را که همه می شنیدند ، به صورت عمومی به مردم ارائه کرد. افراد مشهوردر شرایط مختلف زندگی

بنیانگذاران و پیروان هنر پاپ اندی وارهول ، تام وسلمن ، پیتر بلیک ، روی لیختن اشتاین بودند.

فوتورئالیسم

هنر معاصر چند وجهی است ، اغلب جهت جدیدی در آن ظاهر می شود که دو یا چند نوع هنر زیبا را با هم ترکیب می کند. فوتورئالیسم به شکلی از خودنمایی هنرمند تبدیل شد. این جهت در نقاشی در ایالات متحده در سال 1968 ظاهر شد. این اثر توسط هنرمند آوانگارد لوئیس میزل اختراع شد و این ژانر دو سال بعد ، در موزه ویتنی و در جریان نمایشگاه "بیست و دو واقع بین" ارائه شد.

نقاشی به سبک فوتورئالیسم با عکاسی همراه است ، به نظر می رسد حرکت یک شیء در زمان منجمد می شود. یک هنرمند فوتورئالیست تصویر خود را که در یک نقاشی ضبط می شود ، با استفاده از عکس ها جمع آوری می کند. از نگاتیو یا اسلاید ، تصویر با طرح ریزی یا با استفاده از یک شبکه مقیاس به بوم منتقل می شود. سپس یک تصویر تمام عیار با استفاده از فن آوری های نقاشی ایجاد می شود.

فوتورئالیسم در اواسط دهه 70 شکوفا شد ، سپس محبوبیت کاهش یافت و در اوایل دهه 90 این ژانر دوباره احیا شد. هنرمندان برجسته عمدتاً در ایالات متحده کار می کردند ، در میان آنها مجسمه سازان زیادی بودند که آثار خود را با استفاده از طرح تصویر خلق کردند. ریچارد استس ، چارلز بلت ، توماس بلکول ، رابرت دمکیس ، دونالد ادی ، دواین هانسون ، مشهورترین استادان نقاشی بر اساس نور نوری هستند.

هنرمندان عکاسی نسل جوان - رافائلا اسپنس ، روبرتو برناردی ، کیارا آلبرتونی ، تونی برونلی ، اولیویه رومانو ، برتراند منیل ، کلایو هید.

هنرمندان معاصر روسیه

• سرژ فدولوف (متولد 1958) ، متولد نوینومیسسک ، منطقه استاوروپول. شرکت کننده در چندین نمایشگاه در آمریکای لاتین و اروپا. نقاشی های او با واقع گرایی و ترکیب رنگ متضاد متمایز می شوند.
• میخائیل گولوبف (متولد 1981) ، فارغ التحصیل از کلاس هنر مدرسه نقاشی اومسک است. وی در حال حاضر در سن پترزبورگ زندگی می کند. در خلاقیت غیرمعمول متفاوت است ، همه آثار او تابلوهای بازتابی با رنگهای عمیق فلسفی هستند.
• دیمیتری آننکوف (متولد 1965) در مسکو. فارغ التحصیل از موسسه هنر Stroganov. در خارج از کشور محبوب است ، اما نمایشگاه های روسی را ترجیح می دهد. هنر آننکوف واقع گرایانه است ، هنرمند استاد شناخته شده طبیعت بی جان است.

امپرسیونیست های روسی

• الکسی چرنیگین ، نقاش امپرسیونیست روسی (متولد 1975) ، فرزند هنرمند معروف الکساندر چرنیگین است. نقاشی و طراحی گرافیک را در مدرسه هنر نیژنی نوگورود خوانده است. فارغ التحصیل از موسسه معماری نیژنی نوگورود در رشته طراحی صنعتی. عضو اتحادیه هنرمندان روسیه از سال 1998. از سال 2001 وی مدرس NSASU در بخش طراحی داخلی بوده است.
• کنستانتین لوپانوف ، هنرمند کراسنودار (متولد 1977). فارغ التحصیل از آکادمی صنعتی در دانشگاه فرهنگ و هنر دولتی در رشته نقاشی بنایی. شرکت کننده در بسیاری از نمایشگاه های هنری در و سن پترزبورگ. در یک روش نادر نقاشی روغن با قلم موهای چرخشی تفاوت می کند. نقاشی های لوپانوف کاملاً فاقد ترکیب رنگ متضاد هستند ، به نظر می رسد که تصاویر به یکدیگر می رسند. خود هنرمند کار خود را "سرگرمی سرگرم کننده و غیرمسئولانه" می نامد ، اما این جمله حاوی دانه ای دلبستگی است: نقاشی ها در واقع کاملاً حرفه ای نوشته شده اند.

نقاشی هنرمندان روسی به سبک برهنه

• سرگئی مارشننیکوف (متولد 1971) ، یکی از مشهورترین هنرمندان روسی عصر ما. فارغ التحصیل از دانشکده هنرهای اوفا. نقاشی های او نمونه ای از رئالیسم آشکار است. آثار تصویری از یک عکس هنری ایجاد می کنند ، ترکیب بسیار دقیق است و هر ضربه تأیید می شود. همسر هنرمند ناتالیا اغلب به عنوان یک مدل عمل می کند و این به او در ایجاد یک تصویر حسی کمک می کند.
• ورا واسیلیونا دونسکایا-خیلکو (متولد 1964) ، نوه خواننده معروف اپرا لاورنتی دمیتریویچ دانسکوئی. درخشان ترین نماینده نقاشی مدرن روسیه. به سبک برهنه روایی نقاشی می کند. در پالت خلاقانه هنرمند ، می توانید زیبایی هایی از حرمسرای شرقی و دختران برهنه روستایی را در ساحل رودخانه در شب تعطیلات ایوان کوپالا ، حمام روسی با زنان داغ بیرون برف و شنا در یخچال پیدا کنید. به هنرمند نقاشی های زیادی انجام می دهد و با استعداد است.

هنرمندان معاصر روسیه ، آثار آنها مورد توجه علاقه مندان به هنرهای زیبا در سراسر جهان است.

نقاشی معاصر به عنوان یک هنر جهانی

امروزه هنرهای زیبا شکلهای متفاوتی به خود گرفته است که در قرنهای 18 و 19 تقاضا داشت. هنرمندان معاصر جهان با تفسیر باریک تری به آوانگارد روی آورده اند ، بوم ها از پیچیدگی برخوردار شده و معنادارتر شده اند. امروزه جامعه به هنر تازه احتیاج دارد ، این نیاز برای همه انواع خلاقیت ، از جمله نقاشی صدق می کند. نقاشی های هنرمندان معاصر ، اگر در سطح کافی ساخته شده باشند ، فروخته می شوند ، موضوع چانه زنی یا مبادله می شوند. برخی از بوم ها در لیست آثار هنری با ارزش ویژه گنجانده شده اند. تصاویری از گذشته ، که توسط نقاشان بزرگ نقاشی شده اند ، هنوز مورد تقاضا هستند ، اما هنرمندان معاصر محبوبیت بیشتری پیدا می کنند. روغن ، تمپرا ، آبرنگ و رنگهای دیگر به آنها در خلاقیت و اجرای موفقیت آمیز برنامه هایشان کمک می کند. نقاشان تمایل دارند به یک سبک پایبند باشند. این می تواند منظره ، پرتره ، صحنه های نبرد یا هر گونه دیگری باشد. بر این اساس ، هنرمند درجه خاصی از رنگ را برای آثار خود انتخاب می کند.

هنرمندان معاصر جهان

معروف ترین هنرمندان معاصر از نظر شیوه نگارش تفاوت دارند ، قلم مو آنها قابل تشخیص است ، گاهی اوقات حتی لازم نیست به امضای پایین بوم نگاه کنید. استادان معروف نقاشی مدرن عبارتند از فیلیپ پرلشتاین ، الکساندر ایساچف ، فرانسیس بیکن ، استانیسلاو پلوتنکو ، پیتر بلیک ، فروید لوسین ، مایکل پارکز ، گای جانسون ، اریک فیشل ، نیکولای بلوخین ، واسیلی شولشنکو.

لئوناردو دی سر پیرو داوینچی (15 آوریل 1452 - 2 مه 1519) - نقاش ، معمار ، فیلسوف ، موسیقی دان ، نویسنده ، محقق ، ریاضیدان ، مهندس ، آناتومیست ، مخترع و زمین شناس مشهور ایتالیایی. معروف به نقاشی هایش ، که مشهورترین آنها "شام آخر" و "مونالیزا" است ، و همچنین اختراعات متعددی که بسیار جلوتر از زمان خود بودند ، اما فقط روی کاغذ باقی ماندند. علاوه بر این ، لئوناردو داوینچی سهم مهمی در توسعه آناتومی ، نجوم و فناوری داشت.

رافائل سانتی (28 مارس 1483 - 6 آوریل 1520) یک نقاش و معمار بزرگ ایتالیایی بود که در دوران رنسانس کار می کرد و دوره ای را از اواخر قرن 15 و اوایل قرن 16 پوشش می داد. به طور سنتی ، رافائل به همراه میکل آنژ و لئوناردو داوینچی یکی از سه استاد بزرگ این دوره محسوب می شود. بسیاری از آثار او در کاخ رسولان در واتیکان ، در اتاقی به نام بند رافائل قرار دارد. در میان دیگران ، مشهورترین اثر او ، مدرسه آتن ، در اینجا قرار دارد.

دیه گو رودریگز د سیلوا و ولاسکز (6 ژوئن 1599 - 6 اوت 1660) - نقاش اسپانیایی ، نقاش پرتره ، نقاش دربار پادشاه فیلیپ چهارم ، بزرگترین نماینده عصر طلایی نقاشی اسپانیایی. او علاوه بر نقاشی های متعدد که صحنه های تاریخی و فرهنگی گذشته را به تصویر می کشد ، پرتره های بسیاری از اسپانیایی ها را نیز کشیده است خانواده سلطنتی، و همچنین دیگر چهره های معروف اروپایی. معروف ترین اثر ولازکز نقاشی "Meninas" (یا "خانواده فیلیپ چهارم") در سال 1656 است که در موزه پرادو در مادرید واقع شده است.

پابلو دیگو خوزه فرانسیسکو د پائولا خوان نپوموسنو ماریا د لوس رمدیوس سیپریانو د لا سانتیسیما ترینیداد شهید پاتریسیو روئیز و پیکاسو (25 اکتبر 1881 - 8 آوریل 1973) - نقاش و مجسمه ساز مشهور اسپانیایی جهان ، بنیانگذار جنبش کوبیسم در هنرهای تجسمی. او یکی از بزرگترین هنرمندانی است که بر پیشرفت هنرهای تجسمی در قرن بیستم تأثیر گذاشت. کارشناسان ، به عنوان بهترین هنرمند در بین کسانی که در 100 سال گذشته زندگی کرده اند ، و همچنین "گران ترین" جهان شناخته شده است. پیکاسو در طول زندگی خود حدود 20 هزار اثر (بر اساس منابع دیگر ، 80 هزار اثر) خلق کرد.

وینسنت ویلم ون گوگ (30 مارس 1853 - 29 ژوئیه 1890) هنرمند مشهور هلندی بود که تنها پس از مرگ به شهرت رسید. به گفته بسیاری از کارشناسان ، ون گوگ یکی از بزرگترین هنرمندان تاریخ هنر اروپا و همچنین یکی از برجسته ترین نمایندگان پست امپرسیونیسم است. نویسنده بیش از 2100 اثر هنری ، از جمله 870 نقاشی ، 1000 طرح و 133 طرح. پرتره های شخصی ، مناظر و پرتره های متعدد او یکی از شناخته شده ترین و گران ترین آثار هنری در جهان است. شاید مشهورترین اثر وینسنت ون گوگ ، مجموعه ای از نقاشی ها به نام "آفتابگردان" باشد.

Michelangelo Buonarroti (6 مارس 1475 - 18 فوریه 1564) مجسمه ساز ، هنرمند ، معمار ، شاعر و متفکر ایتالیایی مشهور در جهان است که در تمام فرهنگ جهان اثری ماندگار از خود برجای گذاشته است. شاید مشهورترین اثر هنرمند نقاشی های دیواری روی سقف کلیسای سیستین باشد. در میان مجسمه های او ، مشهورترین آنها Pieta (نوحه مسیح) و دیوید است. از آثار معماری - طراحی گنبد کلیسای سنت پیتر. جالب اینجاست که میکل آنژ اولین نماینده هنر اروپای غربی بود که بیوگرافی وی در زمان حیات وی نوشته شده است.

در رتبه چهارم در رتبه بندی مشهورترین هنرمندان جهان Masaccio (21 دسامبر 1401-1428) قرار دارد - هنرمند بزرگ ایتالیایی که تأثیر زیادی بر هنرمندان دیگر داشت. ماساکو بسیار زندگی کرد زندگی کوتاه، بنابراین شواهد بیوگرافی کمی در مورد او وجود دارد. تنها چهار نقاشی دیواری او باقی مانده است که بدون شک کار ماساکو است. اعتقاد بر این است که بقیه تخریب شده اند. معروف ترین اثر ماساکیو نقاشی دیواری ترینیتی در کلیسای سانتا ماریا نولا در فلورانس ایتالیا است.

پیتر پل روبنز (28 ژوئن 1577 - 30 مه 1640) - نقاش فلمندی (هلندی جنوبی) ، یکی از بزرگترین نقاشان دوران باروک ، که به خاطر سبک اسراف آمیز خود مشهور است. او همه کاره ترین هنرمند زمان خود محسوب می شد. روبنس در آثار خود بر نشاط و حسی بودن رنگ تأکید و تجسم می بخشد. او پرتره ها ، مناظر و نقاشی های تاریخی متعددی را با موضوعات اساطیری ، مذهبی و تمثیلی نقاشی کرد. معروف ترین اثر روبنس سه گانه "نزول از صلیب" است که در دوره 1610 تا 1614 نوشته شده و این هنرمند را در سراسر جهان به شهرت رساند.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 سپتامبر 1571 - 18 ژوئیه 1610) - هنرمند بزرگ ایتالیایی دوره اولیه باروک ، بنیانگذار نقاشی واقع گرایانه اروپا در قرن 17. در آثار خود ، کاراواجو به طرز ماهرانه ای از تضادهای نور و سایه استفاده می کند و بر جزئیات تمرکز می کند. او اغلب رومیهای معمولی ، مردم خیابانها و بازارها را در تصاویر مقدسین و مدونها به تصویر می کشید. به عنوان مثال می توان به متی بشارت دهنده ، باکوس ، تبدیل ساول و ... اشاره کرد. یکی از مشهورترین نقاشی های این هنرمند ، نوازنده لوت (1595) است که کاراواجیو موفق ترین قطعه نقاشی خود را نامید.

رامبراند هارمنزون ون راین (1606-1669) نقاش و چاپگر مشهور هلندی است که بزرگترین و مشهورترین نقاش جهان شناخته می شود. نویسنده حدود 600 نقاشی ، 300 نقش و نگار و 2 هزار نقاشی. ویژگی بارز آن بازی استادانه با جلوه های نور و سایه های عمیق است. معروف ترین اثر رامبراند نقاشی چهار متری "دیده بان شب" است که در سال 1642 نقاشی شده و اکنون در موزه ایالت آمستردام ذخیره می شود.

اگر فکر می کنید همه هنرمندان بزرگ در گذشته هستند ، پس نمی دانید چقدر در اشتباه هستید. در این مقاله با معروف ترین و هنرمندان با استعدادمدرنیته و باور کنید ، آثار آنها نه کمتر از آثار استاد سابق در حافظه شما غرق می شود.

وویچیچ بابسکی

وویچیچ بابسکی هنرمند معاصر لهستانی است. او از موسسه پلی تکنیک سیلزی فارغ التحصیل شد ، اما خود را با آن پیوند داد. اخیراً او عمدتاً زنان را نقاشی می کند. تمرکز بر بیان احساسات ، تلاش برای به دست آوردن بیشترین اثر ممکن با وسایل ساده.

رنگ را دوست دارد ، اما اغلب از سایه های مشکی و خاکستری برای بهترین تجربه استفاده می کند. از آزمایش با تکنیک های مختلف جدید نمی ترسید. اخیراً ، در خارج از کشور ، عمدتا در انگلستان ، محبوبیت بیشتری پیدا کرده است ، جایی که آثار خود را با موفقیت به فروش می رساند ، که در حال حاضر در بسیاری از مجموعه های خصوصی یافت می شود. او علاوه بر هنر ، به کیهان شناسی و فلسفه نیز علاقه دارد. به موسیقی جاز گوش می دهد. وی در حال حاضر در کاتوویتس زندگی و کار می کند.

وارن چانگ

وارن چانگ هنرمند معاصر آمریکایی است. او متولد 1957 و بزرگ شده در مونتری ، کالیفرنیا بود ، وی در سال 1981 از کالج طراحی مرکز هنری پاسادنا فارغ التحصیل شد و لیسانس هنرهای زیبا را در این زمینه کسب کرد. در دو دهه آینده ، او به عنوان تصویرگر برای شرکت های مختلف در کالیفرنیا و نیویورک کار کرد تا اینکه به عنوان یک هنرمند حرفه ای در سال 2009 شروع به کار کرد.

نقاشی های واقع گرایانه او را می توان به دو دسته اصلی تقسیم کرد: نقاشی های بیوگرافی داخلی و نقاشی هایی که افراد کارگر را به تصویر می کشد. علاقه او به این سبک نقاشی در آثار هنرمند قرن شانزدهم یان ورمیر ریشه دارد و به اشیا ، خودنگاره ها ، پرتره های اعضای خانواده ، دوستان ، دانش آموزان ، استودیو ، کلاس درس و فضای داخلی خانه می رسد. هدف او ایجاد روحیه و احساس در نقاشی های واقع گرایانه خود از طریق دستکاری نور و استفاده از رنگ های خاموش است.

چانگ پس از تغییر به هنرهای تجسمی سنتی مشهور شد. در طول 12 سال گذشته ، وی جوایز و افتخارات بسیاری را کسب کرده است که معتبرترین آنها امضای استاد انجمن نقاشان نفت آمریکا ، بزرگترین جامعه نقاشان نفت در ایالات متحده است. تنها یک نفر از 50 نفر می تواند این جایزه را دریافت کند. وارن در حال حاضر در مونتری زندگی می کند و در استودیوی خود کار می کند و در آکادمی هنر سان فرانسیسکو تدریس می کند (معروف به مربی با استعداد).

اورلیو برونی

اورلیو برونی هنرمند ایتالیایی است. متولد بلر ، 15 اکتبر 1955. فارغ التحصیل رشته طراحی صحنه از موسسه هنر در اسپولتو. به عنوان یک هنرمند ، او خودآموخته است ، زیرا به طور مستقل "خانه دانش" را بر اساس پایه و اساس در مدرسه بنا کرد. وی نقاشی روغنی را در 19 سالگی آغاز کرد. وی در حال حاضر در آمبریا زندگی و کار می کند.

نقاشی اولیه برونی ریشه در سوررئالیسم دارد ، اما با گذشت زمان او شروع به تمرکز بر مجاورت رمانتیسم و ​​نمادگرایی غنایی می کند و این ترکیب را با پیچیدگی و خلوص تصفیه شده شخصیت های او تقویت می کند. اشیاء متحرک و بی جان دارای کرامت برابر هستند و تقریباً بیش از حد واقعی به نظر می رسند ، اما در عین حال ، آنها در پشت پرده پنهان نمی شوند ، اما به شما امکان می دهند جوهر روح خود را ببینید. همه کاره بودن و پیچیدگی ، احساسات و تنهایی ، متفکر بودن و ثمربخش بودن روح اورلیو برونی است که از شکوه هنر و هماهنگی موسیقی تغذیه می شود.

آلکاساندر بالوس

آلکاساندر بالوس هنرمند معاصر لهستانی است که در زمینه نقاشی رنگ روغن تخصص دارد. متولد 1970 در گلیویس لهستان ، اما از سال 1989 در ایالات متحده ، در شستا ، کالیفرنیا زندگی و کار می کند.

در دوران کودکی ، او تحت هدایت پدرش جان ، هنرمند و مجسمه ساز خودآموز ، هنر آموخت ، بنابراین از همان دوران کودکی ، فعالیت های هنری مورد حمایت کامل هر دو والدین قرار گرفت. در سال 1989 ، در هجده سالگی ، بالوس لهستان را به مقصد ایالات متحده ترک کرد ، جایی که معلم مدرسه و هنرمند پاره وقت کتی گاگلیاردی الکاساندرا را تشویق کرد که به مدرسه هنر برود. سپس بالوس از دانشگاه میلواکی ویسکانسین بورسیه کامل دریافت کرد ، جایی که نزد استاد فلسفه هری روزین نقاشی آموخت.

بالوس پس از اتمام تحصیلات خود در سال 1995 و اخذ مدرک کارشناسی ، به شیکاگو رفت تا در دانشکده هنرهای زیبا تحصیل کند ، که روشهای آن بر اساس کار ژاک لویی دیوید است. رئالیسم فیگوراتیو و پرتره بخش عمده ای از کارهای بالوس را در دهه 90 و اوایل 2000 تشکیل می دهد. امروزه بالوس از پیکره انسانی برای برجسته کردن ویژگی ها و نشان دادن کاستی های انسان استفاده می کند ، در حالی که هیچ راه حلی ارائه نمی دهد.

قرار است ترکیب طرح های نقاشی های وی به طور مستقل توسط بیننده تفسیر شود ، تنها در این صورت است که بوم ها معنای زمانی و ذهنی واقعی خود را به دست می آورند. در سال 2005 ، این هنرمند به کالیفرنیای شمالی نقل مکان کرد ، از آن زمان ، دامنه کارهای او به طور قابل توجهی گسترش یافته است و در حال حاضر شامل روشهای رایگان نقاشی ، از جمله انتزاع و انواع مختلف چند رسانه ای است که به بیان ایده ها و ایده آل های موجود از طریق نقاشی کمک می کند.

راهب های آلیسا

آلیسا مونکس یک هنرمند معاصر آمریکایی است. او در سال 1977 در ریج وود نیوجرسی متولد شد. او در کودکی علاقه زیادی به نقاشی داشت. او در New School در نیویورک و دانشگاه ایالتی Montclair تحصیل کرد و در سال 1999 از کالج بوستون فارغ التحصیل شد و لیسانس گرفت. همزمان ، او در آکادمی لورنزو مدیچی در فلورانس به تحصیل نقاشی پرداخت.

سپس تحصیلات خود را در مورد برنامه فوق لیسانس در آکادمی هنر نیویورک ، در گروه هنرهای تجسمی ادامه داد و در سال 2001 فارغ التحصیل شد. او در سال 2006 از کالج فولرتون فارغ التحصیل شد. مدتی در دانشگاه ها و م institutionsسسات آموزشی سراسر کشور سخنرانی کرد ، در آکادمی هنر نیویورک و همچنین دانشگاه ایالتی مونتکلر و کالج هنرهای لیم نقاشی تدریس کرد.

"با استفاده از فیلترهایی مانند شیشه ، وینیل ، آب و بخار ، بدن انسان را مخدوش می کنم. این فیلترها به شما امکان می دهد مناطق وسیعی از طراحی انتزاعی ایجاد کنید ، در حالی که جزایر رنگی در آنها به چشم می خورد - قطعات بدن انسان.

نقاشی های من دیدگاه مدرن را نسبت به حالات و حرکات سنتی زنان حمام کننده تغییر می دهد. آنها می توانند چیزهای زیادی را در مورد چیزهایی که ظاهراً بدیهی هستند ، مانند مزایای شنا ، رقص و غیره ، به بیننده توجه نشان دهند. شخصیت های من به شیشه پنجره دوش فشار می آورند و بدن خود را تحریف می کنند و متوجه می شوند که با این کار بر نگاه بدنام مرد به زن برهنه تأثیر می گذارند. لایه های ضخیم رنگ آمیخته می شوند تا شیشه ، بخار ، آب و گوشت را از راه دور تقلید کنند. با این حال ، از نزدیک ، خواص فیزیکی شگفت انگیز رنگ روغن آشکار می شود. با آزمایش لایه های رنگ و رنگ ، لحظه ای را پیدا می کنم که ضربه های انتزاعی به چیز دیگری تبدیل می شود.

وقتی برای اولین بار نقاشی بدن انسان را شروع کردم ، بلافاصله مجذوب و حتی وسواس آن شدم و معتقد بودم که باید نقاشی هایم را تا آنجا که ممکن است واقعی جلوه دهم. من به واقع گرایی "اعتراف" کردم تا زمانی که شروع به آشکارسازی و آشکار سازی تناقضات در خود کرد. اکنون من در حال بررسی امکانات و پتانسیل های شیوه نقاشی هستم ، جایی که نقاشی نمایشی و انتزاع به هم می رسند - اگر هر دو سبک بتوانند به طور همزمان وجود داشته باشند ، من این کار را خواهم کرد. "

آنتونیو فینلی

هنرمند ایتالیایی - " ناظر زمان”- آنتونیو فینلی در 23 فوریه 1985 متولد شد. وی در حال حاضر در ایتالیا بین رم و کمپوباسو زندگی و کار می کند. آثار او در چندین گالری در ایتالیا و خارج از کشور به نمایش گذاشته شده است: رم ، فلورانس ، نووارا ، جنوا ، پالرمو ، استانبول ، آنکارا ، نیویورک ، و همچنین می توان آنها را در مجموعه های خصوصی و عمومی یافت.

نقاشی با مداد " ناظر زمانآنتونیو فینلی ما را به سفری ابدی می برد آرامش درونیموقتی بودن انسان و همراه با آن تجزیه و تحلیل دقیق این جهان ، که عنصر اصلی آن گذر از زمان و آثار آن بر روی پوست است.

فینلی پرتره هایی از افراد در هر سن ، جنس و ملیت را ترسیم می کند ، حالات چهره آنها گواهی بر گذر زمان است ، هنرمند همچنین امیدوار است شواهدی از بی رحمی زمان در بدن شخصیت های خود پیدا کند. آنتونیو آثار خود را با یک عنوان کلی تعریف می کند: "خودنگاره" ، زیرا او در نقاشی های مداد خود نه تنها یک شخص را به تصویر می کشد ، بلکه به بیننده اجازه می دهد تا نتایج واقعی گذر زمان را در درون یک فرد بیندیشد.

فلامینیا کارلونی

فلامینیا کارلونی ، هنرمند 37 ساله ایتالیایی ، دختر یک دیپلمات است. او سه فرزند دارد. او دوازده سال در رم ، سه سال در انگلستان و فرانسه زندگی کرد. مدرک تاریخ هنر را از دانشکده هنر BD دریافت کرد. سپس دیپلم را به عنوان مرمت کننده آثار هنری دریافت کرد. قبل از پیدا کردن حرفه خود و وقف کامل نقاشی ، او به عنوان روزنامه نگار ، رنگ آمیز ، طراح و بازیگر کار کرد.

فلامینیا در کودکی علاقه زیادی به نقاشی داشت. رسانه اصلی او روغن است ، زیرا او عاشق "coiffer la pate" است و همچنین با مواد بازی می کند. او تکنیکی مشابه را در آثار هنرمند پاسکال توروا آموخت. فلامینیا از نقاشان بزرگی مانند بالتوس ، هاپر و فرانسوا لگراند و همچنین جنبش های مختلف هنری الهام گرفته است: هنر خیابانی ، رئالیسم چینی ، سوررئالیسم و ​​رئالیسم رنسانس. هنرمند مورد علاقه او کاراواجو است. رویای او کشف قدرت درمانی هنر است.

دنیس چرنوف

دنیس چرنوف یک هنرمند با استعداد اوکراینی است ، متولد 1978 در سامبیر ، منطقه لووف ، اوکراین. پس از فارغ التحصیلی از مدرسه هنر خارکف در سال 1998 ، او در خارکف اقامت کرد ، جایی که در حال حاضر زندگی و کار می کند. وی همچنین در آکادمی دولتی طراحی و هنر خارکف ، گروه گرافیک ، تحصیل کرد و در سال 2004 از آن فارغ التحصیل شد.

او به طور منظم در نمایشگاه های هنری شرکت می کند ، در حال حاضر بیش از شصت نمایشگاه در اوکراین و خارج از کشور وجود داشته است. اکثر آثار دنیس چرنوف در مجموعه های خصوصی در اوکراین ، روسیه ، ایتالیا ، انگلستان ، اسپانیا ، یونان ، فرانسه ، ایالات متحده ، کانادا و ژاپن نگهداری می شوند. برخی از آثار به کریستی فروخته شد.

دنیس در طیف گسترده ای از تکنیک های گرافیکی و نقاشی کار می کند. نقاشی های با مداد یکی از روش های نقاشی مورد علاقه وی است ، لیست موضوعات نقاشی های مدادی او نیز بسیار متنوع است ، او منظره ، پرتره ، برهنه ، ترکیب ژانر ، تصویرسازی کتاب ، بازسازی و تخیلات ادبی و تاریخی را می نویسد.

رتبه بندی گران ترین آثار هنرمندان زنده ساختمانی است که در مورد نقش و جایگاه هنرمند در تاریخ هنر بسیار کمتر از سن و قدرت سلامتی صحبت می کند.

قوانین گردآوری رتبه بندی ما ساده است: اولاً ، فقط به آثار نویسندگان زنده توجه می شود. دوم ، فقط فروش حراج عمومی محاسبه می شود. و سوم ، قانون "یک هنرمند - یک اثر" رعایت می شود (اگر در رتبه بندی آثار دو رکورد متعلق به جونز باشد ، تنها گران ترین آنها باقی می ماند و بقیه در نظر گرفته نمی شوند). رتبه بندی بر اساس دلار (با نرخ ارز در تاریخ فروش) انجام می شود.

1. JEFF KOONS خرگوش. 1986. 91،075 میلیون دلار

هرچه مدت زمان تماشای حراج جف کونز (1955) بیشتر باشد ، بیشتر متقاعد می شوید که هیچ چیزی برای هنر پاپ غیرممکن نیست. می توانید مجسمه های کونز را به شکل اسباب بازی از آن تحسین کنید بادکنک، و می توانید آنها را کیچ و بی مزه در نظر بگیرید - حق شماست. یک چیز را نمی توان انکار کرد: نصب جف کونز هزینه های دیوانه کننده ای دارد.

جف کونز سفر خود را برای شهرت به عنوان موفق ترین هنرمند زنده جهان در سال 2007 آغاز کرد ، زمانی که قطعه فلزی غول پیکر او "قلب معلق" به قیمت 23.6 میلیون دلار در ساتبیز خریداری شد. این اثر توسط گالری لری گاگوسین نماینده کونز خریداری شد (در مطبوعات نوشتند که به نفع میلیاردر اوکراینی ویکتور پینچوک است.) گالری نه تنها یک نصب ، بلکه در واقع یک قطعه جواهر خریداری کرد. 2.7 متر و وزن آن 1600 کیلوگرم است) ، اما هدف مشابهی دارد. بیش از شش و نیم ساعت طول کشید تا یک ترکیب با قلب پوشیده از ده لایه رنگ تولید شود.

سپس فروش بادکنک بنفش به قیمت 12.92 میلیون پوند (25.8 میلیون دلار) در حراج کریستیز لندن در 30 ژوئن 2008 انجام شد. جالب اینجاست که هفت سال قبل ، صاحبان قبلی "Tsvetka" این اثر را به مبلغ 1.1 میلیون دلار خریداری کرده بودند. به راحتی می توان محاسبه کرد که در این مدت قیمت بازار آن تقریباً 25 برابر افزایش یافته است.

رکود در بازار هنر در سالهای 2008-2009 ، به شکاکان دلیلی داد تا شایعه کنند که مد برای کونز به پایان رسیده است. اما آنها اشتباه کردند: همراه با بازار هنر ، علاقه به آثار کونز دوباره زنده شد. جانشین اندی وارهول تاج و تخت پادشاه هنر پاپ در نوامبر 2012 با فروش مجسمه چند رنگ "لاله ها" از مجموعه "جشن" به قیمت 33.7 میلیون دلار ، با احتساب کارمزد ، بهترین عملکرد شخصی خود را تجدید کرد.

اما "لاله ها" به معنای لغوی و مجازی "گل" بودند. درست یک سال بعد ، در نوامبر 2013 ، فروش مجسمه فولادی ضد زنگ "سگ بالون (نارنجی)" دنبال شد: قیمت چکش به اندازه 58.4 میلیون دلار بود! مبلغ فوق العاده برای هنرمند زنده. آثار یک هنرمند معاصر به قیمت نقاشی ون گوگ یا پیکاسو فروخته شد. اینها قبلاً توت بودند ...

با این نتیجه ، کونز چندین سال در صدر رتبه هنرمندان زنده قرار گرفت. در نوامبر 2018 ، دیوید هاکنی برای مدت کوتاهی از او پیشی گرفت (به خط دوم رتبه بندی ما مراجعه کنید). اما تنها شش ماه بعد ، همه چیز به حالت عادی بازگشت: در 15 مه 2019 در نیویورک ، در حراج هنرهای پس از جنگ و معاصر ، کریستیز مجسمه کتاب درسی برای کونز را در سال 1986 به فروش گذاشت - نقره ای "خرگوش" از فولاد ضد زنگ ، شبیه سازی یک بادکنک با شکل مشابه.

در مجموع ، کونز 3 مجسمه از جمله یک نسخه نویسنده ایجاد کرد. حراج یک نسخه از "خرگوش" را در شماره 2 دریافت کرد - از مجموعه ناشر فرقه ای Cy Newhouse ، مالک مشترک انتشارات Conde Nast (مجلات Vogue ، Vanity Fair ، Glamour ، GQ و غیره). نقره "خرگوش" توسط "پدر زرق و برق" سای نیوهاوس در سال 1992 به مبلغ قابل توجهی با استانداردهای آن سال - 1 میلیون دلار خریداری شد. پس از 27 سال مبارزه 10 نفره ، چکش مجسمه 80 برابر قیمت فروش قبلی خود بود. و با در نظر گرفتن حق بیمه خریدار ، نتیجه نهایی به میزان 91.075 میلیون دلار برای همه هنرمندان زنده به ثبت رسید.

2. دیوید هاکنی پرتره هنرمند. استخر با دو رقم. 1972. 90،312،500 دلار

دیوید هاکنی (1937) یکی از مهمترین هنرمندان انگلیسی قرن بیستم است. در سال 2011 ، دیوید هاکنی در نظرسنجی از هزاران نقاش و مجسمه ساز حرفه ای بریتانیایی به عنوان با نفوذترین هنرمند بریتانیا انتخاب شد. در همان زمان ، هاکنی از استادانی مانند ویلیام ترنر و فرانسیس بیکن عبور کرد. آثار او معمولاً به هنر پاپ نسبت داده می شود ، اگرچه در کارهای اولیه خود بیشتر به روح اکسپرسیونیسم در روح فرانسیس بیکن تمایل داشت.

دیوید هاکنی در انگلستان ، در یورکشایر به دنیا آمد و بزرگ شد. مادر هنرمند آینده خانواده را در شدت پیوریتانی نگه داشت و پدرش ، یک حسابدار ساده که کمی در سطح آماتور نقاشی می کرد ، پسرش را تشویق به نقاشی کرد. دیوید در بیست سالگی عازم کالیفرنیا شد و در مجموع حدود سه دهه در آنجا زندگی کرد. او هنوز دو کارگاه در آنجا دارد. هاکنی قهرمانان آثار خود را به ثروتمندان محلی ، ویلاهای آنها ، استخرهای شنا ، چمن های خیس شده در آفتاب کالیفرنیا تبدیل کرد. یکی از مشهورترین آثار او در دوره آمریکا - نقاشی "چلپ چلوپ" ، تصویری از یک تکه اسپری است که پس از پرش فرد به آب از استخر بیرون آمد. برای به تصویر کشیدن این تخته ، "زنده" بیشتر از دو ثانیه ، هاکنی به مدت دو هفته کار کرد. به هر حال ، این نقاشی در سال 2006 در ساتبیز به قیمت 5.4 میلیون دلار فروخته شد و مدتی گران ترین اثر او محسوب می شد.

هاکنی (1937) در حال حاضر بیش از هشتاد سال دارد ، اما او هنوز کار می کند و حتی جدید اختراع می کند تکنیک های هنریبا استفاده از نوآوری های فنی زمانی که او ایده ساخت کلاژهای عظیم از عکس های پولاروید را به ذهن آورد ، آثار خود را روی دستگاه های فکس چاپ کرد ، و امروز هنرمند با اشتیاق در حال تسلط بر طراحی روی iPad است. تصاویری که روی لوح کشیده شده جایگاه شایسته ای در نمایشگاه های او دارد.

در سال 2005 ، هاکنی سرانجام از ایالات به انگلستان بازگشت. اکنون او در فضای باز و در استودیو مناظر عظیمی از جنگل ها و زمین های بایر (اغلب شامل چندین قسمت) نقاشی می کند. به گفته هاکنی ، در طول 30 سالی که در کالیفرنیا گذراند ، او آنقدر به تغییر ساده فصل ها عادت کرده است که او واقعاً او را تحسین می کند و جادو می کند. تمام چرخه های کارهای اخیر وی ، به عنوان مثال ، به منظره یکسان در زمان های مختلف سال اختصاص داده شده است.

در سال 2018 ، قیمت نقاشی های هاکنی چندین بار به مرز 10 میلیون دلار رسید. و در 15 نوامبر 2018 ، Christie's یک رکورد مطلق جدید برای کار یک هنرمند زنده - 90،312،500 دلار برای نقاشی "پرتره یک هنرمند (استخر با دو شکل)" ثبت کرد.

3. GERHARD RICHTER نقاشی انتزاعی... 1986. 46.3 میلیون دلار

کلاسیک زندگی می کند گرهارد ریشتر (1932)رتبه دوم را در رتبه بندی ما دارد این هنرمند آلمانی تا زمان ثبت رکورد 58 میلیونمی جف کونز در بین همکاران زنده پیشرو بود. اما بعید است که این شرایط اقتدار ریشتر را در بازار هنر متزلزل کند. در پایان سال 2012 ، گردش مالی حراج سالانه هنرمند آلمانی تنها پس از اندی وارهول و پابلو پیکاسو است.

سالهاست هیچ چیز موفقیتی را که در حال حاضر به ریشتر رسیده است نشان نمی دهد. برای چندین دهه ، این هنرمند در بازار هنر معاصر جای متوسطی را اشغال کرد و اصلاً برای شهرت تلاش نکرد. ما می توانیم بگوییم که شکوه و جلال خود او را پشت سر گذاشت. بسیاری خرید مجموعه ای از آثار ریشتر "18 اکتبر 1977" توسط موزه نیویورک MoMA در 1995 را نقطه شروع می دانند. موزه آمریکا 3 میلیون دلار برای 15 نقاشی با رنگ خاکستری پرداخت و به زودی در مورد برگزاری یک نگاه گذشته نگر کامل از هنرمند آلمانی فکر کرد. این نمایشگاه عظیم شش سال بعد ، در سال 2001 افتتاح شد و از آن زمان علاقه به کارهای ریشتر با جهش های فزاینده ای افزایش یافت. از سال 2004 تا 2008 ، قیمت نقاشی های او سه برابر شده است. در سال 2010 ، آثار ریشتر در حال حاضر 76.9 میلیون دلار به ارمغان آورده است ، در سال 2011 ، طبق وب سایت Artnet ، آثار ریشتر در مزایده ها در کل 200 میلیون دلار و در سال 2012 (طبق Artprice) - 262.7 میلیون دلار - بیشتر از کار هر هنرمند زنده دیگر

در حالی که ، برای مثال ، جاسپر جان موفقیت قریب به اتفاقدر حراج ، عمدتا تنها با آثار اولیه همراه است ، زیرا برای کارهای ریشتر چنین تقسیم بندی معمولی معمول نیست: تقاضا به همان اندازه برای چیزهایی از دوره های مختلف خلاق ، که تعداد زیادی از آنها در حرفه ریشتر وجود داشت ، ثابت است. در طول شصت سال گذشته ، این هنرمند تقریباً در تمام ژانرهای نقاشی سنتی - پرتره ، منظره ، تفریحگاه دریایی ، برهنه ، طبیعت بی جان و البته انتزاع را امتحان کرده است.

تاریخچه رکوردهای حراج ریشتر با مجموعه ای از طبیعت بی جان "شمع" آغاز شد. 27 تصویر فوتورئالیستی از شمع در اوایل دهه 1980 ، در زمان نگارش آنها ، تنها 15000 مارک دویچه (5800 دلار) برای هر اثر هزینه داشت. اما هنوز هیچ کس در اولین نمایشگاه خود در گالری ماکس هتسلر در اشتوتگارت "شمع" خریداری نکرد. سپس موضوع نقاشی ها قدیمی نامیده شد. امروزه "شمع" آثار همه دوران محسوب می شود. و میلیون ها دلار هزینه دارند.

در فوریه 2008 "شمع" ،نوشته شده در 1983 ، به طور غیر منتظره برای bought خریداری شد 7.97 میلیون (16 میلیون دلار)... این رکورد شخصی سه سال و نیم به طول انجامید. سپس در اکتبر 2011یکی دیگه "شمع" (1982)برای £ در کریستیز زیر چکش رفت 10.46 میلیون (16.48 میلیون دلار)... با این رکورد ، گرهارد ریشتر برای اولین بار در بین سه هنرمند موفق موفق شد و جای خود را پشت جاسپر جانز و جف کونز گرفت.

سپس راهپیمایی پیروزمندانه "تصاویر انتزاعی" توسط ریشتر آغاز شد. هنرمند چنین آثاری را با تکنیک نویسنده منحصر به فرد می نویسد: او ترکیبی از رنگ های ساده را در زمینه روشن اعمال می کند ، و سپس با استفاده از یک تراش بلند به اندازه سپر ماشین ، آنها را روی بوم آغشته می کند. این باعث ایجاد پیچیدگی های رنگی ، لکه ها و نوارها می شود. بررسی سطح "نقاشی های انتزاعی" او مانند حفاری است: روی آنها آثار "شکل" های مختلف از طریق شکاف لایه های متعدد رنگ قابل مشاهده است.

9 نوامبر 2011در حراج هنر مدرن و پس از جنگ در مقیاس بزرگ ساتبی "نقاشی انتزاعی (849-3)" 1997 زیر چکش رفت 20.8 میلیون دلار (13.2 میلیون پوند)... و شش ماه بعد ، 8 مه 2012در حراج هنر پس از جنگ و هنر معاصر کریستیز در نیویورک "نقاشی انتزاعی (798-3)"سال 1993 برای رکورد ثبت شد 21.8 میلیون دلار(از جمله کمیسیون). پنج ماه بعد - دوباره رکورد: "نقاشی انتزاعی (809-4)"از مجموعه موسیقی دان راک اریک کلاپتون در 12 اکتبر 2012 در حراج ساتبیز در لندن برای £ 21.3 میلیون (34.2 میلیون دلار)... سد 30 میلیونی توسط ریشتر به آسانی گرفته شد ، گویی ما در مورد نقاشی مدرن صحبت نمی کردیم ، بلکه در مورد شاهکارهایی که کمتر از صد سال عمر ندارند صحبت می کردیم. اگرچه در مورد ریشتر به نظر می رسد که گنجاندن "بزرگان" در پانتئون در زمان حیات هنرمند اتفاق افتاده است. قیمت کارهای آلمانی همچنان در حال افزایش است.

رکورد بعدی ریشتر متعلق به کارهای عکاسی - منظره بود "میدان کلیسای جامع ، میلان (Domplatz ، Mailand)" 1968 کار به قیمت فروخته شد 37.1 میلیوندر حراج ساتبی 14 مه 2013... نمای زیباترین میدان توسط هنرمند آلمانی در سال 1968 به سفارش زیمنس الکترو ، مخصوص دفتر میلان این شرکت ، نقاشی شد. در زمان نگارش ، این بزرگترین اثر مجازی ریشتر (تقریباً سه در سه متر) بود.

رکورد "میدان کلیسای جامع" تقریباً دو سال به طول انجامید ، تا اینکه 10 فوریه 2015حرف او را قطع نکرد "نقاشی انتزاعی" ( 1986): قیمت چکش به می رسد 30.389 میلیون (46.3 میلیون دلار)... "نقاشی انتزاعی" با ابعاد 300.5 × 250.5 سانتیمتر ، که در حراج در ساتبیز به معرض فروش گذاشته شد ، یکی از اولین آثار مقیاس بزرگ ریشتر در تکنیک نویسنده ویژه او در مورد تراشیدن لایه های رنگ است. آخرین بار در سال 1999 این "نقاشی انتزاعی" در حراج به قیمت 607 هزار دلار خریداری شد (از امسال تا فروش فعلی ، این اثر در موزه لودویگ در کلن به نمایش گذاشته شد). در حراج 10 فوریه 2015 ، یک مشتری آمریکایی با مراحل حراج 2 میلیون پوند به قیمت چکش 46.3 میلیون دلار رسید.یعنی از سال 1999 ، قیمت کار بیش از 76 برابر افزایش یافته است!

4. TSUI ZHUZHO "کوههای بزرگ پوشیده از برف". 2013. 39،577 میلیون دلار

برای مدت طولانی ، ما پیشرفت وضعیت بازار هنر چین را از نزدیک دنبال نمی کردیم ، نمی خواستیم اطلاعات خوانندگان خود را بیش از حد در مورد هنر "نه ما" بارگیری کنیم. به استثنای وی ویوی مخالف ، که حتی به عنوان یک هنرمند طنین گران قیمت نیست ، نویسندگان چینی به نظر ما بسیار زیاد و دور از ما بودند تا بتوانند در مورد آنچه در بازار در آنجا اتفاق می افتد تحقیق کنند. اما آمار ، همانطور که می گویند ، یک خانم جدی است ، و اگر ما در مورد موفق ترین نویسندگان زنده دنیا صحبت می کنیم ، نمی توان بدون داستانی در مورد نمایندگان برجسته هنر معاصر امپراتوری آسمانی کار کرد.

بیایید با یک هنرمند چینی شروع کنیم کوی روژو... این هنرمند در سال 1944 در پکن متولد شد ، از 1981 تا 1996 در ایالات متحده زندگی می کرد. پس از بازگشت به چین ، او در آکادمی ملی هنر تدریس کرد. Cui Ruzhuo نقاشی سنتی جوهر چینی را دوباره تفسیر می کند و نقاشی های پیچیده عظیمی را ایجاد می کند که تجار و مقامات چینی دوست دارند به یکدیگر هدیه دهند. در غرب ، اطلاعات بسیار کمی در مورد او وجود دارد ، اگرچه بسیاری باید داستان طومار 3.7 میلیون دلاری را به خاطر بسپارند ، که به اشتباه توسط نظافتچیان یک هتل هنگ کنگ به بیرون پرتاب شد ، و اشتباه گرفته شد. بنابراین - این طومار Cui Ruzhuo بود.

Cui Ruzhuo در حال حاضر در 70 سالگی است و بازار پررونقی برای کارهای خود دارد. بیش از 60 اثر این هنرمند از مرز 1 میلیون دلار عبور کرده اند ، با این حال ، آثار او هنوز تنها در حراج های چینی موفق هستند. سوابق Cui Ruzhuo واقعاً چشمگیر است. ابتدا آن را "منظره در برف"در حراج پلی در هنگ کنگ 7 آوریل 2014قیمت چکش به 184 میلیون دلار هنگ کنگ رسید ( 23.7 میلیون دلار آمریکا).

درست یک سال بعد ، 6 آوریل 2015در حراج پلی ویژه در هنگ کنگ که منحصراً به آثار ، سری Cui Ruzhuo اختصاص داده شده است "چشم انداز برفی بزرگ کوه جیانگنان"(جیانگنان - منطقه ای تاریخی در چین که ساحل سمت راست یانگ تسه را اشغال کرده است) از هشت منظره با جوهر روی کاغذ به قیمت چکش 236 میلیون دلار هنگ کنگ رسید ( 30.444 میلیون دلار آمریکا).

یک سال بعد ، تاریخ تکرار شد: در حراج انفرادی Cui Ruzhuo که توسط Poly Auctions در هنگ کنگ برگزار شد 4 آوریل 2016چند قسمتی شش قسمتی "کوههای بزرگ پوشیده از برف"قیمت ضربه چکش 2013 (شامل کمیسیون خانه حراج) 306 میلیون دلار هنگ کنگ (39.577 میلیون دلار آمریکا) تا کنون ، این یک رکورد مطلق در بین هنرمندان زنده آسیایی است.

به گفته فروشنده هنر جانسون چان ، که 30 سال است با هنر معاصر چین کار می کند ، تمایل بی قید و شرط برای افزایش قیمت آثار این نویسنده وجود دارد ، اما همه اینها در سطحی از قیمت اتفاق می افتد که بعید است مجموعه داران باتجربه بخواهند آن را خریداری کنند. چیزی جانسون چان در مورد Cui می گوید: "چینی ها می خواهند با افزایش قیمت آثار خود در حراج های بزرگ بین المللی مانند آنچه توسط Poly در هنگ کنگ برگزار می شود ، رتبه هنرمندان خود را افزایش دهند ، اما شکی نیست که این رتبه بندی ها کاملاً ساختگی است." جدیدترین رکورد روجو.

البته این فقط نظر یک فروشنده است ، اما ما یک پرونده واقعی در همه پایگاه های داده ثبت کرده ایم. بنابراین ما با او حساب می کنیم. خود Cui Ruzhuo ، با توجه به اظهارات او ، از حیاء Gerhard Richter در مورد موفقیت حراج خود دور است. به نظر می رسد این مسابقه برای رکوردها او را به طور جدی مجذوب می کند. امیدوارم طی 5-10 سال آینده قیمت آثار من از قیمت آثار استادان غربی مانند پیکاسو و ون گوگ فراتر رود. این یک رویای چینی است ، "Cui Ruzhuo می گوید.

5. جاسپر جونز پرچم. 1983. 36 میلیون دلار

سومین رتبه در رتبه بندی هنرمندان زنده متعلق به یک آمریکایی است جاسپر جانز (1930)... رکورد فعلی قیمت آثار جونز $ است 36 میلیون... هزینه های زیادی برای معروف او پرداخت شده است "پرچم"در کریستیز 12 نوامبر 2014.

مجموعه نقاشی های "پرچم" ، که توسط جونز در اواسط دهه 1950 ، بلافاصله پس از بازگشت هنرمند از ارتش آغاز شد ، یکی از محورهای اصلی کار او شد. در جوانی ، هنرمند به ایده آماده سازی ، تبدیل یک شیء روزمره به یک اثر هنری علاقه مند بود. با این حال ، پرچم های جونز واقعی نبودند ، آنها روی روغن روی بوم نقاشی شده بودند. بنابراین ، یک اثر هنری ویژگی های یک چیز را از زندگی معمولی به دست آورد ، در عین حال هم تصویر پرچم و هم خود پرچم بود. مجموعه ای از آثار با پرچم شهرت جهانی را برای جاسپر جان به ارمغان آورد. اما آثار انتزاعی او از محبوبیت کمتری برخوردار نیستند. سالهاست فهرست گرانترین آثار ، مطابق قوانین فوق ، با چکیده آن هدایت می شد "شروع نادرست"... تا سال 2007 ، این بوم بسیار روشن و تزئینی ، که توسط جونز در سال 1959 نقاشی شده بود ، صاحب قیمتی بود که تقریباً برای یک هنرمند زنده (هرچند کلاسیک یک عمر) غیرقابل دسترسی است - $ 17 میلیون... این مقدار برای طلا برای بازار هنر پرداخت شد سال 1988.

جالب اینجاست که رکورد جاسپر جان به عنوان دارنده رکورد مداوم نبود. در سال 1989 او با کار یکی از همکارانش در کارگاه Willem de Kooning قطع شد: یک چکیده دو متری "Mixing" در ساتبی به قیمت 20.7 میلیون دلار فروخته شد. جاسپر جان مجبور به حرکت شد. اما 8 سال بعد ، در 1997 ، د کونینگ درگذشت و "شروع نادرست" جونز دوباره تقریباً 10 سال رتبه اول حراج هنرمندان زنده را از آن خود کرد.

اما در سال 2007 ، همه چیز تغییر کرد. رکورد Start False ابتدا تحت تأثیر کارهای جوان و بلندپرواز دامین هرست و جف کونز قرار گرفت. سپس یک رکورد فروش 33.6 میلیون دلاری از نقاشی "بازرس کمک هزینه خواب" اثر لوسین فروید (در حال حاضر فوت شده است ، و بنابراین در این رتبه بندی شرکت نمی کند) انجام شد. سپس سوابق گرهارد ریشتر شروع شد. به طور کلی ، تا کنون ، با رکورد فعلی 36 میلیون ، جاسپر جونز ، یکی از استادان هنر پس از جنگ آمریکا ، که در تقاطع نئوداداییسم ، اکسپرسیونیسم انتزاعی و هنر پاپ کار می کند ، در جایگاه سوم افتخاری قرار دارد.

6. ED RUSHEI درهم کوبیدن. 1963. 30.4 میلیون دلار

موفقیت ناگهانی نقاشی "سر و صدا" توسط هنرمند آمریکایی ادوارد روشا (متولد 1937)در حراج کریستیز 12 نوامبر 2014این نویسنده را به لیست گران ترین هنرمندان زنده رساند. رکورد قبلی برای کار اد روشا (اغلب نام خانوادگی روشا در روسی به عنوان "روشا" تلفظ می شود ، اما تلفظ صحیح روشا است) "فقط" 6.98 میلیون دلار بود: این مبلغ برای بوم وی "سوزاندن" پرداخت شده است. پمپ بنزین "در سال 2007. هفت سال بعد "درهم کوبیدن"با برآورد 15-20 میلیون دلار به قیمت چکش رسید 30.4 میلیون دلار... بدیهی است که بازار آثار این نویسنده به سطح جدیدی رسیده است - بیهوده نیست که باراک اوباما کاخ سفید را با آثار خود تزئین می کند و خود لری گاگوسیان آن را در گالری های خود به نمایش می گذارد.

اد روشا هرگز مشتاق نیویورک پس از جنگ با میل شدید به اکسپرسیونیسم انتزاعی نبود. در عوض ، بیش از 40 سال ، او در کالیفرنیا به دنبال الهام بود ، جایی که در 18 سالگی از نبراسکا نقل مکان کرد. این هنرمند در خاستگاه گرایش جدیدی در هنر به نام پاپ آرت ایستاد. همراه با وارهول ، لیختن اشتاین ، وین تیبو و دیگر خوانندگان فرهنگ توده ایادوارد روسچای در سال 1962 در نمایشگاه "تصویری جدید از چیزهای مشترک" در موزه پاسادنا شرکت کرد ، که اولین نمایش موزه هنرهای پاپ آمریکایی بود. با این حال ، خود اد روشا دوست ندارد وقتی آثار او به هنر پاپ ، مفهوم گرایی یا گرایش دیگری در هنر نسبت داده می شود.

سبک منحصر به فرد او "نقاشی متن" نامیده می شود. از اواخر دهه 1950 ، اد روشا شروع به ترسیم کلمات کرد. همانطور که یک قوطی سوپ برای وارهول به یک اثر هنری تبدیل شد ، برای اد روشا این کلمات و عبارات معمولی بودند که یا از بیلبورد یا بسته ای در سوپرمارکت یا از اعتبار فیلم گرفته شده بودند (هالیوود همیشه در کنار روشا بود ، و برخلاف بسیاری از هنرمندان دیگر ، روشا به "کارخانه رویاها" احترام گذاشت). کلمات روی بوم های وی ویژگی های اشیاء سه بعدی را به دست می آورند ، اینها بی جان های واقعی از کلمات هستند. وقتی به بوم های او نگاه می کنید ، اولین چیزی که به ذهن می رسد درک بصری و صوتی کلمه ترسیم شده است و تنها پس از آن معنای معنایی. دومی ، به عنوان یک قاعده ، به رمزگشایی بدون ابهام نمی پردازد. کلمات و عباراتی که روشی انتخاب می کند می تواند به روش های مختلف تفسیر شود. همان کلمه زرد روشن "Smash" در پس زمینه آبی عمیق می تواند به عنوان یک درخواست تهاجمی برای شکستن چیزی یا کسی برای خرد کردن تلقی شود. به عنوان یک صفت تنها که از زمینه خارج شده است (به عنوان مثال بخشی از عنوان روزنامه) ، یا به عنوان یک کلمه جداگانه که در جریان شهری تصاویر بصری قرار گرفته است. اد روشای از این عدم قطعیت لذت می برد. او در مصاحبه ای گفت: "من همیشه به چیزهای عجیب و غیرقابل توضیح احترام می گذاشتم ... توضیحات ، به یک معنا ، چیزها را می کشد."

7. پشم کریستوفر بدون عنوان (RIOT). 1990. 29.93 میلیون دلار

هنرمند آمریکایی کریستوفر وول(1955) اولین بار در سال 2013 در رتبه هنرمندان زنده قرار گرفت - پس از فروش اثر "آخرالزمان" به مبلغ 26.5 میلیون دلار. این رکورد بلافاصله او را با جاسپر جانس و گرهارد ریشتر در یک سطح قرار داد. مبلغ این معامله تاریخی - بیش از 20 میلیون دلار - بسیاری را شگفت زده کرد ، زیرا قبل از آن قیمت آثار هنرمند از 8 میلیون دلار تجاوز نمی کرد. با این حال ، رشد سریع بازار آثار کریستوفر وول در آن زمان مشهود بود : سابقه هنرمند شامل 48 معامله حراج با مبلغی بیش از 1 میلیون دلار بود که 22 مورد (تقریبا نیمی) در سال 2013 انجام شد. دو سال بعد ، تعداد آثار کریس وول ، که بیش از 1 میلیون دلار فروخته شد ، به 70 رسید و رکورد شخصی جدید دیری نپایید. در حراج اثر ساتبیز در 12 مه 2015 "بدون عنوان (RIOT)"دلار فروخته شد 29.93 میلیوناز جمله حق بیمه خریدار

کریستوفر وول بیشتر بخاطر کارهای گسترده اش با حروف سیاه روی ورق های آلومینیومی سفید شناخته شده است. آنها کسانی هستند که به طور معمول در حراجی رکوردها را ثبت می کنند. اینها همه چیز مربوط به اواخر 1980 و اوایل 1990 است. افسانه ها می گویند که یک شب وول عصر در نیویورک قدم می زد و ناگهان نقاشی های دیواری روی یک کامیون سفید جدید با حروف سیاه مشاهده کرد - کلمات sex and luv. این منظره چنان او را تحت تأثیر قرار داد که بلافاصله به کارگاه بازگشت و نسخه خود را با همان کلمات نوشت. سال 1987 بود و جستجوهای بیشتر هنرمند برای یافتن کلمات و عبارات برای آثار "نامه ای" او نشان دهنده روح متناقض آن زمان بود. این فراخوانی است که "خانه را بفروشید ، ماشین بفروشید ، بچه ها را بفروشید" که توسط وول از فیلم "آخرالزمان اکنون" گرفته شده است ، و کلمه "FOOL" ("احمق") با حروف بزرگ و کلمه "RIOT" ("شورش") ، اغلب در عناوین روزنامه های آن زمان یافت می شود.

کلمات و عبارات پشمی روی ورقه های آلومینیومی با رنگهای آلکیدی یا مینا ، عمداً رگه ها ، علائم شابلون و سایر شواهد از روند خلاقیت را به جا می گذارد. هنرمند کلمات را به گونه ای تقسیم کرد که بیننده بلافاصله معنی را درک نکرد. در ابتدا ، شما فقط تجمع حروف را مشاهده می کنید ، یعنی کلمه را به عنوان یک شی بصری درک می کنید ، و تنها پس از آن معنی عبارت یا کلمه را می خوانید و رمزگشایی می کنید. وول از قلمي استفاده مي كرد كه ارتش آمريكا پس از جنگ جهاني دوم از آن استفاده مي كرد و اين تصور يك شعار نظم ، دستور و دستور را تقويت مي كند. این آثار "حروف" به عنوان بخشی از چشم انداز شهری تلقی می شوند ، به عنوان نقاشی های دیواری غیرقانونی که نظافت سطح برخی از اجسام خیابانی را نقض می کنند. این مجموعه از آثار کریستوفر وول به عنوان یکی از قله های انتزاع زبانی شناخته می شود و بنابراین از طرفداران هنر معاصر بسیار مورد استقبال قرار می گیرد.

8. پیتر داگ رزدیل 1991. 28.81 میلیون دلار

بریتانیایی پیتر دویگ(1959) ، اگرچه او به نسل پست مدرن ها کون و هرست تعلق دارد ، اما برای خود یک ژانر کاملاً سنتی از منظر را انتخاب کرد ، که مدت ها به نفع هنرمندان برجسته نبود. پیتر دویگ با کار خود علاقه عمومی را به نقاشی مجسمه ای که از بین رفته بود زنده می کند. آثار او از نظر منتقدان و غیر متخصصان بسیار مورد توجه است و شاهد این امر افزایش سریع قیمت آثار اوست. اگر در اوایل دهه 1990 چشم اندازهای او چندین هزار دلار هزینه داشت ، اکنون این صورتحساب به میلیون ها دلار می رسد.

اغلب به آثار دوئگ رئالیسم جادویی می گویند. بر اساس مناظر واقعی ، او تصاویری فانتزی ، مرموز و اغلب غم انگیز خلق می کند. این هنرمند عاشق به تصویر کشیدن اشیایی است که توسط مردم رها شده است: یک ساختمان فرسوده که لوکوربوزیه در وسط یک جنگل ساخته است یا یک قایق رانی سفید خالی در سطح دریاچه جنگلی. دویگ علاوه بر طبیعت و تخیل ، از فیلم های ترسناک ، کارت پستال های قدیمی ، عکس ها ، فیلم های آماتور و موارد دیگر الهام گرفته است. نقاشی های دایگ رنگارنگ ، پیچیده ، تزئینی هستند و تحریک آمیز نیستند. داشتن چنین نقاشی خوشایند است. بهره وری پایین نویسنده نیز به علاقه کلکسیونرها دامن می زند: هنرمندی که در ترینیداد زندگی می کند سالانه بیش از دوازده نقاشی خلق نمی کند.

در اوایل دهه 2000 ، برخی از مناظر این هنرمند به قیمت چند صد هزار دلار فروخته شد. در همان زمان ، آثار دویگ در گالری ساعتچی ، در دوسالانه موزه ویتنی و در مجموعه MoMA گنجانده شد. در سال 2006 ، سطح حراج از 1 میلیون دلار فراتر رفت. سال آیندهیک پیشرفت غیرمنتظره رخ داد: اثر "قایق سفید" که در 7 فوریه 2007 در ساتبیز با برآورد 0.8-1.2 میلیون دلار پیشنهاد شد ، پنج برابر برآورد اولیه و 5.7 میلیون پوند (11.3 میلیون دلار) به فروش رسید. در آن زمان ، این یک قیمت رکورد برای آثار یک هنرمند زنده اروپایی بود.

در سال 2008 ، نمایشگاههای انفرادی دویگ در گالری تیت و موزه هنرهای مدرن پاریس برگزار شد. برچسب های چند میلیون دلاری برای کارهای دویگ به یک قاعده تبدیل شده است. پرونده شخصی پیتر دویگ به تازگی چندین بار در سال به روز شده است - ما فقط زمان داریم تا تصویر و مکان این هنرمند را در رتبه بندی نویسندگان زنده خود تغییر دهیم.

گران ترین اثر پیتر دویگ تا به امروز چشم انداز برفی "Rosedale" در سال 1991 است. جالب اینجاست که این رکورد نه در ساتبیز یا کریستیز ، بلکه در حراج هنرهای معاصر در حراج فیلیپس ثبت شد. این اتفاق در 18 مه 2017 رخ داد. نمایی از Rosedale پوشیده از برف ، یکی از مناطق تورنتو ، به قیمت 28.81 میلیون دلار به خریدار تلفن فروخته شد. این رقم حدود 3 میلیون بیشتر از رکورد قبلی (25.9 میلیون دلار برای اثر "مرداب") است. رزدیل در نمایشگاه کلیدی دویگ در گالری وایت چپل لندن در سال 1998 شرکت کرد و به طور کلی این کار برای بازار تازه بود و بنابراین قیمت رکورد به خوبی سزاوار است.

9. FRANK STELLA کیپ کاج. 1959. 28 میلیون دلار

فرانک استلا نماینده برجسته انتزاع و مینیمالیسم پس از نقاشی در هنر است. در مرحله خاصی ، از او به عنوان نمایندگان سبک نقاشی با لبه سخت یاد می شود. در ابتدا ، استلا در مقایسه با ساختار هندسی ، تک رنگ و ساختار نقاشی های خود ، خودانگیختگی و هرج و مرج نقاشی های اکسپرسیونیست های انتزاعی مانند جکسون پولاک را مقایسه کرد.

در اواخر دهه 1950 ، هنرمند مورد توجه صاحب گالری مشهور لئو کاستلی قرار گرفت و برای اولین بار به نمایشگاه اعطا شد. روی آن ، او به اصطلاح "تصاویر سیاه" را معرفی کرد - بوم هایی که با خطوط مشکی موازی نقاشی شده اند و شکاف های نازکی از بوم های رنگ نشده بین آنها کشیده شده است. خطوط به اشکال هندسی جمع می شوند و تا حدودی یادآور آن هستند توهمات نوری، اگر به مدت طولانی به آنها نگاه کنید ، همان تصاویری که می لرزد ، حرکت می کند ، می پیچد و احساس عمق فضا را ایجاد می کند. استلا موضوع خطوط موازی با نوارهای باریک تقسیم کننده را در آثار خود روی آلومینیوم و مس ادامه داد. رنگها ، اساس تصویری و حتی شکل نقاشیها تغییر کرد (در میان دیگر آثار به شکل حروف U ، T ، L برجسته است). اما اصل اصلی نقاشی او هنوز در وضوح طرح کلی ، بنایی ، فرم ساده و تک رنگ بود. در دهه های بعد ، استلا از چنین نقاشی هندسی به سمت اشکال و خطوط صاف و طبیعی و از نقاشی های تک رنگ به رنگ های روشن و متنوع دور شد. در دهه 1970 ، استلا اسیر الگوهای عظیمی بود که برای نقاشی کشتی استفاده می شد. هنرمند از آنها برای نقاشی های عظیم با عناصر مجموعه استفاده کرد - او قطعات لوله های فولادی یا مش سیم را در کار خود قرار داد.

فرانک استلا در مصاحبه های اولیه خود به صراحت درباره معانی قرار داده شده در آثار خود یا بهتر بگویم در مورد فقدان آنها بحث می کند: "آنچه می بینید همان است که می بینید." تصویر خود یک شی است ، نه بازتولید چیزی. استلا گفت: "این یک سطح صاف با رنگ روی آن است و هیچ چیز دیگری ندارد."

خوب ، با امضای فرانک استلا ، این سطح "رنگ روی آن" امروز می تواند میلیون ها دلار ارزش داشته باشد. برای اولین بار در رتبه بندی هنرمندان زنده ، فرانک استلا در سال 2015 با فروش اثر "عبور از دلاور" (1961) به مبلغ 13.69 میلیون دلار ، با در نظر گرفتن کمیسیون دریافت کرد.

چهار سال بعد ، در 15 مه 2019 ، یک رکورد جدید در اثر اولیه (1959) "Cape of Pines" ثبت شد: قیمت چکش با احتساب کمیسیون بیش از 28 میلیون دلار بود. این یکی از 29 "نقاشی سیاه" است - همان نقاشی هایی که استلا با آنها در اولین نمایشگاه خود در نیویورک به نمایش گذاشت. فرانک استلا فارغ التحصیل دانشگاه پرینستون در آن زمان 23 ساله بود. او اغلب پول کافی برای رنگ روغن برای هنرمندان نداشت. هنرمند جوان به عنوان کار تعمیر مهتابی بود ، او رنگهای خالص رنگ را بسیار دوست داشت ، و سپس ایده کار با این رنگ روی بوم به وجود آمد. با رنگ مینای سیاه ، استلا نوارهای موازی را نقاشی می کند و خطوط ظریفی از یک بوم نقاشی نشده را بین آنها باقی می گذارد. علاوه بر این ، او بدون فرمانروایان ، با چشم ، بدون طرح اولیه می نویسد. استلا هرگز نمی دانست که چند خط سیاه در یک نقاشی خاص ظاهر می شود. به عنوان مثال ، در نقاشی "Cape of Pines" 35 عدد از آنها وجود داشت. عنوان اثر به نام یک دماغه در خلیج ماساچوست اشاره دارد - نقطه کاج. در آغاز قرن بیستم ، یک شهربازی بزرگ روی آن وجود داشت و امروزه یکی از مناطق شهر ریور است.

10. YOSHITOMO NARA چاقو پشت سرش. 2000. 24.95 میلیون دلار

یوشیتومو نارا (1959) یکی از چهره های اصلی هنر نئوپاپ ژاپنی است. ژاپنی - زیرا ، علیرغم شهرت جهانی و سالها کار در خارج از کشور ، هنوز هم آثار او با هویت ملی مشخص است. شخصیت های مورد علاقه نارا دختران و سگ هایی هستند که به سبک مانگای ژاپنی و کمیک های انیمه ای هستند. تصاویری که او سالها اختراع کرده است به مردم منتقل شده است: آنها روی تی شرت ها چاپ می شوند ، سوغات و "کالاهای" مختلف با آنها ساخته می شود. او در خانواده ای فقیر و دور از پایتخت متولد شد ، نه تنها به دلیل استعدادش دوست داشتنی است ، بلکه به عنوان فردی که خود را ساخته است مورد قدردانی قرار می گیرد. هنرمند به سرعت و رسا کار می کند. مشخص است که برخی از شاهکارهای او به معنای واقعی کلمه یک شبه به پایان رسید. نقاشی ها و مجسمه های یوشیتومو نارا ، به عنوان یک قاعده ، بسیار لاکونیک هستند ، اگر بخاطر وسایل بیان کننده خسیس نباشند ، اما همیشه بار احساسی شدیدی را حمل می کنند. دختران نوجوان نارا غالباً با چشمانی ناهنجار به بیننده نگاه می کنند. در نگاه آنها - جسارت ، چالش و پرخاشگری. در دست - چاقو ، سپس سیگار. اعتقاد بر این است که انحرافات به تصویر کشیده شده رفتار واکنشی به اخلاق عمومی ظالمانه ، تابوهای مختلف و اصول تربیتی است که توسط ژاپنی ها اتخاذ شده است. تقریباً شدت قرون وسطایی و شرم باعث ایجاد مشکلات در داخل می شوند و زمینه را برای طغیان احساسی تأخیری ایجاد می کنند. "چاقو در پشت" یکی از ایده های اصلی هنرمند را نشان می دهد. در این اثر هم یک نگاه نفرت انگیز از یک دختر وجود دارد و هم دستی که به طور تهدید آمیزی به پشت او بسته شده است. تا سال 2019 ، نقاشی ها و مجسمه های یوشیتومو نارا بیش از یک بار علامت میلیون یا حتی چندین میلیون را به خود اختصاص داده بودند. اما بیست میلیون برای اولین بار. نارا یکی از مشهورترین هنرمندان ژاپنی در جهان است. و اکنون عزیزترین فرد زنده. در 6 اکتبر 2109 ، در ساتبیز در هنگ کنگ ، او این عنوان را از تاکاشی موراکامی گرفت و به طور قابل توجهی هنرمند 90 ساله آوانگارد یایو کوساما را دور زد (حداکثر قیمت حراج برای نقاشی های وی در حال حاضر به 9 میلیون دلار نزدیک می شود).

11. زنگ فنزی شام آخر. 2001. 23.3 میلیون دلار

در حراج ساتبی در هنگ کنگ 5 اکتبر 2013بوم در مقیاس بزرگ "شام آخر"هنرمند پکن زنگ فنزی (1964)به قیمت 160 میلیون دلار هنگ کنگ به فروش رسید - 23.3 میلیون دلارایالات متحده آمریکا. هزینه کل کار فنزی ، که البته تحت تأثیر کار لئوناردو داوینچی نوشته شده ، دو برابر برآورد اولیه حدود 10 میلیون دلار است. رکورد قیمت قبلی Zeng Fanzhi $ بود 9.6 میلیوندر حراج کریستی هنگ کنگ در ماه می 2008 برای این کار پرداخت شد "سری ماسک. 1996. شماره 6 ".

شام آخر بزرگترین نقاشی (2 × 2 × 4 متر) توسط فنزی در مجموعه ماسک ها است که دوره 1994 تا 2001 را پوشش می دهد. این چرخه به تکامل جامعه چین تحت تأثیر اصلاحات اقتصادی اختصاص داده شده است. معرفی عناصر اقتصاد بازار توسط دولت جمهوری خلق چین منجر به شهرنشینی و تفرقه بین چینی ها شد. فنزی ساکنان شهرهای مدرن چین را به تصویر می کشد که باید برای مکانی در زیر آفتاب بجنگند. ترکیب شناخته شده نقاشی دیواری لئوناردو در خواندن فنجی معنای کاملاً متفاوتی می گیرد: صحنه این عمل از اورشلیم به کلاس درس یک مدرسه چینی منتقل شد و تخته های هیروگلیف معمولی روی دیوارها قرار داشت. "مسیح" و "حواریون" با پیوندهای قرمز رنگ پیشگام شده اند و فقط "یهودا" از کراوات طلایی استفاده می کند - این استعاره ای از سرمایه داری غربی است که به شیوه معمول زندگی در یک کشور سوسیالیستی نفوذ کرده و آن را از بین می برد.

آثار Zeng Fanzhi از لحاظ سبکی به اکسپرسیونیسم اروپایی نزدیک هستند و به همان اندازه نمایشی هستند. اما در عین حال ، آنها پر از نمادها و ویژگی های چینی هستند. این تنوع ، مجموعه داران چینی و غربی را جذب آثار هنرمند می کند. تأیید مستقیم این امر منشأ شام آخر است: این کار توسط مجموعه دار مشهور آوانگارد چینی در دهه 1980 - اوایل دهه 1990 - بارون بلژیکی گای اولنس به حراج گذاشته شد.

12. روبرت ریمان پل 1980. 20.6 میلیون دلار

در حراج کریستیز 13 مه 2015کار انتزاعی "پل"هنرمند 85 ساله آمریکایی رابرت ریمن(رابرت ریمن) به قیمت فروخته شد 20.6 میلیون دلاربا در نظر گرفتن کمیسیون - دو برابر برآورد پایین تر.

رابرت ریمن(1930) بلافاصله متوجه نشد که می خواهد هنرمند شود. در 23 سالگی ، از نیشویل ، تنسی ، به نیویورک نقل مکان کرد ، با آرزوی تبدیل شدن به یک ساکسیفونیست جاز. تا زمانی که او تبدیل به یک موسیقیدان مشهور شد ، مجبور بود به عنوان نگهبان در MoMA کار کند ، جایی که با ساول لو ویت و دان فلاوین ملاقات کرد. اولی به عنوان منشی شبانه در موزه کار می کرد و دومی به عنوان نگهبان و اپراتور آسانسور. روبرت ریمن تحت تأثیر آثار اکسپرسیونیست های انتزاعی که در MoMA دیده بود - روتکو ، د کونینگ ، پولوک و نیومن - نقاشی را در سال 1955 آغاز کرد.

رایمن اغلب به عنوان یک مینیمالیست شناخته می شود ، اما ترجیح می دهد او را "رئالیست" بنامند زیرا علاقه ای به ایجاد توهم ندارد ، او فقط کیفیت موادی را که استفاده می کند نشان می دهد. بیشتر آثار او با رنگ هایی در تمام سایه های ممکن نقاشی شده است. سفید(از خاکستری یا زرد - تا سفید خیره کننده) بر اساس شکل مربعی لاکونیک. روبرت ریمن در طول دوران حرفه ای خود مواد و تکنیک های زیادی را امتحان کرد: او با روغن ، اکریلیک ، کازئین ، مینا ، پاستل ، گواش و ... روی بوم ، فولاد ، پلکسی گلاس ، آلومینیوم ، کاغذ ، مقوا راه راه ، وینیل ، کاغذ دیواری و غیره نقاشی می کرد. دوست ، مرمت کننده حرفه ای ، اورین رایلی ، به او در مورد میزان سفتی هر موادی که فکر می کرد از آن استفاده می کند ، توصیه کرد. همانطور که یک بار هنرمند گفت: "من هرگز سوالی ندارم ، چیبنویس ، مهمترین چیز این است چگونهنوشتن". همه چیز در مورد بافت ، ماهیت ضربه ها ، مرز بین سطح رنگ و لبه های پایه و همچنین نسبت کار و دیوار است. از سال 1975 ، وسایل به ویژگی خاصی در کار او تبدیل شده است ، طراحی شده توسط خود ریمن و عمداً قابل مشاهده است ، و بر کار او "به اندازه دیوارهایی که روی آنها آویزان شده است" تأکید می کند. ریمن ترجیح می دهد که آثار را "نام" و نه "عنوان" قرار دهد. "نام" چیزی است که به تمایز یک اثر از اثر دیگر کمک می کند و رایمن اغلب آثار خود را با مارک های رنگ ، شرکت ها و غیره نامگذاری می کند و "نام" ادعای نوعی کنایه و معانی عمیقا پنهان دارد ، که وجود آنها در آثار ، هنرمند مرتباً آن را انکار می کند. هیچ چیز جز مواد و تکنیک مهم نیست.

13. دامین هرست بهار خواب آلود. 2002. 19.2 میلیون دلار

هنرمند انگلیسی دامین هرست (1965)قرار بود اولین کسی باشد که در جدال با کلاسیک زنده جاسپر جانز در رتبه اول این رتبه قرار گرفت. اگر قبلاً ذکر شد "شروع کاذب" می تواند برای مدت طولانی یک رهبر غرق نشود 21 ژوئن 2007نصب در زمان 42 ساله هرست "بهار خواب آلود"(2002) در ساتبیز به قیمت £ فروخته نشد 9.76 میلیون ، یعنی 19.2 میلیون دلار... به هر حال ، کار دارای قالب نسبتاً غیر معمول است. از یک طرف ، این یک کابینت نمایشی است با قرص های قرص (6136 قرص) ، در واقع یک نصب کلاسیک است. از سوی دیگر ، این ویترین به صورت مسطح (عمق 10 سانتی متر) ساخته شده است ، در یک قاب محصور شده و مانند یک صفحه پلاسمایی روی دیوار آویزان شده است ، بنابراین راحتی مالکیت معمولی نقاشی ها را کاملاً فراهم می کند. در سال 2002 ، خواهر نصب ، Sleepy Winter ، 7.4 میلیون دلار فروخت ، بیش از نیمی از قیمت. شخصی تفاوت قیمت را با این واقعیت که "در زمستان رنگ قرص ها کم رنگ شده است" توضیح داد. اما واضح است که این توضیح کاملاً بی اساس است ، زیرا مکانیسم قیمت گذاری چنین چیزهایی دیگر با تأثیر تزئینی آنها مرتبط نیست.

در سال 2007 ، بسیاری هیرست را نویسنده گران ترین اثر در میان هنرمندان زنده شناختند. با این حال ، این س fromال از دسته "بسته به نحوه شمارش" است. واقعیت این است که هرست با پوندهای گران قیمت و جونز با دلارهای ارزان قیمت و حتی بیست سال پیش فروخته شد. اما حتی اگر ارزش اسمی را در نظر بگیریم ، بدون در نظر گرفتن تورم 20 ساله ، در این صورت کار هرست به دلار گران تر و کار جونز به پوند گرانتر بود. اوضاع مرزی بود و همه آزاد بودند که تصمیم بگیرند گرانترین کدام است. اما هرست نه چندان طولانی در جایگاه اول ایستاد. در همان سال 2007 توسط کونز با "قلب آویزان" از مقام اول حذف شد.

درست در آستانه کاهش جهانی قیمت هنرهای معاصر ، هرست یک تعهد بی سابقه برای یک هنرمند جوان انجام داد - حراج انفرادی آثار او ، که در 15 سپتامبر 2008 در لندن برگزار شد. خبر ورشکستگی بانک Lehman Brothers که روز قبل اعلام شد اشتهای دوستداران هنر معاصر را خراب نمی کند: از 223 اثر ارائه شده توسط Sotheby's ، تنها پنج نفر صاحب جدید پیدا نکردند (به هر حال ، یکی از خریداران ویکتور پینچوک) کار کنید "برج ثور طلایی"- یک گاو بزرگ پر شده در فرمالدئید ، بالای آن یک دیسک طلا ، - به همان میزان آورد 10.3 میلیون پوند (18.6 میلیون دلار)... این بهترین نتیجه هرست هنگامی است که بر حسب پوند (به ارزی که معامله در آن انجام شده است) محاسبه می شود. با این حال ، ما از نظر دلار رتبه بندی می کنیم ، بنابراین (ممکن است گوساله طلایی ما را ببخشد) بهترین فروشهرستی ، همه ما "بهار خواب آلود" را در نظر خواهیم گرفت.

از سال 2008 ، هرست هیچ فروشی از سطح "بهار خواب آلود" و "گوساله طلایی" نداشته است. سوابق تازه دهه 2010 - برای آثار ریشتر ، جونز ، فنزی ، وول و کونز - دامین را به ردیف ششم رتبه بندی ما رساند. اما اجازه ندهید قضاوت قاطعی در مورد پایان دوران هرست انجام دهیم. به گفته تحلیلگران ، هرست به عنوان "فوق ستاره" قبلاً در تاریخ ثبت شده است ، به این معنی که برای مدت زمان طولانی خریداری می شود. با این حال ، بیشترین ارزش در آینده برای آثار خلق شده در جدیدترین دوره حرفه ای او ، یعنی در دهه 1990 پیش بینی می شود.

14. کاتلان MAURIZIO به او. 2001. 17.19 میلیون دلار

مائوریتسیو کاتلان (1960) ایتالیایی پس از کار به عنوان نگهبان ، آشپز ، باغبان و طراح مبلمان به هنر پرداخت. نویسنده خودآموخته به دلیل مجسمه ها و نصب های طنزآمیزش شهرت جهانی پیدا کرده است. او یک شهاب سنگ را روی پاپ فرود آورد ، همسر مشتری را به یک غنیمت شکار تبدیل کرد ، در موزه استادان قدیمی سوراخی در کف ایجاد کرد ، یک انگشت وسط غول پیکر را به بورس در میلان نشان داد ، یک خر زنده را به فریز آورد. نمایشگاه. در آینده نزدیک ، Cattelan وعده می دهد که یک توالت طلا در موزه گوگنهایم نصب کند. سرانجام ، مضحکه های مائوریتزیو کاتلان در جهان هنر مورد توجه قرار گرفت: او به دوسالانه ونیز دعوت شد (نصب "دیگران" در سال 2011 - گله ای از دو هزار کبوتر که از همه لوله ها و تیرها به صورت تهدید آمیز به جمعیت بازدیدکنندگان نگاه می کنند) از زیر عبور می کند) ، ترتیب می دهد که او یک مرور گذشته در موزه گوگنهایم نیویورک داشته باشد (نوامبر 2011) و در نهایت پول زیادی برای مجسمه هایش دریافت می کند.

از سال 2010 ، گران ترین اثر مائوریزیو کاتلان مجسمه مومی مردی است که از سوراخی در کف بیرون می زند و از نظر ظاهری شبیه به خود هنرمند است (بدون عنوان ، 2001). این مجسمه-نصب ، که در سه نسخه به علاوه نسخه نویسنده وجود دارد ، ابتدا در موزه Boijmans van Beuningen در روتردام نمایش داده شد. سپس این شخصیت شیطنت آمیز از سوراخ کف سالن با نقاشی های نقاشان هلندی قرنهای 18 تا 19 بیرون آمد. مائوریتزیو کاتلان در این اثر خود را با یک جنایتکار جسور که با نقاشی های استادان بزرگ به فضای مقدس سالن موزه حمله می کند مرتبط می داند. بنابراین ، او می خواهد هنر را از هاله ای از تقدس که دیوارهای موزه به آن می دهد محروم کند. این اثر ، به منظور نمایش هر بار که باید کف را سوراخ کنید ، در ساتبی به قیمت 7.922 میلیون دلار فروخته شد.

این رکورد تا 8 مه 2016 ادامه داشت ، زمانی که کار تحریک آمیز کاتلان "او" ، که هیتلر را روی زانو نشان می داد ، با قیمت 17.189 میلیون دلار زیر چکش قرار گرفت. اسمش عجیب است. انتخاب شخصیت خطرناک است. مثل بقیه در Cattelan. منظور او چیست؟ "او" یا "عظمت جهنمی او"؟ واضح است که ما قطعاً در مورد تجلیل از تصویر فورر صحبت نمی کنیم. در این اثر ، هیتلر بیشتر به شکل ناتوان و رقت انگیز ظاهر می شود. و پوچ - تجسم شیطان به اندازه یک کودک بلند است ، لباس مدرسه ای را پوشیده و زانو زده و چهره ای فروتن دارد. برای کاتلان ، این تصویر یک دعوت برای تأمل در ماهیت شر مطلق و راهی برای رهایی از ترس است. به هر حال ، مجسمه "او" برای مخاطبان غربی به خوبی شناخته شده است. برادران او در این مجموعه بیش از 10 بار در موزه های برجسته جهان از جمله مرکز پومپیدو و موزه سلیمان گوگنهایم به نمایش گذاشته شده اند.

15. MARK GROTIAN بدون عنوان (S III Released to France Face 43.14). 2011. 16.8 میلیون دلار

در 17 مه 2017 ، یکی از قدرتمندترین نقاشی های مارک گروتیان که به حراج گذاشته شد در حراج عصر کریستیز در نیویورک ظاهر شد. نقاشی "بدون عنوان (S III منتشر شد به فرانسه 43.14)" توسط مجموعه دار پاریسی پاتریک سگوین با برآورد 13-16 میلیون دلار به نمایش گذاشته شد و از آنجا که فروش این قطعه توسط شخص ثالث تضمین شده بود ، هیچ کس به طور خاص از ایجاد رکورد حراج شخصی جدید برای هنرمند 49 ساله متعجب شد ... قیمت چکش 14.75 میلیون دلار (و شامل 16.8 میلیون دلار حق بیمه خریدار) بیش از 10 میلیون دلار از رکورد قبلی حراج گروتیان پیشی گرفت. این به او اجازه داد که وارد باشگاه هنرمندان زنده شود که آثار آنها به مبلغ هشت رقمی فروخته می شود. در حال حاضر حدود سی و هفت نتیجه (فروش بیش از 1 میلیون دلار ، اما نه بیش از 10 میلیون دلار) در حراج مارک گروتیان وجود دارد.

مارک گروتیان (1968) ، که متخصصان اثر مدرنیسم ، مینیمالیسم انتزاعی ، هنرهای پاپ و هنرهای هنری را در او می بینند ، در اواسط دهه 1990 ، پس از حرکت با دوستش برنت پترسون به لس آنجلس و افتتاح گالری در آنجا ، به سبک شرکت خود رسید. "اتاق 702" همانطور که خود هنرمند به یاد می آورد ، در آن زمان شروع به فکر کردن در مورد آنچه در هنر برای او در وهله اول بود کرد. او به دنبال انگیزه ای بود که با آن آزمایش کند. و متوجه شدم که او همیشه به خط و رنگ علاقه دارد. آزمایشات در روح ریونیسم و ​​مینیمالیسم با دیدگاه خطی ، نقاط ناپدید کننده متعدد و اشکال مثلثی انتزاعی چند رنگ سرانجام شهرت جهانی گروتی را به ارمغان آورد.

از مناظر انتزاعی رنگارنگ با افق های متعدد و نقاط محو چشم انداز ، او سرانجام به شکل های مثلثی رسید ، که یادآور بال های پروانه ها بود. نقاشی های گروتیان 2001-2007 این همان چیزی است که آنها می نامند - "پروانه ها". امروزه جابجایی نقطه ناپدید شدن یا استفاده همزمان از چندین نقطه ناپدید شدن ، با فاصله از یکدیگر در فضا ، یکی از قوی ترین تکنیک های هنرمند محسوب می شود.

مجموعه بزرگ بعدی آثار "چهره ها" نامگذاری شد. در خطوط انتزاعی این مجموعه ، ویژگی های چهره انسان حدس زده می شود ، تا حالت ماسک در روح ماتیس ، ژاولنسکی یا برانکوسی ساده شده است. در مورد ساده سازی و تلطیف شدید فرم ها ، در مورد راه حل ترکیبی نقاشی ها ، هنگامی که به نظر می رسد خطوط پراکنده چشم و دهان از بوته جنگل به ما نگاه می کنند ، ارتباط "چهره" گروتیان با هنر را مورد توجه قرار می دهند. از قبایل ابتدایی آفریقا و اقیانوسیه ، در حالی که خود هنرمند به سادگی "چشم های تصویری را که از جنگل نگاه می کند دوست دارد. من گاهی چهره بابون ها یا میمون ها را تصور می کردم. نمی توانم بگویم که آگاهانه یا ناخودآگاه تحت تأثیر هنرهای اولیه آفریقایی بودم ، بلکه تحت تأثیر هنرمندانی بودم که تحت تأثیر آن بودند. پیکاسو بارزترین مثال است. "

آثار مجموعه چهره ها بی رحمانه و ظریف ، چشم نواز و ذهن خوشایند نامیده می شوند. با گذشت زمان ، بافت این آثار نیز تغییر می کند: برای ایجاد جلوه فضای داخلی ، هنرمند از ضربات گسترده رنگ ضخیم ، حتی یک اسپری به سبک پولاک استفاده می کند ، با این حال ، سطح نقاشی به گونه ای تراز می شود که در هنگام بسته شدن بررسی به نظر می رسد کاملا مسطح است. نقاشی رکورددار حراج "Untitled (S III Released to France Face 43.14)" دقیقاً به این مجموعه درخشان مارک گروتیان اشاره دارد.

16. تاکاشی موراکامی گاوچران تنهای من 15.16 میلیون دلار

ژاپنی تاکاشی موراکامی (1962)با مجسمه در رتبه بندی ما قرار گرفته است "کابوی تنهای من"در ماه مه 2008 در ساتبیز به قیمت $ فروخته شد 15.16 میلیون... با این فروش ، تاکاشی موراکامی مدتها موفق ترین هنرمند زنده آسیایی محسوب می شد - تا زمانی که تحت الشعاع فروش آخرین شام زنگ فنشی قرار گرفت.

تاکاشی موراکامی به عنوان یک هنرمند ، مجسمه ساز ، طراح لباس و انیمیشن کار می کند. موراکامی می خواست چیزی واقعاً ژاپنی را بدون استفاده از وام های غربی و دیگر مبنای کار خود قرار دهد. در دوران دانشجویی ، او مجذوب نقاشی سنتی نیهونگای ژاپنی شد ، بعدها این هنر محبوب انیمه و مانگا جایگزین آن شد. به این ترتیب آقای DOB روانگردان متولد شد ، الگوهای گل خندان و مجسمه های فایبرگلاس براق و براق که به نظر می رسید به تازگی از صفحات کمیک های ژاپنی خارج شده است. برخی هنر موراکامی را فست فود و تجسم ابتذال می دانند ، برخی دیگر هنرمند را اندی وارهول ژاپنی می نامند - و در ردیف های بعدی ، همانطور که می بینیم ، افراد بسیار ثروتمند زیادی هستند.

موراکامی نام مجسمه خود را از فیلم کاندویان تنهایی اندی وارهول (1968) وام گرفته است که ژاپنی ها ، همانطور که خودش اعتراف کرد ، هرگز آن را تماشا نکرده اند ، اما از ترکیب کلمات بسیار لذت می برد. موراکامی با یک مجسمه و طرفداران کمیک های شهوانی ژاپنی راضی بود و به آنها خندید. اندازه آن بزرگتر است ، و علاوه بر این ، سه بعدی است ، قهرمان انیمه به یک شیطان فرهنگ توده تبدیل می شود. این بیان هنری کاملاً بر اساس هنر کلاسیک پاپ غربی است (به یاد داشته باشید که مبلمان توسط آلن جونز یا پلنگ صورتی کونز تنظیم شده است) ، اما با یک پیچ و تاب ملی.

17. KAWS. آلبوم KAWS. 2005. 14 784 505 دلار

KAWS نام مستعار هنرمند آمریکایی برایان دانلی از نیوجرسی است. او جوانترین عضو رتبه ما است ، متولد 1974 است. دانیلی به عنوان انیماتور در دیزنی شروع به کار کرد (پس زمینه کارتون 101 Dalmatians و غیره را ترسیم کرد). از جوانی عاشق نقاشی های دیواری بود. در ابتدا ، طرح امضای او جمجمه ای با Xs به جای حفره چشم بود. آثار نویسنده جوان مورد علاقه افراد تجاری و افراد صنعت مد بود: او جلد آلبوم کانیه وست را ساخت ، همکاری هایی را برای نایک ، Comme des Garçons و Uniqlo منتشر کرد. با گذشت زمان ، KAWS به یک چهره شناخته شده در دنیای هنر معاصر تبدیل شده است. مجسمه میکی موس با امضای او در موزه ها ، فضاهای عمومی و مجموعه های خصوصی جا افتاده است. KAWS یکبار یک اسباب بازی وینیل با تعداد محدود با نام تجاری My Plastic Heart منتشر کرد و آنها ناگهان به موضوعی مورد علاقه کلکسیونی تبدیل شدند. یکی از گردآورندگان پرشور این "اسباب بازی" موسس Black Star ، رپر تیماتی است: او تقریباً کل مجموعه "Cavs Companions" را جمع آوری کرده است.

آثار KAWS رکورد 14.7 میلیون دلار هنرمند را در ساتبیز هنگ کنگ در 1 آوریل 2019 به ثبت رساند. او قبلاً در مجموعه طراح مد ژاپنی نیگو حضور داشت. بوم طولانی The KAWS Album ادای احترام به روی جلد گروه موسیقی گروه گروه معروف گروهبان گروه بیتلز در سال 1967 است. فقط به جای افراد ، کیمپسونها روی آن کشیده شده اند - شخصیت های تلطیف شده از مجموعه متحرک The Simpsons با X به جای چشم.

18. جین شانی عروس تاجیک. 1983. 13.89 میلیون دلار

در میان هنرمندان نسبتاً جوان و معاصر چینی ، که همه به عنوان یکی به موج جدید موسوم به "موج جدید" در اواخر دهه 1980 در هنر چینی تعلق دارند ، نماینده ای از نسلی کاملاً متفاوت و مکتبی متفاوت به طور غیرمنتظره در رتبه ما قرار گرفت. جین شانگی ، در حال حاضر در 80 سالگی ، یکی از درخشان ترین نمایندگان اولین نسل هنرمندان در چین کمونیستی است. دیدگاههای این گروه از هنرمندان تا حد زیادی تحت تأثیر نزدیکترین رفیق کمونیست کمونیست-اتحاد جماهیر شوروی شکل گرفت.

هنر رسمی اتحاد جماهیر شوروی ، رئالیسم سوسیالیستی ، نقاشی رنگ روغن ، که هنوز برای چین غیر معمول بود (برخلاف نقاشی سنتی با جوهر چینی) ، در دهه 1950 در اوج محبوبیت قرار گرفت و هنرمند شوروی کنستانتین برای تدریس در دانشگاه هنر پکن آمد. سه سال (از 1954 تا 1957) متدیویچ ماکسیموف. جین شانی ، که در آن زمان جوانترین گروه بود ، وارد کلاس او شد. این هنرمند همیشه با گرمای زیادی از معلم خود یاد می کرد و می گفت که این ماکسیموف بود که به او آموخت که مدل را به درستی درک کرده و تصویر کند. KM Maksimov یک کهکشان کامل از واقع گرایان چینی را تربیت کرد ، که اکنون کلاسیک هستند.

تأثیر "سبک شدید" شوروی و مکتب نقاشی اروپایی در آثار جین شانی احساس می شود. این هنرمند زمان زیادی را به مطالعه میراث رنسانس و کلاسیک اختصاص داد ، در حالی که حفظ روحیه چینی را در آثار خود ضروری دانست. نقاشی "عروس تاجیکی" ، که در سال 1983 کشیده شد ، یک شاهکار عمومی شناخته شده محسوب می شود ، نقطه عطفی جدید در کار جین شانی. در نوامبر 2013 در حراج گاردین چین به فروش رسید و چندین برابر گرانتر از برآورد - با در نظر گرفتن کمیسیون ، به قیمت 13.89 میلیون دلار فروخته شد.

19. BANKSY پارگی مجلس. 2008. 12.14 میلیون دلار

نقاشی های دیواری با برچسب بنکسی در دیوارهای شهر (ابتدا در انگلستان و سپس در سراسر جهان) در اواخر دهه 1990 ظاهر شد. دیوارنویسی های فلسفی و در عین حال تند او به مشکلات حمله دولت به آزادی شهروندان ، جنایات علیه محیط زیست، مصرف غیر مسئولانه ، غیر انسانی بودن سیستم مهاجرت غیرقانونی. با گذشت زمان ، دیوار بنکسی محبوبیت بی سابقه ای در رسانه ها به دست آورد. در واقع ، او یکی از سخنگویان اصلی افکار عمومی شد و ریاکاری دولتها و شرکتها را محکوم کرد و باعث ظلم فزاینده در سیستم سرمایه داری شد.

ارزش بنکسی ، حس "عصب زمان" و دقت استعاره های آن نه تنها توسط بینندگان ، بلکه توسط مجموعه داران نیز مورد استقبال قرار گرفت. در دهه 2010 ، صدها هزار یا حتی بیش از یک میلیون دلار برای آثار او اهدا شد. کار به جایی رسید که گرافیتی بنکسی شکسته و همراه با تکه هایی از دیوارها به سرقت رفت.

در عصر نظارت دیجیتالی پیشرفته ، بنکسی همچنان موفق به ناشناس ماندن می شود. نسخه ای وجود دارد که این دیگر یک نفر نیست ، بلکه گروهی از چندین هنرمند است که توسط یک زن با استعداد هدایت می شود. اون به مقدار زیادی توضیح میدهد. و عدم شباهت خارجی نویسندگان در لنزهای دوربین شاهدان ، و روش غیرقابل استفاده در شابلون (که سرعت بالایی می دهد و نیازی به مشارکت مستقیم نویسنده ندارد) ، و عاشقانه لمس کننده طرح های داستان نقاشی (توپ ، دانه برف ، و غیره). به هر حال ، افراد پروژه بنکسی ، از جمله دستیاران او ، می دانند چگونه زبان خود را محکم نگه دارند.

در سال 2019 ، بیشترین محصول گران قیمتبنکسی ناگهان به بوم چهار متری پارلمان واگذار شده تبدیل شد (پارلمان "تنزل یافته" ، "خراب" یا "تفویض شده"). به نظر می رسد شامپانزه هایی که در مجلس عوام بحث می کنند ، در سال خروج رسوایی از برگزیت ، تماشاگران را مسخره می کنند. شگفت انگیز است که این نقاشی 10 سال قبل از این نقطه عطف تاریخی نقاشی شده است ، و بنابراین کسی آن را نبوی می داند. در حراجی ساتبیز در 3 اکتبر 2019 ، طی یک چانه زنی شدید ، یک خریدار ناشناس این روغن را به قیمت 12،143،000 دلار خریداری کرد - شش برابر بیشتر از برآورد اولیه.

20. جان کارن "زیبا و ساده". 1999. 12.007 میلیون دلار

هنرمند آمریکایی جان کوران (1962)به خاطر نقاشی های مجسمه آمیز طنز آمیز خود با موضوعات تحریک آمیز جنسی و اجتماعی شهرت دارد. آثار کرن موفق به ترکیب تکنیک های نقاشی توسط استادان قدیمی (به ویژه لوکاس کراناخ بزرگتر و منریست ها) و عکاسی مد از مجلات براق می شود. کرن که برای گروتسک بیشتر تلاش می کند ، اغلب تناسب بدن انسان را مخدوش می کند ، قسمت های جداگانه آن را افزایش یا کاهش می دهد ، شخصیت ها را در ژست های شکسته و آراسته به تصویر می کشد.

کرن در سال 1989 با پرتره دختران ، که از آلبوم مدرسه ترسیم شده بود ، شروع به کار کرد. در اوایل دهه 1990 با تصاویری از زیبایی های نیم تنه با الهام از عکس های Cosmopolitan و Playboy ادامه یافت. در سال 1992 ، پرتره های زنان سالمند ثروتمند ظاهر شد. و در سال 1994 ، کرن با مجسمه ساز راشل فاینشتاین ازدواج کرد ، که سالها موز و مدل اصلی او شد. در اواخر دهه 1990 ، مهارت فنی کرن ، همراه با کیچ و گروتسک نقاشی هایش ، باعث محبوبیت او شد. در سال 2003 ، لری گاگوسیان ارتقاء هنرمند را بر عهده گرفت و اگر فروشنده ای مانند گاگوسیان نویسنده را بر عهده بگیرد ، موفقیت تضمین شده است. در سال 2004 ، یک مرور گذشته از جان کرن در موزه ویتنی وجود داشت.

در همین زمان کار ، فروش آن با شش رقم آغاز شد. رکورد فعلی نقاشی توسط جان کرن متعلق به اثر "زیبا و ساده" است که در 15 نوامبر 2016 در کریستیز به قیمت 12 میلیون دلار فروخته شد. در حال حاضر بیش از 50 سال ، این قطعاً یک پیشرفت حرفه ای است. رکورد قبلی او در سال 2008 5.5 میلیون دلار بود (اتفاقا برای همان اثر "زیبا و ساده" پرداخت شده است).

21. بریس ماردن حضور یافتگان. 1996-1999. 10.917 میلیون دلار

یکی دیگر از انتزاعی گرهای زنده آمریکایی در رتبه بندی ما برایس ماردن (1938) است. آثار ماردن به سبک مینیمالیسم ، و از اواخر دهه 1980 - نقاشی اشاره ای ، با یک پالت نویسنده منحصر به فرد و کمی خاموش برجسته می شود. ترکیب رنگها در آثار ماردن از سفرهای او در سراسر جهان - یونان ، هند ، تایلند ، سریلانکا الهام گرفته شده است. از جمله نویسندگانی که بر شکل گیری ماردن تأثیر گذاشتند ، جکسون پولاک بود (در اوایل دهه 1960 ، ماردن به عنوان نگهبان در موزه یهود کار می کرد ، جایی که شخصاً "قطره قطره شدن" پولاک را مشاهده کرد) ، آلبرتو جاکومتی (با آثار او در پاریس آشنا شد) و روبرت روشنبرگ (برخی در حالی که ماردن به عنوان دستیار وی کار می کرد). مرحله اول کار ماردن به بوم های کلاسیک مینیمالیستی ، متشکل از بلوک های مستطیلی رنگی (افقی یا عمودی) اختصاص دارد. برخلاف بسیاری از مینیمالیست های دیگر ، که به کیفیت ایده آل آثار دست یافتند ، گویی توسط یک دستگاه چاپ شده اند و توسط شخص ترسیم نشده اند ، ماردن آثار آثار هنرمند را به صورت ترکیبی حفظ کرد مواد مختلف(موم و رنگهای روغنی) از اواسط دهه 1980 ، تحت تأثیر خوشنویسی شرقی ، انتزاع هندسی جایگزین خطوط پیچشی و پیچ و خم شده است ، که همان زمینه های رنگی تک رنگ به عنوان پس زمینه عمل می کردند. یکی از این آثار "پیچ و خم" - "شرکت کنندگان" - در حراج Sotheby's در نوامبر 2013 ، با احتساب کمیسیون 10.917 میلیون دلار فروخته شد.

22. پیر سولاژ Peinture 186 x 143 cm ، 23 دسامبر 1959. 10.6 میلیون دلار

23. ژانگ شیائوگان عشق ابدی. 10.2 میلیون دلار

نماینده دیگر هنر معاصر چین - نمادگرایان و سوررئالیست ها ژانگ شیائوآنگ (1958)... در حراج ساتبی در هنگ کنگ 3 آوریل 2011جایی که آوانگارد چینی از مجموعه بارون بلژیکی گای اولنس فروخته شد ، سه گانه ژانگ شیائوآنگ "عشق ابدی"دلار فروخته شد 10.2 میلیون... در آن زمان ، این رکورد نه تنها برای هنرمند ، بلکه برای کل هنر معاصر چین بود. گفته می شود آثار شیائوگانگ توسط همسر میلیاردر وانگ وی خریداری شده است که موزه خود را افتتاح می کند.

ژانگ شیائوآنگ ، عاشق عرفان و فلسفه شرقی ، داستانی نوشت " عشق ابدی»در سه بخش - زندگی ، مرگ و تولد دوباره. این سه گانه در نمایشگاه فرقه ای 1989 "چین / آوانگارد" در موزه ملی هنر به نمایش درآمد. در همان سال 1989 ، تظاهرات دانشجویی توسط نیروهای ارتش در میدان تیان آن من به طرز وحشیانه ای سرکوب شد. به دنبال این رویداد غم انگیز ، سفت شدن پیچ ها شروع شد - نمایشگاه در موزه ملی پراکنده شد ، بسیاری از هنرمندان مهاجرت کردند. در پاسخ به رئالیسم سوسیالیستی که از بالا تحمیل شد ، روندی از رئالیسم بدبینانه ظهور کرد که یکی از نمایندگان اصلی آن ژانگ شیائوآنگ بود.

24. بروس ناومن هنری مور درمانده. 1967. 9.9 میلیون دلار

آمریکایی بروس ناومن (1941)، برنده جایزه اصلی چهل و هشتمین دوسالانه ونیز (1999) ، مدتهاست که به سمت رکورد خود می رود. نائومن کار خود را در دهه شصت آغاز کرد. صاحب نظران او را به همراه اندی وارهول و جوزف بیویس ، یکی از تأثیرگذارترین چهره ها در هنر نیمه دوم قرن بیستم می نامند. با این حال ، روشنفکری غنی و عدم تزئین مطلق برخی از آثار او بدیهی است که مانع از شناسایی و موفقیت سریع وی در بین عموم مردم شده است. ناومن اغلب با آزمایش زبان ، معانی غیرمنتظره ای از عبارات آشنا را کشف می کند. کلمات در بسیاری از آثار او ، از جمله علائم و تابلوهای شبه نئون ، به شخصیت های اصلی تبدیل می شوند. خود ناومن خود را مجسمه ساز می نامد ، اگرچه در چهل سال گذشته او خود را در ژانرهای کاملاً متفاوت امتحان کرده است - مجسمه سازی ، عکاسی ، ویدئو آرت ، اجراها ، گرافیک. در اوایل دهه نود ، لری گاگوسیان کلمات نبوی را بیان کرد: "ارزش واقعی آثار نائومن هنوز باید درک شود." و چنین شد: 17 مه 2001در کار کریستی توسط ناومان 1967 "هنری مور درمانده (نمای عقب)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) رکورد جدیدی را در بخش هنری پس از جنگ ثبت کرد. دسته ای از دستان نائومن که از پشت با گچ و موم بسته شده بود ، با دلار پرداخت شد 9.9 میلیونبه مجموعه سرمایه دار فرانسوی فرانسوا پینو (طبق منابع دیگر ، فیلیس واتیس آمریکایی). برآورد کار فقط 2-3 میلیون دلار بود ، بنابراین نتیجه برای همه شگفت انگیز بود.

قبل از این فروش افسانه ای ، تنها دو اثر ناومان از مرز میلیون دلار فراتر رفت. و در کل دوران حراج وی تا کنون تنها شش اثر ، علاوه بر "هنری مور ..." ، مبلغ هفت رقمی دریافت کرده اند ، اما نتایج آنها هنوز با نه میلیون مقایسه نمی شود.

هنری مور درمانده یکی از مجموعه آثار جدلی ناومان درباره شخصیت هنری مور (1898-1986) ، نقاش انگلیسی است که در دهه 1960 یکی از بزرگترین مجسمه سازان قرن بیستم به شمار می رفت. نویسندگان جوان ، که در سایه استاد شناخته شده بودند ، سپس با انتقاد شدید او را مورد انتقاد قرار دادند. آثار ناومن پاسخی به این انتقاد و در عین حال تأملی بر موضوع خلاقیت است. عنوان اثر به یک کلمه جنایی تبدیل می شود ، زیرا دو معنی از کلمه انگلیسی محدود - به معنای واقعی کلمه) و محکوم به سرنوشت خاصی را به هم متصل می کند.

توجه! کلیه مطالب سایت و پایگاه داده نتایج حراج سایت ، از جمله اطلاعات مرجع مصور در مورد آثار فروخته شده در حراجی ها ، صرفاً مطابق با هنر در نظر گرفته شده است. 1274 قانون مدنی فدراسیون روسیه. استفاده برای اهداف تجاری یا نقض قوانین تعیین شده توسط قانون مدنی فدراسیون روسیه مجاز نیست. سایت هیچ مسئولیتی در قبال محتوای مطالب ارسالی از طرف شخص ثالث ندارد. در صورت نقض حقوق اشخاص ثالث ، مدیریت سایت این حق را برای خود محفوظ می دارد که بر اساس درخواست نهاد مجاز ، آنها را از سایت و پایگاه داده حذف کند.