picturi Cezanne. Biografie. Scurtă biografie a lui Paul Cezanne

În 1874 s-a deschis la Paris prima expoziție a artiștilor care mai târziu au fost numiți impresioniștii, atunci locul revoluției artistice. Acest eveniment a provocat un val de negativism din partea criticilor, care sunt obișnuiți să evalueze lucrările realizate în conformitate cu canoanele picturii clasice.

Creativitatea nu se preta înțelegerii, iar picturile lor au fost condamnate și ridiculizate. Printre creatorii subestimați s-a numărat și post-impresionistul Paul Cezanne, în direcția căruia au fost lansate cele mai imparțiale declarații.

Acum pânzele pictorului, care în timpul vieții au fost ignorate și nu au înțeles, împodobesc cele mai bune muzee din Europa și sunt vândute la diferite licitații pentru sume fabuloase de bani.

Copilărie și tinerețe

Viitorul artist s-a născut pe 19 ianuarie 1839 într-un orășel din sudul Franței - Aix-en-Provence.

Paul a fost primul născut din familia bancherului Louis - Auguste Cézanne. Tatăl, care a început să vândă pălării și apoi și-a deschis propria bancă, a fost extrem de dominator. Întreaga familie a ascultat de voința lui. Mama artistei, Anna - Elizabeth, a mai născut două fiice - Maria și Rosa, dar ea l-a adorat pe primul ei născut Paul și l-a susținut în toate.

Artistul a dezvoltat pofta de desen la vârsta de cinci ani. Apoi Cézanne a pictat pereții casei cu cărbune, creând imagini foarte credibile. Adevărat, doar mama era mândră de succesul fiului ei, iar tatăl visa să-și transfere afacerea fiului său.

Din biografia genialului pictor se știe că, la porunca capului familiei, în 1849 a intrat la școala Saint-Joseph. În 1852, Paul s-a transferat de la Saint Joseph în clasa a șasea a prestigiosului Gated College Bourbon.

Acolo, creatorul picturii „Piersici și pere” l-a întâlnit pe viitorul scriitor celebru. Emil a fost cel care i-a deschis noului său prieten lumea magică a cărților și a poeziei.

În 1855, Paul, în vârstă de șaisprezece ani, a absolvit facultatea, excelând în scris poezii în franceză și latină, dar fără a se arăta ca artist. Atunci tânărul ambițios, la porunca tatălui său, a intrat la Facultatea de Drept. După cursuri, seara, Paul mergea la școala locală de pictură. Spre bucuria lui Cezanne, pe atunci capul familiei nu vedea nimic reprobabil în această ocupație.

Locul preferat al creativului a fost muzeul orașului, care expunea în mod regulat picturi. Acolo Cézanne și-a dat seama că vrea să devină artist. Adevărat, tatăl a fost neclintit și a insistat ca fiul său să continue să studieze dreptul.

Tânărul înzestrat cu gânduri a fost la Paris, în care a fost invitat de un prieten de la facultate - Emile Zola, care se mutase până atunci în capitala Franței și și-a încercat creativitatea literară. În cele din urmă, Cézanne a obținut permisiunea tatălui său de a pleca pentru câteva luni pentru a vizita un prieten.

În 1861, tânărul pictor s-a mutat în cele din urmă în capitala Franței pentru a se pregăti să intre la Academia de Arte. La acea vreme, Cezanne a urmat cursuri într-un atelier local, în care i-a cunoscut pe viitorii impresioniști și pe Claude Monet, care, deși învățau elementele de bază ale desenului, aveau deja propria lor viziune formată asupra dezvoltării artei picturii.

Pissarro a crezut imediat în Cezanne și i-a prezis succesul în viitor. În ciuda laudelor, tânăra artistă din provincii s-a simțit ca un străin în atmosfera unui atelier metropolitan. Singurul prieten pe care și l-a făcut acolo a fost conaționalul său Ahile Amperera, care mai târziu a pictat cu entuziasm femei goale.

Paul nu credea în talentul său. Uneori chiar i se părea că toate activitățile sale sunt lipsite de sens și că trebuie să se întoarcă în țara natală pentru a continua munca tatălui său. Artistul a fost chinuit de remușcări și un sentiment de vinovăție în fața părintelui, ale cărui speranțe nu le-a justificat. Aceste suferințe mentale au dus în cele din urmă la faptul că creatorul a renunțat la hobby-ul său și a plecat acasă.

În Aix-en-Provence, Paul a început să lucreze la banca lui Cézanne, cel mai mare, care a fost încântat de întoarcerea fiului risipitor. Adevărat, bucuria amândurora a fost de scurtă durată. Tipul nu putea trăi mult fără pictură și în curând a început să frecventeze din nou școala de desen. După ce a petrecut un an acasă și discuții nesfârșite cu capul familiei, tânărul a plecat din nou la Paris cu intenția de a intra cu orice preț la școala de la Academia de Arte.

În timp ce se pregătea pentru examene, Cezanne a descoperit brusc că era străin de arta pe care intenționa să o studieze. Tabloul de salon i s-a părut tânărului lipsit de sens și gol. Printre altele, Paul a început din nou să se îndoiască de propriul talent. A muncit din greu, dar nemulțumirea lui față de sine nu a făcut decât să se intensifice. Rezultatul a fost un alt eșec - artistul a picat examenele.

În 1863, pictorul a vizitat Salonul, unde a văzut scandaloasa lucrare „Mic dejun pe iarbă”, respinsă de public. Această lucrare, datorită căreia a avut loc o revoluție în arta de atunci, a schimbat și viziunea lui Cézanne asupra lumii. Acesta a fost cel care l-a introdus pe tânărul artist, la fel ca mulți dintre colegii săi, la o nouă înțelegere a artei.

Fatică pentru Cézanne a fost cunoștința lui cu Frederic Basil, ceea ce s-a întâmplat în același an. Basile a adus o nouă cunoștință în atelierul lui Marc Gleyre, ai cărui absolvenți au fost Claude Monet, Alfred Sisley și Auguste Renoir. Timiditatea naturală nu i-a permis lui Cezanne să se alăture cercului viitorilor impresioniști.

În 1864, după ce a primit refuzul Salonului de a accepta noile sale lucrări, Paul a renunțat din nou la pictură și s-a întors la Aix-en-Provence. Adevărat, acolo a continuat să scrie, neputând să renunțe la artă. Șase luni mai târziu, Cezanne a venit la Paris pentru a arăta din nou juriului Salonului lucrările sale, pe care le-au respins din nou.

La întoarcerea sa la Aix-en-Provence, Paul s-a dedicat portretului. A muncit din greu, dar în anul următor, lucrările artistului au fost casate. Cezanne era complet disperat. A înțeles că opera sa este străină de contemporanii săi, dar pictorul nu a vrut să picteze, adaptându-se la criticii cu mintea îngustă.

După ce la următoarea proiecție preliminară din Salon, picturile lui Cézanne au primit o ovație batjocoritoare din partea publicului, s-a apropiat de el Edouard Manet, care a vorbit cu căldură despre lucrările tânărului talent. După ce a primit feedback pozitiv de la idolul său, Cezanne a căpătat în sfârșit încrederea care îi lipsea atât de mult.

Pictura

Lucrările din perioada timpurie a lui Pavel au fost de natură romantică: scene de violență („Omucidere”), naturi moarte („Natura moartă cu un craniu și un sfeșnic”), viziuni erotice („Orgie”).

La începutul anilor 1870, artistul a început să picteze schițe în aer liber și a stăpânit perfect tehnica loviturilor mici. Cel mai impresionist tablou al acestei perioade este Casa spânzuratului.

Este de remarcat faptul că în peisajele cu acoperire panoramică, Cézanne a obținut o epopee maiestuoasă („Coasta Marnei”), iar în naturile moarte a subliniat structura subiectului, parcă făcându-l mai greu cu ajutorul texturii colorate („O oală de Mușcate și fructe”, „Natura moartă cu mere și portocale”).

La începutul anilor 1880-1890, Paul a devenit din ce în ce mai interesat de genurile figurative. Astfel, compoziția „Pierrot și Arlechinul” este dedicată intrigii ultimei zile a carnavalului dinaintea postului. În aceeași perioadă, pictorul a pictat o serie de tablouri dedicate jocului de cărți. Toți au apărut sub același nume - „Jucători de cărți”.

Opera unuia dintre principalii maeștri ai postimpresionismului, străduindu-se să creeze artă clasică, lipsită de tot ce este tranzitoriu și trecător, a avut un impact extraordinar atât asupra artiștilor secolului XX, cât și asupra unor zone întregi ale artei plastice.

Viata personala

Cezanne, care suferea de fobia atingerii și nu putea să-și radă barba decât pentru a câștiga femeia pe care o plăcea, a fost căsătorit cu modelul Marie-Hortense Fiquet.

Întâlnirea viitorilor soți a avut loc la Paris în 1869, când Cezanne avea treizeci de ani, iar Fiquet abia de nouăsprezece. Un an mai târziu, îndrăgostiții locuiau deja împreună. În 1872, Marie i-a născut alesului un fiu, căruia i s-a dat numele Paul la botez.

După nașterea moștenitorului, sentimentele pictorului față de soția sa s-au răcit treptat. Despărțirile care au avut loc în timpul mutărilor sezoniere ale lui Cezanne la Paris, apoi la Aix-en-Provence, au exacerbat starea de lucruri deja precară.

La început, relația lor a fost secretă. Nici Paul, nici Marie nu au căutat să conducă o gospodărie comună. Cezanne, temându-se de mânia părintească, a făcut multe eforturi pentru ca tatăl său să nu afle despre iubita lui.

Abia în 1886, când s-au căsătorit în cele din urmă, au recunoscut în mod deschis legătura cu Hortense și au adoptat oficial pe Paul. Drept urmare, peste douăzeci de ani de viață căsătorită, Cezanne a pictat douăzeci și patru de portrete ale Hortensei în ulei. După ce cuplul a divorțat, modelul a continuat să pozeze pentru Paul.

Moarte

Se știe că în ultimii ani ai vieții sale diabetul artistului s-a agravat. Printre altele, a suferit de conjunctivită și un abces la piciorul drept. Pentru a ajunge în aer liber, pictorul a închiriat în fiecare zi aceeași trăsură dărăpănată pentru a-l duce din propria casă la destinație.

Când s-a răcit în octombrie 1906 și starea de bine a creatorului tabloului „House by the Road” s-a deteriorat, prețul unei trăsuri a sărit brusc, iar un Cézanne furios l-a alungat pe șofer. Din cauza faptului că artistul nu a putut transporta accesoriile voluminoase necesare atunci când lucra în uleiuri, a trecut la acuarelă. Adevărat, chiar și mersul cu un caiet de schițe pe spate a fost un test pentru maestru.

Odată, Paul a fost surprins de o furtună puternică lângă Muntele Sainte-Victoire, pe care a pictat adesea schițe. În drum spre casă, pictorul înfrigurat și-a pierdut cunoștința. Câteva ore mai târziu, cocherul trăsurii care trecea pe acolo l-a luat pe comandant și l-a dus acasă. Menajera, văzând-o pe Cezanne, a trimis imediat după un medic.

A doua zi a fost frig și, contrar ordinelor medicului, artistul răzvrătit s-a dus să termine de pictat portretul grădinarului său Valle printre lămâii de pe deal. După ce a petrecut toată ziua afară, Paul a răcit. A făcut febră. Creatorul a dezgustat întotdeauna atingerea altora, dar în acea zi l-a rugat pe Valier să-l ajute să coboare în casă.

După ce s-a îmbolnăvit de pneumonie, complicată de diabet cronic, artistul a murit fără să-și recapete cunoștința. Timp de câteva zile, autorul cărții The Bathers a delirat, mormăind alternativ pentru sine numele prietenului decedat al lui Emil, sau fiul său. Sora Marie, realizând că fratele ei nu mai avea mult timp, a invitat în casă un preot, care a îndeplinit toate ritualurile cerute.

Pe 22 octombrie 1906, în timp ce Marie se afla în biserică, menajera a descoperit că artistul întins cu fața la perete a murit. Anunțul morții a fost amânat până a doua zi, astfel încât soția pictorului Hortense și moștenitorul au venit la înmormântarea lui Cézanne, ținută la cimitirul Saint-Paul din Aix-en-Provence.

Opere de arta

• 1865 - „Natura moarta cu paine si oua”
• 1867 - „Peisaj cu sursă”
• 1867 - Răpire
• 1869 - „Mic dejun la aer curat”
• 1870 - Scăldat
• 1870 - Crimă
• 1874 - „Casa pustnicului din Pontoise”
• 1877 - „Întotdeauna feminin”
• 1877 - „Madame Cezanne pe un scaun roșu”
• 1884 - „Natura moartă cu un bol de supă”
• 1890 - „Omul cu pipa”
• 1900 - „Natura moartă cu cranii”
• 1906 - „Grădinarul Valier”

Celebrul pictor francez Paul Cezanne a fost pionierul postimpresionismului. După ce a trăit și a lucrat cu cei mai cunoscuți maeștri ai impresionismului, aflându-se la începutul călătoriei sale sub influența lor, Cezanne, în căutarea propriului stil, a mers dincolo de colegii săi. După ce a învățat arta de a transmite stările minunate ale naturii, artistul s-a adâncit în căutarea fundamentelor formative a tot ceea ce îl înconjoară și a încercat să învețe logica interioară a lucrurilor. Abordarea inovatoare a pictorului nu i-a permis să câștige succesul și faima binemeritate în timpul vieții. Numai timpul a pus totul la locul lui.

Aruncă tinerețe

Viitorul artist s-a născut pe 19 ianuarie 1839 într-un orășel din sudul Franței - Aix. Paul a fost primul născut din familia bancherului Louis - Auguste Cézanne. Tatăl, care a început cu producția și vânzarea de pălării, iar apoi și-a deschis propria bancă, a fost un om foarte dominator, toată familia a respectat cu strictețe voința lui. Mama artistei, Anna - Elizabeth, a mai născut două fiice - Maria și Rosa, dar ea și-a adorat primul copil, Paul, și a încercat mereu să-l întrețină. Pictorul însuși l-a idolatrizat și s-a temut de tatăl său toată viața.

Încă din copilărie, având o poftă de desen, de la vârsta de cinci ani, Paul Cezanne a pictat cu cărbune pereții casei, creând deja atunci imagini foarte credibile. Dar numai mama lui era mândră de succesele sale, tatăl său visa să-și vadă fiul drept succesor. Prin voința tatălui său, în 1849 Paul a intrat într-una dintre cele mai bune școli urbane - Școala Saint-Joseph, de unde, în 1852, s-a transferat în clasa a șasea a prestigiosului colegiu închis din Bourbon.

La facultate, viitorul artist celebru Paul Cezanne îl întâlnește pe viitorul scriitor celebru - Emile Zola. Prietenia lor, în cele din urmă, a jucat un rol semnificativ în soarta pictorului. Și apoi, în tinerețe, Zola a fost cel care i-a deschis lui Paul lumea magică a cărților și a poeziei. Prietenii au plecat adesea din Aix, plini de vise despre un viitor minunat și iubire pură.

În 1855, Paul, în vârstă de șaisprezece ani, a absolvit facultatea, remarcandu-se prin a scrie poezie în franceză și latină și nu s-a realizat niciodată ca artist. După ce a absolvit facultatea, Cezanne intră la facultatea de drept, asupra căreia, într-o formă categorică, a insistat tatăl său. În același timp, seara, Paul începe să studieze la școala de pictură Ekskoy de Joseph Gibert. Spre bucuria tânărului, tatăl nu a văzut nimic reprobabil în această dorință a fiului său.

Muzeul orașului recent deschis, unde erau expuse picturi, a devenit un loc preferat pentru un artist începător. Aici, și în sala de clasă de la școala lui Gibert, Paul s-a simțit cu adevărat fericit, a avut un vis să devină artist. Dar tatăl său nu a vrut să audă despre o astfel de întorsătură în soarta unicului său fiu, el a insistat totuși asupra studiului tinerilor unui drept care era complet neinteresant pentru el. Sufletul tânărului Cezanne a visat la Paris, unde a fost invitat activ de prietenul său de facultate, Emile Zola, care se mutase în capitala Franței până atunci și își încerca creativitatea literară. În cele din urmă, Paul Cezanne a abandonat totuși studiile în drept și a primit de la tatăl său permisiunea de a merge la Paris, unde Zola l-a îndemnat să înceapă să studieze serios pictura.

În 1861, tânărul pictor s-a mutat în capitala Franței și se pregătea să intre la Academia de Arte. Cezanne începe să urmeze cursurile în atelierul lui Lewis, unde îi întâlnește pe viitorii impresioniști Camille Pissarro și Claude Monet, care au studiat desenul, dar aveau deja propria lor viziune formată asupra dezvoltării artei picturii.

Pissarro a crezut imediat în Cezanne și i-a prezis succesul în viitor. Însă tânărul artist din provincii s-a simțit ca un străin în atmosfera atelierului capitalei. Singurul prieten pe care și l-a făcut acolo a fost conaționalul său - piticul Ahile Amperera, care mai târziu a pictat cu entuziasm femei goale. Paul Cezanne era foarte nesigur de abilitățile și talentul său. Uneori i se părea că toate activitățile sale sunt lipsite de sens și că trebuie să se întoarcă la Aix pentru a deveni succesorul tatălui său. Probabil că artistul a fost chinuit de remușcări și de un sentiment de vinovăție în fața părintelui, ale cărui speranțe nu le-a justificat. Aceste chinuri emoționale și îndoieli au dus în cele din urmă la faptul că artistul a renunțat la pictura sa iubită și, în același 1861, sa întors în orașul natal.

În Aix, Paul a început să lucreze la banca lui Cézanne, bătrânul, care a fost incredibil de mulțumit de „întoarcerea fiului risipitor”. Dar bucuria celor doi a fost de scurtă durată. Paul nu putea trăi mult fără pictură și curând, din melancolie, a început să frecventeze din nou școala lui Gibert. După ce a petrecut un an acasă și conversații nesfârșite cu tatăl său, tânărul pleacă din nou la Paris, de data aceasta, luând decizia, prin toate mijloacele, să intre în școala de la Academia de Arte.

Adevărat, în timp ce se pregătea pentru examene, Cezanne a descoperit brusc că arta pe care intenționa să o studieze îi era complet străină. Pictura de salon i se părea inutilă și goală. În plus, Paul a început să se îndoiască din nou de talentul său. A muncit din greu, dar nemulțumirea lui față de sine nu a făcut decât să se intensifice. Rezultatul a fost un alt eșec - artistul nu a putut intra niciodată în școala de pictură.

În 1863, a vizitat Salonul, unde a văzut opera scandaloasă a lui Edouard Manet, „Mic dejun pe iarbă”, respinsă de public. Această operă de epocă, datorită căreia a avut loc o adevărată revoluție în arta de atunci, a schimbat și viziunea lui Cézanne asupra lumii. Acesta a fost cel care l-a introdus pe tânărul artist, la fel ca mulți dintre colegii săi, la o nouă înțelegere a artei.

Fatică pentru Cézanne a fost cunoștința lui cu Frederic Basil, ceea ce s-a întâmplat în același an. Basil l-a dus la atelierul de la Gleyre, de unde au ieșit Claude Monet, Alfred Sisley și Auguste Renoir. Timiditatea naturală, cu în același timp absurditatea caracterului, nu i-a permis lui Cezanne să se alăture cercului viitorilor impresioniști. Drept urmare, artistul s-a ținut mereu separat, a încercat să nu intre în discuții și conversații și nu a participat la întâlnirile lor.

În 1864, după ce a primit refuzul Salonului de a accepta noile sale lucrări, Cezanne a renunțat din nou la pictură și s-a întors la Aix. Adevărat, chiar și acolo continuă să scrie, neputând să renunțe la studiile de artă. Drept urmare, șase luni mai târziu, Cezanne vine din nou la Paris pentru a-și oferi lucrările pentru participarea la Salon și primește din nou un refuz. Artistul frustrat, care aproape că și-a pierdut încrederea în sine, pleacă din nou acasă cu mâinile goale.

În Aix, Paul se dedică portretului. Lucrează din greu, dar în anul următor lucrările artistului nu au fost acceptate de Salon. Cezanne era complet disperat. A decis că opera lui nu va fi înțeleasă niciodată, dar nu a vrut să scrie în alt mod. Sosind din nou la Salon și expunând lucrările sale, primește o ovație batjocoritoare, publicul râde deschis de pictor.

Dar ceva bun se întâmplă și la Salon - cineva îi prezintă artistului lui Edouard Manet, care vorbește cu căldură despre căutările creative ale tânărului talent. În cele din urmă, după ce a primit o recenzie pozitivă și chiar de la idolul său, Cezanne câștigă încredere în alegerea corectă a căii creative. Revenind la Aix, pictorul devine un fel de celebritate. Oamenii încep să-l recunoască pe stradă, artiștii locali încearcă chiar să-i copieze opera, dar curiozitatea publicului era totuși destul de ostilă.

Ispita Sfântului Antonie

Lucrarea „Ispitirea Sfântului Antonie” (1867-1869, Fundația E. Bührle, Zurich) aparține lucrărilor timpurii ale lui Cézanne. Folosind o temă religioasă clasică, artista înfățișează corpuri feminine goale pe fundalul naturii. De fapt, intriga a fost doar un pretext pentru scrierea deschisă a nudității. Însuși Sfântul Antonie, care, teoretic, trebuia să fie personajul central al tabloului, are un loc modest la marginea stângă a pânzei și chiar și acolo, figura sa se contopește practic cu fundalul.

Nici în chip, nici în ipostaza Sfântului Antonie nu se poate citi lupta interioară a cărnii și spiritului uman. Dacă scopul artistului ar fi să înfățișeze un sfânt creștin care se luptă cu obsesia păcătoasă, atunci s-ar putea spune că opera lui Cezanne nu a avut succes. Dar pictorul nu s-a străduit deloc pentru acest lucru, el era interesat doar de corpurile feminine.

Contrastele ascuțite ale clarobscurului sculptează volumul, cu ajutorul unor forme monumentale puternice. Compoziția piramidală foarte clasică a părții centrale a lucrării, se pare, nu are nimic de-a face cu intriga: fetele care formează un cerc vicios cu figurile lor nu se îndreaptă deloc către Sfântul Antonie. Ei există independent de el. Iar titlului lucrării îi corespunde doar un grup figurat cu pricepere aranjat, situat chiar la marginea pânzei - Sfântul Antonie și ispitița, care i-au apărut în fața lui într-o ipostază sinceră exagerată. Această pereche este construită după principiul clasic de simetrie. Poziția deschisă a unei femei care își arată corpul este în contrast cu postura închisă a lui Antony, înfășurându-și în grabă hainele aspre.

Remarcabil este faptul că Cezanne nu a portretizat frumuseți, el pictează cu adevărat corpuri imperfecte ale femeilor. Apropo, este o întindere să le numim frumuseți: Cezanne este departe de a idealiza imaginile, scrie el simplu - femei. Influența impresioniștilor este resimțită în umbrele și reflexele colorate contrastante ale verdeață din jur asupra corpului femeilor. Cu toate acestea, Cezanne folosește în mod excesiv descoperirea impresionismului, aducând-o aproape până la absurd, ceea ce apropie opera sa de lucrările fauvelor, care încă nu au intrat pe scena artistică mondială.

Viata personala

Un an mai târziu, în 1870, artistul a cunoscut-o pe Hortense Fiquet, care i-a devenit modelul permanent. Cezanne, împreună cu Fiquet, a așteptat războiul cu Prusia care a început în același an în Estaque (provincia Provence). Pictorul și-a ascuns cu grijă legătura cu modelul de familie, altfel tatăl furios l-ar putea lăsa fără conținut, ceea ce abia era deja suficient pentru viață. Numai datorită ajutorului slab al tatălui său, artistul, care nu a fost înțeles și acceptat de public, a reușit să supraviețuiască, prin urmare, chiar și atunci când fiul lui Grotense, Paul, s-a născut în 1872, acest eveniment cel mai important a rămas un secret pentru toți cei apropiați. lui Cezanne.

Curând, artistul s-a mutat la Pontoise, unde a locuit Camille Pissarro - unul dintre puținii care au crezut în potențialul lui Cézanne. Sprijinul prietenului a fost de mare ajutor. Impresionistul Pissarro a învățat că trebuie să renunți la ego-ul tău și să pictezi ceea ce vezi, transferând starea reală a naturii pe pânză și nu interpretând lumea din jurul tău.

Aici Cézanne i se face cunoștință cu dr. Ferdinand Gachet, care era pasionat de pictură și aprecia „noua” artă. Gachet a declarat imediat că îl consideră pe Cézanne un mare artist și l-a convins să se mute la casa lui din Auvers. Percepția entuziastă a lui Gachet asupra operei lui Cézanne a insuflat speranța pictorului. Nimeni nu mai fusese interesat de munca lui și nu ia luat în serios. Aici, artistul a simțit interesul autentic al întregii familii Gachet pentru opera lor și a început să picteze numeroase peisaje, purtat de metoda impresionistă a scrierii.

Personalitate strălucitoare

Tabloul „Casa spânzuratului” (1873, Musée d'Orsay, Paris), în ciuda numelui sumbru, este un peisaj însorit. Construcția compozițională magistrală și neobișnuită a pânzei este ca un colaj și se bazează pe combinarea diferitelor planuri.

Primul plan introduce privitorul în spațiul imaginii. Pe ea vedem o pantă nisipoasă neremarcabilă, cu cioturi de lemn în colțul din stânga jos, plasate aici ca „punct de plecare” pentru deplasarea treptat spre interior. Al doilea plan este ocupat de o clădire cu acoperiș întunecat și un deal înierbat, în spatele căreia se deschide o inestetică „casă a spânzuratului”, parcă ieșind din deal și reprezentând al treilea plan al tabloului. În spatele lui se vede acoperișul casei situat chiar mai jos - al patrulea plan, în spatele căruia sunt înfățișate clădiri cu pereți de cărămidă roșu aprins.

Urmărind artistul, privirea privitorului din colțul din stânga jos al pânzei coboară pe panta dealului, șerpuind printre pereții clădirilor și relief neuniform și dezvăluind astfel întreaga adâncime a spațiului. Și cu cât te uiți mai mult în acest spațiu, cu atât pare mai complex. Cezanne a redat peisajul exact așa cum l-a văzut în natură, fără a-l rearanja folosind perspectiva, așa că casele portocalii par să stea chiar pe acoperișul unei clădiri din apropiere, iar copacii răspândiți în colțul din stânga sus al compoziției se îngrămădesc absurd. chiar deasupra „casei spânzuratului”.

Tocmai asemenea absurdități compoziționale, de neconceput pentru arta clasică, au făcut posibil artistului să înfățișeze cu adevărat lumea așa cum o vedea el. Tabloul „Casa și copac” (1873-1874, colecție privată) în structura sa compozițională seamănă cu un fragment dintr-o lucrare anterioară: același prim plan neumplut, o clădire din piatră albă încă crește chiar din deal, pe fundalul căreia. un copac ramificat se etalează. Trunchiul întortocheat al cărui, parcă traversează planul peretelui, „se târăște” de-a lungul lui, ca o crăpătură uriașă. Un astfel de motiv dă un straniu - acorduri dramatice incitante întregii piese, creând impresia unui mister pe care casa îl păstrează în sine, ca și cum ar fi ascuns în spatele trunchiului și ramurilor unui copac.

Pânza „Casa dr. Gachet în Auvers” (1873, Musée d'Orsay, Paris) se remarcă prin alternarea primului, gol, și celui de-al doilea - exagerat de umplut. Așa creează Cezanne o compoziție armonioasă. Casele înfățișate, pe care artistul le sculptează strâns una pe alta, par a fi înghesuite pe această stradă de provincie. La o privire mai atentă la liniile pereților lor, devine evident că sunt departe de a fi egale. Cezanne nu urmărește linii clare, dimpotrivă, le distorsionează în mod intenționat, la fel ca lumina soarelui iluminând suprafețele neuniform, în funcție de textura lor și de apropierea de alte obiecte.

Paul Cezanne scrie doar ceea ce vede, fără a-și înnobila împrejurimile, așa cum ar trebui să facă un artist „corect”. Deja aici se manifestă gravitația pictorului către forme monumentale simple, care va deveni o trăsătură distinctivă a stilului individual al maestrului. Sub patronajul lui Camille Pissarro, Cezanne, în 1874, participă la prima expoziție impresionistă. Încă o dată, lucrările sale sunt ridiculizate, însă, opera sa „Casa spânzuratului” este cumpărată de un colecționar foarte mare, ceea ce dă speranță artistului, care este chinuit de neînțelegeri.

Viața grea a lui Cézanne este bine citită în Autoportret, scris în 1875 (Musée d'Orsay, Paris). Pe ea vedem un artist vizibil chel, cu o privire întrebătoare și neîncrezătoare. Paul Cezanne și-a căutat intuitiv propriul drum în artă, de-a lungul căruia a mers singur, fără să întâlnească nici aprobare, nici glorie. Lucrările maestrului au rămas de neînțeles, iar el însuși a suferit de lipsă de cerere. Doar încăpățânarea naturală și voința l-au ajutat pe artist să meargă înainte, dar ridicolul constant și singurătatea l-au făcut uneori să se îndoiască de propria sa viziune asupra artei. Acesta este ceea ce a provocat neîncrederea în sine și în cei din jur, care strălucește în ochii pictorului.

În Love Struggle (Bacchanalia, 1875, A. Harriman's Collection, New York), artistul apelează la o temă mitologică care permite o reprezentare liberă a aranjamentului în spațiul corpurilor goale care se întrepătrund. Pânza expresivă dă impresia unei schițe din cauza lipsei accentuate de elaborare a figurilor în sine.

O serie întreagă de tehnici compoziționale agravează impresia ușor apăsătoare a unei lupte frenetice a îndrăgostiților care se luptă cu înverșunare și pasiune: copacii atârnă amenințător, orizontul jos subliniază cerul imens, parcă apăsând asupra eroilor, chiar și norii învolburați cu conturați neobișnuit de tăios. contururile par a fi agresive. Tabloul este construit pe principiul unui decor teatral: stâncile malurilor cu copaci crescuți pe ele servesc drept culise. Lipsa adâncimii în pânză nu face decât să sublinieze acest efect.

O întâlnire importantă pentru Cézanne a avut loc în 1875, când Auguste Renoir i-a făcut cunoștință cu avidul colecționar Victor Choquet, care a cumpărat unul dintre tablourile artistului. Din acel moment a început lunga lor prietenie. În 1877, pictorul realizează „Portretul unui Victor Choquet așezat” (Galeria de Arte Frumoase, Columb), în care îl vedem pe prietenul artistului stând pe un magnific fotoliu Ludovic al XVI-lea, într-o atmosferă relaxată de acasă.

Pe pereți sunt opere de artă din colecția Choquet. Adevărat, ele nu sunt incluse în „ramă” în ansamblu, ci sunt date în fragmente sau sunt indicate doar prin rame aurite. Artistul nu caută să reproducă cu atenție decorul camerei sau să transmită cu precizie fotografică trăsăturile eroului. El creează o imagine generalizată a colecționarului ca o persoană atentă și atentă, care este capabilă să aprecieze intuitiv valoarea artistică a unei lucrări. Silueta înaltă a lui Viktor Choquet arată oarecum comică pe un scaun mic vechi, marginea superioară a pânzei îi taie părul gri, iar picioarele modelului și picioarele scaunului sunt scrise aproape aproape de marginea inferioară a pânzei . Acest lucru creează impresia că colecționarul este înghesuit în cadrul tabloului care i-a fost atribuit.

Unul dintre numeroasele portrete ale lui Hortense - „Madame Cezanne in a Red Chair” (1877, Muzeul de Arte Frumoase, Boston), care, de altfel, nu a devenit încă soția oficială a artistului, este neobișnuit de eficient în ceea ce privește culoarea. Tapițeria roșie a scaunului contrastează cu culorile verzui-măsliniu și albastru ale hainelor lui Hortense și ale pereților din spatele ei și, de asemenea, pune în valoare silueta eroinei. Lucrarea face o impresie monumentală datorită proximității maxime a tinerei față de privitor. Marginea de sus a pânzei îi taie o parte din păr, iar marginea de jos îi taie tivul fustei. Partenerul de viață al lui Cézanne se uită în lateral, iar mâinile ei cu degetele încrucișate construiesc o barieră psihologică între model și privitor.

Vedem un transfer foarte generalizat al caracteristicilor zonei în peisajul „Munții din Provence Franceză” (1878, Muzeul Național al Țării Galilor, Cardiff). Cezanne dezasambla mental obiectele în formele lor individuale constitutive și apoi construiește din ele propria sa realitate. Această tehnică va continua să fie o trăsătură caracteristică constructiviștilor.

Și mai „constructive” sunt lucrările „Houses in Provence near Estaque” (1879, National Gallery, Washington), „Mount St. Victoria” (1886, National Gallery, Washington) și „House in Provence” (1885, Museum of Art). Herron, Indianapolis). Pietrele, dealurile, zidurile locuințelor apar în fața noastră sub forma unor forme generalizate, trecând prin prisma viziunii analitice a lui Cézanne, care le taie tot ce nu este necesar, lăsând doar esența însăși. Toate contururile munților și câmpurilor de pe pânza „Munții în Provence” (1886-1890, Tate Gallery, Londra) sunt în mod clar corecte și geometrice.

Artistul lucrează activ, dar Salonul încă îi respinge lucrările. Cezanne este din nou ridiculizat la a treia expoziție impresionistă. Adevărat, există un cunoscător al artei artistului care își cumpără în mod regulat opera - un tânăr funcționar mărunt care lucrează la bursă pe nume Paul Gauguin.

După ce a parcurs o cale creativă solidă, Paul Cezanne nu a devenit niciodată impresionist. Fascinația sa pentru transmiterea impresionistă a imaginii naturii și a mediului lumină-aer a fost înlocuită de o conștientizare a necesității unei ordonări speculative a realității înconjurătoare. Nu a fost suficient ca artistul să vadă și să reproducă; trebuia să vadă și să transmită structura ascunsă a lumii.

Viața se răsucește și se întoarce

În 1886, în viața personală a pictorului au avut loc o serie de evenimente. Mai întâi, Cezanne, practic împotriva voinței sale (de vreme ce era foarte atras de tânărul servitor din casa tatălui său), se căsătoresc cu Hortense, care, la insistențele membrilor familiei, se mută la moșia Cezanne din Provence. În acest moment, fiul artistului, Paul, avea deja paisprezece ani. În al doilea rând, un prieten din tinerețea lui Cézanne, cunoscutul scriitor Emile Zola, publică romanul „Creativitate”, în care artistul a acționat ca prototip pentru protagonist. Romanul a demonstrat perfect atitudinea lui Zola față de Cézanne însuși și arta sa, punând capăt vieții eroului prin sinucidere. Pictorul a luat acest gest ca pe un anunț tare că vechiul prieten nu crede nici în artistul însuși, nici în arta sa. Așa s-a încheiat prietenia dintre cele două genii ale epocii – marele scriitor și marele artist –. În al treilea rând, tatăl despotic al pictorului a murit, lăsându-i o moștenire solidă.

Doi ani mai târziu, Cézanne creează un minunat portret dublu al fiului său Paul, îmbrăcat într-un costum Arlequin, și al prietenului său, îmbrăcat într-un costum Pierrot. Tabloul „Pierrot și Arlechin” (1888, Muzeul de Stat de Arte Frumoase numit după AS Pușkin, Moscova) înfățișează o scenă din festivalul de carnaval de la Maslenitsa, care are loc chiar înainte de Postul Mare (în legătură cu care al doilea nume al tabloului este „ Mardigra”, adică „Maslenitsa”). Pe pânză, tatăl își admiră deschis fiul. Îl vedem pe Paul majestuos, trufaș, chipeș, care iese din spatele draperiilor și se uită în jos la privitor. Pe fundalul său, Pierrot detașat, aplecat într-o poziție destul de ridicolă, pare a fi o pagină îngăduitoare.

La cererea lui Hortense, în 1888 soții Cezanne s-au mutat la Paris. Un an mai târziu, tabloul pictorului „Casa spânzuratului”, grație proiecției colecționarului Victor Choquet, a fost prezentat la Expoziția Mondială. Însă lucrarea a trecut neobservată de public, deoarece a fost plasată prea sus.

Încă o dată, lucrările lui Cezanne nu au fost văzute și nu au vrut să le vadă, iar talentul lui a rămas din nou nerecunoscut. Pictorul avea deja peste șaizeci de ani, problemele de sănătate l-au forțat să-și schimbe constant locul de reședință, dar a continuat să scrie și chiar și-a realizat visul de tinerețe - și-a creat propria lucrare în spiritul lucrării „Jucătorii de cărți” de Louis Lenin, care i-a făcut o mare impresie în tinereţe.

Tabloul „Jucători de cărți” (1892, Metropolitan Museum, New York) este o lucrare de gen care înfățișează trei tineri făcând distracția lor preferată. Figura observatorului din fundal este tăiată la umeri de marginea superioară a tabloului, datorită căruia, din punct de vedere compozițional, pânza pare neterminată. Căutând o exprimare clară și concisă a ideii, Cezanne a scris mai multe versiuni ale acestei lucrări. Versiunea finală a pânzei cu același nume, creată cam în aceeași perioadă, lovește cu completitudine, concizie și simetrie, pentru a depăși influența excesivă a cărei, Cezanne îi tăie spatele jucătorului potrivit.

Centrele compoziționale și semantice ale imaginii coincid - acestea sunt mâinile a doi bărbați așezați, care par să încadreze o sticlă de vin în picioare cu mândrie. Lucrarea este lipsită de genul strict inerent versiunii anterioare. Nu este nimic de prisos aici, totul este foarte strict și extrem de expresiv. Jucătorii sunt complet absorbiți de ocupația lor, timpul pare să se fi oprit pentru ei, întreaga lume este concentrată în două figuri, înclinate una spre cealaltă. Aici și acum, aspectul cărților conține cel mai important sens, jocul pentru ele devine un fel de rit sacru, datorită căruia imaginea în sine dobândește un anumit sens sacru. Poate că o sticlă de vin pe o față de masă roșie are semnificația simbolică tradițională de sânge și ispășire.

Portretul „Guy in a Red Vest” (1888-1890, Muzeul de Artă Modernă, New York) este deosebit de expresiv datorită folosirii măiestrie a culorii. Combinația solemnă de culori roșu și alb este sporită de o abundență de negru, ceea ce face ca profilul eroului pânzei să fie extrem de clar și contrastant. Cezanne nu evită negrul, ca mulți impresioniști, ci, dimpotrivă, îl introduce în imagine ca element de construcție a formei. Părul tânărului se contopește cu fundalul negru al draperiei, cu această tehnică, maestrul parcă „infuzează” modelul în spațiul pânzei, dându-i în același timp un fel de sunet tragic. Imaginea persoanei înfățișate este completă și completă, chiar și în ciuda faptului că nu există detalii specifice în imagine - nici desemnarea timpului sau a locului, nici un indiciu al tipului de activitate a unui tânăr în vestă roșie.

Compoziții de subiecte și peisaje

Toate naturile moarte ale lui Paul Cézanne sunt recunoscute: cu cel mai simplu set minimal de obiecte (mai multe fructe, vaze de portelan, farfurii si cani), draperiile in mod deliberat neglijente cu rupturi si numeroasele pliuri aruncate pe masa dau compozitiei o expresivitate decorativa si unica.

Tabloul Natură moartă cu un bol de zahăr (circa 1888-1890, Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg) este una dintre cele mai cunoscute lucrări ale lui Cézanne. Aici pictorul abandonează perspectiva liniară, nu vedem punctul de fugă comun al planurilor de pe pânză.

Vedem un blat dreptunghiular cu o draperie albă aruncată dezinvolt peste ea, căptușită cu vase și fructe de porțelan, din două puncte de vedere deodată: de sus și din față, ceea ce este imposibil pentru arta tradițională, care, încă din Renaștere, are a lucrat la transferul corect al tridimensionalului pe planul bidimensional al pânzei.spațiu.

Paul Cezanne își construiește natura morta contrar legii principale a picturii - perspectiva. Din cauza construcției incorecte a spațiului și a perspectivei distorsionate, devine imposibil să se determine distanța de la perete la masă, sau la picioarele din lemn sculptat vizibile în fundal, aparent jardinierele. De asemenea, devine implicită relația dintre planurile paralele și perpendiculare ale pereților, mesei, podelei și sertarelor. Un spațiu lipsit de profunzime și perspectivă, construit cu respectarea relativă a geometriei, face natura moartă asemănătoare picturii religioase, al cărei stil a fost creat și aprobat înaintea perspectivei și a fost adesea ignorat.

Cezanne își creează propriul sistem de coordonate în care fiecare obiect dobândește autosuficiență și în sine poate fi un „model” pentru artist. Secțiunea „de prisos”, la prima vedere, a picioarelor jardinierei a fost introdusă dintr-un motiv: acest detaliu este, în primul rând, care „ține” întreaga compoziție în colțul din dreapta sus al pânzei și, în al doilea rând, servește ca un puternic accent coloristic în fundalul general de culoare rece din partea superioară a imaginii, nuanțele sale maronie răsună armonios cu blatul maro și tonurile calde ale fructelor coapte. Nu întâmplător artistul aranjează liber obiectele pe planul mesei, fără a le combina în grupuri - dacă înlăturăm mental pe vreuna dintre ele, integritatea compoziției nu va fi încălcată în niciun fel.

Aceleași trăsături sunt caracteristice pentru Natura moartă cu mere și portocale (1895, Musée d'Orsay, Paris), Natura moartă cu draperii (1899, State Hermitage, Sankt Petersburg) și Natura moartă cu vinete (1893-1894, Metropolitan Museum of Art, New York). În prima lucrare, rolul țesăturilor, care formează spațiul cu pliurile lor picturale, este deosebit de evident. Sunt țesăturile luxoase care umplu întreaga suprafață a pânzei. Ele fac ca perspectiva să nu fie necesară; în absența unui sistem de coordonate familiar, spațiul își pierde tridimensionalitatea. Haotic, la prima vedere, un morman de falduri ascunde mobilierul și spațiile. Nu este deloc clar unde sunt situate obiectele. Datorită acestui efect, se creează o impresie de decorativitate accentuată, și chiar de teatralitate, sporită și mai mult de interpretarea plană a spațiului.

În această natură moartă, maestrul lucrează extrem de expresiv cu culoarea. Țesăturile orientale strălucitoare, care amintesc de draperiile exotice ale picturilor ale marelui romantic al picturii Eugene Delacroix, care a fost un idol pentru Cézanne, creează un fundal pentru o față de masă albă ca zăpada aruncată lejer și o vază de porțelan presărată cu pliuri. La început, atenția privitorului este atrasă asupra acestui loc orbitor, complex construit, astfel încât, după ce sa bucurat de transferul magistral al țesăturii, apoi să concentreze fructele strălucitoare, ca și cum ar străluci pe un fundal alb. Culoarea albă este cea care organizează cu pricepere întreaga compoziție. Nu permite ochiului să se piardă în culorile festive și să rătăcească prin pânză, introducând austeritate în soluția coloristică și „adunând” compoziția spre centru.

Cu ajutorul culorii, unitatea compoziției se realizează în „Natura moartă cu vinete”. Datorită scării reci albastru-liliac, pânza arată uimitor de solidă, având în același timp un contrast strălucitor sub formă de mere portocaliu-roșu. Tonalitatea generală a lucrării netezește aranjarea ca aleatorie a obiectelor într-o natură moartă. Dacă nu ar fi culoarea, vazele de ceramică, o farfurie și o sticlă, care sunt prea apropiate una de cealaltă, ar părea un amestec absurd de lucruri aleatorii.

Una dintre mărturiile depresiei interioare ale artiștilor va fi „Natura moartă cu cranii” (1898-1900, colecție privată). Lucrări similare au apărut în arta mondială printre olandezi și au aparținut lucrărilor „vanitas” („deșertăciunea deșertăciunilor”), simbolizând fragilitatea a tot ceea ce este pământesc. Rămășițele muritoare stivuite una peste alta sunt prezentate în prim-plan și ocupă cea mai mare parte a suprafeței pânzei. Absența altor obiecte în imagine și orbitele goale care captează privirea privitorului dau naștere asocierilor blasfemiante cu un portret, și nu cu o natură moartă.

Deși Cezanne a fost principalul moștenitor al tatălui său, iubita lui moșie din Aix a fost vândută de familia sa fără ca acesta să știe. De asemenea, au fost distruse obiectele personale ale lui Cezanne, bătrânul, și chiar și mobilierul, de care artistul și-a amintit din copilărie.

Frustrat de pierderea casei sale, pictorul decide să-și cumpere un conac, cu numele sumbru de Castelul Negru. În ciuda faptului că această intenție nu a fost niciodată realizată, Cézanne dedică mai multe dintre peisajele sale acestui loc - „Pădurea de la peșterile stâncoase de deasupra Castelului Negru” (1900-1904, National Gallery, Londra), precum și „Moara de pe River” (1900-1906, Marlborough Art Gallery, Londra). În ele, artistul, ca și înainte, descompune toate formele în părțile lor constitutive, dar merge mai departe - în general, stilul lucrărilor este mai aproape nu de postimpresionism, ci de abstractizare.

Un loc preferat de Paul Cézanne pentru a-și crea peisajele a fost Muntele St.Victoria. I-a admirat frumusețea maiestuoasă chiar și la o vârstă fragedă. În perioada târzie a lucrării sale de creație, maestrul a pictat în mod repetat priveliștile acestui munte, transmițând frumusețea acestuia în diferite condiții atmosferice și în diferite condiții de iluminare.

La sfârșitul vieții, Cezanne a conceput o compoziție de format mare, cu mai multe figuri, de scălători goi în poala naturii. Artistul a visat de mult să picteze această pânză și există mai multe versiuni ale ei, create în momente diferite. Din cauza timidității naturale și a lipsei de fonduri, Cezanne nu a apelat niciodată la serviciile modelelor. Prin urmare, pentru a-mi crea propria compoziție din mai multe corpuri feminine nud, chiar i-am cerut unuia dintre prietenii mei să obțină fotografii cu nud feminin. Poate că asta explică o anumită angularitate a tuturor figurilor create de artist fără a se baza pe natură.

Pe pânza „Big Bathers” (circa 1906, Muzeul de Artă, Philadelphia), pictorul a muncit din greu și din greu, gândindu-se cu atenție la dispunerea figurilor nud în spațiu, verificând cu meticulozitate ritmul liniilor corpului și al brațelor întinse, care, împreună cu trunchiurile de copaci înclinate, formează un semicerc armonios. Lucrarea trebuia să devină o capodopera, un fel de apogeu al operei lui Cezanne. Artistul spera să se regăsească prin armonia „rotunzimii pieptului unei femei și umerilor dealurilor”. Din păcate, nu știm niciodată ce ar dori artistul să-și vadă opera până la urmă, deoarece moartea i-a întrerupt opera.

Faima mondială care a venit prea târziu

Paul Cezanne era un singuratic, a urmat propriul său drum neînvins, aproape neînțeles de nimeni și ridiculizat de prea mulți. Artistul nu a dorit o simplă reproducere a naturii, s-a străduit să învețe esența ei interioară și să transmită această structură fundamentală pe planul pânzei. Opera maestrului a anticipat arta cubismului și a abstractizării, înfățișând realitatea, refractată de conștiința unei anumite persoane. Cezanne a deschis lumii o „artă nouă”, complet construită în mintea lui și, prin urmare, profund originală și individuală.

Abia spre sfârșitul vieții sale, recunoașterea a început să vină treptat la artist. La sfârșitul anilor 1880, comerciantul de artă parizian Ambroise Vollard a devenit interesat de opera lui Cézanne. La început, a studiat lucrările maestrului, le-a privit cu atenție și a cerut părerile altor artiști. După multă deliberare, Vollard decide să-l găsească pe Cézanne pentru a-i organiza prima expoziție personală.

Expoziția, care a fost deschisă în 1895, a acoperit toate perioadele operei pictorului, arătând evoluția viziunii sale creatoare și dezvăluind tuturor necunoscutul Cezanne. Cei care au venit să-l susțină pe artistul Claude Monet, Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir și Camille Pissarro au rămas uimiți. Monet și Degas au cumpărat imediat mai multe lucrări ale unui vechi prieten, iar publicul parizian era deja pregătit să accepte arta lui Cézanne.

Prima expoziție a fost urmată de a doua. Vollard, deși ieftin, a cumpărat în mod constant opera artistului. Două dintre pânzele sale au fost achiziționate de Galeria Națională din Berlin. Însă, abia în 1900, pictorul a câștigat în cele din urmă recunoașterea acasă, la Aix, punând capăt agresiunii și ridicolului.

Treptat, datorită participării sale la Expoziția Internațională de la Paris și la alte evenimente dedicate artei, Cezanne a devenit faimos în întreaga lume, numele artistului s-a transformat într-o legendă. Cu toate acestea, din păcate, această binemeritată recunoaștere a venit pictorului cu mare întârziere. Paul Cezanne a murit la 22 octombrie 1906. Abia după moartea artistului, picturile sale și-au găsit cu adevărat publicul.

• Expoziție aniversară a artistei Primorsky Yekaterina Arkhipova în galeria „Arka”.
• Prelegerea „Postimpresionism. În căutarea individualității”

Paul Cezanne a fost un impresionist celebru. Lucrarea sa „Casa spânzuratului” are un singur scop - să facă o anumită impresie privitorului. Pe baza titlului lucrării, devine clar că imaginea ar trebui să fie respingătoare. Nimănui nu-i place [...]

Celebrul pictor francez Cezanne a devenit faimos pentru faimoasele sale naturi moarte. Artistul a fost mai atras de fructe, în special de mere, care în opinia sa aveau o formă și o culoare excelentă. Înfățișând fructe și legume, artistul a obținut un nou calitativ [...]

Cezanne timpuriu a lucrat în principal cu tonuri închise. S-a inspirat din pânzele unor pictori precum Courbet, Delacroix și Daumier. În 1870, artistul creează Modern Olympia. Edward a influențat foarte mult scrierea acestui tablou [...]

Paul Cezanne este un mare pictor francez, unul dintre cei mai mari reprezentanți ai postimpresionismului. În această imagine, artistul încearcă să arate lumea sa interioară bogată tuturor oamenilor care îl înconjoară, întreaga gamă a caracterului uman. Uitandu-ma la […]

Tabloul a fost pictat în 1895 în ulei pe pânză. Cezanne este un mare pictor francez care a trăit în Provence la începutul secolului. A fost un reprezentant al postimpresionismului. A pictat peisaje și a fost renumit pentru portretele sale. A lui […]

Această lucrare celebră a lui Cezanne a cucerit inimile mai multor privitori. Profunzimea simfonică a naturii moarte, combinată cu detalierea subtilă magistrală a celor mai cotidiene obiecte (fețe de masă, ustensile de bucătărie, fructe și covor), este izbitoare prin frumusețea ei. […]

Cezanne este numit post-impresionist - în timp ce învăța de la impresioniști, petrecea timp în compania lor, participă ceva timp la expozițiile lor, a rămas el însuși, fără a dobândi obiceiurile tipice colegilor săi. A se maturiza [...]

Pictura aparține pensulei lui Paul Cézanne, care a trăit și a lucrat în același timp cu impresioniștii. În același timp, căutările artistice ale lui Cézanne și ale pictorilor impresioniști (cum ar fi Monet, Seurat) au fost foarte diferite. Creatorul filmului „The Smoker” nu a fost interesat de necesitatea transferului [...]

Copilărie și tinerețe

Paul Cezanne s-a născut în Aix-en-Provence, în Franța, într-o familie de pălărier și împrumutător de bani care i-a tratat pe toți cei din jurul lui cu rece și cu trufie. Băiatul nu avea prieteni din cauza faptului că tatăl său avea o reputație proastă ca persoană. Deși afacerea mergea bine și erau destui bani în familie, Paul a crescut lipsit de dragoste și grijă. De multe ori trebuia să stea singur pe moșie și să studieze științe sau diverse arte. Băiatul avea o educație bună, care acoperea majoritatea materiilor populare la acea vreme, dar totuși a fost trimis la școala Sf. Iosif. La școală, a devenit un proscris, nimeni nu a vrut să fie prieten cu el sau să se joace, așa că băiatul a încercat să fie cel mai bun în toate pentru a-și finaliza studiile cât mai repede. După terminarea studiilor școlare, tânărul a intrat la „Colegiul Bourbon”.

Alegerea unei căi de viață

Având în vedere că Paul s-a dedicat în totalitate studiilor sale, i s-au acordat numeroase premii pentru realizări bune. Alegerea direcției sale era tipică acelor vremuri, prezența obligatorie a obiectelor de cult nu l-a deranjat pe tânăr, dar nici nu l-a stârnit prea mult interes. A reușit să memoreze texte complexe în diferite limbi într-un timp scurt, pe care le-a folosit de mai multe ori în viitor ca atu. Lumea picturii l-a atras pe Paul de la o vârstă fragedă, dar el nu a avut acces chiar la procesul de creare a picturilor. Abia după ce a absolvit facultatea a putut să-și încerce mâna la pictură. Tatăl tânărului a văzut că sufletul fiului său a fost atras de lumea artei și, mergând împotriva dorințelor sale, i-a permis să plece la Paris.

Începutul căii creative

La Paris, tânărul a studiat lucrările artiștilor contemporani și ale marilor maeștri ai trecutului, dar nu a încercat să intre la Academia de Arte. În primele lucrări ale lui Pavel ca artist, se pot observa întuneric și reținere. A lucrat stângaci și lipsa cunoștințelor de bază necesare pentru a lucra pe pânză era prea vizibilă. Dar acest lucru nu l-a oprit pe Cézanne și a decis să-și dezvolte propriul stil cu numeroase teste ale diferitelor intrigi. Paul și-a arătat în mod deschis caracterul și emoțiile în fiecare pânză. Paleta de culori nu a fost predeterminată în prealabil, de fiecare dată culorile s-au schimbat în funcție de starea de spirit a desenator. Adevărata descoperire a venit după cunoștința lui Paul cu Pizarro. El a descoperit multe tehnici diferite pentru tânărul artist și a ajutat să reconstruiască tehnica într-o pensulă mai separată. După ce a schimbat cercul de prieteni și a cunoscut lumea artiștilor, Cezanne a început să domine culorile și subiectele mai vesele și însorite.

Un talent neprețuit

Cu toate acestea, în ciuda schimbărilor, societatea încă nu l-a acceptat pe tânărul artist. Picturile sale au fost lipsite de o compoziție planificată și întotdeauna s-au îmbinat într-o singură pată de culoare continuă. În ciuda sprijinului puternic din partea altor post-impresionişti de succes în rândul publicului, artistul a rămas în umbră. În ciuda stilului neobișnuit de execuție care amintește vag de realism, Cezanne a fost un adversar înverșunat al reprezentării decorative a obiectelor din viața reală. El i-a negat absolut complet pe Van Gogh și Gauguin ca artiști, considerând că munca lor este copii. Modul lui Cézanne de a prezenta peisajul a fost unic în felul său în care se puteau discerne primele lăstari ale cubismului. În viitor, în lucrările artiștilor care lucrează în cubism, deși a existat o asemănare cu modul său de execuție, nu a existat un transfer clasic luminos și pitoresc de formă și sentimente.

Recunoașterea talentului de către adepți

În 1895, după o mare expoziție organizată special pentru lucrările lui Cézanne, câțiva tineri desenatori care doreau să-i fie studenți au atras atenția asupra lui. Acest eveniment poate fi numit primul progres suficient de mare în recunoașterea artistului de către societate. Publicul încă nu a perceput pictura lui ca pe un produs de cea mai înaltă calitate, care cel puțin într-un fel merită admirație. În 1897, artistul și-a pierdut mama, deși nu erau apropiați, s-a întristat pentru ea și de ceva vreme nu a luat o perie în mâini. După stilul de viață ușor și lipsit de griji pe care l-a dus, a fost urmată de un lung șir de diverse datorii. Pentru a plăti toate datoriile, artistul a fost nevoit să vândă unul dintre cele mai populare tablouri la acea vreme, „Jas de Bouffan”.

Ultimii ani de creativitate și moarte

În încercarea de a-și pune ordine în viață, artistul a achiziționat o căsuță în Aix, pe care a folosit-o ca studio și școală în care și-a predat elevii. Mulți, deși l-au considerat la început nepoliticos și neprietenos, cunoscându-l mai bine, s-au îndrăgostit de bunătatea lui. Mulți dintre studenții săi au vorbit despre el ca pe un mentor răbdător și atent. Desenul a devenit totul pentru Paul. De la o vârstă fragedă până la o vârstă înaintată, și-a dat totul pentru a-și dovedi și lumii că are talent. A fost tabloul, pe care l-a iubit atât de mult și l-a ruinat, după ce a fost lovit de o furtună în aer liber, s-a îmbolnăvit. Organismul în vârstă nu a putut face față bolii, iar artistul a murit în 1906.

• Jucătorii de cărți, în timpul unei expoziții la Paris în 1961, au fost furați direct din muzeu împreună cu alte picturi. Detaliile privind returnarea lor sunt neclare: unele surse spun că tablourile au fost returnate câteva luni mai târziu, după ce a fost plătită răscumpărarea, în timp ce alții susțin că toate picturile au fost găsite un an mai târziu în Marsilia într-o mașină abandonată.
• În istoria artei, rodnicia încercărilor lui Cézanne de a crea un nou stil grandios, și nu stilul Cézanne în sine ca canon artistic, l-a făcut celebru. Acest lucru este cu atât mai adevărat cu cât cineva poate trage o varietate de concluzii artistice pentru sine din lucrările lui Cézanne. Ele sunt multidimensionale, ceea ce în sine este caracteristic multor lucrări remarcabile din diferite epoci, dar multidimensionalitatea în epoca căutărilor artistice libere capătă o semnificație specială.
• Cezanne a început să se limiteze la trei culori: verde, albastru și ocru, amestecate, bineînțeles, cu culoarea albă a pânzei în sine. Cézanne avea nevoie de această abordare a alegerii culorilor pentru a obține cel mai semnificativ rezultat artistic cu un minim de fonduri. Modelarea formelor pe pânză, precum și generalizarea lor, devin mai laconice în această perioadă.
• În opera sa, artistul a încercat, cu prețul unor eforturi titanice, să împace clasicul și modernitatea, Poussin și natura, legile marelui stil și dreptul la alegere individuală.

Cezanne este atât de neobișnuit, ciudat și unic ca persoană, încât nu știi cum să începi cel mai bine o conversație despre el. Dacă aș fi întrebat cu cine vreau să fiu, aș răspunde fără ezitare: „Pe Cezanne”.

Cezanne- un bloc, un munte imens, el însuși asemănător cu Muntele Sainte-Victoire, care l-a scris de nenumărate ori. Privind la ea, îl văd: puternic, singuratic, tăcut, impenetrabil.

A acționat în loc să scrie, a eșuat și a început totul de la capăt. Încrezător în geniul său, se temea constant că nu va reuși. Perseverent și tenace la muncă, el a fost la fel de neregulat și exploziv în viață.

Foarte timid, temperat iute, chiar furios, căruia nu-i plăcea să fie nici măcar atins sau, și mai rău, a încercat să intre în spațiul personal fără știrea lui,
Cezanne a găsit singurul loc în care s-a simțit ca acasă, munca lui.
S-a aruncat cu capul în ea, găsindu-și aici spațiul de locuit.

Munca: in fiecare zi, fara oprire, metodic, fara a ridica capul, fara a fi distras de nimic. Voia ca toată lumea să uite de el și să-l lase să lucreze în pace. Dintr-o viață insuportabilă, dureroasă, teribilă și cumplită pentru el, s-a făcut refugiu, găsind în ea singura nișă în care se simțea bine.

Spre sfârșitul vieții, pictorul a dezvoltat o disciplină strictă, ducând un stil de viață aproape monahal. Rutina lui obișnuită: se trezea înainte de zori, pe la șase dimineața era deja în atelier și lucra acolo până la unsprezece. În ultimii ani, când, din cauza bolii, artistul nu a putut să fie mult timp în căldură, s-a apucat de lucru încă de la patru dimineața.

După ce a lucrat în atelier, a luat micul dejun și puțină odihnă. Apoi s-a dus la schițe, purtând asupra lui toate vopselele, pânzele și alte accesorii. Când a devenit dificil de mers (Cezanne suferea de diabet sever în ultimii cincisprezece ani), a început să angajeze un echipaj, apoi a abandonat-o, trecând la acuarele ușoare.

Paul Cezanne s-a întors din aer liber la ora cinci seara, pentru o cină devreme. După cină, pe la șase seara, m-am culcat dimineața să o iau de la capăt. Și așa în fiecare zi, pe orice vreme, cu concentrare, măsurată, fără oprire, până în ultima zi de viață.

„Am jurat că voi muri în timp ce muncesc, dar nu voi cădea în neputința umilitoare de care bătrânii se tem atât de mult”, a scris el cu mai puțin de o lună înainte de moartea sa. Pentru că mai există o concluzie tristă la care a ajuns: nimeni nu poate ajuta pe nimeni în niciun fel...

Dependent de familia sa și luptă mereu spre libertate și independență, întinzându-se spre oameni și în același timp respingându-i, toți țesute din contradicții, a căutat mântuirea în pictură. L-a vindecat, l-a înălțat, l-a eliberat de temeri și complexe.

Cezanne s-a căutat pe sine toată viața, mergând la sine, construindu-se și construindu-se, ca o compoziție în picturile sale. Deja în anii săi de declin, crezând că a găsit contururile Țării Făgăduinței, a continuat să se îndoiască dacă i se va permite să intre în Ea. Sau ca Moise, el o va privi doar de departe de pe vârful muntelui, dar Dumnezeu nu-i va lăsa să intre în Ea.

Artistul nu a înțeles pe deplin ce a creat, ce a găsit și ce a descoperit. Îndoindu-și mereu capacitatea de a întruchipa ceea ce vede pe pânză, mereu nemulțumit de sine, a lăsat în urmă peste o mie de tablouri, desene, schițe, fără să socotească o mie rupte, distruse, aruncate în cuptor.

Spre sfârșitul vieții, a devenit o legendă: unii credeau că „Cezanne” este pseudonimul unui artist care nu voia să-și dezvăluie numele adevărat; alții - că Cézanne este o figură fictivă, iar alții îl considerau mort.

Soarta lui este unică, a fost ca un mit în timpul vieții, devenind celebru și necunoscut în același timp. Adevărat, artistul nici nu și-a observat celebritatea, ea a trecut fără să-l atingă. A continuat să trăiască la fel ca înainte: măsurat, retras, evitând oamenii și societatea, predându-se singurei sale bucurii și fericire - creativitatea.

Cezanne. Scăldatori mari. 1898-1905 ani

După ce am vizitat Provence acum douăzeci de ani, mi-am amintit de căldura insuportabilă în care s-a topit Marsilia. Îmi amintesc de Chateau d'If cu celulele sale de închisoare, un peisaj de piatră deșert, case de piatră singuratice, munți și liniște solemnă. O colegă cu care călătorim cu mașina prin Provence nu s-a putut abține și a spus cumva rece: „Ce natură mohorâtă și urâtă aici, și niște case de piatră, inestetice”.

La care Jacques, francezul care ne însoțea, a reacționat tranșant: „Iată frumusețea divină! Nu am văzut asta niciodată în toată Franța.” Jacques era solidar cu Cézanne, care credea că oricine a vizitat Provence măcar o dată va fi pentru totdeauna captivat de frumusețea ei.

Cezanne era o fire poetică foarte vulnerabilă, receptivă și ușor de trezit. Din copilărie a fost atras de artă, a scris poezie în latină, având capacitatea de a limbi străvechi, a cunoscut mulți poeți antici pe de rost, a studiat la școala de artă din orașul natal, dar multă vreme nu s-a putut determina în alegerea sa de profesie, pentru că băiatul avea abilități pronunțate se pare că nu a fost.

Cu atât mai surprinzător este drumul pe care a parcurs artistul în formarea sa, în primul rând ca persoană, iar în al doilea rând, ca artist.

„Ceea ce contează nu este ceea ce face artistul, ci cine este el. Perseverența nelimitată este ceea ce ne învață.”

Acestea sunt cuvintele lui Picasso. Dar sunt complet de acord cu el: este imposibil să-i despart arta și personalitatea în Cezanne, unul l-a creat pe celălalt.

Portretul grădinarului Valier. anul 1906

S-a făcut pe sine, depășindu-și natura tandră, vulnerabilă, iritabilă cu muncă și devotament pentru artă. Generațiile mai tinere de artiști - Henri Matisse, Georges Braque, Paul Gauguin, Pablo Picasso și alții - i-au admirat viața nu mai puțin decât pictura.

„Cezanne este tatăl nostru comun”, a spus Matisse. S-a dovedit a fi o punte între trecut și viitor, prin care tinerii au pătruns în secolul XX, demontându-l în citate și bucăți: unele de culoare, altele constructive, altele compoziționale, altele personale.

Am plecat intenționat de la sfârșitul vieții artistului, pentru că în tinerețea mea nimeni nu l-ar fi spus sau bănuit de un geniu care a determinat dezvoltarea picturii pentru decenii și ani de acum înainte. Toată arta contemporană a apărut din Cézanne.

Și, în același timp, mai mult decât Cezanne, nimeni nu a fost expus unei asemenea obstacole și urii din partea artiștilor inovatori. În orașul natal, nu a fost recunoscut până la moarte. Nici măcar Zola, un prieten din copilărie cu care erau prieteni de multe decenii, nu credea în el.

La expozitie. Reacția publicului la picturile lui Cézanne

După ce a scris cartea „Creativitate”, el a scos în evidență personajul principal din ea, în care au recunoscut-o pe Cezanne. Eroul, conform scriitorului, poseda abilități, dar a rămas un eșec, sinucidându-se. Prietenia s-a încheiat acolo.

Zola, după ce a scris și făcându-și drum spre o viață burgheză bine hrănită, nu l-a înțeles pe Cezanne. A cumpărat o casă bogată, a mobilat-o cu bibelouri bogate, a avut o soție, o amantă și doi copii nelegitimi, asupra cărora s-a liniștit.

Cezanne a fost și a rămas ascet până la sfârșitul vieții. După ce a primit o mare moștenire de la tatăl său-bancher, el a împărțit-o: 2/3 soției și copilului său, pentru că locuiește cu mama și sora sa - 1/3.

Spre sfârșitul vieții, a fost nevoit să vândă casa tatălui său, în care și-a petrecut cea mai mare parte a vieții. Paul Cézanne era interesat doar de artă, crezând că treburile lumești nu sunt pentru el, lăsându-le în grija surorii sale, a mamei și apoi - a fiului său.

Moșia tatălui - moșie Jas-de-Bouffan

Pe lângă pictură, iubea poezia, l-a idolatrizat pe Charles Baudelaire, știa pe de rost toate Florile răului. Drumul lui Cézanne a fost într-o oarecare măsură repetat de Glenn Gould deja la mijlocul secolului nostru, construindu-se după aceleași modele de muncă, singurătate și devotament pentru artă.

„Nu m-am oprit niciodată, niciodată și niciodată!” - acesta a fost motto-ul lui Paul Cézanne și a devenit un exemplu pentru mulți dintre adepții săi.

Cezanne. pustnic provensal. Partea 2

Autoportret cu o paletă. 1885-1887 Cezanne s-a născut la 19 decembrie 1839 în micul oraș Aix din sudul Franței. Născut în afara căsătoriei, devenind fiu legitim la doar cinci ani.

Tatăl său și toate rudele paterne erau din orășelul Cesanne Turinese din Alpii italieni, cu rădăcini evreiești. De aici și numele de familie - Cezanne.

Tatăl său, Louis-Auguste, avea o perspicace puternică pentru afaceri și, după ce s-a format ca producător de pălării la Paris, a deschis un mic comerț de pălării din fetru în orașul său.

Când avea nevoie de pălării, iar furnizorii nu aveau suficienți bani să le facă, le împrumuta bani la un anumit procent pentru a nu exista întreruperi în comerț. Acum, aceasta este o practică obișnuită, dar apoi a făcut-o pe riscul și riscul său.

Curând, Louis-Auguste și-a dat seama că a împrumuta bani era mult mai profitabil decât a produce el însuși ceva. Așa că a devenit mai întâi un cămătar major, iar apoi, după ce a deschis o bancă locală, un finanțator important. Revoluția burgheză franceză din 1848 a dat drepturi burgheziei, facilitând dezvoltarea acesteia, iar treburile lui Auguste au urcat.

Tatăl artistului Louis-Auguste Cezanne

S-a îmbogățit rapid și devenind un nouveau riche, bătrânul Cézanne a dobândit moșia Jas de Bouffan, reședința de vară a guvernatorului din Provence. Dar în oraș era urât ca orice străin parvenit și chiar și pentru pumnii strânși, îndrăzneala sa și evreia.

„Republicanul batjocoritor; rece, lacom și mic burghez „- așa îl caracterizează Zola. Antipatia orașului pentru Auguste s-a extins și asupra copiilor săi.

Mama lui Cézanne, Anne Aubert, era una dintre tinerele vânzătoare din magazinul de pălării pe care Cézanne o alesese drept amantă. Analfabetă și abătută, dintr-o familie muncitoare din Marsilia, ea i-a născut un fiu, apoi încă două fiice.

De dragul corectitudinii, trebuie spus că Louis-Auguste le-a recunoscut imediat ca fiind ale sale. Dar căsătoria a fost înregistrată oficial la numai cinci ani de la nașterea lui Pavel. Nu numai localnicii, ci și fiul său Paul, viitorul artist de geniu, se temeau și îl urau pe cel mai mare Cézanne. În portretul tatălui devremei Cézanne, se poate observa această antipatie față de tatăl său.

Portretul unui tată citind un ziar. 1868-1871 ani.

Dar Paul și-a iubit foarte mult mama, deși s-a străduit toată viața să scape de dependența de familie. Ann-Elizabeth și-a adorat fiul, l-a mângâiat și, cât a putut, l-a protejat de tatăl său. Ea a pozat rar pentru artist; singurul ei portret din cercul familiei se păstrează în pictura lui Cézanne Uvertura lui Tannhäuser.

Frica de tată și nevoia de protecție maternă, l-au făcut pe Paul Cézanne nevrotic, mizantrop, asocial și inadaptat la viața în societate. „Trebuie să fiu singur, pentru că nu pot face față fraudei umane”, a scris el odată. Și asta era adevărat.

Întotdeauna s-a temut și a urât societatea. Acest lucru este pe deplin de înțeles doar pentru cei care nu au acceptat niciodată socialitatea ei înșiși, dar și-au înăbușit ura pentru ea în ei înșiși, forțați să se adapteze la societate și gusturile ei.

Paul a studiat la cea mai prestigioasă școală din orașul Aix - College Bourbon. Era pentru oamenii bogați și înstăriți și, în ciuda sărăciei și a dezavantajului, avea o tradiție umanitară bogată.

Fata la pian (Uvertură pentru Tannhäuser). Portret de familie. Sora artistului la pian și mama la acul. 1868 g.

Paul a fost un student foarte disciplinat, sârguincios și strălucit. Abilitatea sa în limbile antice și matematică a fost remarcată în special. A scris poezie în latină și franceză, îi cunoștea pe de rost aproape pe toți Homer și Vergiliu și îi putea cita pe Apuleius și Lucretius ani mai târziu. A fost premiat în mod repetat cu diplome, îi plăcea să scrie eseuri.

Mai târziu, scrisorile au devenit practic singura legătură a lui Paul Cézanne cu lumea și societatea, adică natura sa închisă și necomunicativă. La școală, s-a împrietenit cu Emile Zola, al cărui tată a fost transferat într-un oraș de provincie pentru a construi o structură de inginerie.

Paul Cezanne s-a împrietenit cu băiatul după incidentul când l-a susținut pe Emile. Zola era din capitală și nu era acceptată în provincii. A șchiopăta și la școală a devenit repede un băiat de biciui. Odată, văzând cum l-au bătut, Paul l-a salvat pe Emil.

A doua zi, băiatul i-a adus un coș cu mere în semn de recunoștință. Paul a spus atunci că va cuceri Parisul cu mere. Deși a fost o glumă, a devenit vizionar: Paul Cezanne a cucerit cu adevărat Parisul patruzeci de ani mai târziu cu naturile sale cu mere.

Emile Zola

Paul Cezanne a rămas prieten cu Emile Zola aproape 40 de ani, până când scriitorul, în ultima sa carte, Creativitatea, și-a numit prietenul și artistul, crescut sub un nume presupus, un ratat care s-a sinucis. Pavel a considerat pe bună dreptate că aceasta a fost o trădare.

Programul facultății includea lecții de desen, dar lui Paul Cezanne îi era frică de ele, spre deosebire de Zola, căruia îi plăcea să deseneze. Toată lumea credea că Paul va fi un scriitor, iar Emil un artist. Dar viața s-a rătăcit. De ce? Greu de spus. Dar Cezanne a devenit un artist strălucit, iar Zola a fost doar un scriitor.

După absolvirea școlii, Zola pleacă să cucerească Parisul, Cezanne este nevoit sub presiunea tatălui său să intre în universitatea locală de la Facultatea de Drept: tatăl său a vrut să-l pregătească ca însoțitor și să-l facă succesorul afacerii sale bancare.

Zola îl cheamă la Paris, dar Paul nu se poate împotrivi tatălui tiran și găsește o ieșire în urma cursurilor de pictură la școala studio locală. Viața în moșia Jas-de-Bouffan sub presiunea constantă a tatălui său devine din ce în ce mai insuportabilă. Dar aici artistul și-a trăit cea mai mare parte a vieții.

Jas de Bouffan. Cezanne. anul 1878

În cele din urmă, tatăl își părăsește fiul și acceptă mai întâi să doteze un atelier de pe moșie, apoi să plece la Paris, ba chiar alocă 100 de franci pentru școlarizarea lunară și întreținerea locuinței sale.

Din momentul în care a ajuns prima dată la Paris, la vârsta de 22 de ani și aproape până la sfârșitul vieții, Paul Cezanne va continua să alerge între Provence și Paris. În primul, totul îi era familiar, familiar și iubit, în al doilea - totul era inconfortabil, plictisitor și deprimant pentru psihic.

Parisul nu l-a acceptat pe Cézanne. Un bumpkin de provincie cu un puternic accent provensal, un roșu grosolan și nepoliticos, îmbrăcat într-un halat incredibil și indecent pentru capitală, iritabil, cu complexe și temeri Paul Cezanne a făcut o impresie deprimantă în rafinata societate metropolitană a artiștilor.

A devenit subiect de glume și ridicol, la care a reacționat foarte sensibil, pentru care a fost supranumit „un bărbat fără piele”. A fost salvat pictând, studiind la Suisse și vizitând Luvru, unde i-a copiat pe Delacroix, Titian și Rubens. Influența lor se simte clar în lucrările sale timpurii: întunecate, romantice, pline de pasiune și tensiune interioară a artistului însuși.

Cezanne. Răpire. anul 1868.

Academia Elvețiană a oferit șefilor, dar nu a predat nimic. S-a pregătit pentru admiterea la cea mai autorizată școală de artă Ecole de Beauzar. În Elveția, i-a văzut pe cei care stăpâneau tehnicile și tehnicile academice mult mai repede și a decis să părăsească Parisul, dobândind încă câteva complexe pentru el.

Acasă, a plecat la muncă în biroul tatălui său, dar nu a reușit să-și învingă ura față de afaceri: „acum, ca leneș, sunt fericit doar când beau; Îmi este greu să continui, sunt letargic și nu este bun de nimic ”, scrie Paul după Paris într-o scrisoare către Zola. El este profund deprimat. Pictura îl readuce la viață.

Un an mai târziu, a fost din nou la Paris, din nou înscris în Suisse, dar nu a fost admis la Ecole-de-Beauzard. Dar pentru asta era deja pregătit. Așa au trecut primii zece ani dureroși în profesie, pe care el o numea cândva „cățeluș”.

Speranțele au făcut loc dezamăgirii, orizonturile viitorului au devenit din ce în ce mai întunecate. Și-a dorit să aibă loc în pictură, dar a fost împiedicat de pasiunea personală, senzualitatea și imaginația exuberantă. Pentru a deveni artist, a trebuit să-și depășească natura, a trebuit să o îmblânzească și să învețe să-și gestioneze talentul.

Paul Cezanne. 22 de ani.

A înăbușit toate nenorocirile și criticile cu munca grea, Cezanne s-a închis în studio și a pictat pânză după pânză toată ziua, fără oprire, niciodată pentru nimic. Pictura era pentru el nu atât o plăcere, cât o sarcină grea.

În fiecare seară cădea într-o neagră melancolie, vorbea despre apatie și somn letargic. I se părea că viața devine mortal de monotonă și atrăgea să se distreze. Divertismentul a durat patruzeci de ani.

Ani de muncă asiduă și-au făcut treaba: la fiecare zece ani au devenit o etapă în viața lui și în pictura lui.

Cezanne. Moise al artei contemporane. Partea 3

Cezanne la sfârşitul vieţii s-a comparat cu Moise. Au existat motive pentru asta. Timp de patruzeci de ani a mers prin deșertul pustiu, unde piciorul niciunui artist nu trecuse înainte:

a fost un inovator, un experimentator, un vizionar strălucit, depășind pas cu pas rezistența naturii, mediului, naturii, luminii, culorii sale.

De mai bine de patruzeci de ani, Cezanne și-a trăit complexele și, obosit de lupta cu societatea, nerecunoașterea, gusturile academice și alte obstacole în drumul spre vârf, a rămas el însuși, alegând calea unui pustnic singuratic.

Abia spre sfârșitul vieții sale, Cézanne, ca și Moise, a prins contururile Țării Făgăduinței.

„Voi deveni ca un mare profet evreu și mi se va permite să intru pe acest Pământ?” – s-a îndoit el cu trei ani înainte de moarte, fără să creadă că a realizat ceea ce căuta. Paul Cezanne mergea încet, foarte încet, uitându-se și gândindu-se la ceea ce vedea în fața lui. Nici o singura pensula in plus, nici un singur detaliu in plus, totul a fost atent gandit si reglat. Cei care în perioada ulterioară au urmărit lucrările maestrului au spus că el poate observa ore întregi, apoi să facă o singură lovitură și să se cufunde din nou în ceea ce era în fața lui.

Schimbările în felul său devin vizibile la numai mulți ani de la debutul etapei următoare. Chiar și criticilor de artă le este uneori dificil să atribuie una sau alta dintre picturile sale unui anumit an și perioadă, atât de lente au fost schimbările în maniera sa artistică, atât de încet încât a mers.

Autoportret cu șevalet. anul 1898

Dacă Picasso și-a schimbat dramatic stilul și este ușor să-și periodizeze picturile în funcție de ce femeie i-a fost alături, atunci Cezanne s-a inspirat din natură, din puterea, tăcerea, stabilitatea și imobilitatea ei, care au devenit mai vizibile și mai vizibile în lucrările recente.

S-a străduit să înfățișeze nu atât natura, cât eternitatea însăși. A fost un filosof și a căutat eternul, uitându-se nu numai la natură și la om, ci și la sine.

În același timp, a încercat să arate atât mobilitatea, cât și punctele de vedere diferite ale aceluiași obiect, noutatea acestuia, care se manifestă în funcție de partea din care privesti.

Încercând să descrie cât mai exact ceea ce a văzut, el însuși a devenit parte a picturilor sale, ca și cum s-ar plasa în centru și ar arăta privitorului obiecte din diferite părți în același timp: acum de jos, acum de sus, acum de latura. Această tehnică va fi apoi adoptată de Picasso.

Unele dintre picturile lui Cezanne au rămas neterminate, astfel că după un timp, cu una nouă înăuntru șiși noi tehnici pentru a reveni la ele din nou, completându-le cu noi tehnici.

Natura morta cu mere si portocale. 1895-1900 ani

Deși dificil, dar, totuși, drumul lui Paul Cézanne poate fi împărțit condiționat în patru etape, fiecare egală cu aproximativ zece ani. La fiecare zece ani a devenit diferit, dezvoltând ceea ce s-a găsit în etapele anterioare și adăugând noi la fiecare următoare.

Anii şaizeci sunt o perioadă romanticăîn care Cezanne încerca să-și exprime pasiunile, experiențele, gândurile grele și sumbre. Încă nu deține nici culoare, nici lumină, nici formă sau pensulă, așa că nu a putut exprima ceea ce și-a dorit.

Picturile timpurii sunt foarte întunecate, arată pasiune, erotism, violență, moarte, iar culorile exprimă un astfel de impuls emoțional, de parcă artistul s-ar răzbuna pe sine pentru ceva. Numele picturilor vorbesc de la sine: „Violență”, „Femeie sugrumată”, „Ucigaș”, „Autopsie”, „Orgie”, „Curtezană”.

Dar, în același timp, până la sfârșitul perioadei, se poate observa deja efortul lui Cezanne pentru soliditate, deliberare, echilibru, stabilitate și adaptare a obiectelor individuale. În unele picturi, acestea sunt atât de bine fixate încât arată ca cărămizile într-un perete monolitic, aliniate clar atât pe orizontală, cât și pe verticală, formând cadrul unui singur întreg.

Natura moartă cu un ceas negru. 1869-1871

Treptat, abandonează curbura siluetelor, preferând liniile arhitecturale drepte. Așa că Cezanne își îmblânzește temperamentul violent, folosind tehnicile de aranjare metodică și precisă a detaliilor picturilor sale, ca și cum i-ar încetini tempo-ul. Dar melancolia se simte încă în tablouri.

Până la sfârșitul anilor șaizeci, în viața lui personală aveau loc schimbări serioase: în 1869, la Paris, a cunoscut o fată tânără care lucra ca model, Marie-Hortense Fiquet. Ea este cu unsprezece ani mai tânără decât Paul, dar el s-a atașat de ea.

Aceasta a fost prima și ultima femeie din viața artistului cu care a intrat într-o relație permanentă. Dar nu se poate spune că Cezanne a iubit-o. Prietenii au numit-o pe Hortense „Kettlebell”, adică a atârnat ca o greutate pe picioarele lui.

Hortensia este prezentă în peste patruzeci de tablouri ale maestrului, dar nimeni nu poate spune cu siguranță ce a fost. Cezanne nu s-a străduit niciodată pentru asemănarea exactă în portretele sale, percepând omul ca parte a naturii, la fel de neschimbător și nemișcat. Dar toată lumea vorbește despre opusul lui Paul și Marie Fiquet.

madame Cezanne. bieniu 1883-1887

Poate de aceea artistul locuia rar cu familia lui, l-a îngreunat. Hortense a trăit în principal la Paris, îi plăcea viața socială, spre deosebire de Cézanne, care căuta singurătatea și pacea. Îi plăcea să locuiască în Jas-de-Bouffant, unde era atelierul lui. La Paris, a devenit descurajat.

Cezanne își ascunde cu grijă legătura de tatăl său, temându-se că nu-și va tăia mijloacele de trai, de care are mai ales nevoie acum. Când a început războiul franco-prusac, Cezanne a plecat în Est cu Hortense. A k, într-un sat de lângă Marsilia, situat într-un defileu între stânci.

Ferindu-se mereu de orice bătălii sociale și politice, se așteaptă să nu fie chemat la serviciul militar și să poată lucra în pace. El a reusit. Pentru prima dată se cufundă în jocul de culori al munților, mării și dealurilor, rezolvând problema îmbinării naturii și a ceea ce a simțit când se uită la ea.

Est A k era foarte aproape de casa părintească, iar artistul își putea vizita familia neobservat de tatăl său. În 1872 are un fiu. Deci, în secret, timp de opt ani, viața lui de familie a durat, până când într-o zi bătrânul Cezanne, care avea obiceiul de a deschide scrisori de la rude, a aflat că Paul al său are o femeie și un fiu nelegitim.

Marea la Estaque. 1876 ​​g.

Tatăl, așa cum se temea Paul, a tăiat conținutul în jumătate. Mama, care și-a iubit fiul și nepotul, a fost foarte îngrijorată și, în cele din urmă, și-a convins soțul să-i returneze lui Paul întreaga sumă de sprijin. Dar, oficial, Cezanne a legalizat relațiile cu Hortense cu doar șase luni înainte de moartea tatălui său, în 1886. Fiul său avea paisprezece ani până atunci, iar Cézanne însuși avea aproape cincizeci de ani.

Anii șaptezeci - perioada impresionistă... Artistul începe să stăpânească tehnica găsită de impresioniști. Se străduiește să stăpânească lumina și culoarea, o nouă pensulă ușoară, lucrul în aer liber.

Chiar și la prima sa vizită la Paris, l-a cunoscut pe Camille Pissarro, care era cu nouă ani mai mare decât el. Camille aparținea impresioniștilor și l-a sfătuit pe Cézanne să-și facă paleta de culori mai strălucitoare, iar traza mai deschisă, să scape de tehnicile grele de scriere și tonurile întunecate.

Cezanne se stabilește împreună cu familia la Pissarro din Pont. A ze, iar apoi în Ov e re și învață să stăpânească lumina și culoarea. Pissarro a fost unul dintre puținii care au suportat caracterul lui Cézanne. Paul a căzut cu toți ceilalți.

Olimpia modernă. bieniu 1872-1873

Sub influența lui Pissarro, pe care Cezanne îl numea tatăl său, Îngerul Păzitor și Bunul Dumnezeu, picturile lui Cezanne devin luminoase, însorite, strălucitoare, tușa lui capătă lejeritate și transparență.

Aceasta a fost prima și ultima ucenicie a lui Cézanne. Și a fost primul artist care nu a avut o educație academică, despre care i s-a lăsat în mod constant aluzie, spunând că picturile sale sunt greșite.

În același timp, Cezanne a păstrat dorința de a exprima stabilitatea lumii, care a apărut deja în lucrările sale timpurii. Nu s-a inspirat din culorile și formele care se schimbă rapid sub influența impresiilor și sentimentelor de moment, aceasta nu era lumea lui.

Spre Pont A ze și ov e A lucrat aproape trei ani, performanța lui a fost uimitoare, în fiecare zi, dimineața și seara, pe ploaie și soare, mergea în aer liber. Culoarea picturilor sale devine mai strălucitoare, pensula este mai scurtă și mai moale, ciocnirile ascuțite de umbră și lumină dispar, el se îndepărtează de comploturile sumbre ale primei perioade.

Casa Spânzuratului la Auvers. bieniu 1872-1873

Prima sa pictură impresionistă a fost pictura Casa spânzuratului, pictată în 1872. Este foarte luminos, însorit, foarte diferit de lucrările timpurii. Este pictat cu tușe subțiri și ușoare, dar în același timp are acea forță, putere și stabilitate care disting picturile lui Cezanne.

În 1874, Cezanne a participat la o expoziție a impresioniștilor cu picturi „Olympia modernă” și „Casa spânzuratului”. Dar nici o singură poză a expoziției nu a primit atât de multe recenzii și critici devastatoare: „Autoarea este un nebun, scriind în stare de delirium tremens”.

Reacția isterică față de Cezanne l-a bântuit aproape până la sfârșitul vieții. A mai fost o expoziție în 1877, în care a fost din nou ridiculizat. Nu a mai expus.

Apoi artistul nu a fost remarcat timp de aproape douăzeci de ani, timp în care nu a încetat să lucreze, îmbunătățind ceea ce a găsit. Treptat, Cezanne începe să simtă forma geometrică, să pătrundă în profunzimea ei, liniile orizontale și verticale, ritmul, repetarea acelorași culori, dar în locuri diferite ale tabloului, devin nucleul picturilor, creând un singur spațiu.

Victor Choquet pe scaun. 1879-1882

Înainte erau cei mai rodnici douăzeci de ani, care îl glorificaseră pe artist. Acești ani au inclus două perioade: constructivistă și sintetică, care au pus bazele întregii arte moderne.

Cezanne. Un triumf tardiv. Partea 4. Sfârșit

CezanneÎn ultimii douăzeci de ani - anii 80 și 90 - a fost în exil voluntar, toată lumea l-a uitat: rareori vizitează Parisul, s-a certat cu prietenii, se întâlnește din când în când cu soția sa, doar fiul său îl leagă de ea.

Dar acești ani au devenit pentru Cezanne cel mai rodnic și inovator, deși în plan personal nu se știe aproape nimic despre acești ani ai artistului. Doar Camille Pissaro își amintește și o iubește pe Cézanne.

Iar artistul, între timp, nu încetează să lucreze, mutându-se dintr-un loc în altul, fără să stea nicăieri mai mult de un an. Timp de douăzeci de ani, Cezanne se transformă dintr-un artist bun într-un geniu, descoperind noi tehnici și semnificații.

Pictează naturi moarte și fiecare dintre ele devine o capodopera. Pictează portrete și grupuri de oameni, iar acestea devin o revelație. Pictează Muntele Sainte-Victoire și peisaje, iar acestea uimesc prin noutatea, profunzimea filozofică și culoarea lor. El face acuarele, iar acestea uimesc prin moliciune și imponderabilitate.

râu lângă podul celor Trei pâraie. 1906 g.

A treia perioadă a lui Cézanne – optzeci – constructivistă... În acești ani, artistul s-a concentrat pe construcția unui spațiu holistic și unificat, pe căutarea unor noi modalități de înfățișare a tridimensionalității lumii naturale pe o pânză bidimensională, fără a recurge la perspectiva rectilinie sau, și mai rău, perspectiva imaginară folosită de impresionişti.

Cezanne a făcut ca fiecare bucată de pânză să fie echivalentă, folosind o succesiune de culori și forme care trec prin întreaga pânză, trăgând-o într-un singur spațiu. Folosește linii mici și strict paralele care fac ca tabloul să pară țesut dintr-o singură bucată.

Conacul din Medan. 1879-1881 g

Dar înainte de a începe imaginea, Cezanne se uită mult timp la ceea ce se află în fața ochilor lui. El caută sens, profunzime, punct de plecare și doar atunci când „vede” imaginea din capul lui și înțelege cum va fi construită, începe să lucreze. Peering-ul este etapa principală și cea mai esențială a muncii.

Când este terminat, subiectul dispare deja, dând loc percepției subiective a peisajului și semnificațiilor pe care artistul le pune în imagine. Cezanne spunea că nu orice imagine poate fi numită și poate deveni un tablou. Un tablou este mai mult decât o imagine.

Acest lucru este valabil mai ales pentru picturile cu vedere la muntele Sainte-Victoire, pe care le-a pictat de peste 60 de ori. În momente diferite și din puncte de vedere diferite. Vederile de pe munte devin din ce în ce mai laconice, detaliile nesemnificative și pâlpâirile inutile sunt eliminate din ele. Rămâne doar cele mai esențiale, reflectând frumusețea naturii provensale, liniștea, tăcerea și puterea ei.

Muntele Sainte-Victoire. 1885-1887

În același timp, Cezanne a început să picteze naturi moarte, care l-au atras pentru aceeași: tăcere, tăcere, stabilitate și frumusețe. Și a pictat naturi moarte la fel de atent și cu aceeași atenție a fiecărei liniuțe, pensulă, detaliu ca peisajele.

Pentru artist a fost important ca merele, perele, vazele și alte obiecte neînsuflețite să rămână mereu aceleași. Când fructul s-a stricat, a făcut manechine. Pentru Cezanne, care lucrează foarte încet și se gândește mult timp la compoziția picturilor, construindu-le în conformitate cu propriile sale semnificații, acest lucru a fost foarte important. Pentru el, un măr era mai mult decât un măr.

Natura moartă cu un bol de supă. 1884 g.

Venind la portrete, Cezanne le-a cerut șatenților același lucru: imobilitate absolută, statică, liniște și pace. Trebuiau să fie la fel de nemișcați ca fructele, legumele, craniile și vazele din națiunile moarte.

Au fost nevoiți să înghețe într-o singură poziție și să o mențină câteva ore la rând. Abia atunci a putut vedea sensul și profunzimea pe care le căuta. Nu era interesat de individualitate și portretul psihologic.

A văzut mai adânc, pătrunzând în natura eternității, care era aceeași peste tot: în munți, în natură, în măr și în om. Principalii șezători pentru Cezanne au fost rudele sale, soția și fiul lui.

Cele mai interesante din seria de portrete ale acestei perioade sunt picturile „Ultima zi a carnavalului” și „Arlechinul”. În ele, fiul său Paul a pozat pentru el.

Ultima zi de carnaval. 1888 g.

Acesta nu mai era impresionism. A apărut o nouă direcție în pictură - postimpresionismul. Artistul nu a negat ceea ce s-a realizat în etapele anterioare, a folosit doar ceea ce a găsit deja pentru a-și transmite ideea.

Și Cezanne a avut-o: a vrut să găsească logica internă a naturii, care este logica internă a lui însuși și a fiecărei persoane. Natura și omul sunt supuși acelorași legi, pe care Cézanne caută și încearcă să le exprime cu insistență.

Rezultatul căutării acestei perioade este concluzia că în natură există doar trei forme din care constă totul: un cilindru, un cerc, o sferă.

A patra perioadă - nouăzeci și zero ani- sintetic, final.
Cezanne folosește tot ce a găsit de-a lungul anilor. Acesta nu mai este realism, nu impresionism, nu constructivism. Aceasta este o descoperire într-un nou spațiu artistic, în care totul este subordonat unității conceptului, tot ceea ce a fost dezvoltat de-a lungul anilor lungi de căutare este ajustat și atașat ideii.

Apa și cerul lui sunt la fel de dense ca Muntele Sainte-Victoire, reflectări în apă ca niște structuri arhitecturale. Nu există nici măcar un indiciu de transparență, lejeritate și mobilitate a impresionismului, de la care Cezanne se îndepărtează complet. În picturile sale, totul este stabil, solid și nemișcat, totul este subordonat unui sens secret și ordinii neschimbate.

Lacul de la Annecy. 189

Acest lucru a fost exprimat și mai viu în portretele în care oamenii sunt înfățișați în ipostaze tensionate și tăcute. Seria Card Players este considerată una dintre cele mai faimoase și recunoscute capodopere. Ea înfățișează țărani simpli stând în poziții nemișcate, concentrându-se asupra jocului.

Cezanne înlătură din picturile sale orice „literar”, emotivitate și superficialitate, care ascund și ascund sensul real și profund. El transmite soliditatea, seriozitatea, demnitatea și liniștea țăranilor provensali.

Picturile sale devin ascetice și lipsite de detalii irelevante. Apoi va fi adoptat de Matisse, Rousseau, Gauguin și alții.

Jucători de cărți. 1892-1893

După ce s-a îmbolnăvit de diabet, când artistului i-a devenit greu să poarte vopsele și obiecte grele, el apelează din ce în ce mai mult la acuarele, pe care le-a abandonat la un moment dat. Până la sfârșitul carierei, Paul Cezanne a învățat să lucreze rapid și precis, ceea ce este deosebit de important pentru acuarele, care nu tolerează prelucrarea, spre deosebire de lucrul cu ulei.

În plus, era mai în concordanță cu natura lui impetuoasă și irascibilă. Acuarelele sale sunt încântător de ușoare, precise și transparente. Adesea nu pictează peste hârtie, lăsând pete albe care arată ca un întreg, sporind efectul de transparență al imaginii.

Peisaj în Provence. 1902 Acuarelă

Paul și-a petrecut ultima vară a vieții pe malul râului Ark, unde a creat capodopera „Râul de la podul celor trei pârâuri” (1906). În acest loc, Paul Cezanne și prietenul său Emile Zola s-au scăldat în copilăria lor îndepărtată și, probabil, amintirile erau vii în el când a creat această capodopera (vezi mai sus în text).

Un triumf tardiv. Omagiu admirației... De la mijlocul anilor nouăzeci, Cezanne a început treptat să câștige faima. Primii colecționari ai picturilor sale au fost în anii șaptezeci Victor Choquet și Dr. Gachet din Auvers, în casa cărora Cezanne a scris „Olympia modernă”. Amândoi au văzut prospețime și noutate în picturile lui Cézanne.

În același timp, proprietarul unui mic magazin și galerie cu jumătate de normă, tatăl lui Tanguy, care avea un ochi sensibil pentru un ochi nou, a început să-și accepte picturile în schimbul vopselelor de care avea nevoie artistul. În schimbul vopselelor, a acceptat picturile multor artiști pe atunci persecutați și nerecunoscuți: Picasso, Van Gogh, Gauguin, Cezanne și alții.

Numai în magazinul lui se vedeau picturile lui Cézanne și la începutul anilor 90 artiștii veneau la el în mulțime să se uite la tablourile artistului, pentru că nu erau nicăieri altundeva.

Dar un rol cu ​​adevărat important în atragerea atenției asupra numelui lui Cézanne l-a jucat proprietarul magazinului de galerie Ambroise Vollard. Camille Pissaro, care și-a amintit și l-a iubit pe Cézanne, l-a sfătuit să organizeze o expoziție a operei artistului. Vollard i-a cerut lui Cézanne să-i trimită mai multe lucrări, la care artistul, căruia publicul nu i-a acordat niciodată atenție, a răspuns rapid.

Portretul lui Ambroise Vollard. 1895

I-a trimis lui Vollard 160 de pânze, care au constituit prima sa expoziție în 1895. Cezanne însuși nu a venit la expoziție și, fiind o dată la Paris, a intrat în ea în treacăt și a spus singurul lucru: „Uau, toate sunt încadrate”.

Apoi a mai fost o expoziție în 1898, organizată de același Vollard, iar în 1915 a scris și a publicat prima sa biografie. După moartea lui Vollard în 1936, a rămas o colecție de artiști contemporani în valoare de opt milioane de dolari.

Acum nu Cezanne era cel care mergea la Paris, ci de la Paris mergeau la Cezanne în Provence. Am mers să-l întâlnim pe artistul misterios, să-i vedem sclavii, să-l fotografiam la serviciu și să-l întrebăm despre munca lui. Un cerc de artiști tineri, începători, a apărut spontan în jurul lui Cézanne.

Dar adevăratul succes a venit la maestru abia după moartea sa în 1906. Un an mai târziu, a avut loc o expoziție de acuarele sale, a fost organizată o expoziție de 48 de picturi în memoria lui, au început să se scrie cercetări despre el și a fost tipărită corespondența cu prietenii.

Tinerii artiști - Matisse, Picasso, Braque, Gauguin, Rousseau - idolatrizați, copiați și repetați. Așa că Picasso și-a pictat „frumusețile din Avignon” sub influența „Bathers” de Cézanne, iar Matisse s-a îndatorat doar pentru a cumpăra acest tablou. Gauguin nu s-a despărțit de picturile lui Cézanne nici măcar atunci când acesta era înfometat, dar nu a vândut niciunul dintre ele.

Marii Scăldatori. 1898-1905

7 ani mai târziu, la Luvru au apărut tablourile lui Cézanne: „Casa spânzuratului”, unul dintre tablourile din seria „Jucătorii de cărți”, naturi moarte și acuarele din colecția privată a bancherului milionar Isaac de Comando.

Trei ani mai târziu, Luvru a achiziționat tabloul „Plopi”. Și apoi s-au mutat aici toate lucrările lui Cézanne, lăsate în moștenire Muzeului Luxemburg de către colecționarul Cabot, cumpărate cândva la prețuri ridicole.

Plopii. 1879-1882

Acum picturile lui Cézanne valorează milioane la licitații. Așa că în 2007 „Still Life with Melons” a fost vândut cu 25,5 milioane de dolari. Dar dacă artistul ar trăi din banii din picturile sale, ar muri de foame.

Tinerii adepți ai lui Cézanne și-au amintit bine lecțiile sale: „Există un singur artist în lume - eu însumi”, - a spus Cezanne și „Dacă cineva încearcă să întemeieze o nouă școală pe numele meu, înseamnă că nu a înțeles niciodată și nu a iubit. ce am făcut.”.