Lyubov Popova: picturi, biografia artistului de avangardă. Experimentele textile ale lui Popova și Stepanova Creativitatea Lyubov Sergeevna Popova în cubism

Popova Lyubov Sergeevna, pictor, grafician, designer, scenograf

Popova Lyubov Sergheevna(1889, satul Ivanovskoye, provincia Moscova - 1924, Moscova), pictor, grafician, designer, scenograf. Creator de compoziții fără rost. Provine dintr-o familie de producători bogați din Moscova. În 1907 a urmat cursurile S.Yu. Jukovski, în 1908-1909 - școala lui K.F. Yuon și I.O. Dudin, unde a stăpânit principiile impresionismului. Ea a călătorit mult în Europa. Impresiile din pictura Renașterii italiene au fost combinate în munca ei cu pasiunea pentru tendințele artistice moderne. În 1912-1914 a locuit la Paris și a studiat la academia La Pallette sub cubiștii J. Metzinger și A. Le Fauconnier. În 1912 a lucrat în atelierul lui V.E. Tatlin „Turnul”. În 1916-1917 - membru al grupului „Supremus”, creat de K.S. Malevici. În 1918-1923 a predat la Vkhutemas, în 1920-1923 a lucrat la Inkhuk sub conducerea lui V.V. Kandinsky la secțiunea de artă monumentală.

L.S. Popova este unul dintre cei mai străluciți reprezentanți ai avangardei ruse, care a trecut de la cubism la constructivism în opera sa. La întoarcerea din Franța în Rusia, ea și-a dezvoltat propriile principii de cubism, dându-i un sunet monumental. Această calitate apare în lucrările lui Popova și sub influența artei antice rusești. În picturile ei din anii 1910, cubismul capătă caracter decorativ. Artistul a acordat o atenție deosebită tratării suprafeței pictate, realizând o varietate expresivă de texturi. Compoziție cu figuri (1913), Vioară (1915) sunt cele mai semnificative lucrări ale acestei perioade.

Sub influența contrareliefurilor V.E. Tatlina apelează la „pictura sculpturală”. În 1916-1917 a creat o serie de „arhitectonicii picturale”. Erau combinații de planuri geometrice colorate. Spre deosebire de lucrările suprematiste ale lui K.S. Malevich, aceste avioane dobândesc greutate, raportul tectonic al maselor, simțul vârfului și suportul compoziției.

Următoarea etapă a fost „construcțiile spațiale-putere”. Aceste imagini sunt compuse din linii drepte și curbe. Într-o serie de lucrări, ele sparg planurile diferitelor contururi geometrice. Formele, într-un ritm rapid, parcă se grăbesc prin spațiu. Adesea, o placă de lemn nevopsită servește ca fundal. Textura colorată

Popova Lyubov Sergeevna (1889-1924)

Lyubov Sergeevna Popova nu a trăit mult și a fost angajată în pictură doar șaptesprezece ani, dar a trăit într-o perioadă în care avangarda rusă nu a avut timp să se supraviețuiască și vremea interdicțiilor aspre nu venise încă. Nu a trebuit să se rupă și să-și schimbe stilul creativ. Artista a fost uitată de câteva decenii, iar abia recent Popova a primit recunoaștere mondială. Acum, cele mai bune muzee din lume consideră că este cea mai mare noroc pentru ele să primească lucrările ei, finalizate în acea perioadă grea, când oamenii au distrus mai mult decât au creat. Secretul atractivității lucrărilor lui Popova este în armonia și simplitatea lor uimitoare, datorită cărora s-a distins favorabil de colegii ei de avangardă.

Lyubov Sergeevna Popova s-a născut în regiunea Moscovei, într-o familie bogată de negustori. Tatăl ei era un cunoscător al teatrului și un iubitor de muzică, mama ei, L. Zubova, provenea dintr-o familie renumită pentru filozofi și artiști celebri. În tinerețe, Popova era pasionată de pictură și poezie. După ce a absolvit cursurile gimnaziale și filologice, a studiat câțiva ani la studiourile de artă ale lui S. Jukovski și K. Yuon. Din 1912 până în 1913, Popova a luat lecții într-un atelier privat din Paris, unde celebrii maeștri Metzinger, Segonzak și Le Folconnier predau pictură.

În perioada timpurie, cea mai mare influență asupra formării stilului independent al artistei a fost exercitată de idolii ei - M. Vrubel, K. Malevich și V. Tatlin. În același timp, gama de interese a lui Popova a fost izbitor de largă: a studiat frescele antice și pictura cu icoane rusești, colecția Ermitaj, arhitectura medievală în Italia și Franța, așa că inovația artistei este de neconceput fără o legătură strânsă cu clasicii și tradiția.

Popova credea că o perioadă independentă în munca ei a început în 1913, dar lucrările ei anterioare datând din 1908 sunt, de asemenea, de mare interes. În primul rând, acestea sunt naturi și peisaje colorate, surprinzător de strălucitoare, care amintesc de stilul lui Cezanne și mărturisesc o pasiune pentru cubism. În orice caz, aceste lucrări, precum și imaginile „Modelelor” și „Modelelor” vorbesc despre dorința de a depăși verbozitatea limbajului pictural.

De la mijlocul anilor 1910, în opera lui Popova a început perioada cubo-futurismului. Această tendință, care s-a dezvoltat ca urmare a influenței cubismului francez și a futurismului italian, a fost extrem de populară în Rusia. Cubo-futurismul a combinat două tendințe aparent care se exclud reciproc - descompunerea obiectelor în fragmente (stadiul analitic al cubismului) și construcția lor ulterioară și dinamismul futurismului, care distruge decisiv orice construcții. Popova a fost aproape de ideea de cubism, deoarece a dictat stabilitate și stabilitate, a dat compozițiilor un ritm interior și a avut un început armonios.

La fel ca cubiștii, Popova a folosit o gamă destul de limitată de subiecte, iar acest lucru părea să sune paradoxal: la urma urmei, cubismul a făcut posibil ca artistul să schimbe lumea în conformitate cu propria sa viziune, în loc să extindă obiecte demne de atenția maestrului, dimpotrivă, se observă o îngustare bruscă, în urma căreia, ca urmare, după Picasso și Braque, reprezentanții cubismului au început să înfățișeze obiecte muzicale, după Cezanne - naturi moarte.

Astfel, putem spune că cubismul a fost ultimul punct de contact cu realitatea înainte de trecerea finală la abstractizare. Popova îi plăcea să înfățișeze ceasuri și vaze în compozițiile ei. Unul dintre exemplele strălucitoare de natură moartă cubo-futuristă este Vioara (1915), în care compoziția este creată datorită combinației gânditoare și subtile de linii drepte și inegale, segmente de cerc și triunghi. Cu toate acestea, printre planurile și fețele suprapuse și care se intersectează, se citesc foarte clar o carte de muzică, o vioară, cărți de joc și planul mesei. Lucrarea este scrisă într-o scară cromatică restrânsă, caracteristică operelor cubiștilor și se distinge prin mobilitatea texturii.

L. Popova. „Portretul unui filozof”, 1915

L. Popova. „Arhitectonică pitorească”, 1916-1917

Portretul unui filozof, executat în 1915, este remarcabil. Creat într-o manieră cubistă, este izbitor prin natura sa psihologică. În ciuda chipului reîncarnat, se simte caracterul energetic al modelului și concentrarea intelectuală a filosofului. Soluția picturală aleasă de Popova este foarte interesantă: ea formează corpul folosind planuri, iar apoi, cu ajutorul proeminențelor, parcă sondează spațiul înconjurător și creează o imagine a unei persoane, fără a evidenția diferențele dintre obiectivitate și aer intangibil. Această lucrare este fundamentală, deoarece aici începe trecerea artistului către arta non-obiectivă, unde nu există nicio diferență între prezența formei și absența ei.

Ultimele lucrări, realizate de Popova în maniera cubismului, mărturisesc o schimbare decisivă a accentului către abstractizare, întrucât obiectele își pierd aspectul recunoscut, transformându-se în forme geometrice plate - dreptunghiuri, pătrate și trapeze, deși încă se poate ghici în curbe. contururile instrumentelor muzicale sau a unui cilindru așezat pe plan. Cu toate acestea, lucrările abstracte nu își pierd deloc legătura cu realitatea: despre asta vorbesc numele pânzelor - „Primăvara” sau „Portret”. Aceasta înseamnă că o anumită imagine evocă asocieri profund personale în artistă, iar ea creează compoziții abstracte sub impresia unor fenomene reale. Popova, ca toți abstracționiștii, caută să arate într-un mod generalizat tiparele inerente unuia sau altuia fenomen al lumii în forme simplificate și inteligibile.

Din 1916 până în 1918 Popova a creat o serie de picturi abstracte sub titlul general „Arhitectonică pitorească”. Aceste compoziții se caracterizează printr-un principiu structural clar, la care artistul aderă neclintit. Figurile de pe pânze sunt prezentate compact. Ele sunt situate în principal în centru, se îmbină unele cu altele, ca într-o stratificare prietenoasă în spațiul puțin adânc al pânzei. Există, totuși, o altă interacțiune, aproape dramatică, a formelor; atinge punctul culminant atunci când o linie diagonală unește compoziția. Dar această tehnică nu este deosebit de tipică pentru Popova, care vrea să construiască armonie chiar și într-o situație dificilă, pentru că echilibrul ei înseamnă mult.

Avioanele din compozițiile lui Popova par a fi pline de energie, au tendința de a se îmbina și de a se fixa reciproc. În acest caz, artistul seamănă din ce în ce mai mult cu un constructor care ridică fațade de clădiri în creștere rapidă, iar aici schema de culori începe să joace rolul principal. Popova vrea să stabilească cea mai expresivă relație între culoare și formă, datorită căreia interacțiunea planurilor va deveni armonioasă.

L. Popova. „Construcția forțelor spațiale”, 1921

Legătura dintre Arhitecnica pitorească a lui Popova și pânzele suprematiste ale lui K. Malevici este de netăgăduit, dar există și o diferență semnificativă. Formele de pe pânzele lui Malevici stabilesc un contact al realității cu o altă lume, în timp ce pentru Popova este mult mai important să arate posibilitatea armoniei în această lume.

Lucrările aferente anilor 1921-1922 se numesc „Construcții spațio-putere”. De regulă, ele prezintă linii verticale sau oblice, orizontale care se intersectează, zburând în spațiu fără aer, de parcă Popova ar vrea să înțeleagă esența Universului și să încerce să stăpânească dimensiunea a patra.

Un alt tip de compoziție prezintă cercuri și spirale în mișcare. La vopsea se adaugă pulbere metalică, iar artistul alege placaj ca textură. Ca și până acum, rolul principal îi revine aici culorii, dar armonia este deja construită prin raportul dintre principalele principii energetice existente în lume - forțele centrifuge și centripete.

L. Popova. „Schiță pentru țesătură”, 1923-1924

În ultimii ani ai vieții, Popova a fost pasionată de constructivism. Nu i-a mai fost suficient să găsească armonia interioară a formelor, a vrut să transforme lumea din jurul ei cu ajutorul mijloacelor artistice. În acest moment, Popova era angajată în predarea la Vkhutemas, unde a predat cursul „Culoare”. Ea a conceput, de asemenea, spectacole de teatru, de exemplu, lucrarea ei pentru Teatrul V.E. Meyerhold este cunoscută - proiectând o singură structură în loc de decor pentru o piesă bazată pe piesa lui F. Krommelink „The Magnanious Cuckold”.

În ultimul an al vieții sale, Popova a fost angajată în dezvoltarea de schițe pentru țesături la o fabrică de imprimare de bumbac. Formele decorative din compozițiile ei au apărut ca și înainte în procesul unei regândiri generale a tiparelor globale de viață; în cele din urmă, cercul s-a închis, iar arta a revenit la viață tangibil și concret. Lyubov Popova a murit pe neașteptate de scarlatina.

Lyubov Popova s-a născut în satul Ivanovskoye, lângă Moscova, într-o familie de negustori, bunicul ei din partea tatălui ei avea o afacere cu stofe. Poate că atunci când Popova în anii 1920 a lăsat în mod decisiv pictura de șevalet pentru „producție” și a creat schițe de desene pentru țesături, aceasta a fost într-o anumită măsură o consecință a atașamentului genetic la meșteșug.

Dar la vremea când s-a născut Lyubov Popova, tatăl ei, Serghei Maksimovici, nu mai era angajat în afaceri, ci era un filantrop faimos, patrona muzica și teatrul și reprezenta personajul unui comerciant luminat, familiar în imaginea lui Savva Mamontov, care nu avea nimic în comun cu negustorii „Regatul întunecat” Ostrovsky. Nu degeaba Lyubov Popova a primit primele lecții de desen de la un prieten al tatălui ei, artistul K.M. Orlov. Și-a petrecut primii ani la Ialta, unde a studiat la gimnaziu și abia în 1906 a venit la Moscova, aici a primit studii medii și a intrat în cursuri pedagogice.

În 1908, Popova, încă din copilărie dedicată artei picturii, a început să frecventeze școala privată de artă a lui K.F. Yuon, unde a cunoscut mulți artiști, inclusiv Nadezhda Udaltsova. Cu sora ei Udaltsova - Lyudmila Prudkovskaya, Lyubov Popova a închiriat mai târziu un studio în Antipyevsky Lane, dar potrivit artistei însăși, munca independentă cu ei nu a avut un succes deosebit, iar în jurul anului 1911 au trecut să lucreze la Turn.

A fost primul atelier colectiv gratuit din Rusia, artiștii înșiși, mai des decât alții Mihail Larionov, care era atunci un „lider” recunoscut, au pus în scenă natura aici. Pe lângă Popova, mai erau N. Udaltsova, K. Zdanevich, V. Bart, N. Goncharova ș.a. În acest mediu, a existat o pasiune foarte puternică pentru primitivi și arta antică rusă, tinerii artiști, parcă, și-au redescoperit trecutul național. Nu uitați că primele restaurări științifice ale icoanelor aparțineau acestui timp și au apărut în toată sunetul deplin al culorilor lor originale.

Interesul pentru pictura de icoane, care este atribuit în principal artiștilor „neo-primitiviști” - Larionov și alții, a fost caracteristic tuturor celor care căutau noi căi în artă.

În 1909-1911, Lyubov Popova a vizitat Novgorod, Pskov, Rostov, Yaroslavl, Suzdal pentru a studia pictura și arhitectura rusă veche. În 1910 a mers la Kiev și aici a primit un alt impuls pentru munca ei - a văzut picturile monumentale ale lui Vrubel în Mănăstirea Kirillovsky.

În același 1910, Lyubov Popova a vizitat Italia, unde atenția ei a fost atrasă de primitivii italieni, Giotto și Pinturicchio.

Și atingerea finală în munca mare și intensivă pe care Popova a făcut-o în înțelegerea culturii artistice - a făcut cunoștință cu colecția lui S.I.Shchukin la Moscova. În acel moment, Henri Matisse era noul hobby al lui Shchukin. Arta lui Matisse a devenit veriga cheie care lega trecutul și prezentul, Occidentul și Orientul în viziunea artistică a lui Popova. Ea nu a putut să nu aprecieze îndrăzneala limbajului inovator al picturii lui Matisse și, în același timp, a simțit legătura acesteia cu arta Evului Mediu.

Acum i-a devenit clar pentru Popova unde ar trebui să studieze pictura - în 1912 a mers la Paris, a mers ca artist matur: „Copacii” ei din 1911 sunt calitativ diferiți de naturile și peisajele timpurii pe care le-a pictat în atelierul lui Yuon.

Popova a mers la Paris împreună cu Nadezhda Udaltsova, care mai târziu și-a amintit acest lucru: „Popova și cu mine am examinat tot posibilul, am început să căutăm un atelier. Trebuia să lucrăm pentru Matisse, dar școala lui Matisse era deja închisă. Am mers la atelierul lui Maurice Denis, am dat peste un indian așezat cu pene pe fond roșu, am fugit. Cineva a spus despre atelierul La Palette al lui Le Fauconnier, s-a dus acolo și a decis imediat că de asta avem nevoie. A fost o artă a construcției, o artă fantastică. Le Fauconnier, Metzinger sau Segonzak veneau o dată pe săptămână. Le Fauconnier a vorbit despre suprafețe mari, despre construcția pânzei și spațiu, Metzinger a vorbit despre ultimele realizări ale lui Picasso. Era epoca cubismului clasic.”

Lyubov Popova a lucrat serios în studio, a petrecut multe ore la Luvru și la Muzeul Cluny. Ea locuia la Paris în pensiunea doamnei Jeanne, unde stăteau majoritatea rușilor și unde era chiar o „masă rusească”, acolo locuiau în același timp Boris Ternovets și Vera Mukhina, care studiau sculptura cu Bourdelle.

Popova s-a remarcat printr-un caracter sociabil, s-a împrietenit rapid cu Mukhina și, după ce a sosit pentru a doua oară la Paris în 1914, a făcut o călătorie cu ea în Italia.

Iarna, Lyubov Popova a lucrat în atelierul lui V. Tatlin din Moscova. Tatlin a venit și el la Paris în 1914 și l-a întâlnit acolo pe Popova. Artista s-a cufundat din nou în atmosfera specială a vieții și artei pariziene, dar când și-a întâlnit prietenii de la La Pallette, i s-a părut că „nu au plecat nicăieri”, la fel ca „anul trecut”. Popova însăși a depășit „La Palette”, a vizitat colecția Oude, unde a văzut lucrările lui Picasso și Braque, iar acum a fost ghidată de căutarea lui Picasso. Și dacă compoziția lui Popova „Două figuri” din 1913, care a fost debutul ei la expoziția „Jack of Diamonds” în 1914, a purtat urme ale influenței lui Metzinger, în special pictura sa „Blue Figure”, atunci în lucrările ulterioare ea ajunge la o mai profundă. înțelegerea sistemelor cubismului.

„Portret of a Philosopher” (1915) se remarcă printr-o mare reținere a schemei de culori, compoziția dinamică a pânzei este construită prin alternarea planurilor sonore de culoare și ritmuri intense de linii „convexe” care creează un „relief” pictural unghiular. pe suprafața pânzei. Compoziția include inscripții și numărul „32” - acesta este un fel de plăcuță de înmatriculare, desemnând pictura ca un „lucru”, ca o marcă comercială.

Merită să acordați atenție particularităților înțelegerii cubismului de către Popova. A fost atrasă de lumea lucrurilor, de identificarea posibilităților conținute în materialul în sine, care au o adresă exactă: dacă pictează o natură moartă cu vase, atunci aceasta este „Vasele de tablă” (1913); dacă obiecte – atunci „Obiecte din vopsitorie” (1914).

Era interesată de mecanismul ascuns în spatele carcasei exterioare a formei; în 1915 a realizat mai multe lucrări „Ceasul” – subiect destul de răspândit în pictura cubistă și futuristă, ca simbol al timpului – dimensiunea a patra, introdusă în arta spațială. Popova, însă, nu se mulțumește cu denumirea simbolică a cadranului, arată „interiorul”, angajarea șuruburilor și a roților, este fascinată de munca mâinilor umane - o mașină minunată. Această credință, poate, puțin naivă, dar sinceră, în progresul tehnic nu poate decât să câștige în picturile lui Popova.

Cu toate acestea, adevărata înflorire a activității lui Popova - constructivist și industriaș, constructor de noi forme de „existență” a oamenilor – a venit după revoluție. Ea a luat parte activ la restructurarea tuturor formelor de viață și a vieții de zi cu zi: a proiectat festivaluri revoluționare de masă, a creat afișe, a făcut machete de cărți, schițe de modele de îmbrăcăminte, desene pentru textile, a fost unul dintre fondatorii școlii de uz casnic. proiecta.

Pe lângă munca sa practică, Popova a predat la Atelierele de teatru superioare de stat, unde au studiat cu ea multe figuri ale artei sovietice, inclusiv regizorul de film S. Eisenstein. Aceste ateliere au fost conduse de Vs. Meyerhold, în teatrul său Popova a pus în scenă producții: „Corcul măreț” (1922) și „Pământ pe cap” (1923), care au intrat în istoria artei teatrale și decorative.

Lyubov Popova a predat și la Vkhutemas la departamentul principal, a participat activ la disputele de la Institutul de Cultură Artistică. Ea a susținut apelul de a înlocui arta șevaletului cu arta de producție, prezentată de „lucrători în producție” și constructiviști din Inkhuke în 1921. Mai mult, spre deosebire de multe figuri din acea perioadă romantică, care au intrat în producție doar „teoretic”, Lyubov Popov nu s-a mulțumit cu jumătăți de măsură. Ultimele ei lucrări au fost realizate pentru prima fabrică de tipărire de bumbac - desenele pentru țesături, decorative și practice, nu și-au pierdut calitatea de „modernitate” până astăzi. Conform mărturiei camarazilor ei din Lef, Mayakovsky și Brik, ea a găsit o satisfacție reală în această muncă.

În 1914, Lyubov Popova scria: „Totuși, o ființă semnificativă este un om: de îndată ce încetează să lucreze, întreaga lui viață se oprește, orașele devin complet moarte, dar oamenii au câștigat, iar orașul trăiește mai departe. Ce forță teribilă - munca umană.”

E.DREVINA

tablourile lui Popova

„Construcție spațială-putere”

„Arhitectonică pitorească” 3

„Arhitectonică pitorească”

„Călător” 1916

„Compoziție cu figuri” 1914-15

Lyubov Sergheevna Popova(24 aprilie (6 mai) 1889 - 25 mai 1924, Moscova, URSS) - pictor rus și sovietic, artist de avangardă (Suprematism, Cubism, Cubo-Futurism, Constructivism), grafician, designer, artist de teatru.

Biografie

S-a născut pe 24 aprilie (6 mai într-un stil nou) în 1889 în moșia Krasnovidovo (satul Ivanovskoye, provincia Moscova) în familia unui om de afaceri bogat.

L. Popova a luat primele lecții de desen de la artistul K.M. Orlov, care era un prieten al familiei ei.

În 1906 s-a mutat la Moscova, unde a primit studii medii la gimnaziul S. A. Arsenyeva. În 1908, Popova a luat lecții private la școala de artă a lui Konstantin Yuon.

În 1910, Lyubov Popova a plecat în Italia, unde a luat lecții private de pictură.

În 1912 a vizitat Parisul, a studiat pictura cu Le Fauconnier și J. Metzinger.

În 1918, Lyubov Popova s-a căsătorit cu istoricul de artă Boris Nikolaevich von Eding, autorul cercetării „Rostov cel Mare, Uglich”, publicat în seria „Monumente ale antichității artistice”.

Popova a devenit interesată de suprematism, a devenit membru al grupului lui Kazimir Malevich Supremus, împreună cu alți artiști suprematiști, a lucrat în satul Verbovka și Skoptsy.

Designer a două spectacole ale Teatrului. Meyerhold în stilul „constructivismului scenic” - „Corcul magnific” de F. Krommelink (1922) și „Pământul la capăt” de S. Tretiakov după piesa „Noapte” de M. Martinet (1923).

Pe 23 mai 1924, fiul ei a murit de scarlatina. Lyubov Sergeevna Popova a murit și el de scarlatina la 25 mai 1924 la Moscova.

A fost înmormântată la cimitirul Vagankovskoye.

În decembrie același an, la Moscova a avut loc o expoziție personală de lucrări ale artistului, unul dintre cei mai străluciți reprezentanți ai avangardei ruse în domeniul artelor vizuale.

Muncă

• Galeria de Stat Tretiakov, Moscova.
• Muzeul Rus de Stat, Sankt Petersburg.
• Galeria Națională a Canadei, Ottawa.
• Muzeul Thyssen-Bornemisza (în spaniolă: Museo Thyssen-Bornemisza), Madrid.
• Muzeul de Stat de Artă din Krasnoyarsk. V.I.Surikova

Preturi pentru munca

Leonid Zaks, proprietarul uneia dintre cele mai vechi colecții ale avangardei ruse a familiei Zaks și mai multor picturi de Lyubov Popova, a vorbit în 2010 despre prețurile pentru munca ei:

La sfârșitul anilor 60, era imposibil să vinzi pictura lui Popova la Moscova pentru orice bani. La mijlocul anilor '80, picturile ei au fost cumpărate cu 40 de mii de dolari. Și acum, presupun, ceea ce costa atunci 40 de mii valorează 300-400 de mii.

Galerie

Om + aer + spațiu. 1912

Portretul unui filozof, 1915

Natura moartă cu o chitară, 1915

„Urciorul este pe masă. Pictură plastică”, 1915. Lemn, carton, ulei. Galeria Tretiakov.

Lucrarea lui L.S. Popova „Arhitectonică pitorească”, 1918. Galeria Tate Modern.

Părinții erau mari cunoscători ai muzicii și teatrului și au insuflat dragostea pentru artă și copii: Pavel, Serghei, Lyubov și Olga. Primele lecții de desen au fost predate de artistul K.M. Orlov. Educația gimnazială a lui Lyubov Sergeevna a început la Ialta, unde familia a trăit în 1902-1906. După ce a absolvit-o deja la Moscova, Popova a studiat filologia la cursurile pedagogice ale lui A.S. Alferov și, în același timp, în 1907, educația ei artistică serioasă a început în atelierul de desen al lui S.Yu. Jukovsky.

În următorii trei ani, Lyubov Sergeevna a pictat mult, a studiat istoria artei și a făcut o serie de călătorii cu familia ei în Italia și în orașele istorice rusești. Impresiile acumulate ale artei italiene și picturile lui Vrubel, văzute la Kiev la acea vreme, pictura icoană rusească veche și pictura murală la Iaroslavl, Rostov, Vladimir, s-au manifestat cu adevărat mai târziu, în perioada de maturitate a operei ei.

Lucrările de la sfârșitul anilor 1900 - „șezători” și „modele” grafice și picturale, mărturisesc pasiunea pentru opera lui Cezanne și noua artă franceză. Cu multă perseverență, Popova a lucrat printr-o varietate de întoarceri ale corpului, a studiat cu atenție nudul, dezvăluind în el baza constructivă a figurilor. O atitudine similară față de sarcinile picturii i-a distins pe mulți artiști care au început la acea vreme, în special, Lentulov și Tatlin, cu care au legat o prietenie în studioul „Tower” de pe Kuznetsky Most.

Popova Lyubov Sergheevna. „Compoziție cu figuri”, 1913, ulei pe pânză, 160 x 124,3 cm.

În arta rusă contemporană a început deja o asimilare activă a diverselor influențe: cubismul francez, futurismul italian, expresionismul german. Popova a fost printre artiștii ruși care, în anii 1910, s-au trezit în fruntea artei europene și au făcut o descoperire în non-obiectivitate, la o nouă înțelegere a spațiului artistic. Opera ei a acumulat ideile Suprematismului lui Malevici, noua materialitate a lui Tatlin, apoi a evoluat, iar Popova a fost aproape de a dezvolta principiile constructivismului.

Momentul regândirii viziunii naturale a fost marcat de lucrările din 1913 „Două figuri” și „Figură în picioare”, realizate de Popova după întoarcerea la Moscova. În urma cubiștilor, artistul a acționat ca designer de volume de culoare. Pe pânze, precum și pe desenele pregătitoare pentru acestea, ea a transformat cu îndrăzneală figurile modelelor în articularea volumelor stereometrice, dezvăluind axele conexiunii capului, umerilor și brațelor. Liniile de forță „desenate” sunt scoase din rangul elementelor auxiliare ale desenului, ele pătrund în întreg spațiul tabloului, iar intersecțiile lor alcătuiesc noi forme și ritmuri pictural-spațiale.

Lyubov Popova în anii 1910 s-a remarcat din tineretul „artistic” de la Moscova prin faptul că „cu toată feminitatea ei, ea avea o acuitate incredibilă a percepției vieții și a artei”. Cercul asociaților ei a inclus artiștii N.S. Udaltsova, A.A. Vesnin, A.V. Grișcenko, filozoful P.A. Florensky, istoricii de artă B.R. Wipper, M.S. Sergeev, B.N. von Eding, care mai târziu i-a devenit soț. La întâlnirile săptămânale din atelierul lui Popova de pe Bulevardul Novinsky s-au purtat discuții teoretice serioase despre artă, iar aceste conversații au pregătit-o pe artista pentru viitoarea ei activitate didactică.

Deja după ce a intrat în mainstreamul artei moderne, în primăvara anului 1914, Popova a avut nevoie de o altă călătorie la Paris și Italia înainte de a decide să-și expună public lucrările. Cu alți ochi, ea a privit monumentele arhitecturale ale Renașterii și ale goticului, a studiat legile relațiilor lor compoziționale și forța puternică a combinațiilor clasice de culori. S-a întors în Rusia cu puțin timp înainte de începerea celui de-al Doilea Război Mondial. Mulți artiști din cercul ei au mers pe front în 1914, dar viața ei creativă nu s-a oprit, iar în curând Popova a participat pentru prima dată la expoziția asociației „Jack of Diamonds”. După cum a remarcat istoricul de artă DV Sarabyanov, ea „și-a luat rămas bun de la trecutul ei timid” acolo.

O altă perioadă, mai matură, a fost marcată de participarea la expozițiile cubo-futuriste din 1915-1916 - „Tramvai B”, „0,10”, „Magazin”.
Susținător al cubo-futurismului, „o tendință stilistică care a apărut în Rusia datorită eforturilor poeților și pictorilor futuriști Malevici, Rozanova, Exter, Krucenykh”, Popova a scris în 1914-1915 o serie de compoziții cubiste într-o singură cifră („ Călător”, „Om + Aer + Spațiu”), portrete („Portretul unui filozof”, „Schiță pentru un portret”) și naturi moarte înfățișând instrumente muzicale.

Temele preferate ale picturilor sale - „Vioara”, „Chitara”, „Ceasul” - sunt împrumutate din iconografia cubiștilor francezi, Picasso și Braque. Aceste diagrame au făcut posibilă descompunerea vizuală a traiectoriei mișcării pendulului ceasului în fragmente separate, elemente de mișcare sau să demonstreze „vizual” sunetul prelungit al sunetului sau, altfel, „bate”, combina „descompunerea” analitică cubistă a unui obiect volumetric. pe un plan și simultaneitatea futuristă a mișcării. Pentru Popova, imaginile fragmentelor de vioară, gâtul și placa de sunet, precum și curdurile chitarei nu au fost doar un tribut adus tradiției moderniste. Aceste forme aveau pentru ea un sens diferit, mai „animat”. La urma urmei, încă din copilărie, ea a auzit povești uimitoare despre instrumente „personalizate” din colecția bunicului ei.

Conținutul naturilor moarte și portretelor artistului s-a materializat la maximum. Au fost completate cu litere sau cuvinte individuale, precum și colaje de autocolante, imagini de fundal, note, cărți de joc. Inserțiile texturate erau, de asemenea, făcute din ipsos ca „substraturi” accidentate pentru vopsea, sau erau desenate cu un pieptene pe vopsea umedă și arătau ca dungi ondulate. Astfel de „incluziuni” de etichete și ziare autentice în suprafața picturală a lucrării au introdus conexiuni noi, ilogice, asociative în conținut. Au crescut expresivitatea picturilor, și-au schimbat percepția. Lucrarea din iluzia lumii reale s-a transformat într-un nou obiect al acestei lumi. Una dintre naturile moarte din 1915 a fost numită „Obiecte”.

Artista a dezvoltat în mod activ ideile lui Tatlin, creatorul primelor contrareliefuri - „selecții materiale”, și a propus versiunea ei originală a contrareliefului. „Un ulcior pe masă” este un tablou plastic în care Popova păstrează organic unitatea culorii și texturii pe părțile plane și convexe ale imaginii, ceea ce conferă compoziției spațiale proprietățile unui obiect de pictură.

De la primele sale lucrări independente, artista s-a străduit constant să „construiască” un tablou de șevalet și să transforme statica și dinamica formelor într-o suită de planuri de culoare care se intersectează. Regândirea în continuare a picturii-obiect, pictura-obiect, l-a condus pe artist la pictura non-obiectivă. Abstracția unui obiect specific la nivelul formelor geometrice simple, începută de Malevici și Tatlin, a fost percepută organic de Popova. Un anumit rol în stăpânirea limbajului specific al artei abstracte l-a jucat și o călătorie în Turkestan în primăvara anului 1916, în timpul căreia a făcut cunoștință cu cele mai vechi monumente arhitecturale ale islamului din Bukhara și Khiva, cunoscute pentru mostrele lor de ornament geometric. .

Pânzele cu titlul „Arhitectonică pitorească” marchează o nouă întorsătură în opera lui Popova. Este greu de judecat cu certitudine dacă prima ei pictură non-figurativă, marcată în catalogul expoziției postume din 1915, a fost realizată înainte sau după ce artistul îl cunoaște pe Malevici, care și-a creat „Piața neagră” în 1915. Dar deja în 1916-1917 Popova a participat la organizarea societății Supremus împreună cu alți asociați ai lui Malevich - O. Rozanova, N. Udaltsova, I. Klyun, V. Pestel, N. Davydova, A. Kruchenykh.

În tabloul „Arhitectonică pitorească. Negru, roșu, gri ”(1916), Popova a realizat una dintre schițele ei grafice ale semnului societății „Supremus”. Plasat în centrul unei compoziții fără rost, un patrulater negru indică clar „Pătratul negru” al lui Malevici, dar opera lui Popova diferă de „pătrat” prin conținutul său figurativ. Culoarea în interpretarea lui Malevici - negru, alb - este mai mult îndreptată simbolic către infinit, spațiu, abisul posibilităților ascunse în ea, nu este atât de strâns legată de o anumită formă cum se întâmplă cu Popova. Planurile colorate ale celor trei figuri ale compoziției sale, dimpotrivă, sunt mai materiale, nu „plutesc în imponderabilitate” ca formele lucrărilor suprematiste ale lui Malevich, Rozanova și Klyun.

Nu întâmplător compozițiile neobiective sunt numite „arhitectoniști” de către Popova. Ele nu au structuri de construcție reale, funcționale, tectonice, ci arhitectonicitate picturală, putere picturală, monumentalitate plastică, claritate deosebită și armonie a formelor. În crearea acestui tip de pictură, artista a reușit să-și folosească experiența în studiul arhitecturii antice rusești și a ordinului înalt al artei europene renascentiste. Printre cele patruzeci de lucrări ale acestei numeroase serii, nu există monotonie a repetării motivelor, toate „intrigile” sună ca teme independente datorită bogăției scorului lor de culoare.

Compozițiile din 1916-1917 și 1918 se disting și prin relația dintre spațiile picturilor și formele cufundate în ele. În prima etapă, Popova a aranjat figurile geometrice, principalele „personaje” ale picturilor, în straturi, care au dat o idee despre profunzimea imaginii și a lăsat loc pentru fundal, păstrând astfel „memoria” spațiul suprematist.

În „arhitectonica” anului 1918, fundalul dispare complet. Suprafețele picturilor umplu figurile până la limită - sunt aglomerate, o formă o încrucișează pe alta în mai multe locuri, schimbând saturația culorii: de-a lungul liniilor de intersecție apar pauze ale formelor, apar un fel de „goluri”, efectul de Se creează „intermitent” avioanelor, dar culorile lor încă nu se amestecă ... Stratificarea planurilor de culoare suprematiste ale primei „arhitectonici” din 1918 a fost înlocuită de un dialog de forme, plin de energie, dinamica ciocnirilor și întrepătrunderea lor.

Înflorirea individualității strălucitoare a artistului a căzut în punctul de cotitură al războiului și al anilor revoluționari cu răsturnările lor sociale și încercările personale, întrerupând pentru o vreme dezvoltarea consecventă a artistului. Din martie 1918 până în toamna anului 1919, Lyubov Sergeevna a experimentat multe evenimente - căsătoria cu Boris Nikolaevy von Eding, nașterea unui fiu, mutarea la Rostov cel Mare, tifos și moartea soțului ei. Ea însăși abia a îndurat febră tifoidă și tifos și a primit o malformație cardiacă severă. Și de aceea nu există lucrări datate 1919 în patrimoniul Lyubov Popova.

Revenită la Moscova, artista a fost susținută de prieteni, în primul rând, familia Vesnin, iar revenirea ei la profesie a început încet. Popova a participat în 1919 cu lucrările sale anterioare la X-a Expoziție de stat „Creativitate neobiectivă și suprematism”. Picturile ei au fost apoi achiziționate pentru biroul muzeal al Comisariatului Poporului pentru Educație. Acest lucru l-a susținut cumva pe artist nu numai financiar. Departamentul de Arte Plastice al Comisariatului Poporului pentru Educație a trimis lucrările achiziționate la expoziții și la noile muzee de cultură picturală organizate. În anii 1920, lucrările lui Popova s-au găsit în cele mai neașteptate colțuri ale Rusiei sovietice, iar de atunci se află în muzeele din Vladivostok, Vyatka, Irkutsk, Krasnodar, Nijni Novgorod, Smolensk, Perm, Tobolsk, Tula, Tașkent, Yaroslavl, St. Petersburg și Moscova. Unii dintre ei, împreună cu lucrări ale altor artiști, au reprezentat arta rusă la o expoziție la Berlin în 1922 și la Bienala de la Veneția în 1924.

Noua înțelegere a problemelor formale a lui Popova s-a manifestat în lucrări cu titlul „Construcții” și „Construcții spațiale-putere”.

Cea mai faimoasă „Construcție” a fost executată în 1920 pe spatele pânzei marii „Arhitectonică pitorească” din 1916-1917. Este o compoziție dinamică și monumentală, plină de triunghiuri negru zimțate ascuțite, cu o împletitură neagră și două cruci. În imagine, motivul spiralei lui Popova, nou pentru creativitate, apare ca o pâlnie uriașă, împingând cheaguri de energie și forme mici, „aleatorie”. Această spirală se dezvoltă, se învârte în sus, în sus, în ciuda triunghiurilor sumbre din prim plan care îi împiedică dezvoltarea. Figurile și planurile din imagine sunt lipsite de stabilitate, sunt direcționate în spațiu, mișcarea lor este multidirecțională și, prin urmare, conflictuală.

Viața figurilor geometrice abstracte ale acestui tablou conține la nivelul reflectării conștiinței într-o formă indirectă și drama proprie a artistului trăită de artist. „Arhitectonica” și „Construcții”, realizate pe aceeași pânză, reflectă cele mai importante două perioade din opera Popovei și din viața ei.

Lucrarea pe două fețe este în multe privințe una programatică și pentru că s-a dovedit a fi ultima pânză din opera lui Popova. După el, „Construcțiile” ei urmează cronologic. Sunt aproape 10 dintre ele și toate sunt deja realizate pe placaj sau hârtie neamorsată.

Culoarea și textura bazei din lemn sunt elemente active în compoziții abstracte formate din linii și planuri care se intersectează. Pentru a spori contrastul texturii unui număr de lucrări și a le face mai expresive, artistul folosește tencuială din Paris și așchii de metal. În acest caz, spațiul este desemnat figurativ - linii de desene abstracte ajurate. Paleta de culori este restrânsă și sofisticată.

Perioada de după revoluție a cerut oamenilor creativi să participe activ la organizarea vieții culturale, studii aplicate, iar mulți artiști au intrat în organele de conducere ale noului stat. În 1920 s-a extins și sfera de interese profesionale a lui Popova. Împreună cu colegii săi - Udaltsova, Vesnin, Kandinsky - lucrează la Institutul de Cultură Artistică, se apropie treptat de un grup de muncitori de producție constructiviști, predă la VKHUTEMAS.

Ultima perioadă a creativității lui Popova a avut loc în sânul artei „industriale”. Artistul a început să proiecteze cărți, reviste, spectacole de teatru, să se angajeze în afișe și chiar să dezvolte schițe pentru țesături și modele de îmbrăcăminte.

Debutul Popovei în teatru pentru designul „Romeo și Julieta” de V. Shakespeare nu i s-a părut prea reușit regizorului A. Tairov și la montarea spectacolului a folosit schițe realizate de A. Exter. În timp ce lucra la un spectacol de păpuși bazat pe povestea lui A.S. Pușkin „Despre preot și lucrătoarea lui Balda”, Popova și-a amintit experiența anterioară în studiul artei populare. În 1916, ea a făcut mostre de broderie suprematistă pentru întreprinderea Verbovka și, prin urmare, de data aceasta a regândit cu îndrăzneală stilul de artă populară și de imprimare populară.

Costumele și schițele pentru producția „Cancelarul și lăcătușul” bazate pe piesa lui A. Lunacharsky, realizată de regizorii AP Petrovsky și A. Silin, prezentau elemente ale unei înțelegeri futuriste a spațiului și volumului care dispăruseră de mult de pe șevalet ei. muncă.

Întâlnirea lui Popova cu V.E. Meyerhold din 1922 a fost semnificativă. Ei au transformat piesa „Încornotul Magnanium” de F. Krommelink într-o operă fundamental inovatoare de artă teatrală. Pentru decorarea scenei lui Popova a fost construită o instalație spațială, care a înlocuit schimbarea decorului în timpul spectacolului. Imaginea ei se bazează pe tema unei mori cu roți, o moară de vânt, o jgheab și structuri diagonale care se intersectează. Nu există nici măcar un indiciu de înțelegere falsă a spațiului scenei în construcția sa. Calitatea grafică a întregii compoziții este legată de poetica ultimei „construcții spațio-putere” de șevalet. Valoarea noii adaptări, inventată de Popova pentru a acționa după sistemul Meyerhold și după legile biomecanicii, nu se limitează doar la istoria teatrului și la formarea constructivismului în arhitectură. Această operă de artă finită este importantă ca obiect estetic, ca lucru realizat funcțional.

La o zi după premieră, la INHUK a avut loc „procesul lui Popova”. Colegii-constructiviști l-au acuzat pe Popova că „a apelat prematur la teatru, având în vedere faptul că constructivismul nu este încă pregătit pentru o ieșire din starea experimental-laboratoare”. Astfel de discuții creative erau destul de în spiritul stilului de viață colectivist din acei ani. Istoria însăși a înmuiat „verdictul” artistului prin înscrierea experienței lui Popova în analele artei secolului al XX-lea, iar Vsevolod Meyerhold, care imediat după prima lucrare comună, l-a invitat pe Popova să predea cursul „Designul material al unui spectacol” studenților săi la Atelierele superioare de regie de stat.

În 1923 au montat o altă piesă – „Pământul la capăt” după piesa lui M. Martinet. Descrieri păstrate ale reprezentației teatrale și reproducerea unei plăci de montare din placaj cu o schiță de Popova. Principalul element de design permanent a fost structura grandioasă (dar nu „imaginea” unei structuri reale, o moară, așa cum era structura din „Cuckold”), ci o repetare literală din lemn a unei macarale tip portal. Pe această structură au fost atașate plăci din placaj cu sloganuri-afișe și ecrane pe care erau proiectate știri. A fost un fel de artă de masă propagandistică din primii ani revoluționari, concepută pentru pătrate, transformare rapidă și un număr mare de oameni. Privitorul a fost atent la o percepție activă, extrem de actualizată a intrigii. Popova a reușit să combine în mod surprinzător succint constructivitatea funcțională și imaginea concentrată cu bogăția informațională.

După cum scria J. Tugenhold, „natura directă a artistei nu a fost mulțumită de iluzia teatrului – ea a fost atrasă de ultimul pas logic, de introducerea artei în producție în sine”. În acești ani, după cum notează N.L. Adaskina în Popova, a existat o „atitudine post-nonobiectivă față de reprezentare, bazată pe claritatea schematică a imaginii, pe identificarea autenticității documentare a acesteia. Se manifestă prin designul cărților, interesul pentru dezvoltarea fonturilor și editarea textului cu fotografii. Așa, de exemplu, Popova în proiectul copertei cărții de poezii de IA Aksenov „Eiffel. 30 od ”au postat în mod neașteptat fotografii cu motoare electrice.

Apelul la realitate a făcut parte din programul noii arte de producție, care a căutat să stabilească noi principii de construire a vieții. Ideile utopice ale erei Art Nouveau și Art Nouveau au fost repetate într-o nouă etapă constructivistă în dezvoltarea limbajului artei.
În cadrul acestor sarcini, Popova s-a orientat către realizarea de schițe pentru țesături și haine, sugerând prin această lucrare să se treacă la proiectarea unui nou mod și stil de viață. Țesăturile ei, produse într-o fabrică de imprimare, erau populare. În primăvara anului 1923, toată Moscova purta haine din țesături după desenele artistului, fără să știe. Popova a spus că niciun succes artistic nu i-a adus o satisfacție atât de profundă precum vederea unei țărănci sau a unui muncitor care a cumpărat o bucată din materialul ei. Totuși, rochiile bazate pe schițele lui Popova au fost concepute pentru un nou tip de femeie muncitoare. Eroinele ei nu sunt „muncitori proletari”, ci angajați ai instituțiilor sovietice sau domnișoare elegante care urmăresc moda și care știu să aprecieze frumusețea unei croieli simple și funcționale.

Modelele ei sunt foarte imaginative; atunci când le-a creat, artista s-a bazat pe experiența creării atât a costumelor de teatru, cât și pe bagajul ei „constructivist” de idei. Popova a realizat doar aproximativ douăzeci de schițe de haine și toate au devenit un program specific pentru dezvoltarea fructuoasă în continuare a modelării costumelor.

Este greu de imaginat în ce alt domeniu ar fi reușit să se manifeste personalitatea strălucitoare a artistului dacă opera și viața artistului nu s-ar fi încheiat pe o notă înaltă. Lyubov Popova avea 35 de ani când, în mai 1924, a murit de scarlatina, în urma fiului ei de cinci ani.